Les meilleures chansons de Jason Mraz

Place maintenant à notre classement des meilleures chansons de Jason Mraz. Avec son joyeux mélange de pop, de folk et de reggae, Jason Mraz a conquis des fans dans le monde entier et est devenu un nom incontournable au cours des 20 dernières années. Originaire de Mechanicsville, en Virginie, l’auteur-compositeur-interprète, lauréat d’un Grammy Award, a remporté de nombreux succès grâce à sa voix pleine d’âme et à son talent pour écrire des paroles émotionnellement honnêtes qui ont conquis le cœur de millions de personnes.

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Qu’il s’agisse d’hymnes entraînants ou de ballades pleines d’âme, les meilleures chansons de Jason Mraz illustrent sa capacité à tisser des histoires d’amour, d’espoir et de découverte de soi avec un son accrocheur et réconfortant.

Notre liste des meilleures chansons de Jason Mraz

10 – GEEK IN THE PINK

« Geek In The Pink » est une chanson amusante et entraînante inspirée du hip-hop et tirée du deuxième album studio de Jason Mraz, Mr. A-Z. Elle met en scène les jeux de mots rapides de Mraz sur un synthétiseur basse Moog de type G-funk, ce qui en fait un morceau délicieusement excentrique et léger à écouter. Une ode à l’importance de rester fidèle à soi-même, même si cela signifie ne pas s’adapter à la foule, la chanson affiche toute la vigueur des rappeurs de la vieille école préférés de Mraz, tels que Young MC, qui a été le premier artiste que l’auteur-compositeur-interprète a vu en concert.

Avec son refrain contagieux et son groove enjoué – assuré par nul autre que le batteur et figure de proue créative de The Roots, ?uestlove – Geek In The Pink est l’une des meilleures chansons de Jason Mraz… et de bien-être qui soient, nous rappelant d’embrasser nos bizarreries et de célébrer notre individualité.

9 – MAKE IT MINE

« Make It Mine », qui a valu à Mraz un Grammy Award pour la meilleure performance vocale pop masculine en 2010, est une chanson magnifique et exaltante tirée de son troisième album studio, We Sing We. Dance. We Steal Things. Une chansonnette jazz-pop vive et entraînante, parsemée d’éclats sincères de saxophone ténor, la chanson parle ostensiblement de la poursuite de ses rêves et du fait de ne pas être freiné par la peur ou le doute.

Figurant parmi les meilleures chansons de Jason Mraz, son message valorisant et sa mélodie entraînante incitent les auditeurs à saisir la balle au bond et à faire de leurs rêves une réalité.

8 – YOU AND I BOTH

Considérée comme l’une des meilleures chansons de Jason Mraz, la ballade optimiste « You And I Both » a été le deuxième single du premier album de l’auteur-compositeur, Waiting For My Rocket To Come. Au milieu d’une splendeur acoustique qui fait chaud au cœur et qui cède la place à un huit central mélodieux, Mraz exprime un désir d’amour et de connexion tout en mettant en évidence son talent exceptionnel d’auteur-compositeur.

Plus de 20 ans après sa sortie, « You And I Both » est devenue l’une de ses chansons les plus écoutées sur Spotify.

7 – THE REMEDY

Premier single de Mraz, « The Remedy (I Don’t Worry) » s’est hissé à la 15e place du Hot 100 américain et a constitué une introduction parfaite à la pop-rock optimiste de l’auteur-compositeur-interprète. Cependant, l’inspiration de la chanson était bien plus sombre, les paroles ayant été inspirées par le diagnostic de cancer d’un ami et son refus de céder au pessimisme. Célébration de la pensée positive et de la résilience, « The Remedy (I Don’t Worry) » est devenu l’une des chansons les plus connues de Jason Mraz et l’a propulsé sur le devant de la scène.

6 – LOVE SOMEONE

Une belle chanson romantique tirée du cinquième album studio de Mraz, Yes !, « Love Someone » est une ballade d’amour tendre et intime agrémentée de la voix apaisante du chanteur et de son son de guitare acoustique caractéristique. « C’est une observation de la beauté de l’amour », a déclaré Mraz à Radio.com à propos de la chanson. « Lorsque vous le donnez, il vous revient immédiatement.

C’est vraiment ce qui nous donne la vie. Avec des paroles qui expriment le pouvoir de l’amour et la joie de trouver quelqu’un qui vous accepte et vous chérit pour ce que vous êtes, la douce mélodie de « Love Someone » et son message sincère méritent vraiment une place parmi les meilleures chansons de Jason Mraz.

5 – 93 MILLION MILES

Faisant référence à la distance qui sépare la Terre du soleil, « 93 Million Miles » est un joyau chaleureux et nostalgique qui brille de mille feux sur le quatrième album studio de Mraz, Love Is A Four Letter Word. Les paroles inspirantes et la mélodie entraînante de la chanson sont accompagnées d’un clip vidéo qui a été visionné plus de 120 millions de fois sur YouTube, prouvant que l’affirmation de Mraz selon laquelle nous sommes tous connectés est plus vraie que jamais.

« Quel que soit l’endroit où vous vous trouvez sur la planète, vous pouvez l’appeler votre maison », a déclaré Mraz dans une interview accordée au magazine Billboard. « Je voulais créer une chanson qui reconnaisse que la maison est là où se trouve le cœur et que c’est à vous d’en décider.

4 – HAVE IT ALL

Lors d’un voyage en Asie, Mraz a rencontré un moine bouddhiste qui a incliné la tête et a dit « tashi delek » – des mots qui se traduisent par « que vous ayez des auspices et des causes de succès ». Inspiré par ce message, Mraz a écrit Have It All, un tube pop qui fait du bien, avec un refrain contagieux et un message positif qui célèbre l’importance de la gratitude et de la capacité à embrasser la beauté de l’instant présent.

« C’est une bénédiction déguisée en chanson de rap et elle est destinée à être transmise et partagée », a déclaré Mraz dans un communiqué de presse accompagnant la sortie de la chanson. Encourageant les auditeurs à vivre pleinement, « Have It All » rejette une grande partie du cynisme que l’on trouve ailleurs dans les palmarès pop.

Place maintenant au podium des meilleurs titres de Jason Mraz

3 – LUCKY (WITH COLBIE CAILLAT)

Le duo romantique « Lucky », extrait de We Sing. We Dance. We Steal Things, célèbre la joie de trouver le véritable amour. « J’ai adoré son style décontracté et l’attention qu’elle porte aux petites choses qui font que les relations fonctionnent », a déclaré Mraz au Sun à propos de sa partenaire de chant, qui s’est fait connaître sur MySpace.

« C’était un plaisir de partager le micro avec elle. Soutenu par des cordes à faire pâlir, « Lucky » a atteint la 48e place du US 100 et a remporté le Grammy Award 2010 de la meilleure collaboration pop avec voix. Elle reste une entrée gagnante parmi les meilleures chansons de Jason Mraz.

