Place à notre avis sur le nouvel album de Taylor Swift en 2024, The Tortured Poets Department.
Il n’a pas fallu longtemps pour que The Tortured Poets Departmentde Taylor Swift prenne complètement le contrôle d’Internet. S’agit-il vraiment d’une fuite ou d’un tour de passe-passe de l’intelligence artificielle ? Les vrais fans écoutent-ils plus tôt ? Ces chansons parlent-elles de Matty Healy ?
Y a quoi sous le capot de The Tortured Poets Department le nouvel album de Taylor Swift en 2024 ?
The Tortured Poets Department est moins un album conceptuel qu’un album avec une esthétique, Swift donnant à nouveau le ton à travers l’imagerie et la tonalité. Musicalement, il s’agit d’une évolution naturelle de Midnights et de rappels à certaines des époques passées de Swift. Prenez « But Daddy I Love Him », un titre acoustique qui se rapproche de Red, lorsque Swift se baladait entre les mondes de la country et de la pop.
« Je ne m’occupe pas de toutes ces vipères habillées en empereur », chante Swift.
Le producteur Jack Antonoff et Swift forment toujours un duo dynamique, comme en témoigne la pop sombre et lunatique de la chanson d’ouverture « Fortnight », avec Post Malone.
« J’ai touché à toi pendant seulement quinze jours », chante Swift, tandis que Post Malone ajoute un refrain doucement chanté, dans un rôle plus proche de celui d’un caméraman.
La relation éphémère de la chanteuse avec Matty Healy, le leader du groupe The 1975, est un élément déterminant du nouvel album de Taylor Swift. Swift a toujours eu un style lyrique très conversationnel, et cela ne fait que doubler sur The Tortured Poets Department, à un moment où elle cite même son producteur et à un autre où elle déclare que le chanteur Charlie Puth devrait être plus célèbre.
L’entraînant « My Boy Only Breaks His Favorite Toys » (Mon garçon ne casse que ses jouets préférés) met en évidence les points forts de Swift. Du refrain hymnique aux harmonies serrées, en passant par les paroles et les rythmes à la fois sombres et entraînants, le morceau est à la hauteur et deviendra sans aucun doute l’un des préférés des fans.
Des chansons comme « Down Bad » et « So Long, London » permettent à Swift de continuer à donner un sens à une relation qui tourne au vinaigre. Il est agréable d’entendre à nouveau sa voix traverser le mixage, en se débarrassant de la réverbération distordue qui caractérisait la plupart des titres de Midnights.
Swift aiguise son couteau à sarcasmes sur « Florida !!! », un duo avec Florence Welch, les deux s’échangeant des paroles sur un instrumental dramatique.
La chanson « Little did you know your home’s really only the town you’ll get arrested/ So pack your life away just to wait out the shitstorm back in Texas » (Peu de gens savent que leur maison n’est que la ville où ils se font arrêter).
De temps en temps, on peut entendre des nuances des racines country de Swift, comme sur la ballade acoustique mi-tempo « Guilty as Sin ? ».
Notre avis sur le nouvel album de Taylor Swift, The Tortured Poets Department ? Musicalement, The Tortured Poets Department n’offre pas beaucoup de surprises, mais c’est dans les paroles de l’album que les fans de Swift vont vraiment se plonger dans ce disque, en débattant des références et en examinant chaque morceau au microscope, à la recherche d’indices. Et a-t-elle jamais lâché autant de bombes F que sur « Down Bad » ?
La tracklist de The Tortured Poets Department
“Fortnight”
“The Tortured Poets Department”
“My Boy Only Breaks His Favorite Toys”
“Down Bad”
“So Long, London”
“But Daddy I Love Him”
“Fresh Out the Slammer”
“Florida!!!!”
“Guilty as Sin?”
“Who’s Afraid of Little Old Me?”
“I Can Fix Him (No Really I Can)”
“loml”
“I Can Do It With a Broken Heart”
“The Smallest Man Who Ever Lived”
“The Alchemy”
“Clara Bow”
Ecoutez The Tortured Poets Departmentde Taylor Swift
Place à notre avis sur le nouvel album de Pearl Jam en 2024, Dark Matter. Pearl Jam est sans conteste le groupe de rock le plus fiable d’Amérique.
Les derniers survivants de l’âge d’or du début des années 90 dans le nord-ouest du Pacifique n’ont plus rien à prouver après 33 ans. Pourtant, ils poursuivent leur chemin, véritables mélomanes et frères de rock, qui n’ont pas changé de groupe depuis que Matt Cameron s’est remis de la séparation de Soundgarden pour rejoindre ses amis de Seattle en 1998.
Il est vrai que cela fait un moment qu’ils n’ont pas fait de grand disque ; Gigaton, en 2020, en était étonnamment proche. Mais ils n’ont jamais fait de mauvais disque. Il s’en est fallu de peu. Et la série se poursuit avec Dark Matter.
Notes: =1991 Album + Bonustr.:Alive(Live)/Wash & Dirty Frank=
Y a quoi sous le capot de Dark Matter le nouvel album de Pearl Jam en 2024 ?
Pearl Jam est l’équivalent rock de Cal Ripken Jr. et de sa série de 2 632 matchs consécutifs en Major League Baseball. Il a toujours été l’un des meilleurs joueurs. Pas le plus spectaculaire, mais facilement le plus fiable pendant très longtemps. Et lorsque la série de Ripken a pris fin, c’est parce qu’il s’est retiré de l’alignement. Ce sera probablement le cas de Pearl Jam. Le leader Eddie Vedder a récemment déclaré à MOJO que le groupe avait probablement encore un ou deux disques dans le réservoir.
Pendant ce temps, le groupe continue d’avancer. Cependant, le nouvel abum de Pearl Jam possède un avantage et un enthousiasme que l’on n’avait pas entendu chez le groupe depuis longtemps.
La différence cette fois-ci est la présence du superproducteur Andrew Watt, qui s’est fait les dents en produisant des groupes pop comme Justin Bieber et Miley Cyrus. Ces dernières années, il a montré son véritable amour du rock en produisant des groupes tels que les Rolling Stones, Iggy Pop et Ozzy Osbourne. Né l’année où Pearl Jam s’est formé, il est également un fantastique guitariste (jouer de la guitare sur un disque d’Ozzy n’est pas un mince exploit, étant donné que ce poste a été l’un des plus convoités pendant des décennies). Il n’est donc pas surprenant que Watt, qui est un grand fan de Pearl Jam, ait fait appel aux guitaristes Mike McCready et Stone Gossard sur Dark Matter.
Le disque fait l’objet d’un buzz considérable depuis des mois, en partie à cause de la présence de Watt et en partie grâce au premier single et à la chanson-titre. Pour la première fois depuis 1998, Pearl Jam a atteint la première place du classement Billboard. « Dark Matter » s’est hissé à la première place du classement Mainstream Rock Airplay de Billboard. Il a également atteint la première place du classement Billboard Rock & Alternative Airplay.
Le premier morceau du nouvel album de Pearl Jam, » Scared Fear « , est un riff de guitare direct et efficace qui rebondit entre les oreilles des auditeurs. Ce n’est pas le meilleur début, mais c’est un album qui s’améliore au fur et à mesure qu’il avance. « React, Respond » est tout simplement génial. Quelqu’un a donné de la caféine au bassiste Jeff Ament pendant qu’il écrivait cet album, car il est toujours aussi présent dans le mixage et la structure des chansons. L’enthousiasme est contagieux et on a l’impression que les musiciens s’éclatent.
« Wreckage » n’est pas aussi rapide et bruyant, mais c’est une meilleure chanson. Vedder fait appel à l’une de ses forces : l’émotion et le fait de chanter comme il le pense. Sa voix domine tandis que ses coéquipiers font exactement ce qu’ils doivent faire derrière lui. Ils savent tous quand relâcher l’accélérateur et quand l’enfoncer à nouveau.
Le titre est un choix intéressant pour un premier single. Ce n’est pas la chanson la plus accrocheuse de l’album, ni la meilleure. Cameron a l’occasion de montrer ses talents et le riff staccato ressemble presque à celui de Soundgarden (à plusieurs reprises sur le disque, on peut entendre des échos de Temple of the Dog« , le projet hybride Soundgarden/Pearl Jam de 1990, auquel beaucoup attribuent le décollage de la scène de Seattle). C’est vraiment enthousiaste, et Cameron et les guitares ne font que renforcer le chaos contrôlé à la fin.
Cela prépare » Won’t Tell « , un autre exemple de l’habileté de Pearl Jam à relâcher l’accélérateur et à laisser à Vedder l’espace nécessaire pour travailler. C’est un domaine dans lequel le groupe a toujours été doué : donner à une voix rock unique et classique l’espace nécessaire pour écrire des accroches, tout en jouant de manière dynamique et sans sacrifier la puissance.
« Upper Hand » respire profondément, donnant à nouveau de l’espace à Vedder, mais avec des changements de guitare fantastiques. Le solo est parfait, très en avant, ce qui a sans doute été encouragé par Watt. Les fans de rock ont tendance à oublier que la guitare peut être tout aussi puissante lorsqu’elle est rythmée, plutôt que simplement déchirée. Comme la façon dont, sur « Upper Hand », il évolue avec le double temps inattendu de Cameron derrière le dernier lead. C’est très bien conçu.
« Waiting for Stevie » est une chanson décente du nouvel album de Pearl Jam, qui se construit à la fin parce que, quand tout le reste échoue, la dynamique et un grand solo de guitare fonctionnent tout simplement. La chanson suivante, » Running « , nous accroche les oreilles, avec un début de basse sauvage d’Ament et un tempo martelant qui se développe en un pont à mi-temps vers la fin, qui ne fait qu’accentuer la fin. C’est un groupe vétéran qui se lâche pour s’amuser comme un jeune punk.
