Place à notre avis sur le nouvel album de Neil Young en 2023, Before and After. Neil Young n’a jamais eu peur de dérouter, pour le meilleur ou pour le pire, et son dernier projet propose une nouvelle façon de présenter des morceaux qui, à des degrés divers, n’ont pas été beaucoup entendus, voire pas du tout, au fil des ans.
Before and After nous offre 13 chansons de Neil Young issues de sa longue carrière – des classiques de Buffalo Springfield depuis près de six décennies à des morceaux relativement obscurs datant d’aussi peu que 2021 – dans une performance presque entièrement acoustique, presque entièrement en solo, conçue pour se fondre dans un ensemble plus ou moins homogène de 48 minutes.
Y a quoi sous le capot de Before and After le nouvel album de Neil Young en 2023 ?
Young, qui passe de la guitare au piano, puis à l’orgue de barbarie et vice-versa, a ressorti la plupart de ces chansons pour la première fois depuis longtemps, voire jamais, lors d’une courte tournée sur la côte ouest en juillet, qui s’est notamment arrêtée au Greek de Berkeley.
La question de savoir si cette approche « whole piece » en une seule pièce rend l’une de ces chansons (ou toutes, Young l’espère sans doute) plus convaincante qu’elle ne le serait individuellement est à débattre. L’effet global pourrait bien être plus agréable pour l’auditeur qui regarde par la fenêtre un jour de pluie, terré dans la maison, alors qu’un miniconcert discret et lettré sonnerait juste. Telles qu’elles sont présentées ici, ces chansons disparates partagent un sentiment.
Mais même si l’on imagine les pauses habituelles entre les chansons, communes aux vinyles et aux CD, les chansons elles-mêmes se tiennent tout aussi bien. Elles sont intéressantes pour diverses raisons, notamment pour la façon dont elles ont été réimaginées et pour ce qu’elles étaient à l’origine.
Une chanson répond à ces deux critères : « If You Got Love », enregistrée pour l’album Trans de Young en 1982, mais qui n’y figure pas. Dans son incarnation originale, c’était une chanson inhabituellement pop, presque latine, mais dans le cadre du nouvel album de Neil Young Before and After, elle a été transformée en une sorte de diatribe légère, alimentée par l’orgue à pompe et l’harmonica de Young.
La plupart de ces 13 chansons sont considérées comme obscures, et certaines d’entre elles sont merveilleuses. « My Heart », qui figurait à l’origine sur l’album Sleeps With Angels du Crazy Horse en 1994, est présentée ici sous la forme d’un magnifique morceau au piano, agrémenté de vibraphone.
La paire de Buffalo Springfield « Burned » et « On the Way Home », avec Young et sa guitare acoustique, sont des interprétations plus lentes de chansons plus pop que la plupart de celles qui suivront. Et la dernière chanson, « Don’t Forget Love », tirée de 2021’s Barn, est une beauté basée sur le piano qui offre une lueur d’espoir sur le chemin de la sortie.
La chanson-titre de Comes a Time, qui était largement acoustique et quelque peu modifiée lors de sa sortie en 1978, est celle qui a été la moins radicalisée.
Pour la plupart des artistes, l’idée d’inclure 13 chansons sur une seule « piste » semble relever du gadget. Pour Neil Young, qui a sorti des albums d’introspection d’auteur-compositeur-interprète, de furie à la Hendrix, de techno-rock, de country pure et dure, de rockabilly à la Sun et de rhythm and blues à la corne, c’est simplement une autre façon d’étirer le muscle de l’imagination.
Place à notre avis sur le nouvel album de Peter Gabriel en 2023, i/o. Un petit groupe de rockers progressistes britanniques des années 1960 et 1970 a perdu ses cheveux et s’est retrouvé à s’occuper de son jardin. La liste comprend Brian Eno, Ian Anderson et maintenant Peter Gabriel (Jon Anderson de Yes conserve une crinière merveilleusement bien coiffée !) Comme un bon vin, ces artistes s’adoucissent avec l’âge, et comme une fête enragée, les lois de la thermodynamique exigent qu’ils finissent par se calmer. C’est alors qu’ils sortent de la musique pour s’amuser dans le jardin.