2 – I WON’T GIVE UP

Chouchou des fêtes de mariage, « I Won’t Give Up » est une chanson d’amour impeccable dans laquelle Mraz évoque la loyauté et l’engagement, exprimant l’autodétermination d’un amoureux qui jure de rester fidèle à son partenaire. Fait remarquable, cette chanson a été coécrite avec Michael Natter, un guitariste sexagénaire que Mraz avait rencontré lors de soirées de micro ouvert dans un café.

Après que « I Won’t Give Up » a atteint la huitième place aux États-Unis et la onzième au Royaume-Uni, Natter a pu quitter son emploi et prendre une retraite anticipée, vivant des droits d’auteur qu’il a perçus grâce à cette collaboration. « C’est la meilleure histoire de cet album, car il a contribué à la vie de quelqu’un d’autre », a déclaré Mraz.

1 – I’M YOURS

Une tranche de pop-reggae insouciante de We Sing. We Dance. We Steal Things, « I’m Yours » est devenu un véritable succès international dès sa sortie en single en février 2008. Avec la voix décontractée de Mraz et son scat impromptu sur un groove aux accents caribéens, la chanson s’est classée au sixième rang aux États-Unis et au onzième rang au Royaume-Uni, le message qu’elle véhicule – suivre son cœur – lui valant d’être considérée comme un hymne à la bonne humeur.

« I’m Yours est né de la joie », a déclaré Mraz dans une interview accordée à Genius en 2014. « Elle est née de cette heure joyeuse et pleine d’entrain. L’une des meilleures chansons d’amour des années 2000, « I’m Yours » encourage l’écoute à laisser tomber ses soucis, et elle mérite de figurer en tête de notre liste des meilleures chansons de Jason Mraz.

Les meilleures chansons de The Hives

Place maintenant à notre classement des meilleures chansons de The Hives. The Hives est l’un des principaux groupes issus du renouveau du Garage Rock du début des années 2000. Il était à l’avant-garde du mouvement avec des groupes tels que The Strokes et The White Stripes.

Veni, Vidi, Vicious
  • Record Label: Burning Heart
  • Catalog#: BHR 11072
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2000
Black & White Album
  • Black
  • Hives
  • The HivesProduit

The Hives est un groupe de rock suédois qui a fait irruption sur la scène musicale à la fin des années 1990 grâce à ses prestations pleines d’énergie et à son son contagieux inspiré du punk. Au fil des ans, le groupe a sorti de nombreux albums et chansons à succès, devenant l’un des groupes les plus appréciés et les plus influents du 21e siècle.

Avec leurs costumes noirs et blancs caractéristiques et leur attitude de rockstar, les Hives ont rapidement gagné une base de fans fidèles grâce à leur premier album « Barely Legal » et au tube « Hate to Say I Told You So ». Depuis, le groupe a continué à faire évoluer son son tout en conservant son style et son attitude distinctifs.

Notre liste des meilleures chansons de The Hives

10 – Wait A Minute

Pour commencer notre liste des dix meilleures chansons de The Hives, nous avons le single le plus récent extrait de l’album le plus récent, Lex Hives. La chanson a un riff post-punk classique et sonne très puissant. L’album s’est hissé à la septième place des charts suédois et a reçu des critiques plutôt positives. Le bassiste Dr Matt Destruction a quitté le groupe peu après l’enregistrement.

9 – A Little More For Little You

Cette chanson est extraite du troisième album de The Hives, Tyrannosaurus Hives, sorti en 2004. Cette chanson a un son plutôt rétro, à la limite du rock n roll des années cinquante. Les deux meilleures performances de la chanson sont celles du chanteur Howlin Peele Almqvist et du batteur Chris Dangerous. Le premier atteint vraiment les notes aiguës et le second joue de manière très rapide et frénétique.

8 – Go Right Ahead

Il s’agit du premier single de Lex Hives sorti en 2012. On dit que le riff de la chanson est similaire à celui de  » Don’t Bring Me Down  » de l’Electric Light Orchestra. Les Hives ont déclaré que ce n’était pas intentionnel, mais ils ont néanmoins contacté Jeff Lynne de l’ELO pour savoir s’il était d’accord pour qu’ils utilisent le riff, ce qui a été le cas. L’une des meilleures chansons de The Hives.

7 – A Christmas Duel

Nous avons ensuite un duo entre les Hives et Cyndi Lauper, qui est sorti en tant que single de Noël en 2008. Il a atteint la quatrième place en Suède. Il s’agit d’une chanson de style Motown qui combine des mélodies agréables avec des paroles amères sur la rupture d’une relation. La chanson figure sur l’album de compilation NO HO HO : Alternative Christmas Holiday Anthems.

6 – Tick Tick Boom

On remonte notre classement des meilleures chansons de The HIves avec « Tick Tick Boom ». Nous avons ensuite le premier single de l’album Black and White sorti en 2007. Il a été classé à la 99e place du Triple J Hottest 100 l’année de sa sortie. Deux vidéoclips ont été produits pour cette chanson. Elle a également été utilisée dans plusieurs bandes originales de télévision et de jeux vidéo.

5 – Throw It On Me

Pour commencer la deuxième moitié de cette liste, nous avons une collaboration entre les Hives et le rappeur Timbaland qui figure sur son deuxième album Shock Value sorti en 2007. Timbaland a écrit la chanson avec Randy Fitzsimmons et Attitude. Il s’agit d’un titre disco-rock que les critiques ont généralement apprécié, mais qui n’a pas connu un grand succès commercial.

4 – Two Timing Touch et Broken Bones

Cette entrée suivante fut le deuxième single de Tyrannosaurus Hives. Le riff du couplet de la chanson est basé sur celui de « I’m Not Your Stepping Stone » des Monkees. Une vidéo a été réalisée pour cette chanson, qui s’est classée au quarante-quatrième rang au Royaume-Uni. Elle a été assez bien reçue par les critiques, beaucoup d’entre eux la considérant comme un morceau qui embrasse très bien le son garage rock du groupe.

Place maintenant au podium des meilleurs titres de The Hives

3 – Walk Idiot Walk

En troisième position se trouve le premier single de Tyrannosaurus Hives. Il a atteint la treizième place au Royaume-Uni, la quinzième en Suède et la dix-huitième en Norvège. Il a également atteint la dix-neuvième place du Billboard Modern Rock Tracks aux États-Unis. Un clip vidéo a été réalisé et la chanson a été utilisée dans plusieurs émissions télévisées et publicités. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de The Hives.

2 – Main Offender

Cette chanson est tirée de Veni Vidi Vicious, sorti en 2000. Elle a ensuite été incluse dans Your New Favourite Band en 2001. Bien qu’elle n’ait pas réussi à se classer au début, lorsqu’elle a été rééditée en 2002, elle a atteint la vingt-quatrième place au Royaume-Uni. Un clip vidéo a également été produit pour cette chanson. Le guitariste Nicholas Arson a fait de cette chanson l’une de ses préférées.