« Something Special » donne à nouveau à Vedder suffisamment d’espace pour créer une grande mélodie. Les prouesses de Watt en matière de mixage se manifestent ici ; tout le monde est entendu en même temps, ce qui, dans des mains moins compétentes, peut être désordonné. L’arrangement est également excellent. Des chansons comme celle-ci sont amusantes à jouer, même si elles sont plus douces.
« Got to Give » a un riff mid-tempo et enjoué, avec Vedder qui remplit les vides jusqu’à ce que le groupe reprenne le dessus vers la fin. C’est peut-être le morceau le plus proche du remplissage que l’on puisse trouver sur Dark Matter, mais il est tout de même très agréable à écouter.
Dark Matter se termine par « Setting Sun », qui sonne comme si Pearl Jam en avait eu l’idée autour d’un feu de camp sur la plage. Ce qui commence agréablement, avec Vedder chantant que tout va bien, ajoute des couches et du volume et devient encore meilleur après la moitié de l’album, lorsqu’une ambiance est ajoutée autour du lead de la guitare. C’est bien placé et cela sert bien le reste de la chanson. Pearl Jam a encore de beaux jours devant lui. Même avec l’impressionnant catalogue du groupe, un ou deux disques de plus ne suffiront peut-être pas.
Notre avis sur le nouvel album de Pearl Jam, Dark Matter ?Dark Matter se termine par « Setting Sun », qui sonne comme si Pearl Jam en avait eu l’idée autour d’un feu de camp sur la plage. Ce qui commence agréablement, avec Vedder chantant que tout va bien, ajoute des couches et du volume et devient encore meilleur après la moitié de l’album, lorsqu’une ambiance est ajoutée autour du lead de la guitare. C’est bien placé et cela sert bien le reste de la chanson. Pearl Jam a encore de beaux jours devant lui. Même avec l’impressionnant catalogue du groupe, un ou deux disques de plus ne suffiront peut-être pas.
Place à notre avis sur le nouvel album de Beyonce en 2024, Cowboy Carter. « Les genres sont un drôle de concept, n’est-ce pas ? » demande Linda Martell, la première artiste country féminine noire à avoir connu un succès commercial dans l’histoire, dans un extrait audio situé à peu près au milieu de COWBOY CARTER. « En théorie, leur définition est simple et facile à comprendre », poursuit-elle, « mais en pratique, certains peuvent se sentir confinés ».
Mais rien ne peut arrêter Beyoncé, dont le nouveau projet est le plus ambitieux à ce jour.
Précédée par l’album RENAISSANCE, largement acclamé pour son influence sur la musique house, Beyoncé avait fort à faire pour le deuxième volet de son projet en trois actes. Et lorsqu’il s’est avéré que ce deuxième acte impliquait de la musique country, le débat public s’est ensuivi.
Alors que certaines stations de radio country ont interdit les premiers singles de Beyoncé, d’autres ont défendu la puissante déclaration de récupération d’un son créé à l’origine par des Noirs et aujourd’hui considéré comme un genre blanc. C’est alors que Beyoncé elle-même s’est jointe à la conversation pour préciser ses intentions.
Y a quoi sous le capot de Cowboy Carter le nouvel album de Beyonce en 2024 ?
« Ce n’est pas un album de country. C’est un album de Beyonce », a déclaré l’artiste en ligne dans les jours qui ont précédé la sortie de l’album. Ce sentiment est tout à fait justifié. Lorsque Beyoncé choisit de se lancer à corps perdu dans la country, ses racines méridionales et sa voix inégalée lui permettent de se fondre dans le genre, comme s’il s’agissait de sa signature depuis le début de sa carrière. Mais cet album ne fait rien d’autre que de défier les étiquettes, sautant d’un genre à l’autre et faisant constamment des tours et des détours inattendus.
Sur 27 pistes, l’énorme nouvel album de Beyonce COWBOY CARTER abandonne le tracklisting narratif conceptuel de Lemonade (2016) et les transitions cohésives de RENAISSANCE pour plonger les auditeurs dans une émission de radio fictive (Jon Batiste vient de faire quelque chose de similaire en mettant l’accent sur la musique mondiale), ce qui permet d’expliquer et d’adoucir les sauts brusques entre les sons. Les animateurs de la radio sont des légendes de la country comme Willie Nelson et Dolly Parton, qui font des apparitions dans de courts interludes amusants.
Sur la première moitié de l’album, Beyoncé évoque son amour pour sa famille ainsi que les épreuves qu’elle a surmontées dans sa carrière et sa vie personnelle. « PROTECTOR » est une magnifique ode à ses enfants, avec l’une des compositions les plus complexes et les plus éloquentes de toute la carrière de la star : “An apricot picked right off a given tree /I gave water to the soil and now it feeds me.”. Elle adopte un ton plus agressif dans une interprétation unique de l’emblématique « JOLENE » de Dolly Parton, menaçant la femme dont elle craint qu’elle ne veuille s’emparer de son homme.
Cette partie de l’album comprend également la ballade country « 16 CARRIAGES », écrite de main de maître et chargée d’émotion, qui n’est pas seulement un moment fort de l’album, mais aussi un moment fort de la carrière.
Elle joue rarement la carte de la sécurité sur cet album, mais il y a quelques exceptions. Sa fidèle interprétation de « BLACKBIRD » des Beatles est élégamment arrangée et jouée, mais ce morceau peu imaginatif n’a pas sa place en tant que deuxième chanson de l’album. « TEXAS HOLD ‘EM » est un morceau de danse en ligne amusant, mais si vous demandiez à l’IA de créer une chanson country de Beyoncé, elle produirait probablement les mêmes clichés de yeehaw.
Mais pour le reste du projet, le mot « safe » ne fait tout simplement pas partie du vocabulaire de Beyoncé. Sur la méchante et vengeresse « DAUGHTER », elle consacre un couplet à l’air d’opéra italien « Caro Miro Ben ». Plus tard, elle se laisse aller à des moments de hip-hop sur « SPAGHETTI » et de soul psychédélique sur « II HANDS II HEAVEN ».
Les featuring de l’album sont mitigés : Beyoncé et Miley Cyrus ont chacun leur rôle à jouer tout en faisant briller leur alchimie sur le simple et doux « II MOST WANTED », mais on ne peut pas en dire autant du featuring inutile de Post Malone sur « LEVII’S JEANS », sur lequel le flow maladroit de Malone diminue la qualité d’un morceau par ailleurs funky.
Au fur et à mesure que l’album progresse, le thème de la country s’estompe et la Beyoncé féroce que nous connaissons et aimons émerge. « Bounce on that shit, dance », répète-t-elle sur le refrain rythmé de « RIIVERDANCE ».
Enfin, le nouvel album de Beyonce se termine avec « SWEET ★ HONEY ★ BUCKIIN » et « AMEN », le premier étant une extravagance en trois parties produite par Pharrell-Williams, où Beyoncé dénonce la discrimination à laquelle elle a été confrontée dans l’industrie de la musique, y compris une attaque justifiée et méritée contre la Recording Academy pour ses refus répétés des Grammy. « AMEN » conclut l’album avec un paysage sonore grandiose qui termine le tourbillon de l’album avec le même son choral que le morceau d’ouverture.
Notre avis sur le nouvel album de Beyonce, Cowboy Carter ? Avec COWBOY CARTER, Beyoncé prouve qu’elle peut à peu près tout faire et qu’elle n’a pas peur d’innover tout en acceptant d’embrasser ses racines. Sa capacité à s’adapter à des genres musicaux apparemment infinis est vraiment étonnante.
La tracklist de Cowboy Carter
« Ameriican Requiem »
« Blackbiird » (feat. Tanner Ardell)
« 16 Carriages »
« Protector »
« My Rose »
« Smoke Hour » (Willie Nelson intro)
« Texas Hold ‘Em »
« Bodyguard »
« Dolly P. » (Dolly Patron intro)
« Jolene »
« Daughter »
« Spaghetti » (feat. Shaboozey)
« Alligator Tears »
« Smoke Hour II »
« Just For Fun »
« II Most Wanted » (feat. Miley Cyrus)
« Levii’s jeans » (feat. Post Malone)
« Flamenco »
« The Linda Martell Show » (intro by Linda Martell)
Place à notre avis sur le nouvel album de Jennifer Lopez en 2024, This is Me… Now. Cela fait une décennie que la chanteuse, actrice et superstarJennifer Lopezn’a pas sorti d’album. Son nouvel album, This Is Me… Now, relie deux boucles : le troisième album This is Me… Then, sorti en 2002, et sa romance avec Ben Affleck, aujourd’hui son mari. Son neuvième album, sur lequel elle revient à ses racines pop, est rempli de l’amour qu’elle partage, tout en révélant sa transformation personnelle.
Il rappelle également l’importance de J.Lo dans la musique pop, avec des millions d’albums vendus, 10 succès dans le top 10 du Billboard 100 et 8 albums dans le top 10 du Billboard 200.
Y a quoi sous le capot de This Is Me…Now le nouvel album de Jennifer Lopez en 2024 ?
This Is Me… Now poursuit l’histoire d’amour de Bennifer (les deux sont sortis ensemble de 2002 à 2004, ont ravivé leur romance en 2021 et se sont mariés en 2022). La chanson titre ouvre l’album avec un pincement de guitare jazzy tandis que la voix soyeuse de J.Lo est soutenue par un rythme de charleston entraînant. Lopez s’envole pleinement sur le refrain poétique. La chanteuse originaire du Bronx, âgée de 54 ans, est fière de son parcours, de la façon dont elle a « appris à grandir » et à renaître à l’amour.