Le dernier album de l’ancien chanteur de Genesis, Peter Gabriel, i/o, vous fera penser à des choses importantes pendant que vous êtes au milieu des azalées. Cet album, son premier album studio depuis plus de vingt ans, aborde des questions telles que le réchauffement de la planète ou la fragilité de notre psychisme d’un point de vue à la fois pessimiste et visionnaire.
L’album est disponible en plusieurs mixages mettant en valeur le travail des producteurs Mark « Spike » Stent (« Bright-Side Mix »), Tchad Blake (« Dark-Side Mix ») et Hans-Martin Buff (« In-Side Mix »). L’album porte le même nom que l’une des lunes de Jupiter et Gabriel a sorti plusieurs chansons sur des lunes pleines.
Y a quoi sous le capot de i/o le nouvel album de Peter Gabriel en 2023 ?
La première chanson, « Panopticom », semble être un riff sur la métaphore de Michel Foucault pour les structures de pouvoir disciplinaires, le panopticon. Pendant l’introduction assez longue de Gabriel à la chanson lors d’un récent concert à San Francisco, il semblait que l’idée de Gabriel consistait à relier la nature à un réseau wifi géant.
Le refrain hymnique de la chanson aurait pu être agrémenté de cuivres et de funk électrique, à l’instar des autres grands succès solo de Gabriel, « Big Time » et « Sledgehammer », mais au lieu de cela, l’ambiance est feutrée. L’ambiance s’apparente à une tentative de ne pas faire trop de bruit et de ne pas réveiller sa mère, alors que des claviers et des nappes de sons synthétiques ponctuent le groove.
On poursuit la découverte du nouvel album de Peter Gariel avec le piano sombre et la mélodie vocale sincère de « Playing For Time ». Le titre ressemble un peu à un morceau de Randy Newman sur la bande originale d’un film Pixar.
Gabriel est rejoint par nul autre que Brian Eno sur le très synthétique « Road to Joy », qui ressemble beaucoup au groove marin et glissant de « Fame », le tube de David Bowie sorti en 1975. « Olive Tree » respire la joie de vivre pop des années 80 grâce à des claquements de mains et des synthés veloutés.
Sur le dernier titre du nouvel album de Peter Gabriel, « Live and Let Live », Gabriel se livre à une psychanalyse sur un groove réconfortant, parfait pour le montage décisionnel d’un film de Hallmark : « Tout le monde peut vous enfermer/ Ou vous pouvez choisir de rester/ Chaque jour peut vous échapper/ Alors que vous teniez la clé ».
Les auditeurs qui s’attendent à retrouver le Peter Gabriel débordant d’énergie qui a dominé MTV au milieu des années 80 seront peut-être surpris de constater à quel point il s’est assagi depuis. Mais tous ceux qui sont assez âgés pour se souvenir de la claymation psychédélique de la vidéo de « Sledgehammer » ont probablement ralenti leur rythme et peut-être même découvert les joies de l’entretien de leur jardin. Et maintenant, ils ont un autre album comme bande-son pour leur promenade pensive.
Place à notre avis sur le nouvel album de Duran Duran en 2023, Danse Macabre. Mariages, réveillons du Nouvel An et Halloween : peu de fêtes sont aussi sacrées lorsqu’il s’agit d’élaborer une playlist pour une occasion spéciale. Il n’est donc pas surprenant qu’un groupe de gars qui se déguisent et sortent en public depuis les années 80 aiment ces dernières. Sur Danse Macabre, les New Romancers Duran Duran jouent les DJ avec un mélange de reprises de tubes pop, de reprises saisonnières de leurs propres chansons et de trois nouveaux titres pour votre fête d’Halloween.
Danse Macabre, qui est né d’un spectacle d’Halloween donné par Duran Duran il y a un an, est un divertissement amusant qui n’essaie pas d’en faire trop. C’est un disque agréable à écouter du début à la fin, avec des choix de chansons qui ne sont pas toujours évidents mais qui s’accordent parfaitement dans ce contexte et avec ces arrangements. Entendre Simon Le Bon, John Taylor, Nick Rhodes et Roger Taylor recréer des succès de Billie Eilish (autre chose que « Bad Guy », pas moins !) et des Rolling Stones, c’est comme s’injecter du sucre brut dans les oreilles.