1 – Hate To Say I Told You So

En première position de notre classement des meilleurs albums de The Hives se trouve le morceau qui est souvent considéré comme la signature de The Hives et qui figurait sur Veni Vidi Vicious. Il est sorti à l’origine en 2000 et a été réédité en 2002. Il a été acclamé à plusieurs reprises depuis sa sortie par des magazines tels que Kerrang !, Q et NME, qui l’ont inclus dans plusieurs listes des meilleurs titres de tous les temps. Lors de sa réédition en 2002, il a remporté le Kerrang ! Award pour le meilleur single. Il s’est également classé parmi les meilleurs dans plusieurs pays.

Les meilleurs albums de Queens of The Stone Age

Place à notre classement des meilleurs albums de Queens of The Stone Age. Depuis plus de vingt ans, les grooves teutoniques et l’arsenal de riffs de Queens Of The Stone Age, qu’il s’agisse de rats du désert ou d’alpha-dons globe-trotters, constituent l’étalon-or du rock décadent et dangereux de la première division. Emmenés par Josh « The Ginger Elvis » Homme et entourés d’une équipe semi-récurrente, ils sont passés de la scène culte du stoner rock à celle du grand public, récoltant une série de nominations aux Grammy Awards, flirtant avec la célébrité et suscitant pas mal de controverses au passage.

Songs for The Deaf
  • You Think I Ain’t Worth A Dollar, But I Feel Like A Millionaire
  • No One Knows
  • First It Giveth
  • Song For The Dead
  • The Sky Is Fallin’

Bien que QOTSA se soit avéré être une bête caméléonesque, leur dévouement à l’exploration musicale et à faire exactement ce qu’ils veulent, comme ils le veulent, est resté inébranlable. Quand on est aussi créatif et prolifique que Josh Homme, les bonnes choses peuvent parfois être insaisissables. Nous avons classé les albums studio de Queens of The Stone Age du pire au meilleur, en distinguant les plus médiocres des plus majestueux…

Notre classement des meilleurs albums de Queens of The Stone Age

7) Villains – 2017

On commence notre classement des meilleurs albums de Queens of The Stone Age avec Villains. Peut-être que dans son désir de longue date de faire des airs de trance robotique funky, Josh Homme était toujours destiné à atterrir quelque part comme ici, mais cet album caricatural, auto-satisfait, clin d’œil, aurait mieux fait de sortir en tant que projet parallèle ou en tant que véritable effort solo.

Oui, le groupe se sent progressivement comme un véhicule solo dans tout sauf le nom de toute façon, mais ces chansons jetables ne sont tout simplement pas à la hauteur des normes élevées que QOTSA a établies. Le fait qu’il n’y en ait que neuf et que l’album dure 48 minutes en dit long.

6) Lullabies To Paralyze – 2015

Un disque qui donne malheureusement l’impression d’un collectif luttant pour conjurer la magie pour la première fois. Venant après Songs For The Deaf, Lullabies… n’a pas été facile à suivre, mais il n’est pas à la hauteur de la comparaison inévitable. Le fait de voir un groupe qui se sentait si vicieux, si nerveux et si spécial, apparaître soudainement comme entièrement mortel, a été très dur.

Seuls Homme et Mark Lanegan sont revenus de l’enregistrement de SFTD, le bassiste Nick Oliveri a été jeté sans cérémonie (regardez le délicieux barrage de Everybody Knows That You’re Insane) et Dave Grohl est de retour au QG des Foos, et l’alchimie indéfinissable qui faisait que ces parties disparates s’associaient si bien semble avoir disparu. Pour d’autres, c’est un disque de rock accompli – « Little Sister » et « Burn The Witch » sont de solides jams – mais pour QOTSA, c’est au mieux une collection médiocre. Une 6ème place méritée dans notre classement des meilleurs albums de Queens of the Stone Age.

5) Era Vulgaris – 2007

Sur Era Vulgaris, les Queens tentent de retrouver le son et l’âme de leurs classiques du début du siècle. Mais elles n’y parviennent pas suffisamment. La pulsation de « Sick, Sick, Sick », par exemple, ou les grooves sleazeball lounge de « Make It Wit Chu », voient Homme retourner au puits avec beaucoup de succès, mais ailleurs, il y a beaucoup de transpiration mais peu d’inspiration.

Il y a trop de gras, trop de fioritures, et pas assez de l’esprit franc-tireur et de l’espièglerie sans compromis qui ont fait la réputation du groupe. C’est toujours une leçon de performance et de musicalité, mais on se demande ce qu’il est advenu du gang qui se sentait prêt à conquérir le monde quelques années auparavant.

4) …Like Clockwork – 2013

On poursuit notre remontée des meilleurs albums de Queens of The Stone Age avec …Like Clockwork. C’est le genre d’album que l’on qualifie souvent de  » retour en forme « , mais en vérité, Queens s’est rarement aventuré dans ce genre de territoire introspectif, stimulé par une série d’échecs professionnels et une expérience de mort imminente pour Josh Homme. Les interventions de Trent Reznor et d’Elton John pourraient suggérer quelque chose de plus hollywoodien, mais ces chansons sont plus personnelles et plus vulnérables que ce qu’Homme a jamais osé montrer auparavant.

Compte tenu de la solennité et de la gravité de la chanson titre, de « I Appear Missing » et de « Fairweather Friends » (une co-écriture de Mark Lanegan), …Like Clockwork n’est peut-être pas le disque que vous jouerez pour faire comprendre à quelqu’un ce que QOTSA fait de mieux, mais c’est le disque le plus pesant et le plus « adulte » de leur catalogue.

Place au podium des meilleurs opus de Queens Of The Stone Age

3) Queens Of The Stone Age – 1998

Aussi brut et rugueux qu’il soit par rapport au reste du catalogue du groupe, ce premier album possède un charme espiègle qui le pousse vers le haut du classement collectif. Bien sûr, Queens écrirait de meilleures chansons. Ils seraient davantage un groupe lors de leurs sorties ultérieures, et ils connaîtraient certainement plus de succès pour leurs efforts. Mais au cœur de cet album éponyme, il y a une pureté d’intention qui semble atténuée sur les albums ultérieurs.

Sortant de l’implosion de Kyuss et se plaçant sous les feux de la rampe, Josh Homme imprime sa marque sur chaque nuance, jouant tout sauf de la batterie. Les morceaux tels que « If Only », « Regular John », « Mexicola » et « You Would Know » constituent des modèles que le groupe adoptera, déchirera et reprendra (du moins essaiera-t-il de le faire) pendant des années. Des débuts audacieux et brillants. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Queens of The Stone Age.

2) Songs For The Deaf – 2002

Songs For The Deaf est une déclaration imposante qui a fait des Queens des superstars à juste titre. Cette séduisante diablerie est toujours d’actualité, mais la cohésion musicale est plus solidement ancrée sur le devant de la scène, avec un concept aux lignes lâches évoquant un sombre voyage dans le désert, qui confirme l’ambition audacieuse du groupe.