« To Be Yours » prend un rythme hip-hop des années 90, sur lequel Lopez chante avec douceur l’importance de sceller un engagement, déclarant : « Certains jours, nous pouvons encore nous battre/ Mais cela n’a pas vraiment d’importance parce que nous sommes là pour la vie ». Les voix sont superposées et parfois décalées, ce qui crée un effet de flou. La chanson – et une grande partie de l’album – est empreinte d’une sincérité que les auditeurs sarcastiques voudront démonter. Cet album n’est pas pour eux.
« Mad In Love » augmente encore les vibrations romantiques avec des synthés orchestraux en début de morceau qui imitent les films en technicolor avec des fins de conte de fées. Le tout se fond dans une section rythmique funky dans laquelle J.Lo entre comme si nous étions encore dans les années 90, en chantant « forever’s real wit’ cha », se souvenant que « You gave me that ring/ Two decades later, and it still hit the same » et que le retour à l’amour « valait la peine d’attendre ». Le morceau, comme le reste du nouvel album de Jennifer Lopez, est un bop entraînant avec des percussions grésillantes, ainsi qu’un break de rap.
Jennifer Lopez chante « You’ve got me accelerating » sur le joyeux single « Can’t Get Enough », qui fait monter l’énergie avec une jam pop puissante aux saveurs disco et aux accents de trompette. Dès la batterie robotique qui ouvre la chanson, la piste de danse est ouverte sur ce titre phare. Elle a également sorti une version de la chanson avec le rappeur Latto, et l’avenir nous dira lequel des deux aura le plus de succès auprès des fans. En ce qui concerne la vidéo, un petit rappel : Jennifer Lopez a 54 ans.
Les chansons « Not Going Anywhere », « Rebound » et, plus tard dans l’album, « Hearts and Flowers » reprennent les percussions électroniques pulsées à saveur hip-hop. Le premier morceau fait même référence au Harlem Shake, qui était à la mode en 2013, juste avant le dernier album de J.Lo ! « Rebound » a de légers accents de piano, ainsi qu’un grattement de harpe (ou peut-être est-ce les cordes du piano ?).
La chanson ressemble à du R&B des années 90, Lopez chantant sur les relations superficielles. La troisième chanson sonne à la fois comme une chanson de Broadway et comme une chanson de MTV, avec ses rayures de disques et son refrain prêt à être dansé.
La chanson « Dear Ben pt. II », interprétée à la guitare espagnole, commence par ce qui ressemble à une lyre avant que la basse n’arrive, et Jennifer Lopez regarde sa vie avec admiration et gratitude, chantant « When I think you’ll let me down, you lift my hopes/ If I try to pull away, you pull me close ». La chanson est une sorte de liste des choses qu’elle aime à Batma, Affleck.
Le nouvel album de J.Lo célèbre ensuite la façon dont l’amour peut faire de deux personnes les meilleures versions d’elles-mêmes lorsqu’elles sont ensemble sur l’entraînante « Hummingbird », au milieu de sons synthétiques et d’une batterie qui sonne comme si quelqu’un martelait des poubelles.
Après le morose et rebondissant « This Time Around », des cloches d’église et des cordes de harpe chargées de réverbération ouvrent « Midnight In Vegas », qui est biographique et constitue l’un des moments les plus forts de This Is Me… Now. Lopez chante qu’il faut éliminer tout le stress de l’organisation d’un grand mariage – « Nous nous noyons dans les arrangements d’orchidées / Les robes et les pâtisseries / Et s’il pleut ? … Paps, hélicoptères/ Événement de l’âge » – et de s’éclipser pour une fugue discrète. Les paroles de Lopez sont comme un flux de conscience.
Notre avis sur le nouvel album de Jennifer Lopez, This is Me … Now ? L’album se termine par la jam enfumée « Greatest Love Story Never Told » (la plus belle histoire d’amour jamais racontée). Lopez réfléchit à la façon dont elle et Affleck ont trouvé l’amour ensemble à deux reprises, et que le temps entre les deux a été gelé ou mis en pause, en attendant une correction de trajectoire. L’album se termine de manière spectaculaire, avec une section de cordes qui prend lentement le dessus, et tout le reste disparaît.
Place à notre avis sur le nouvel album de The Smile en 2024, Wall of Eyes. La collaboration entre Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead et le batteur de Sons of Kemet, Tom Skinner, a rempli toutes les conditions du premier album de The Smile, 2022’s A Light For Attracting Attention. On y trouve des synthés rétro cool, du krautrock psychédélique, des ballades réfléchies et même un morceau de rock surmultiplié.
Wall of Eyes, le nouvel album de The Smile, reprend là où le dernier album s’est arrêté, mais ressemble presque à des restes de l’album précédent. Bien qu’il soit toujours savoureux, l’album manque de la tension et de l’excitation de son prédécesseur. Il y a moins de variété et plus de profondeur, alors peut-être que l’album s’épanouira avec le temps.
Y a quoi sous le capot de Wall of Eyes le nouvel album de The Smile en 2024 ?
Les deux premières chansons, la chanson titre et « Teleharmonic », coulent avec une énergie vaporeuse. La première met en scène une guitare acoustique grattée contre des percussions qui deviennent de plus en plus désordonnées au fur et à mesure que la chanson progresse.
“You’ll go behind a wall of eyes of your own device/ Is that still you with the hollow eyes?” chante Thom Yorke, qui semble vouloir faire croire qu’il s’agit de l’un des plus grands succès de l’histoire de la musique.
Thom Yorke chantes, semblant critiquer le narcissisme de la culture en ligne. Une vidéo en noir et blanc, réalisée par Paul Thomas Anderson, un des plus grands réalisateurs d’Hollywood, ajoute à l’ambiance artistique.
« Teleharmonic », quant à lui, est un mélange de synthétiseurs et de voix de fausset de Yorke.
Le troisième morceau du nouvel album de The Smile, « Read the Room », est le premier où la musique occupe le devant de la scène. Imaginez la partie guitare de « Dream On » d’Aerosmith sous quaaludes et réassemblée après un passage au mixeur. Yorke prononce les paroles de la chanson avec un ricanement nasal avant que la musique ne ralentisse et ne devienne moins maniaque et que les parties de guitare plus lourdes ne reviennent pour un jam de fin de morceau.
« Under Our Pillows » ressemble à « The Thing » du dernier album du groupe, avec le rythme syncopé de ce que certains appellent le truc de Jonny Greenwood avec les pédales de delay, un son de guitare qui a fait sa première apparition sur « Present Tense » de Radiohead, sur l’album A Moon Shaped Pool de 2016.
Le piano bizarre de « Friend of a Friend » ressemble un peu à une chanson des Beatles écrite par McCartney. En fait, plus tard dans la chanson, des glissandos dissonants (qui passent en douceur d’une note grave à une note beaucoup plus aiguë) donnent une impression un peu plus inquiétante de « A Day in the Life ».
Comme la notion de fin du monde de T.S. Eliot, l’album ne se termine pas par un coup d’éclat, mais par des gémissements musicaux luxuriants et méandreux de Thom Yorke. « Bending Hectic », la chanson la plus longue de l’album avec un peu plus de huit minutes, passe d’une guitare sédentaire et luxuriante à des glissandos plus psychédéliques, pour finalement arriver à un bruit en fusion qui rappelle le vamping musical désorientant des Butthole Surfers.
Mais le chaos bruyant est de courte durée, et l’album se termine par la ballade au piano « You Know Me », qui, comme d’autres chansons de l’album, emmène les auditeurs dans un voyage musical à travers une série d’ambiances sédentaires.
Notre avis sur le nouvel album de The Smile, Wall of Eyes ? On sent que, sans les contraintes liées au fait d’être l’un des groupes de rock les plus influents au monde, Yorke et Greenwood sont enthousiastes à l’idée de repousser leurs limites musicales. C’est le problème quand on fait de très bons albums : même les très bonnes suites peuvent donner l’impression d’une déception. Un deuxième voyage au paradis doit toujours rivaliser avec les souvenirs du premier.
Place à notre avis sur le nouvel album de Green Day en 2024, Saviors. Peu de groupes ont été aussi prolifiques et fiables au cours des quatre dernières décennies que Green Day, icône punk de la baie d’East Bay, et pourtant le 14e album du trio, Saviors, ressemble encore à un retour en forme. Alors que le groupe célèbre les anniversaires de deux de ses albums phares, ce nouvel album semble être le lien sonore entre Dookie et American Idiot.
Cet ensemble de 15 chansons, le premier du groupe depuis Father of All Motherfuckers en 2020, est une collection aussi concentrée et bien construite que le groupe n’en a pas sorti depuis des années. e qu’il n’est un commentaire sur un système qui laisse de côté tant de gens.
Y a quoi sous le capot de Saviors le nouvel album de Green Day en 2024 ?
Dès les premières notes de » The American Dream is Killing Me « , il est facile d’entendre les échos d’Idiot dans cet hymne à trois accords. Le morceau n’est pas tant politiqu
A l’autre bout du spectre, « Look Ma, No Brains ! » est un punk direct et sans fioritures avec un refrain hymnique absolument monstrueux.
Le chanteur Billie Joe Armstrong semble plein de fougue et de fraîcheur, criant sans retenue « Do you wanna be my boyfriend ? » sur la jam punky mid-tempo « Bobby Sox ». Green Day sonne bien, et la section rythmique du bassiste Mike Dirnt et du batteur Tre Cool est reconnaissable et fidèle à sa forme. Des morceaux dynamiques comme « One Eyed Bastard » mettent en valeur le style bluesy du groupe au milieu de la hargne du punk rock.