Y a quoi sous le capot de Danse Macabre le nouvel album de Duran Duran en 2023 ?
« Bury Your Friend » commence par des synthés staccato (pensez à la musique de château de « Super Mario World ») et débarrasse la chanson de ses percussions angoissantes en faveur d’une pulsation douce et pleine de groove. Ensuite, le groupe retourne la chanson avec une jam dance pop des années 80. Il est d’autant plus agréable de constater que cette chanson est interprétée par le guitariste Andy Taylor, qui se bat actuellement contre un cancer de la prostate de stade 4.
Les synthétiseurs ressemblant à des clavecins sur « Paint It Black » donnent à la chanson des Stones une touche gothique et glitch, aux côtés de la section rythmique trépidante du batteur Roger Taylor et du bassiste John Taylor, avec Andy Taylor (sans lien de parenté avec les autres Taylor) qui riffe, troquant le blues rock des Stones pour le son pop caractéristique de DD. Les choristes Anna Ross (qui a tourné avec Duran Duran pendant près de 20 ans) et Rachael O’Connor, chanteuse d’Irlande du Nord, apportent des harmonies mélodiques.
Suit une adaptation d’un classique de Rick James. « Super Lonely Freak » démarre avec une voix modulée et robotique avant de passer à quelques couplets de « Lonely In Your Nightmare » (extrait de Rio, 1982), qui se fondent ensuite dans « Super Freak ». On a l’impression qu’il s’agit d’une découverte accidentelle du groupe, qui l’a ensuite conservé dans ses concerts.
L’autre reprise du nouvel album de Danse Macabre qui a fait couler beaucoup d’encre est celle de « Psycho Killer » des Talking Heads. Dans le contexte de cet album, elle est transformée en un véritable banger disco. Simon Le Bon change sa voix sur les couplets, en hommage à David Byrne.Le groupe est rejoint par la bassiste de Måneskin, Victoria De Angelis, qui se joint également aux autres femmes pour chanter. Il y a également quelques cordes mélodieuses qui ne sont pas présentes ailleurs sur l’album.
Les autres reprises sont le tube de 1977 du producteur disco français Cerrone « Supernature », « Ghost Town » des Specials et « Spellbound » de Siouxsie and the Banshees. La première semble également faire un clin d’œil à « Thriller » de Michael Jackson dans ses premiers instants, mais c’est ensuite une interprétation relativement fidèle, bien que plus musclée. Nile Rodgers, un bon ami du groupe, ajoute ici son style de chucking caractéristique, mais il n’est pas exagéré, et la chanson est l’une des nombreuses de l’album produites par Josh Blair. M. Hudson s’occupe de la production des autres chansons.
« Spellbound » abandonne l’urgence post-punk de la chanson originale pour la dramaturgie épurée de DD, tandis que la reprise de The Specials ne se débarrasse pas de toutes les vibrations ska ou reggae de l’original. Avec son intro et son thème effrayants, la chanson était destinée à faire partie du nouvel album.
L’album démarre avec l’une des chansons réimaginées de Duran Duran, « Nightboat ». L’original, tiré de l’album éponyme de 1981 du groupe, était déjà très effrayant, mais ici Blair augmente les synthés aux sonorités extra-terrestres et la réverbération aérienne, ce qui lui confère un niveau supérieur. « Love Voudou » (à l’origine « Love Voodoo » de 1993) remplace la section rythmique datée de cette chanson par des cordes symphoniques et un groove rétro rebondissant. Elle est également remarquable pour l’apparition de l’ex-membre de Duran Duran Warren Cuccurullo, qui avait remplacé Andy Taylor dans les années 90.
Le nouvel album de Duran Duran comporte trois titres entièrement nouveaux, dont deux sont sortis en single. Le grind sinistre et industriel de « Danse Macabre » est la meilleure chanson que Duran Duran ait sortie au cours des dix dernières années. Les percussions décalées, les cliquetis métalliques et les claquements de mains, avec Cuccurullo à la guitare, sont prêts à être chantés.