Le patron des Foo Fighters, Dave Grohl, frappe ici la batterie, tandis que Mark Lanegan se faufile d’un bout à l’autre de l’album avec la fraîcheur insouciante qu’il est le seul à pouvoir rassembler. Josh Homme, quant à lui, transforme une partie de la frénésie insouciante du groupe en formes légèrement plus muselées, s’aventurant dans de nouvelles sphères artistiques. En vérité, il y a une distance d’un papier à rouler entre cet album et son prédécesseur pour la première place : celui-ci contient les grands succès – « No One Knows », « Go With The Flow » – mais est écarté de la première place en raison des premiers signes de gonflement qui affecteront les albums ultérieurs.

1) Rated R – 2000

Rated R est le moment où l’on a eu l’impression que Queens Of The Stone Age allait devenir le groupe le plus important du monde. Leur deuxième album est le son des étincelles qui ont jailli de leur premier album éponyme et qui se transforment en flammes. Et sur des titres comme « Feel Good Hit Of The Summer », « Leg Of Lamb », « The Lost Art Of Keeping A Secret » et « Tension Head », les Queens ont tout simplement brûlé.

Avec l’arrivée de Nick Oliveri, le groupe de Josh Homme est désormais une bande de hors-la-loi parfaitement constituée. Et c’est ainsi qu’ils ont produit une bande-son authentique pour le genre de samedis soirs sauvages. On peut dire que QOTSA a atteint des sommets artistiques plus élevés par la suite, mais c’est le groupe qui se pavane, se bat, sniffe, baise et ne se fait pas prier pour donner le meilleur de lui-même. Deux décennies plus tard, Rated R peut encore vous donner l’impression que vous avez besoin d’un bain chaud et d’une bonne nuit de sommeil. Pour nous, LE meilleur album de Queens of The Stone Age.

Nouvel album de Christine and the Queens en 2023 : PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Christine and the Queens en 2023, PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE. l’auteur-compositeur-interprète français Christine and the Queens n’est pas du genre à se laisser enfermer dans une case. L’artiste choisit plutôt de s’exprimer par la théâtralité, l’authenticité et l’expression de soi. L’année dernière, Redcar les adorables étoiles, opératique et fantastique, s’est avéré être le prélude à PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE.

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Dirty Computer
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Ce nouvel album est plutôt une recherche intensive de l’âme. C’est une lettre d’amour à la fois à un amant et à l’artiste (née Héloïse Letissier) dans le sens d’une révélation. Il a l’air d’un réveil dans une ancienne cathédrale d’un autre monde. La flamboyance des années 80, thème et inspiration récurrents dans la musique de Christine and the Queens, est toujours présente ici, mais elle est présentée d’une manière radicalement différente de celle de l’album précédent.

Y a quoi sous le capot de PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE le nouvel album de Christine and the Queens en 2023 ?

Reprenant le personnage de Chris (et non plus de Christine), la voix de Letissier est tantôt céleste et douce, tantôt robotique et obsédante. Mais ce qui transparaît, c’est l’émotion incandescente, ce qu’il sait faire en tant qu’artiste. Cette émotion est d’autant plus forte que l’album est souvent dépouillé, comme sur « Flowery Days ». Sur cette chanson, les seuls instruments qui accompagnent le chant sont un simple piano et des percussions. Il laisse le chant de Chris prendre le devant de la scène, en superposant parfois plusieurs pistes vocales.

Le premier single du nouvel album de Christine and the Queens, « To be honest », ne fait pas exception à la règle. Chris utilise sa vulnérabilité pour raconter une histoire sur la recherche de puissance dans les moments d’insécurité, et sur la facilité avec laquelle on peut se perdre lorsqu’on se sent petit.

La chanson passe sans transition à l’avant-dernière chanson « I feel like an angel », un retour glacial, joyeux et triomphant au son des années 80 qui a fait la réputation de Chris.

Madonna apparaît sur trois titres : « Angels crying in my bed », « I met an angel » et « Lick the light out ». Sa forte présence contrebalance admirablement l’énergie de Chris, et c’est un doux clin d’œil à la vidéo virale où ils dansaient tous les deux sur scène à Paris en 2015. En fait, certaines chansons de cet album évoquent Madonna de l’ère Ray-of-Light avec leur légèreté et leurs synthés légers. Bjork semble être une autre influence.

L’artiste du New Jersey 070 Shake apparaît également sur deux chansons, dont le single « True Love », où elle et Chris explorent comment aimer à travers la musique elle-même, aux côtés d’une bande-son profonde de Mike Dean, qui a coproduit l’album avec Letissier.

« Tears can be so soft », également un single du nouvel album de Christine and the Queens, est une chanson downtempo sensuelle et addictive dans le style des années 90. La ballade évoque le manque et le souvenir des choses passées et futures, ainsi que le pouvoir curatif des larmes : « Les larmes sont si douces/Quand on s’y plonge/Qu’on les laisse voguer ».

Le plus souvent, Christine and the Queens a abordé la question de l’identité de genre et de la sexualité dans sa musique. Sur PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE, on voit Chris utiliser le processus artistique comme un moyen d’explorer l’identité en tant que construction, et devenir plus que son moi physique, sauter dans l’eau et se débarrasser de tout ce qui était pour son bien personnel – et pour l’art, bien sûr.

Notre avis sur le nouvel album de Christine and the Queens, PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE ? Cet album (tout comme Redcar) s’inspire de la pièce « Angels in America » de Tony Kushner, qui met l’accent sur la perte et les troubles politiques et sanitaires liés à l’épidémie de sida. Tout comme la pièce, l’album est divisé en trois parties distinctes, chacune composée de sept chansons (à l’exception de la dernière partie, qui en compte six). C’est un chapitre brut et dépouillé de l’histoire de Christine and the Queens, qui nous donne une représentation de l’expérience humaine – l’expérience de Chris.

Nouvel album de Janelle Monae en 2023 : The Age of Pleasure

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Janelle Monae en 2023, The Age of Pleasure. Le clip du single « Lipstick Lover » de Janelle Monáe commence par un plan de la jeune femme allongée sur le sol au bord d’une piscine, tandis que son amant, vêtu d’un collier de cotte de mailles en or, se penche sur elle pour l’embrasser avec précaution. Monáe a à peine le temps de glisser un regard sournois à la caméra – comme pour dire « vous connaissez la suite » – qu’elle est entraînée par les pieds dans une luxueuse fête au bord de la piscine, remplie de gens séduisants qui veulent tous avoir une part d’elle et de chacun d’entre eux.