Il n’est pas juste de faire une comparaison avec American Idiot, un album générationnel qui répondait à un moment précis dans le temps, mais au moins du point de vue de l’écriture, le nouvel album de Green Day Saviors reprend l’énergie des stades avec l’urgence que le groupe a construite au 924 Gilman.
La chanson personnelle et intime « Dilemma » documente les propres démons d’Armstrong et sa lutte contre l’addiction.
“I was sober, now I’m drunk again/ I’m in trouble and in love again/ I don’t want to be a dead man walking,”
Malgré la lourdeur du sujet, le morceau s’envole, offrant l’un des crochets les plus mémorables de l’album. Le nostalgique « 1981 » est une ode à la génération punk passée qui a vu naître MTV. Ironiquement, c’est dans les moments les plus calmes que Saviors brille le plus, comme le rocker mid-tempo » Goodnight Adeline « , clin d’œil à la rue Adeline de l’ouest d’Oakland.
Tout comme « No Brains », l’hymne « Coma City » pulse avec une urgence et une mélodie punk, Dirnt se chargeant du chant d’accompagnement. Bien que les fans adorent les morceaux plus anciens du groupe, il est facile d’imaginer qu’à peu près tout ce qui se trouve sur Saviors peut être joué lors d’un concert de Green Day. « Corvette Summer » s’amuse un peu, avec la cloche à vache et tout le reste, en se penchant sur le rock bombastique.
Le mélodique « Susie Chapstick » maintient le côté doux du groupe en offrant des moments fascinants. Les harmonies vocales sont un peu en retrait avec leur son Beatles-esque, Armstrong s’agrippant à son registre supérieur. Ce qui fait que Saviors fonctionne si bien, c’est que le groupe est conscient de sa propre maturité ; Le nouvel album de Green Day n’essaie pas de raviver Dookie ou American Idiot, mais plutôt de s’inspirer de ces albums pour créer le son 2024 du groupe.
Armstrong arrive en force sur « Living in the ’20s », un morceau enflammé qui s’attaque aux luttes sociétales de l’Amérique moderne. Il est associé à « Strange Days Are Here to Stay », qui ont tous deux un fort impact tant sur le plan mélodique que sur le plan des paroles.
“I never knew that love could be scarier than anger/ I promise, father to a son,”
Saviors se termine par une double dose de la chanson-titre et de la ballade spatiale et sarcastique « Fancy Sauce ».
Bien qu’il ait atteint sa majorité musicale en tant que membre de la génération Woodstock, Joe Cocker était l’un des derniers grands interprètes du rock. Il est devenu surtout célèbre pour ce qu’il a fait avec les paroles des autres, même à une époque qui valorisait plus l’écriture de chansons que le chant. Ainsi, toute liste des meilleures chansons de Joe Cocker comprend nécessairement des morceaux écrits par d’autres.
Mais Cocker a bien choisi – il y a ici des éléments de catalogue des Beatles, Ray Charles, Billy Preston, Animals et Traffic, entre autres – et il a souvent eu le courage de les retravailler radicalement. Ajoutez à cela sa célèbre voix gargarisante, sans parler de quelques jams lâches et fracassants d’une série d’as sidemen, et les mises à jour audacieuses de Joe Cocker ont souvent remplacé même les célèbres originaux.
10 – Delta Lady
On commence notre liste des meilleurs titres de Joe Cocker avec « Delta Lady ». « Delta Lady », un hit n°10 au Royaume-Uni, a été écrit par le futur partenaire de tournée Leon Russell et a finalement pris son envol sur les Mad Dogs et Englishmen suivants, qui ont vu Russell rejoindre un amalgame rock-and-soul bruyant qui comprenait également plusieurs futurs membres de Derek et les dominos.
Au moment où ils en ont fini avec cette chanson, elle était devenue un cri d’amour fulgurant – et presque, mais pas tout à fait, l’équivalent de la version de Russell.
9 – Unchain My Heart
Un passage tant attendu sur l’une des chansons emblématiques de Charles, « Unchain My Heart », est arrivé trop tard pour recevoir la mise à jour définitive qu’il méritait de la part de Cocker. Oh, il a une belle voix, il chante avec un désespoir poncé. Le reste de la sensation instantanément datée du morceau – de sa cadence sans air à son riff sans visage en passant par son sax pédant – finit cependant par empêcher cette chanson de figurer plus haut sur notre liste. S’il y a des moments où on a l’impression d’écouter un génie coincé dans une publicité pour la bière, eh bien, il y a une raison à cela.
8 – When the Night Comes
Nous sommes dans les années 80, Cocker se tourne vers des auteurs-compositeurs spécifiques à cette période comme Diane Warren, Jim Vallance et Bryan Adams, complétés ici encore par un son élégant et modernisé. Pourtant, ce hit n°11 du Billboard – la dernière entrée de Cocker dans le Top 40 – a montré que l’écorce distinctive de Cocker pouvait parfois briser les valeurs de production vaporeuses de l’époque. Des points bonus si vous identifiez le prodige Aldo Nova, de la renommée « Fantasy », à la guitare solo. L’une des meilleures chansons de Joe Cocker.
7 – She Came in Through the Bathroom Window
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Joe Cocker avec « She Came in Through the Bathroom Window ». Cocker revient bien aux Beatles pour un autre morceau après sa version en tête des charts britanniques de « With a Little Help From My Friends » de l’année précédente (que l’on retrouve plus tard dans notre liste des 10 meilleures chansons de Joe Cocker).
Comme on pouvait s’y attendre, « She Came in Through the Bathroom Window », qui venait de sortir sur Abbey Road, a un peu moins d’impact – du moins en Angleterre, où il n’a pas du tout été enregistré. La chanson est en fait devenue le single le mieux classé de Cocker à l’époque aux États-Unis, atteignant la 30e place.
6 – You Can Leave Your Hat On
Les paroles espiègles de Randy Newman sont interprétées de manière sournoise et salace, ce qui a valu à Cocker un succès dans le Top 40 des charts rock grand public. Pourtant, aussi amusante soit-elle, cette version cuivrée de « Hat On » reste un autre exemple rare où Cocker – bien qu’associé à certains des as sidemen de l’époque comme Richie Zito et Mike Baird – n’a pas tout à fait surpassé l’original. Bien sûr, il n’y a aucune honte à cela. Jerry Garcia et Three Dog Night non plus, entre autres. Merci à Cocker de s’être rapproché et de s’amuser beaucoup plus avec.
5 – You Are So Beautiful – l’une des meilleures chansons de Joe Cocker
Doté d’un arrangement brillamment ralenti par le producteur Jim Price, « You Are So Beautiful » de Preston est devenu cette exploration incroyablement magnifique de la fragilité de l’amour entre les mains de Cocker. Chaque craquement dans sa voix fait remonter un autre doute sous-jacent. Dans un retournement de situation, Dennis Wilson des Beach Boys a ensuite revendiqué la co-auteur de la chanson.
4 – Don’t Let Me Be Misunderstood
Joe Cocker trouve l’une des meilleures plates-formes pour ses styles anthémiques et au cœur brisé sur une chanson écrite par Nina Simone mais dont on se souvient mieux via la version à succès de 1965 des Animals. À l’époque, Eric Burdon, aux poumons de cuir, semblait avoir créé un hommage audacieux pour l’adolescence mise en scène.
Au moment où Cocker en avait fini, il renaissait sous la forme d’une chose très adulte, les excuses aux mains blanches de cet amant imprudent. Le guitariste des Future Wings, Henry McCullough, fournit la guitare de clôture rédemptrice. Cocker a refait cela plus tard dans Organic de 1996, mais il n’a pas pu se surpasser.
Place au podium…
3 – The Letter
Cocker a eu un succès similaire en éliminant le hit de Box Tops de 1967, lui donnant une complexité plus sombre qui n’existait pas auparavant. Bien sûr, personne n’allait surpasser Alex Chilton, même à ce jeune âge. Mais l’orchestre coriace de Cocker ajoute du grain à une chanson qui était à l’origine entravée par des cordes sirupeuses et même par un effet sonore d’avion inutile.
Et personne ne peut paraître aussi angoissé que Cocker à son meilleur. Il s’agit de son single américain le mieux classé jusqu’à ce que « You Are So Beautiful » atteigne la cinquième place cinq ans plus tard. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Joe Cocker.
2 – With a Little Help From My Friends – l’une des meilleures chansons de Joe Cocker
Qui aurait cru qu’il y avait autant de pathos à trouver dans une petite pièce loufoque de l’album Sgt. Pepper des Beatles ? Et ce n’est pas seulement le hurlement de chien blessé de Cocker. La chanson « With a Little Help » a été radicalement réarrangée, avec un long passage instrumental comprenant des apartés de Jimmy Page et de B.J. Wilson de Procol Harum.
Le collaborateur de longue date Chris Stainton est également de la partie. La version de Cocker est devenue numéro un au Royaume-Uni, puis est devenue le moment le plus mémorable de sa prestation à Woodstock l’année suivante, qui a marqué sa carrière.
1 – Feelin’ Alright
On place « Feelin » Alright » en tête de notre clasement des meilleures chansons de Joe Cocker. Cocker a commencé par supprimer le point d’interrogation de l’original très apprécié de Dave Mason avec Traffic. Ce n’était pas un hasard. Après tout, l’original de Mason était un morceau ruminatif.
Cocker commence plutôt par cette figure de piano anticipatrice avant que la chanson ne prenne une allure affirmée et funky à l’infini. Et Cocker a l’air de ne pas se sentir mieux. C’est ce qui a permis à sa version de se hisser deux fois au sommet des hit-parades, d’abord en 1969, puis à nouveau en 1972, où elle a atteint le 33e rang.