Place à notre avis sur le nouvel album de Blink 182 en 2023, One More Time. La perspective d’un nouvel album de Blink 182 avec la formation la plus connue du groupe semblait être une chimère à un moment donné. Le dernier album du groupe avec le chanteur-guitariste Tom DeLonge était Neighborhoods en 2011, tandis que le leader d’Alkaline Trio, Matt Skiba, a participé aux deux derniers albums. Il a été plus qu’adéquat, mais ce n’était pas la même chose.
One More Time… est l’histoire d’une maturité et d’une croissance musicale, mais seulement jusqu’à un certain point. L’album mélange habilement des morceaux pop-punk sérieux avec l’immaturité insolente pour laquelle Blink-182 est connu. Le retour de la voix nasillarde de DeLonge est essentiel, à la fois parce qu’elle fait partie intégrante du son du groupe, mais aussi parce que les harmonies entre DeLonge et Hoppus sont sans doute inégalées dans le genre.
Y a quoi sous le capot de One More Time le nouvel album de Blink 182 en 2023 ?
Au fil des ans, le batteur Travis Barker a survécu à un accident d’avion et le bassiste Mark Hoppus à un diagnostic de cancer. C’est en frôlant la tragédie que l’on acquiert une nouvelle perspective, une perspective que Blink-182 aborde lui-même sur la chanson-titre.
“I wish they told us it shouldn’t take a sickness or airplanes falling out the sky,” , chante Hoppus, avant que DeLonge n’ajoute, “Do I have to die to hear you miss me?/ Do I have to die to hear you say goodbye?”
Cette ballade au piano est la plus éloignée des racines pop-punks du groupe, mais elle est imprégnée d’une telle humanité qu’il est difficile de ne pas s’arrêter pour en prendre note.
Dès les premières mesures de « Anthem Part 3 », le trio est immédiatement reconnaissable grâce à la vitesse de la batterie de Barker qui porte le rythme. La différence est également perceptible dans les paroles du groupe, avec un état d’esprit positif et tourné vers l’avenir.
“This time I won’t be complacent/ The dreams I gave up and wasted/ A new high/ A new life,” chantent DeLonge et Hoppus sur le refrain.
« Dance With Me » est un pur morceau pop-punk, DeLonge et Hoppus s’échangeant des lignes dans le pré-chorus qui explose en un refrain instantanément chantable.
La croissance sonore de Blink se manifeste sur le mélodique « Fell In Love », avec des battements de mains rythmiques et un rythme enlevé qui penche vers le côté pop de la balançoire pop punk. La plupart des 17 titres du nouvel album de Blink 182 One More Time tournent autour des deux ou trois minutes. L’ironique « Terrified », très rythmé, n’aurait pas dépareillé sur l’album californien du groupe, sans DeLonge. L’urgent « More Than You Know » est d’une énergie implacable, avec un chant mélodique mais agressif.
La chanson « Turn This Off », qui dure 23 secondes, rappelle la signature de Blink-182 : une attaque rapide et percutante qui offre un punk rock à part entière avec des paroles sarcastiques. On retrouve la même attaque sur « You Talk Too Much (Shut Up) », tandis que l’interlude « Hurt », d’une durée de 83 secondes, mélange les choses avec un son alt-rock atmosphérique et planant.
La rétrospective « When We Were Young » est une dose de nostalgie pour les jeunes années rebelles du groupe. Il porte très certainement le nom du festival pop-punk, dont la tête d’affiche était cette année Blink 182 et Green Day.
Le single punky « Edging » fait le lien entre le passé et le présent du groupe. Curieusement, c’est l’une des chansons les plus faibles de One More Time… , mais seulement parce que les autres histoires sont beaucoup plus fascinantes. Hoppus aborde plus directement son diagnostic de cancer sur le mid-tempo « You Don’t Know What You’ve Got », qui fusionne des atmosphères acoustiques avec un motif de batterie complexe de Barker.
Les fans des premiers sons de Blink apprécieront le morceau « Bad News », qui change de tempo et met en valeur la dynamique du groupe. Même les morceaux plus lents comme le puissant « Turpentine » et l’éthéré « Childhood » sont alimentés par une urgence qui les soulève. Ils sont de retour !