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Janelle Monáe est l’artiste hip-hop, soul et R&B d’Atlanta dont les pronoms préférés sont « free-ass mother-, and they/them, her/she » (mère libre) et « they/them, her/she » (elle/elle). C’est presque un euphémisme de dire qu’elle est une artiste bien établie dans son domaine, en partie parce qu’on a l’impression qu’elle est le domaine. Trop bizarre et intéressante pour être du R&B grand public, sa marque de mélange afro-futuriste fait même des incursions dans le domaine du rock.

Y a quoi sous le capot de The Age of Pleasure le nouvel album de Janelle Monáe en 2023 ?

Mais The Age of Pleasure se distingue par son exhaustivité en tant qu’album. Les thèmes sont cohérents dans toutes les chansons et les transitions sont comparables à celles de Dark Side of the Moon de Pink Floyd. C’est un album très facile à laisser jouer du début à la fin.

Mais sur ce nouvel album de Janelle Monáe , le présent revient pour ce qui pourrait être son œuvre la plus importante à ce jour : une célébration du genre, de la sexualité, de l’identité queer et du polyamour. Cet album rejoint les rangs de Planet Her de Doja Cat, de Good News de Megan Thee Stallion et de Nightmare Vacation de Rico Nasty en tant que déclaration sur les artistes féminins ou représentant des femmes qui se réapproprient la narration autour de leur sexualité. Ce sont des albums importants dans un espace dominé par les hommes, souvent misogyne et homophobe comme le hip-hop.

Il commence par « Float », avec Seun Kuti et Egypt 80, sur lequel Monáe s’élance avec toute la vantardise hip-hop que l’on peut attendre du genre.

La première moitié de l’album est remplie de rythmes étroitement produits, rapides, inspirés du jazz et du funk, qui complètent délicieusement le rap et le triplet de Monáe. La chanson « Champagne Shit » se distingue par le fait qu’elle prend un riff de piano d’abord clairsemé et le développe en une chanson magnifiquement complexe, prête à faire la fête pour l’été.

La seconde moitié de l’album passe à la vitesse supérieure et met en avant les influences reggae de Monáe. L’acier des guitares jamaïcaines forme l’épine dorsale de chansons comme « Lipstick Lover », « Water Slide » et « Paid in Pleasure ». La chanson la plus intéressante du nouvel album de Janelle Monae est sans conteste « Only Eyes 42 », dont le refrain fait allusion à son expérience de la polyamorie. Il s’agit d’un sujet qui n’a jamais été abordé sur un album aussi médiatisé depuis quelques années.

Seules trois des quatorze chansons de l’album dépassent les trois minutes. Il n’y a pas de remplissage ou de gras – il n’y a que du bon. La seule chose qui n’est pas évidente, c’est la façon dont ces chansons sont divisées et placées les unes à côté des autres. Par exemple, les interludes « Ooh La La » et « The French 75 » fonctionneraient comme une seule chanson s’ils étaient intégrés à la même piste.

Cet ensemble d’hymnes queer et sexospécifiques est particulièrement remarquable à une époque où, ces derniers mois, plusieurs États ont approuvé ou envisagé des lois restreignant les libertés des personnes queer et trans, y compris les soins et les spectacles de travestis, pour affirmer leur identité sexuelle. The Age of Pleasure (L’âge du plaisir) est une description de sa vie actuelle – fière et sans complexe de ce qu’elle est.

Notre avis sur le nouvel album de Janelle Monae ? Hanif Abdurraqib, l’un des auteurs musicaux les plus prolifiques de ces dix dernières années, dit souvent qu’il ne suffit pas de penser à la sonorité et aux sensations d’une chanson ou d’un album, mais qu’il faut aussi penser à ce qu’une chanson signifie. Dans cette optique, The Age of Pleasure est l’album le plus significatif de Janelle Monáe à ce jour.

Nouvel album de Sophie Ellis-Bextor en 2023 : Hana – Notre avis !

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Sophie Ellis-Bextor en 2023, Hana. Après la plus longue pause entre deux albums de sa carrière, Sophie Ellis-Bextor revient avec son très attendu septième album, ‘HANA’. La suite de « Familia », sorti en 2016, réunit l’auteure-compositrice-interprète et son collaborateur Ed Harcourt, avec qui elle a travaillé pour la première fois sur son cinquième album, « Wanderlust » (2014), et qu’elle a sollicité pour l’aider à concevoir ce troisième projet ensemble.

Familia
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The Song Diaries
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Y a quoi sous le capot de Hana le nouvel album de Sophie Ellis-Bextor en 2023 ?

Pendant ce temps, Sophie est devenue une sensation sur Instagram avec sa série « Kitchen Disco », qui a débouché sur un album de grands succès, une tournée au Royaume-Uni et en Europe et une série de concerts dans les arènes avec Steps.

Après avoir revisité le passé, elle se tourne vers l’avenir sur son dernier album original – dont le titre se traduit par « fleur » ou « blossom » – pour un album qui englobe les thèmes de la réflexion et des nouveaux départs à travers 12 chansons originales qui font avancer le son de Sophie.

Se démarquant des projets précédents, le titre d’ouverture du nouvel album de Sophie Ellis-Bextor A Thousand Orchids est différent de tout ce qu’elle a fait auparavant, juxtaposant des synthés pulsés à un piano acoustique tandis que Sophie chante : « Vous ne trouverez pas de sorcières qui attendent ici / Pas de fantômes cachés dans l’obscurité / Cherchez les balises qui montrent le chemin ».

Ce morceau mid-tempo va crescendo avec des paroles qui parlent de laisser tomber le passé et de vivre le moment présent – un sujet présent sur tout l’album, notamment dans les singles Breaking The Circle et Lost In The Sunshine.

En tant qu’album, ‘HANA’ est unique par rapport au reste du catalogue de Sophie et bien qu’il y ait des moments pop évidents, elle résiste à la chasse aux hits et laisse la musique mener le jeu pour un son qui est à la fois charmant et enchanteur.

Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas d’échos de Sophie par le passé : Until The Wheels Fall Off est un hymne entraînant à l’amour « à travers tous les moments fous, à travers tous les bas et les hauts », les harmonies vocales superposées reflètent les synthés planants sur le bondissant Beyond The Universe, et la bombastique Reflections est un futur point fort du concert.

Pendant ce temps, Tokyo, le premier titre du nouvel album de Sophie Ellis-Bextor, offre un moment de répit qui constitue la pièce maîtresse de l’album, rassemblant ses thèmes et plaçant la voix pure de Sophie au centre de l’attention.

Plongez dans « HANA » en vous attendant à des classiques de la danse tels que Get Over You, Heartbreak (Make Me A Dancer) et Bittersweet à vos risques et périls ; 25 ans après la sortie de son premier album avec le public, Sophie fait table rase du passé et s’avance vers un avenir radieux – exactement ce que nous attendons de l’une des meilleures artistes de la pop britannique !