Place à notre liste des meilleures chansons de Paul McCartney. L’influence de Sir Paul McCartney en tant que chanteur, parolier, musicien et ancien membre de l’un des plus grands groupes musicaux de l’histoire du divertissement populaire en a fait une icône vénérée. Pendant son temps avec les Beatles, il a écrit certaines de leurs plus grandes chansons à succès des années 1960, telles que « I Saw Her Standing There », « Can’t Buy Me Love » et « Let It Be ». Après la séparation du groupe en 1970, il a sorti son premier album solo classique, qui comprenait le single à succès « Maybe I’m Amazed ».
En 1971, McCartney a formé le groupe Wings avec sa femme Linda, et bien qu’il ait eu un nombre changeant de membres tout au long des années 1970, le groupe a sorti plusieurs chansons à succès, dont « Live and Let Die », « Band on the Run », « Silly Love Songs » et « With a Little Luck ». McCartney est retourné en solo en 1980, suivi d’une autre série de succès, collaborant de manière mémorable avec des artistes tels que Stevie Wonder et Michael Jackson sur « Ebony and Ivory » et « Say Say Say », respectivement.
Tout au long de sa vie, McCartney a évolué continuellement en tant qu’artiste, musicien et parolier. Il est l’un des artistes les plus récompensés de l’histoire, ayant été honoré de 18 Grammy Awards, d’un Oscar et d’un Emmy, et a été nommé membre de l’Ordre de l’Empire britannique. En tant qu’artiste, McCartney n’a pas seulement écrit ou coécrit 32 chansons n° 1, il a également été la force motrice derrière peut-être le premier véritable album concept du rock, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Il a également été parmi les premiers artistes à fusionner des éléments de pop, de rock et de musique classique dans des chansons à succès qui ont été influentes dans la croissance et le développement de la musique populaire moderne. Même aujourd’hui, McCartney se produit toujours à guichets fermés dans tous les coins du globe. Découvrons ensemble notre classement des 15 meilleures chansons de Paul McCartney.
Notre Top 15 des meilleures chansons de Paul McCartney
15 – Band on the Run
On commence notre liste des 15 meilleures chansons de Paul McCartney avec « Band on the Run ». La chanson titre de Band on the Run sera en tête des charts au cours de l’été 1974. En tant que l’un des plus grands succès de McCartney et un classique intemporel, « Band on the Run » s’inspire de nombreuses inspirations différentes, l’une d’entre elles étant une remarque de Harrison, préoccupé par une série de problèmes avec leur label Apple Records et leur ancien manager Allen Klein. Le simple fait d’enregistrer « Band on the Run » a été une expérience ardue car Wings avait été réduit à un trio, comprenant uniquement McCartney, sa femme Linda et l’ancien guitariste de Moody Blues Denny Laine.
Cependant, la situation est devenue encore plus pénible lorsque le groupe a été braqué sous la menace d’un couteau à l’aéroport de Lagos alors qu’ils étaient en route pour enregistrer l’album. Lors de l’agression, ils ont été contraints de renoncer aux démos de leurs enregistrements et ont donc dû faire tout le travail en studio tout en coupant de mémoire les morceaux de l’album. Les deux premières parties de la chanson ont été enregistrées au Nigeria tandis que la troisième partie a été enregistrée aux AIR Studios de Londres. « Band on the Run » est structuré comme un morceau en trois parties, la première partie étant une ballade, la seconde un exemple de pur rock et de funk, et la troisième prenant une tournure country-rock. La chanson remportera le Grammy Award de la meilleure performance vocale pop par un duo, un groupe ou un chœur en 1975.
14 – Jet – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney
« Jet » est l’un des plus grands succès de McCartney et Wings et a été le premier single sorti de leur énorme album Band on the Run au début de 1974. C’est une chanson purement rock écrite et composée par McCartney et constitue l’une des meilleures représentations de l’incroyable variété de morceaux que l’on trouve sur le disque. Bien qu’il y ait toujours eu des spéculations sur ce qui a inspiré cette chanson, la réponse est en réalité assez simple.
Dans une interview accordée à GQ en 2018, McCartney a révélé qu’il avait écrit « Jet » en regardant un poney noir qu’il possédait, nommé Jet, dans sa ferme en Écosse. Contrairement au reste des chansons classiques de Band on the Run, qui ont été enregistrées à Lagos, au Nigeria, « Jet » a été enregistré aux studios Abbey Road/EMI. C’est une chanson très demandée par les fans de McCartney au fil des années et qui figure presque toujours dans ses concerts et lors de ses tournées de concerts. C’est vraiment un joyau power-pop.
13 – My Love
Il est important de se rappeler que lorsque les critiques critiquent une chanson, cela peut souvent être diamétralement opposé à la façon dont elle est reçue par les auditeurs ou d’autres artistes, que ce soit au moment de sa sortie ou même aujourd’hui. Ce fut le cas avec « My Love », qui fut un raté critique. Cependant, la chanson de Paul McCartney et Wings a dominé les charts pendant quatre semaines au début de l’été 1974. Fait intéressant, elle a été écrite à l’époque où McCartney était en train de gérer la relation tendue avec ses anciens camarades du groupe des Beatles.
La chanson a été écrite, comme beaucoup de ses grandes ballades d’amour, en hommage à sa femme, son âme sœur et, à l’époque, sa camarade de groupe, Linda. Ce morceau magnifique et touchant figurait à juste titre dans le programme musical des services commémoratifs de Linda, décédée d’un cancer en 1998. Dans ses concerts et spectacles, McCartney interprète souvent « My Love » en hommage à elle et à leur vie ensemble. L’une des meilleures chansons de Paul McCartney.
12 – Live and Let Die – l’un des meilleurs titres de Paul McCartney
Associant deux icônes pop typiquement britanniques, Sir Paul et l’espion fictif bien-aimé James Bond, « Live and Let Die » n’était pas seulement un succès retentissant qui a atteint la première place de deux des trois principaux charts américains à l’époque, mais était également le premier thème de James Bond à obtenir une nomination aux Oscars (il a également été nominé pour un Grammy en 1974).
Il est intéressant de noter que les producteurs de Bond, Harry Saltzman et Albert R. Broccoli, voulaient que McCartney écrive la chanson titre du film, mais ils avaient en fait en tête Shirley Bassey ou Thelma Houston pour l’interpréter. Cependant, McCartney n’autoriserait pas que la chanson soit utilisée dans le film si lui et son groupe Wings ne pouvaient pas l’interpréter. La décision de McCartney a conduit à l’inclusion peut-être de l’un des plus grands succès de tous les temps dans le canon de James Bond et de la première véritable chanson rock à apparaître dans la franchise. Il n’a fallu qu’un seul après-midi à McCartney pour composer « Live and Let Die » après avoir lu le roman d’espionnage original de Ian Fleming. Le développement de la chanson aux AIR Recording Studios et son arrangement ont réuni McCartney avec l’ancien producteur des Beatles Sir George Martin qui a également composé et produit la bande originale du long métrage.
11 – Uncle Albert/Amiral Halsey
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Paul McCartney avec « Uncle Albert ». Même si ce n’était pas la première fois qu’il écrivait une chanson à succès sur l’un des membres de sa famille ou de ses amis, « Uncle Albert/Amiral Halsey » marquait la première fois que McCartney écrivait sur un parent dont le nom apparaissait même dans le titre. La chanson n’était pas seulement le premier succès à inclure sa femme au cours de cette période, c’était aussi la première au cours de sa carrière solo à inclure des effets sonores spéciaux habituellement réservés aux bandes sonores de films ou de télévision, tels que des orages et d’autres sons environnementaux.
« Uncle Albert » serait en tête des charts à la fin de l’été 1971. En particulier, la chanson fut l’une des premières à ressembler à deux chansons en une, car elle était écrite sur deux personnages différents et chaque partie du morceau avait un son différent. ressentir de l’autre. Il contient également l’une des lignes les plus mémorables de tous les morceaux classiques écrits par McCartney, « Hands across the water », qui donne le sentiment euphorique de chanter avec un public.
Notre Top 10 des meilleures chansons de Paul McCartney
10 – Maybe I’m Amazed
On entre dans le top 10 des meilleurs morceaux de Paul McCartney avec « Maybe I’m Amazed », qui présente McCartney jouant de tous les instruments, y compris la guitare, la basse, l’orgue, le piano et la batterie. McCartney a écrit la chanson avant la séparation des Beatles en 1969, et elle est apparue sur son premier album, McCartney. Inspiré par sa femme Linda, qui l’avait aidé à traverser la période difficile où les Beatles se désintégraient lentement, la chanson est devenue un exutoire à la fois de son amour pour sa femme et du dévouement qu’il aurait pour continuer à créer de la bonne musique.
La chanson a été reprise par un certain nombre d’artistes et de groupes, dont Faces, George Lam, Joe Cocker et Billy Joel. Un film promotionnel a également été réalisé à cet effet, un peu comme ceux qui avaient été réalisés pour chacun des singles des Beatles, contenant des images fixes de McCartney et de sa famille. Il a été diffusé sur The Ed Sullivan Show à peu près au même moment où McCartney lui-même annonçait son départ des Beatles.
9 – Let It Be – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney
McCartney a écrit « Let It Be » après avoir rêvé de sa mère lors des sessions stressantes et tendues de 1968, au cours desquelles ils ont enregistré ce qui est devenu l’album blanc. La mère de McCartney est décédée d’un cancer alors qu’il avait 14 ans, et la douleur traumatisante de cet événement était un point commun qu’il partageait avec Lennon, qui avait également perdu sa mère très jeune. Au cours de la série documentaire Get Back réalisée par Peter Jackson, nous pouvons voir McCartney travailler réellement sur la chanson ainsi que sur son enregistrement initial.