Place à notre sélection des meilleures chansons de Gorillaz. Depuis la sortie de leur premier album en 2001, les Gorillaz ont réussi l’impensable et sont devenus l’un des groupes musicaux les plus influents et les plus appréciés du XXIe siècle. Fruit de l’imagination de Damon Albarn, le leader de Blur, et de l’artiste visuel Jamie Hewlett, ce « groupe virtuel » de marginaux (Murdoc Niccals, 2-D, Noodle et Russel Hobbs) n’a jamais manqué de surprendre et d’enchanter les auditeurs du monde entier.
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Qu’elles fassent appel à des artistes invités tels que De La Soul et Del The Funky Homosapien, ou qu’elles canalisent les impulsions mélodiques excentriques d’Albarn, les meilleures chansons de Gorillaz constituent un mélange unique de rock alternatif, de hip-hop et de musique électronique. Nous explorons ici l’évolution de Gorillaz à travers une série d’albums et de singles acclamés par la critique.
Notre top 15 des meilleures chansons de Gorillaz
15 – Ascension
On commence notre classement des meilleures chansons de Gorillaz avec « Ascension ». « The sky’s falling, baby drop that ass ‘fore it crash » est la façon la plus sublime d’ouvrir Humanz. Résumant en une seule phrase la thèse de l’album, à savoir un disque de fête pour la fin des temps, Gorillaz s’est lancé avec une telle force que le reste de l’album était condamné à pleurer dans son sillage.
Ce qui est vraiment la faute de Vince Staples ; aucun autre MC (groupe compris) n’arrive à égaler son rythme frénétique sur cet album, débitant des phrases comme « She wet like Barbra Streisand » avec une rapidité et une habileté inégalées.
14 – Some Kind of Nature
Gorillaz a eu la chance de travailler avec certains des meilleurs et des plus appréciés musiciens de l’histoire tout au long de sa carrière, dont le summum ne peut être que Lou Reed. La rockstar visionnaire à l’origine du Velvet Underground propose une série de couplets dans sa voix traînante caractéristique, tandis qu’Albarn laisse chaque refrain s’épanouir et se répandre dans des lignes de clavier descendantes, un moment de détente après la rigidité des sonorités coupées de Reed.
Le groupe est en train d’écrire une nouvelle chanson, « Some Kind of Nature », qui marque le début de la seconde moitié de Plastic Beach, plus calme et plus exploratoire, mais le temps fait que ce duo compte parmi les classiques les plus sous-estimés du groupe.
13 – 5/4
Le travail d’Albarn au sein du groupe britpop Blur est omniprésent sur ce morceau du premier album de Gorillaz. Ce qui est logique, étant donné qu’il travaillait en même temps sur ses deux projets musicaux.
Contrairement au son Gorillaz, « 5/4 » est un morceau de grunge-pop entraînant qui illustre le meilleur des impulsions d’Albarn et l’une des meilleures chansons de Gorillaz à ce jour. Le rythme est scientifiquement impossible à ignorer ; une partie de votre corps va se mettre à vibrer, n’essayez pas de l’arrêter.
12 – Glitter Freeze – l’une des meilleures chansons de Gorillaz
Gorillaz a fait beaucoup de morceaux dance, mais ils n’ont fait qu’un seul morceau freak out rave. « Glitter Freeze » est imparable et ne fait pas de prisonniers ; c’est une chanson qui commence littéralement par un signal de détresse et le déforme pour qu’il devienne partie intégrante du rythme.
Albarn a fait appel à son idole (et figure de proue du groupe culte The Fall) Mark E. Smith pour délivrer un sermon effrayant et guttural nous mettant en garde contre ce qu’est un glitter freeze, mais il est clair, une fois que la ligne de synthé de la sirène de raid aérien s’élève encore une fois, que son avertissement n’est pas pris en compte – ce glitter est déjà bien congelé.
11 – On Melancholy Hill
Le titre dit vraiment tout. Ce morceau sobre d’électro ornée joue toutes les cartes de la ballade synth-pop (s’il était sorti dans les années 80, vous pouvez parier que John Hughes l’aurait enregistré pour une bande-son) et pourtant, il émerge sans la moindre trace de cliché.