Nouvel album de Rancid en 2023 : Tomorrow Never Comes

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Rancid en 2023, Tomorrow Never Comes. RANCID est une figure incontournable du punk rock depuis si longtemps (plus de trente ans en fait) que la sortie d’un nouvel album est toujours un événement. Depuis les débuts du groupe et du punk de la Bay Area avec leur premier album éponyme, jusqu’au succès de Let’s Go et à l’explosion de la stratosphère avec …And Out Come The Wolves, RANCID a toujours été un groupe important et les six albums qui ont suivi l’ont confirmé.

LET’S GO
  • Record Label: Epitaph
  • Catalog#: E 64342
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 1994

Maintenant qu’ils en sont à leur dixième album, les RANCID reviennent en force après une longue période d’absence avec Tomorrow Never Comes. Ils y présentent fièrement seize titres de pur chaos punk rock, dans leur propre style inimitable, empreint de passion et délivré directement du cœur. En vrai RANCID et en vrai punk, les chansons de Tomorrow Never Comes durent toutes moins de trois minutes et sont des chocs courts et tranchants de pur punk rock énergique, le type de punk que le groupe a toujours fait et qu’il fait si bien.

Y a quoi sous le capot de Tomorrow Never Comes le nouvel album de Rancid en 2023 ?

Avec la chanson-titre du nouvel album de Rancids, un punk rock teinté de hardcore, qui démarre les débats en fanfare, RANCID ne se relâche jamais jusqu’aux dernières notes de When The Smoke Clears, qui clôt l’album.

Du stomp à la POGUES de Devil In Disguise et du rauque New American à l’hymne Live Forever, au triomphant Prisoners Song et à la folie punk ultra entraînante d’Eddie The Butcher (avec une intro de basse incroyable), c’est du RANCID de première qualité, avec l’accroche et la pureté des chansons en tête de pile, et vous savez que ces chansons seront excellentes lorsqu’elles seront jouées en live lors des prochaines tournées du groupe.

Tim Armstrong et Lars Fredriksen sont toujours aussi bons au chant et à la guitare, et prouvent une fois de plus qu’ils sont d’excellents auteurs-compositeurs avec leurs paroles pleines d’esprit et leur capacité à raconter des histoires.

Si l’on ajoute à cela la section rythmique du bassiste Matt Freeman (dont les lignes de basse soutiennent constamment les chansons du nouvel album de Rancid Tomorrow Never Comes et prouvent exactement pourquoi il est probablement le bassiste le plus sous-estimé au monde) et le batteur Branden Steineckert en pleine forme, on obtient le genre d’album totalement joyeux que vous avez appris à aimer de RANCID.

Avec une production impeccable, une fois de plus assurée par Brett Gurewitz, l’homme de BAD RELIGION/Epitaph Records et allié de longue date, le groupe sonne grand, audacieux et bashy avec cet album et, pour reprendre le titre d’un précédent album de RANCID, le groupe sonne toujours Indestructible. Le nouvel album de Rancid Tomorrow Never Comes est un album rempli d’énergie et d’hymnes punk rock enflammés qui ont fait la réputation de RANCID. Du début à la fin, c’est une célébration ininterrompue de tout ce qui les rend si géniaux.

Nouvel album de Noel Gallagher ’s High Flying Birds en 2023 : Council Skies

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Noel Gallagher ’s High Flying Birds en 2023, Council Skies. Renouant avec ses racines indie-rock ‘n’ roll, ‘Council Skies’ est le premier album complet de l’auteur-compositeur en six ans. Nommé d’après le livre de l’illustrateur Pete McKee, Council Skies est le quatrième album studio très attendu de Noel et son premier album complet depuis 2017, Who Built the Moon ?

Noel a retrouvé Paul Stacey, un collaborateur de longue date des frères Gallagher, qui a joué de la basse sur une sélection de titres de l’album d’Oasis « Standing On The Shoulder Of Giants » en 2000 et a également joué le rôle d’ingénieur du son sur l’album susmentionné.

Back The Way We Came: Vol. 1 (2011-2021)
  • Back The Way We Came: Volume 1 2011-2021
High Flying Birds
  • GALLAGHERS NOEL
  • R&P INTERNATIONAL
  • INTERNATIONAL
  • MUSIC

Élévateur et transformateur, Noel n’hésite pas à défier et à repousser les limites de son approche sonore, comme en témoignent ses précédents EP. Avec « Council Skies », Noel se souvient des rêves qu’il a eus en grandissant sous les « cieux municipaux ». Il y a un vrai sens du contraste – Noel a un pied dans le passé, mais aussi un pied dans l’avenir. C’est à la fois exaltant et mélancolique. Si l’album est entièrement tourné vers la réflexion, il ne s’agit certainement pas d’un voyage nostalgique.

Y a quoi sous le capot de Council Skies le nouvel album de Noel Gallagher ’s High Flying Birds en 2023 ?

Noel a longtemps exprimé son admiration pour The Cure et des clins d’œil ont été faits sur ‘Who Built The Moon’ et l’enivrant ‘Pretty Boy’ qui, avec son énergie post-punk agitée, a attiré des comparaisons avec ‘A Forest’ du magnifique ‘Seventeen Seconds’. Avec sa mélodie mystérieuse et hypnotique et ses guitares néo-psych étincelantes, à la fois raffinées et grinçantes, le single est l’un des titres les plus marquants de l’album. Avec une ligne de basse énigmatique qui conduit le morceau couplée à un rythme presque Krautrock, il comporte également un travail de guitare de l’ami de Noel et collaborateur de longue date, Johnny Marr.

Avec des références au ciel nocturne « Beneath the starry sky / Of a distant moon / At the magic moment / That’s gonna come too soon », l’urgence du phrasé des paroles est rehaussée par le jeu de guitare épique de Marr et les progressions d’accords sombres et inquiétantes. Robert Smith fait même une apparition dans un remix de « Pretty Boy » sur l’édition limitée de luxe de l’album. Non seulement il a remixé le morceau, mais il joue également de la guitare aux côtés de Gallagher et Marr, ajoutant des solos de guitare assez épiques ainsi qu’une sérieuse réverbération qui a donné au morceau remixé une véritable ambiance spatiale.

Le thème céleste se poursuit avec le morceau éponyme « Council Skies » : « Catch a falling star and we / Might drink to better days / Hiding what we find behind the sun / Thinking of what might have been… »

« Council Skies », avec son rythme ensoleillé de Mariachi, est profondément personnel et nous donne un aperçu plus approfondi des années les plus formatrices de Noel. Ce magnifique morceau du nouvel album de Noel Gallagher à l’instrumentation superposée est nostalgique et évocateur, superbement rehaussé par les superbes cordes qui ont été enregistrées aux célèbres studios Abbey Road. Noel Gallagher se réapproprie son passé et rend hommage à ses racines, tout en démontrant que le pouvoir de la musique est un atout.

Les cordes rêveuses font également leur apparition sur  » Dead To The World « , qui est presque cinématographique et chargé d’émotion. Tendre, sincère, avec de vraies vibrations noires, ce morceau sonne comme quelque chose que l’on pourrait trouver sur une future bande originale de James Bond. « Dead To The World  » présente également des structures d’accords complexes et dynamiques, renforcées par le caractère poignant des paroles.