Cependant, « Let It Be » a subi un certain nombre de changements avant d’être finalement rendu public. La première version, mixée par Glyn Johns, contiendrait un solo de guitare électrique plus doux de Harrison et des cordes arrangées par George Martin, tandis que la seconde contenait un solo de guitare plus audacieux et les cordes étaient mixées plus fort par un nouveau producteur. , Phil Spector. La version Martin deviendrait la version unique de la chanson et elle figurerait en tête des charts au printemps 1970, chose intéressante, juste après que McCartney lui-même ait annoncé son départ des Beatles. « Let It Be » était aussi la première et la seule fois où sa femme, Linda, qui contribuait aux chœurs, apparaissait dans une chanson des Beatles.
8 – Hey Jude
Comment ne pas placer »Hey Jude » dans une liste des meilleures chansons de Paul McCartney ? À l’origine, l’une des chansons les plus emblématiques de McCartney de tous les temps s’intitulait « Hey Jules ». Sir Paul a écrit cette chanson à succès classique pour réconforter Julian Lennon, le fils de 6 ans de son camarade de groupe John, qui avait divorcé de la mère de Julian en faveur d’une relation avec l’artiste d’avant-garde Yoko Ono. En fait, McCartney a écrit la chanson entière lors d’un trajet en voiture pour rendre visite au jeune Julian et à sa mère, Cynthia, après sa rupture avec son père.
Au cours de l’automne 1968, « Hey Jude » passera neuf semaines au sommet des charts. C’était également le premier single à sortir par le nouveau label des Beatles, Apple Records. Le développement de la chanson et de l’album blanc a révélé les énormes tensions qui grandissaient au sein du groupe. En fait, pendant une brève période lors de la création de l’album, Starr avait quitté les Beatles. Au moment où la vidéo promotionnelle de « Hey Jude » a été tournée, Starr était de retour et le clip a été filmé avec un public en direct qui s’est avancé pour rejoindre le groupe en chantant sa coda. La chanson présente McCartney au piano, à la basse et au chant principal, et comprend également un orchestre de 36 musiciens jouant en arrière-plan. En 2001, ce titre classique a été intronisé au Grammy Hall of Fame.
7 – Penny Lane
Pour McCartney, « Penny Lane » servirait à donner à chacun de nous une fenêtre sur les images et les sons de son enfance alors qu’il grandissait dans la ville portuaire ouvrière de Liverpool. D’une certaine manière, la chanson est essentiellement une visite guidée d’une rue qui était un lieu familier non seulement pour McCartney, mais aussi pour chacun de ses camarades du groupe. Au moment où McCartney a écrit « Penny Lane », il était fortement influencé par le travail de Brian Wilson sur l’album Pet Sounds des Beach Boys, acclamé par la critique.
Lors de l’enregistrement de « Penny Lane », McCartney avait l’impression que la chanson avait besoin d’un composant supplémentaire pour donner un coup de pouce au morceau. Par coïncidence, il a eu l’idée d’ajouter une trompette piccolo à la chanson après avoir vu le trompettiste classique David Mason jouer de l’instrument lors d’une émission télévisée de la BBC du deuxième Concerto brandebourgeois de Johann Sebastian Bach. L’électrisant solo de trompette piccolo de Mason que vous entendez sur « Penny Lane » a été enregistré en une seule prise. La chanson restera en tête des charts pendant une semaine au printemps 1967, précédant la sortie du chef-d’œuvre Sgt. Groupe du Pepper’s Lonely Hearts Club. Le titre reste encore aujourd’hui l’un des meilleurs morceaux de Paul McCartney.
6 – Eleanor Rigby
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Paul McCartney avec « Eleanor Rigby ». À la fin de 1966, les Beatles dominaient le monde de la musique populaire comme aucun autre groupe musical ne l’avait jamais fait auparavant. Pourtant, la routine de « Beatlemania » avait fait des ravages sur chacun des membres du groupe à ce moment-là, et ils ont donc décidé qu’il était temps de s’éloigner des tournées pour se concentrer sur le processus de création de bonne musique en studio. . Le résultat de leurs efforts créatifs fut l’album révolutionnaire Revolver, qui contenait la chanson à succès unique « Eleanor Rigby », écrite et composée par McCartney.
La chanson présente McCartney soutenu par un quatuor à cordes avec ses camarades du groupe fournissant uniquement des chœurs, semblables à son chef-d’œuvre précédent, « Yesterday ». C’était un succès classique, mais c’est le message d' »Eleanor Rigby » qui aurait peut-être le plus grand impact. Dans un essai de 2021 pour The New Yorker, McCartney a écrit que son inspiration pour la chanson était une femme âgée qui vivait seule et qu’il avait eu l’occasion de très bien connaître lorsqu’il était jeune.
5 – Paperback Writer – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney
Imaginez que votre tante vous met au défi d’écrire une chanson à succès classique. À l’automne 1965, McCartney reçut exactement cela de sa tante Lil, qui lui demanda d’écrire une chanson qui ne parlait pas d’amour. Sa demande, à son tour, servira de genèse à la chanson à succès « Paperback Writer ». Plus tard, McCartney dira qu’après le plaidoyer de sa tante, l’autre inspiration pour la chanson est venue lorsqu’il a vu Starr lire un livre dans les coulisses après un concert. Il a terminé l’écriture de la chanson alors qu’il conduisait depuis Londres pour rendre visite à Lennon, qui vivait à Surrey, à quelques minutes en voiture.
« Paperback Writer » sera en tête des charts pendant deux semaines au début de l’été 1966. Cependant, la chanson est également remarquable car elle a conduit à la création de l’un des tout premiers vidéoclips intentionnels. Tournée le 20 mai 1966 par Michael Lindsey-Hogg qui réalisera plus tard le documentaire Let It Be, la vidéo présente le groupe dans les jardins et la véranda de la célèbre Chiswick House à Londres. Il a été diffusé pour la première fois sur l’émission Top of the Pops de la BBC le 2 juin 1966.
4 – Yesterday
L’une des plus grandes chansons jamais écrites dans l’histoire de la musique populaire s’appelait peut-être « Scrambled Eggs » à un moment donné lors de sa création. Bien que le nom « Yesterday » vienne de Lennon, la chanson a été écrite et composée par McCartney. Il restera en tête des charts pendant quatre semaines aux États-Unis à l’automne 1965, alors qu’il ne sortit en single au Royaume-Uni qu’en 1976. McCartney composa toute la mélodie de la chanson dans un rêve une nuit dans sa chambre, qui se trouvait chez les parents de Jane Asher à Londres. Il a complété les paroles lors d’un voyage de vacances au Portugal au cours de l’été 1964.
« Yesterday » a été la première chanson des Beatles à faire appel à des musiciens extérieurs et à bénéficier du soutien d’un quatuor à cordes. Au cours de l’un des moments les plus mémorables de l’histoire de la télévision, McCartney interprétait la chanson en solo, en direct au Ed Sullivan Show, le soir du 14 août 1965. En 1997, la chanson serait intronisée au Grammy Hall of Fame. « Yesterday » a été repris à de nombreuses reprises au fil des ans et a contribué à l’introduction des cordes dans les ballades pop et rock, une tendance qui s’est poursuivie dans la musique populaire jusqu’à ce jour.
Et le podium est…
3 – And I Love Her
« And I Love Her » n’est pas seulement une chanson classique écrite par McCartney, c’est l’une des plus belles chansons jamais composées. Bien que ses camarades du groupe y aient apporté quelques contributions, avec Lennon fournissant quelques paroles, George Harrison ajoutant les riffs de guitare acoustique emblématiques et Starr jouant des bongos, chacun d’eux reconnaîtrait que, depuis sa création, « And I Love Her » était principalement piloté par McCartney.
En fait, Lennon ferait référence à « And I Love Her » comme étant « le premier » Yesterday « de Paul » – faisant allusion à la chanson emblématique que McCartney écrira plus tard et qui deviendra l’une des plus grandes chansons d’amour de tous les temps. Chose intéressante, McCartney sortait avec l’actrice Jane Asher au moment où « And I Love Her » a été écrit, et le film a en fait été écrit dans le sous-sol de la maison de ses parents à Londres. Bien qu’il s’agisse de l’une des plus belles ballades de tous les temps et qu’elle ait été reprise par un certain nombre d’artistes, dont Kurt Cobain, les Beatles n’ont interprété la chanson qu’une seule fois en direct dans l’émission de radio Top Gear de la BBC, le 14 juillet 1964, diffusée pendant deux jours. plus tard. Comme « Can’t Buy Me Love », la chanson apparaît à la fois sur l’album A Hard Day’s Night et pendant le long métrage. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Paul McCartney.
2 – Can’t Buy Me Love – l’un des meilleurs titres de Paul McCartney
Juste avant que les Beatles ne fassent leur apparition historique au Ed Sullivan Show le soir du 9 février 1964, McCartney a écrit cette chanson à succès classique sur un piano droit alors que le groupe séjournait à l’hôtel cinq étoiles George V à Paris, en France. . La chanson a également été enregistrée à Paris le 29 janvier 1964 aux studios Pathé Marconi, avant d’être achevée le 25 février 1964 aux studios EMI de Londres. Il n’a fallu que quatre prises aux Fab Four pour clouer cette chanson en studio pendant le processus d’enregistrement.
« Can’t Buy Me Love » était la seule chanson à succès des Beatles interprétée en anglais à ne pas être enregistrée à Londres. Il est sorti le 16 mars 1964 et a dominé les charts pendant cinq semaines lors de la première étape de ce qui est devenu mondialement connu sous le nom de « Beatlemania ». La chanson n’a pas seulement été écrite par McCartney, mais c’est aussi lui que l’on entend chanter la voix principale. « Can’t Buy Me Love » est un numéro rythmé et bruyant qui est également apparu dans le premier long métrage des Beatles, A Hard Day’s Night, qui a été projeté sur les écrans pour des fans très enthousiastes à travers le monde au cours de l’été 1964.