Ce titre ainsi que « Trying To Find A World That’s Been And Gone  » portent la marque des ballades classiques de Gallagher, cette dernière étant une quintessence du solo de Noel, pleine d’émotion. Bien qu’il y ait des clins d’œil à son premier son, ce morceau a une approche encore plus sophistiquée et raffinée qui démontre son sublime talent de musicien.

Le psychédélique ‘Easy Now’ est émouvant et compatissant et avec son accroche emphatique et provocante, ce morceau séduisant agit presque comme un livre de recettes sur la façon de naviguer dans la vie quand les temps sont durs. Noel change les choses avec le morceau d’ouverture « I’m Not Giving Up Tonight » qui a de vraies vibrations ambiantes de style Ibiza avec une bonne dose de Northern Soul et un peu de gospel édifiant dans le mélange aussi.

There She Blows, avec ses guitares à la George Harrison, est un autre point fort, tout comme Love Is A Rich Man, dont l’intro à la batterie éblouissante rend hommage aux premières secondes de I Am The Resurrection des Stone Roses. Les sonorités du saxophone et le riff entraînant contribuent à en faire un véritable standard de Gallagher. Tandis que « We’re Gonna Get There In The End » est une conclusion euphorique de l’album, qui est le disque solo le plus varié, le plus accompli et le plus captivant de Noel à ce jour.

Notre avis sur le nouvel album de Noel Gallagher, Council Skies ? Noel Gallagher affirme avoir écrit trois albums de chansons et, d’après ce que nous entendons sur « Council Skies », les prochaines années vont être très excitantes pour les fans. Sûr de lui, révélateur, bien équilibré et émotionnellement profond, « Council Skies » confirme sa réputation de l’un des meilleurs auteurs-compositeurs que le Royaume-Uni ait jamais produit. Cette collection de chansons est l’une de ses meilleures réalisations après Oasis, et c’est l’album que Noel et ses High Flying Birds avaient envie de faire.

Nouvel album des Foo Fighters en 2023 : But Here We Are – Notre avis !

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album des Foo Fighters en 2023, But Here We Are. Le monde a été bouleversé l’année dernière par le décès du batteur des Foo Fighters, Taylor Hawkins, lors d’une tournée au Brésil en mars. Une semaine à peine après avoir enchanté les fans australiens lors de leur unique concert à Victoria, la communauté musicale a été endeuillée, tandis que le groupe lui-même a dû recoller les morceaux.

Wasting Light
  • Record Label: Sony
  • Catalog#: 88697 872772
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2011
  • Notes: Jewel Case
Medicine At Midnight
  • Foo Fighters- Medicine At Midnight

Personne ne sait ce que Dave Grohl, la force créatrice du groupe, a traversé, mais un an plus tard, le nouvel album des Foo Fighters But Here We Are, qui sort vendredi, en est la meilleure indication. Au cours d’une année où Dave a également perdu sa mère Virginia en juillet, on peut s’attendre à un album des Foo Fighters plutôt introspectif et émotionnel.

Y a quoi sous le capot de But Here We Are le nouvel album des Foo Fighters en 2023 ?

L’album s’ouvre sur le premier single Rescued, qui est un banger radio traditionnel des Foo Fighters. Les notes d’écoute suggèrent que l’album fait référence, sur le plan sonore, aux premiers albums des Foo Fighters, comme le premier album éponyme. Loin d’être aussi intense que ce premier album, Rescued possède néanmoins des caractéristiques qui satisferont les fans de titres comme Monkey Wrench et My Hero de The Color and the Shape.

L’album se poursuit avec le titre Under You, aux riffs lourds, qui a également été dévoilé au monde entier et dont l’ambiance est similaire à celle des radios. Les paroles sont simples, voire enjouées, mais prennent un ton légèrement plus sombre lorsqu’elles sont prises dans le contexte des pertes de Dave, mais elles satisferont tous ceux qui se languissent des bangers commerciaux de There Is Nothing Left To Lose.

Le troisième titre, Hear Voices, prend une direction légèrement différente avec des choix mélodiques intéressants, mais l’écriture commerciale de Dave continue de régner en maître. La chanson se termine par un solo de Dave à la guitare et marque une pause intéressante dans l’album. C’est comme s’il signalait que le quotient de succès n’avait plus lieu d’être et que le reste de l’album était pour lui.

Ensuite, le titre But Here We Are est celui d’un homme qui essaie de faire face à la perte qu’il a subie. Que ce soit pour Taylor ou pour Virginia n’a pas d’importance. Les paroles sont presque confuses, car on l’entend lutter contre la colère et la tristesse tout en essayant d’aller de l’avant. D’une manière ou d’une autre, tout cela est enveloppé dans une chanson qui réussit à sonner comme un banger de stade, avec le genre de riffs auxquels nous sommes habitués dans un tube des Foo Fighters.

But Here We Are, le nouvel opus des Foos est l’un des meilleurs de 2023.

On poursuit la découverte du nouvel album des Foo Fighters avec The Glass, qui parle de l’attente de la fin de la tempête, alors qu’il fait face aux relations qu’il a perdues. C’est une chanson pop simple qui ne va pas trop en profondeur, mais une fois de plus, la simplicité des paroles dément les sentiments qui se cachent derrière le sentiment de base. Nothing At All suit comme un sentiment plus complexe, mais encore une fois enveloppé dans une chanson pop.

Show Me How est un autre titre qui a été diffusé avant la sortie de l’album, présenté en duo avec Violet, la fille de Grohl. Il s’agit d’un morceau dream pop pétillant qui rappelle la période In Your Honour du groupe. Que ce soit délibéré ou par accident, l’album emmène les fans dans un voyage à travers l’histoire du groupe, offrant des chansons qui pourraient toutes s’inscrire dans différentes époques de l’histoire des Foo Fighters, et celle-ci est un ajout bienvenu.

Si le nouvel album des Foo Fighters But Here We Are devait être divisé en trois actes, ce serait la fin de la partie centrale. C’est ici que nous disons au revoir aux bangers pop rock qui parlent à la douleur de Dave et que nous entrons dans la section finale où son cœur est bel et bien laissé sur sa manche. Prenez les mouchoirs.

À partir de maintenant, les paroles ne sont plus ambiguës : elles parlent peut-être d’une petite amie, mais est-ce vraiment à propos de sa relation avec Taylor ? Pour le reste de l’album, nous parlons directement de la perte. Beyond Me sonne comme une ode à sa mère, où il réconcilie l’inévitabilité du vieillissement avec l’injustice de perdre quelqu’un qui compte tant. Le morceau est presque Britpop dans son approche (une touche de Champagne Supernova peut-être ?) et s’appuie une fois de plus sur des paroles simples pour faire passer le message.