1 – I Saw Her Standing There
On place « I Saw Her Standing There » en 1ère place de notre liste des meilleures chansons de Paul McCartney. Bien que ce ne soit pas la première chanson écrite par McCartney en tant que membre des Beatles, « I Saw Her Standing There » a été l’un des premiers succès classiques à être principalement écrit et composé par lui. Il a écrit la chanson en 1962 alors qu’il rentrait chez lui après un concert des Beatles et a élaboré sa composition au domicile de Rory Storm, dont le groupe comprenait le futur batteur des Beatles, Ringo Starr. À l’époque, McCartney sortait avec une jeune femme de 17 ans du nom de Celia Mortimer qui pourrait bien avoir inspiré la chanson.
La chanson a été enregistrée lors des sessions épuisantes du premier grand album des Beatles, Please Please Me, lorsque 10 des 14 chansons de l’album ont été enregistrées en une seule journée aux studios d’enregistrement EMI (aujourd’hui Abbey Road) le 11 février 1963. « Je Saw Her Standing There » est également l’un des premiers des Beatles à présenter McCartney – et non John Lennon – comme chanteur principal. McCartney a inclus la chanson sur plusieurs de ses albums solo et l’a interprétée sur scène avec d’autres artistes. En fait, c’est peut-être la seule chanson que chacun des anciens Beatles interpréterait au cours de sa carrière solo lors de ses concerts.
Depuis plusieurs décennies, les meilleures chansons des Chemical Brothers ont puisé dans des influences allant du psychédélisme au hip-hop, redéfinissant la notion de musique de danse. Depuis le début des années 90, les Chemical Brothers – Tom Rowlands et Ed Simons – n’ont cessé de repousser les limites de la musique électronique.
À une époque où la musique de danse était l’apanage des clubs, le duo a embrassé le hip-hop, le psychédélisme, le jazz et l’indie pour créer un son initialement qualifié de Big Beat et qui est devenu plus riche et plus éclectique à chaque album. Au fil des ans, les Chemical Brothers ont fait appel à un nombre impressionnant de collaborateurs pour leurs chansons, de Noel Gallagher d’Oasis à Q-Tip de A Tribe Called Quest, accumulant au passage les tubes.
Notre top 10 des meilleures chansons des Chemical Brothers
10 – Out Of Control (Surrender, 1999)
On commence notre liste des meilleures chansons des Chemical Brothers avec « Out of Control ». Le tube dance numéro 1 au Royaume-Uni « Out Of Control » mettait en scène deux héros indie de la jeunesse de Tom et Ed : Bernard Sumner de Joy Division/New Order et Bobby Gillespie de Primal Scream.
C’est l’une des chansons dansantes les plus percutantes de l’album Surrender des Chemical Brothers, avec des basses lancinantes, proches de la transe, et des rythmes usinés. Mais vers la quatrième minute et demie, le rythme s’essouffle et les guitares surmultipliées et les bruits électroniques se combinent pour un moment de magie avant que le rythme ne reprenne, un bref interlude qui démontre la compréhension instinctive de la dynamique par le duo.
9 – Galvanize (Push The Button, 2005) – l’une des meilleures chansons des Chemical Brothers.
Le premier single de Push The Button (et numéro 3 au Royaume-Uni) était un appel universel à l’action avec Q-Tip de A Tribe Called Quest au chant. Dix ans plus tard, les Chemical Brothers continuent d’élargir leur son : l’accroche instrumentale de « Galvanize » est un sample de la partie de cordes serpentant dans « Hadi Kedba Bayna », une chanson de la chanteuse marocaine Najat Aatabou.
« Galvanize » est un autre exemple de la capacité des Chemical Brothers à créer une musique de danse palpitante, prête à faire la fête, à partir de sources disparates. Il leur a d’ailleurs valu le Grammy du meilleur enregistrement de danse en 2006.
8 – Life Is Sweet (Exit Planet Dust, 1995)
En 1994, les Chemical Brothers ont remixé « Patrol » des Charlatans, ce qui a incité le chanteur Tim Burgess à participer au chant de ce morceau phare de leur premier album, Exit Planet Dust. Le duo manipule les voix de Burgess – en y ajoutant de la distorsion, en les faisant pivoter dans le paysage sonore du morceau, ce qui ajoute un sentiment d’inquiétude à une chanson des Chemical Brothers déjà très énervée.
Cela signifie que lorsque le chant de Burgess apparaît sans effets, il sonne comme un chérubin, ajoutant une dimension sentimentale au morceau. C’est un signe précoce qu’il y avait beaucoup plus pour eux que de remplir des clubs. L’une des meilleures chansons des Chemical Brothers.
7 – Go (Born In The Echoes, 2015) – l’un des meilleurs titres des Chemical Brothers
La deuxième chanson des Brothers à laquelle participe Q-Tip est une autre gagnante. La chanson « Go », vive et drôlement funky, a été portée à un autre niveau par les jeux de mots intelligents du rappeur et par le refrain qui fait l’effet d’un stade (« We’re only here to make you go » – comme si cela n’avait jamais fait l’objet d’un doute).
La chanson a également donné lieu à des retrouvailles entre les Chemical Brothers et le cinéaste Michel Gondry (Eternal Sunshine Of The Spotless Mind), qui a réalisé son clip typiquement stylisé et surréaliste.
6 – Hey Boy Hey Girl (Surrender, 1999) – l’une des chansons les plus connues des Chemical Brothers.
« Hey Boy Hey Girl » nous rappelle que si Surrender a permis au duo d’expérimenter des sonorités plus sophistiquées que jamais, il est toujours capable de livrer un banger bien senti. L’appel au dancefloor (« Superstar DJs, here we go ! ») a été samplé à partir de « The Roof Is On Fire » de Rock Master Scott & The Dynamic Three, faisant découvrir ce classique du hip-hop à une toute nouvelle génération.
5 – Setting Sun (Dig Your Own Hole, 1997)
Les Chemical Brothers n’ont jamais hésité à déclarer leur amour des chansons des Beatles, mélangeant régulièrement leurs propres « Chemical Beats » avec le titre révolutionnaire de Revolver « Tomorrow Never Knows » pendant leurs concerts. Lorsque l’on a appris qu’ils avaient travaillé avec Noel Gallagher, auteur-compositeur d‘Oasis, le titre très attendu a été surnommé « Tomorrow Never Noels » par la presse.
« Setting Sun » a répondu aux attentes. Basé sur une vieille démo d’Oasis, il s’agit d’une mise à jour intense et vivante du chef-d’œuvre expérimental des Beatles et d’un single numéro 1 au Royaume-Uni. Noel reviendra sur Surrender pour l’éblouissant « Let Forever Be », suggérant un univers parallèle dans lequel les Chemical Brothers ont produit le troisième album d’Oasis et créé un classique du psych-rock.
4 – Leave Home (Exit Planet Dust, 1995)
Le premier single sorti sous le nom de The Chemical Brothers (plutôt que The Dust Brothers) était une déclaration d’intention. Le sample répété de « The brothers gonna work it out » (tiré du morceau house de Blake Baxter du même nom) nous assure que nous sommes entre de bonnes mains avant qu’ils ne déchaînent les breakbeats tout-puissants et les lignes de basse diaboliques de « Leave Home ». Près de trois décennies plus tard, l’énergie et la puissance de cet album restent intactes.
Place au podium des meilleures chansons des Chemical Brothers
Block Rockin’ Beats (Dig Your Own Hole, 1997)
Le deuxième single des Brothers, numéro 1 au Royaume-Uni, est une distillation du son qui a fait leur réputation – ces beats étaient si gros qu’ils pouvaient très bien faire trembler des pâtés de maisons entiers. Un sample du morceau « Gucci Again » du rappeur américain Schooly D, sorti en 1989, a donné son titre à la chanson, tandis que le break de batterie irrésistiblement funky provient du solo de Bernard Purdie sur « Them Changes ».
Ajoutez à cela de nombreuses sirènes de raid aérien et une ligne de basse délicieusement crasseuse et vous obtenez « Block Rockin’ Beats ». Bienvenue sur le podium des meilleures chansons des Chemical Brothers.
The Sunshine Underground (Surrender, 1999) – l’une des meilleures chansons des Chemical Brothers
La pièce maîtresse de Surrender commence de manière béatifique, avec un sample de sitar en boucle et des lavis de synthé ambiants qui laissent place à une section groove qui n’aurait pas dépareillé sur les The Three EPs de The Beta Band. Le calme est interrompu par l’arrivée d’un rythme percutant, transformant cette chanson des Chemical Brothers en une rave cosmique fantastique et sans limites pour les âges.
Star Guitar (Come With Us, 2002)
En tête de notre classement des meilleures chansons des Chemical Brothers, on retrouve « Star Guitar ». Pure évocation de l’extase du dancefloor, « Star Guitar » est à la fois luxuriant, induisant la transe et inexplicablement émouvant. Le titre tire son nom d’un sample du premier riff de guitare acoustique de « Starman » de David Bowie, imbibé de phasers et d’effets et presque méconnaissable.
La voix répétée de Beverley Skeete, « You should feel what I feel, you should take what I take », ajoute à l’impression de fête communautaire et de réalité altérée. La chanson a pris une autre dimension grâce au clip inoubliable de Michel Gondry, une union parfaite entre la chanson et l’image.
Place à notre classement des meilleures chansons des Temptations. Avec leurs harmonies harmonieuses, leurs chorégraphies complexes et leurs tenues élégantes, ils ont captivé le public du monde entier et produit une série de chansons à succès qui ont défini le son Motown.