La dixième piste du nouvel album des Foo Fighters But Here We Are est un moment épique de dix minutes où Grohl semble essayer d’accepter sa perte de façon épique. « Dépêchez-vous maintenant, le temps n’attendra pas / Ici et maintenant nous nous séparerons / Il y a des choses que vous ne pouvez pas choisir / L’âme et l’esprit se déplacent à travers ». Les paroles sont prononcées comme un train de marchandises descendant à toute allure sur une voie ferrée. « Hey kid, What’s the plan for tomorrow / Where will I wake up ». Les paroles répétées de « Who’s At The Door Now » sont presque inquiétantes alors que la chanson peint une image d’inévitabilité.

L’épopée émotionnelle se développe jusqu’à un bilan sonore, la seconde moitié de la chanson traitant de la perte. Tu m’as montré comment respirer, maintenant tu me montres comment dire au revoir. Ces paroles ont sans doute été douloureuses à écrire et elles sont effectivement difficiles à écouter. La simplicité lyrique de Grohl, qui aurait pu paraître banale, est l’arme qui frappe le plus fort. Compter chaque minute de vie, souffle après souffle, est une phrase assez évidente, mais elle est utilisée ici avec une efficacité dévastatrice.

Les trente dernières secondes de la chanson se contentent de répéter « Goodbye » en boucle jusqu’à ce que le morceau soit envahi par des bruits parasites. Ces dix minutes sont la meilleure façon pour Grohl de décrire la dernière année de sa vie. C’est chaotique, douloureux, colérique, mais en fin de compte musical. La musique l’a amené à cette étape et la musique l’amènera à la suivante.

Enfin, l’album se termine par Rest. Moment cathartique, cette épopée de cinq minutes laisse tomber l’angoisse des dix chansons précédentes et fait l’effet d’une respiration calme dans un album qui a passé la majeure partie de son temps à la retenir. C’est une envolée, c’est glorieux et c’est emblématique du lâcher-prise. La confusion a disparu et à sa place, c’est une chanson assurée et calme. C’est la chanson qui soulève le poids inévitable que le reste de l’album a accumulé pour le faire tomber de l’ombre.

Notre avis sur le nouvel album des Foo Fighters, But Here We Are ? Si vous vous retrouvez en larmes pendant les quinze dernières minutes épiques de cet album, vous ne serez pas le seul. C’est une montagne russe d’émotions qui atteint l’équilibre parfait entre l’écriture d’un journal intime douloureux et un album de rock de stade. Dave Grohl et ses coéquipiers ont quelque chose à dire, mais pas au détriment de la promesse d’un album des Foo Fighters. L’un des meilleurs albums de 2023.

Nouvel album de Avenged Sevenfold en 2023 : Life Is But A Dream…

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Avenged Sevenfold en 2023, Life Is But A Dream… Le groupe de métal de Californie du Sud AVENGED SEVENFOLD a évolué au fil des ans, et cette progression est amplifiée sur leur dernier album, « Life Is But A Dream… » Le groupe est sorti du lot avec « Sounding the Seventh Trumpet » en 2001 et « Waking the Fallen » en 2003, qui l’ont consacré comme un des premiers titans du metalcore, mais il a ensuite évolué vers un heavy metal plus direct et un hard rock classique avec « City of Evil » en 2005 et son album éponyme en 2007.

Promo
Hail to The King
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Nightmare
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Les deux albums suivants d’AVENGED SEVENFOLD, « Nightmare » en 2010 et « Hail to the King » en 2013, les ont fait passer du statut de groupe underground à celui de groupe vénéré, grâce à des singles qui se sont hissés au sommet des hit-parades comme « Hail to the King », « Nightmare » et « Welcome to the Family ». Puis, AVENGED SEVENFOLD a encore changé de son avec la sortie surprise de 2016,  » The Stage « , qui a introduit une touche de prog dans leur son heavy metal à base de viande et de pommes de terre.

Y a quoi sous le capot de Life Is But A Dream… le nouvel album de Avenged Sevenfold en 2023 ?

Aujourd’hui, avec « Life Is But A Dream… « , le groupe s’est à nouveau métamorphosé. le groupe s’est à nouveau transformé. Cette fois, ils ont sorti une collection de chansons qui rassemblent tellement de sons différents que c’en est presque écrasant, du jazz au grunge en passant par l’électronique et le psychédélisme. Peut-être que les comparaisons avec Metallica vont enfin s’arrêter avec cet album ?

« Life Is But A Dream… » démarre comme un album de métal traditionnel, sans laisser entrevoir la surprise qui nous attend. « Game Over » commence par un passage de guitare classique et se transforme en un morceau classique d’AVENGED SEVENFOLD, avec le chant agressif de M. Shadows et les riffs acérés de Synyster Gates.

Le morceau suivant du nouvel album de Avenged Sevenfold est  » Mattel « , du nom de la société de poupées Barbie. Il se passe beaucoup de choses dans ce joyau, des murs de guitares épais aux synthés grinçants. Shadows y chante un monde artificiel avec un chant dramatique à la Freddie Mercury. « We Love You » est une chanson chaotique, tourbillonnante et psychédélique qui met la batterie au premier plan et ouvre la voie à la voix croustillante de Shadows, semblable à celle d’un monstre de biscuits.

« Beautiful Morning » est un morceau grunge, avec des harmonies dissonantes, qui pourrait figurer sur un album d’ALICE IN CHAINS. Si  » Beautiful Morning  » n’est pas assez dérangeant, passez à  » (D)eath  » pour un véritable choc. C’est une chanson de jazz à part entière, où les Shadows canalisent Frank Sinatra et Tony Bennett sur des instrumentaux jazzy et glissants. À l’origine, Gates a écrit cette chanson pour sa femme, ce qui est très romantique.

Quant à « G », il s’agit d’une chanson prog rock avec les chœurs de Taura Stinson et Brianna Mazzola, tandis que « (O)rdinary » sonne comme une chanson alt-pop à bulles. Dans cette dernière, la voix de Shadows est presque méconnaissable grâce à l’auto-tuning et aux effets. Le titre de l’album est une magnifique ballade instrumentale au piano, totalement différente de tout ce qu’AVENGED a pu mettre sur un album.

Notre avis sur le nouvel album de Avenged Sevenfold ? Si  » Life Is But A Dream…  » est un exemple triomphant du talent des membres d’AVENGED SEVENFOLD, c’est aussi un casse-tête. De nombreux groupes s’essayent à différents styles de musique et intègrent de nouvelles voix à leur son, mais cet album est à cent lieues de ce que beaucoup considèrent comme AVENGED SEVENFOLD.

C’est un album conquérant, mais l’avenir nous dira s’il est à la hauteur du reste du célèbre catalogue du groupe. Quoi qu’il en soit, il y a quelque chose à respecter chez un groupe qui adhère manifestement à sa vision singulière, sans influences extérieures, même si cela implique de dérouter certains fans en cours de route.