Que vous soyez un fan de longue date ou un nouvel adepte de leur musique, vous découvrirez pourquoi les Temptations sont toujours vénérés comme les « empereurs de la soul ».
Notre top 10 des meilleures chansons des Temptations
10 – You’re My Everything
On commence notre liste des 10 meilleures chansons des Temptations avec « You’re My Evrything ».
« You’re My Everything » est sorti en 1967 en tant que troisième single de l’album The Temptations with a Lot o’ Soul.
Elle a été écrite par Norman Whitfield, Cornelius Grant et Rodger Penzabene, qui a également écrit deux autres chansons pour le groupe : « I Wish It Would Rain » et « I Could Never Love Another (After Loving You) ». La chanson est inspirée par l’amour de Penzabene pour sa femme, qui l’avait trompé mais qu’il aimait toujours profondément.
Elle est chantée par Eddie Kendricks et David Ruffin, qui alternent les couplets et chantent ensemble sur le refrain. La chanson a également une mélodie entraînante et optimiste, portée par un riff de guitare de Grant et une section de cuivres des Funk Brothers.
9 – I’m Gonna Make You Love Me (with the Supremes)
Sur « I’m Gonna Make You Love Me », les Temptations font équipe avec un autre groupe de la Motown, Diana Ross et les Supremes.
La chanson a été écrite par Kenneth Gamble, Leon Huff et Jerry Ross en 1966, et enregistrée à l’origine par Dee Dee Warwick, la sœur de Dionne Warwick.
La chanson a été publiée en novembre 1968 en tant que premier single de l’album Diana Ross & the Supremes Join The Temptations, qui présentait des collaborations entre les deux groupes.
Elle est chantée par Diana Ross et Eddie Kendricks, avec un interlude parlé par Diana Ross et Otis Williams.
Ce fut un énorme succès, atteignant la deuxième place du Billboard Hot 100 et du R&B en janvier 1969. Elle a également été un succès dans d’autres pays, comme le Canada, le Royaume-Uni, l’Australie et l’Irlande.
8 – Get Ready
« Get Ready » a été écrite et produite par Smokey Robinson, qui était également chanteur et compositeur pour un autre groupe de la Motown, The Miracles. Il a écrit cette chanson pour répondre à la dernière mode en matière de danse, « The Duck », qui consistait à bouger les bras et les jambes à la manière d’un canard.
La chanson est interprétée par Eddie Kendricks, qui chante d’une voix de fausset aiguë. Il est rejoint par les quatre autres membres du groupe, Otis Williams, Melvin Franklin, David Ruffin et Paul Williams, qui assurent les harmonies et les chœurs. L’une des meilleures chansons des Temptations.
7 – Ain’t Too Proud to Beg – l’une des meilleures chansons des Temptations
« Ain’t Too Proud to Beg » est un tube classique de soul et de rhythm and blues qui exprime l’appel désespéré du chanteur à son amant pour qu’il reste avec lui.
Elle a été produite par Norman Whitfield et écrite par Whitfield et Edward Holland Jr. La chanson a également marqué un tournant dans la carrière des Temptations, Whitfield ayant remplacé Smokey Robinson en tant que producteur principal après le succès de « Ain’t Too Proud to Beg ».
La chanson est également le titre d’une comédie musicale de Broadway basée sur la vie et la musique des Temptations.
6 – I Can’t Get Next to You
On continue notre remontée du classement des meilleures chansons des Temptations avec « I Can’t Get Next To You ».
La chanson « I Can’t Get Next to You » des Temptations est un exemple classique du style caractéristique du groupe, à savoir la soul psychédélique, le funk et les chants à plusieurs voix.
La chanson a été écrite par Norman Whitfield et Barrett Strong, et produite par Whitfield pour le label Motown. La chanson est sortie en single en 1969 et est devenue le deuxième des quatre succès numéro un des Temptations dans les hit-parades américains.
Elle exprime la frustration d’un homme qui possède des pouvoirs surnaturels, mais ne peut les utiliser pour gagner l’amour de la femme qu’il désire. La chanson est interprétée par les cinq membres du groupe à tour de rôle, mettant en valeur leurs talents individuels et leurs harmonies.
5 – I Wish It Would Rain – l’une des meilleures chansons des Temptations
« I Wish It Would Rain » est une ballade soul classique qui exprime la douleur et le chagrin d’un homme qui a perdu son amour pour une autre. La chanson a été écrite par Rodger Penzabene, rédacteur de la Motown, qui venait de découvrir que sa femme le trompait.
Il a déversé ses émotions dans les paroles, qui reflètent son souhait d’avoir de la pluie pour cacher ses larmes et son incapacité à affronter le monde extérieur.
La chanson a été produite par Norman Whitfield, qui a ajouté une orchestration dramatique et un effet sonore d’orage pour renforcer l’ambiance de la chanson. Le chant principal a été interprété par David Ruffin, qui a livré une performance puissante et passionnée, à la hauteur de l’intensité des paroles.
Malheureusement, Penzabene est décédé une semaine après la sortie de la chanson, à l’âge de 22 ans, ce qui en fait sa dernière contribution à la Motown et aux Temptations.
4 – Just My Imagination
« Just My Imagination » est une ballade soul classique qui exprime le désir et le fantasme d’un homme amoureux d’une femme qu’il voit tous les jours, mais qui ne le connaît pas. La chanson a été écrite par Norman Whitfield et Barrett Strong, et produite par Whitfield pour l’album de 1971 du groupe, Sky’s the Limit.
C’est la troisième et dernière chanson des Temptations à atteindre la première place du Billboard Hot 100 aux États-Unis, et la dernière à inclure les membres fondateurs Eddie Kendricks et Paul Williams, qui ont tous deux quitté le groupe peu de temps après.
La chanson est remarquable pour son arrangement orchestral luxuriant, avec des cordes et des cors français, et ses harmonies vocales douces, emmenées par le falsetto de Kendricks.
Elle a également été reprise par de nombreux artistes, comme les Rolling Stones sur leur album Some Girls de 1978.
Place maintenant au podium des meilleurs titres des Temptations
3 – Ball of Confusion
La chanson reflète les turbulences auxquelles le monde était confronté à la fin des années 1960 et au début des années 1970, telles que la guerre du Viêt Nam, le mouvement pour les droits civiques, la guerre froide, la crise environnementale, la culture de la drogue et le délabrement urbain.
Les paroles énumèrent une série de problèmes et de contradictions qui créent un sentiment de chaos et de désordre, comme « la seule personne qui parle est le prêcheur », « le nouveau disque des Beatles est un gaz », « les marches seules ne peuvent pas apporter l’intégration », et « la vente de pilules est à son plus haut niveau ». Le refrain répète l’expression « ball of confusion » (boule de confusion), suggérant que le monde est en train d’échapper à tout contrôle et que personne n’a de solution claire.
La chanson exprime également la frustration et la désillusion de la communauté noire américaine, qui a le sentiment d’être toujours opprimée et discriminée malgré la législation sur les droits civiques. Elle critique également les dirigeants politiques qui n’ont pas réussi à résoudre les problèmes de pauvreté, de violence et d’injustice, comme « le président a sa guerre » et « les politiciens disent que plus d’impôts résoudront tout ». Bienvenue sur le podium des meilleures chansons des Temptations.
2 – Papa Was a Rollin’ Stone – l’un des meilleurs titres des Temptations
La chanson « Papa Was a Rollin’ Stone » des Temptations est un classique de la soul qui raconte l’histoire d’un père qui a abandonné sa famille et est mort dans la solitude.
La chanson a été écrite par Norman Whitfield et Barrett Strong, qui se sont inspirés de l’expression « rolling stone » (pierre roulante) utilisée dans leur quartier pour décrire un homme qui n’arrivait pas à se fixer.
La chanson a été enregistrée à l’origine par les Undisputed Truth en 1972, mais elle est devenue un tube lorsque les Temptations ont sorti leur version plus tard dans l’année. La version des Temptations était une épopée de 12 minutes qui comprenait une longue introduction instrumentale, un son soul psychédélique et une performance vocale dramatique du chanteur Dennis Edwards.
La chanson a été numéro un au Billboard Hot 100 et a remporté trois Grammy Awards en 1973. La chanson reflète également l’agitation sociale et politique du début des années 1970, ainsi que les luttes personnelles des Temptations eux-mêmes, qui ont dû faire face à la toxicomanie, à des conflits internes et à des tendances musicales changeantes.
1 – My Girl
Le numéro un de notre liste des 10 meilleures chansons des Temptations est le titre « My Girl ». La chanson a été écrite et produite par Smokey Robinson et Ronald White, tous deux membres du groupe The Miracles. Robinson a déclaré qu’il avait écrit la chanson en pensant à toutes les femmes du monde et qu’elle ne parlait pas d’une fille en particulier. Il a également déclaré qu’il voulait écrire une chanson que David Ruffin, le chanteur des Temptations, pourrait chanter de sa voix puissante.
La chanson est un exemple classique du son Motown, qui combine des éléments de pop, de gospel, de R&B et de doo-wop. La chanson comporte une mélodie accrocheuse, des paroles simples et une ligne de basse proéminente jouée par James Jamerson, l’un des légendaires Funk Brothers qui étaient les musiciens de studio de la Motown.
La chanson met également en valeur les harmonies et la chorégraphie des Temptations, qui ont ajouté leurs propres touches aux chants de fond et aux mouvements de danse. La chanson a un message positif et édifiant, exprimant la joie et la gratitude d’un homme qui a trouvé son véritable amour.
My Girl » est devenue un hymne durable à la romance et au bonheur. En 2017, la chanson a été sélectionnée par la Bibliothèque du Congrès pour être conservée dans le National Recording Registry en raison de son importance culturelle, historique ou artistique.
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