Albarn, élève studieux de vieux maîtres tels que The Cure, Cocteau Twins et The Jesus & Mary Chain, est capable d’offrir sa propre vision du genre sacré, qui tient largement la route au sein du panthéon.
10 – Andromeda
Nous arrive à notre top 10 des meilleures chansons de Gorillaz avec « Andromeda ». Il est juste de dire que le grand retour de Gorillaz, Humanz, a été une déception. Sans être mauvais, il s’est avéré surchargé jusqu’à la saturation – où l’impressionnante liste d’artistes invités qu’ils ont rassemblés a fini par embrouiller le produit fini, un cas classique de trop de cuisiniers dans la cuisine.
« Andromeda » est vraiment le seul morceau de l’album qui semble leur appartenir pleinement ; une sorte d’électro-pop radieuse et mélancolique qui bouillonne d’un désir insouciant, sans être perturbée par les paroles sombres qui l’accompagnent.
9 – Welcome to the World of the Plastic Beach
Une « Intro orchestrale » balayante fait place à cette ouverture glaciale de Plastic Beach, où Snoop Doggy Dogg lui-même sert de portier « crack-a-lacking » à tout un monde d’électro-pop saignante qui attend juste au coin. Les chœurs d’Albarn sont à leur meilleur lorsqu’il lance des accroches solides comme le simple « just like that », garantissant que peu importe le nombre de mentions de sujets aussi troublants que la « pollution dans l’océan », vous continuerez à glisser sans fin dans le groove enviable de ce morceau.
8 – Kids With Guns
Pour continuer notre liste des 10 meilleures chansons de Gorillaz, nous nous tournons vers la brillante chanson « Kids With Guns ». Vous avez un moment pour parler de riffs ? Parce que parlons-en. La précision du riff monstrueux qui déferle sur » Kids With Guns » est l’un des meilleurs qu’Albarn ait jamais osé jouer – une progression d’accords gigantesque qui transforme le reste du morceau en poudre aux yeux.
Heureusement, c’est un habillage exceptionnel ; la ligne de clavier sifflante reprend consciencieusement ce riff à l’envers, tandis qu’Albarn et l’invitée surprise Neneh Cherry murmurent un autre classique instantané de Gorillaz (et un possible cri de Salt n’ Pepa) avec « push it, push it, real, push it ».
7 – Rhinestone Eyes
Il est facile de l’oublier, mais Gorillaz est en fait assez solide dans son jeu lyrique. L’apogée de leur utilisation poétique du langage se trouve dans « Rhinestone Eyes », un morceau pop uptempo qui serait plein de sentiments si son cœur saignant n’avait pas été remplacé par un Casiotone. « Sous les pylônes ensoleillés, nous nous rencontrerons », chantonne Albarn, « alors que la pluie tombe du ciel comme des strass ».
Un thème récurrent dans toutes les œuvres du groupe est la recherche du plaisir et de la beauté dans un monde en décomposition (ça ne résonne pas du tout) – « Rhinestone Eyes » est l’appel le plus convaincant, pour ne pas dire le plus exquis, à se joindre à eux.
6 – Stylo – l’une des meilleures chansons de Gorillaz
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Gorillaz avec « Stylo ». Ce… rythme. « Stylo » est techniquement une chanson, mais il s’agit plutôt d’une distillation pure de funk, d’un groove primordial dans l’intention rythmique. L’oreille est immédiatement frappée par les lignes cycliques de synthé gélatineux, propulsées infiniment vers l’avant par le rythme monolithique.
La répétition mécanique du morceau et l’avertissement du refrain concernant la « surcharge » réduiraient l’auditeur à un état d’hypnose si ce n’était l’arrivée soudaine et cataclysmique de la légende de la soul Bobby Womack, dont le baryton surhumain déchire le tissu de la chanson avec de grands cris de désir humain.
5 – Clint Eastwood
Celle qui a tout déclenché… « Clint Eastwood » est sans conteste l’un des artefacts musicaux les plus essentiels du nouveau millénaire, ce qui n’est pas peu dire pour un premier single. Les années n’ont pas réussi à atténuer l’impact du titre phare de Gorillaz – ce qui en a fait un succès immédiat est toujours aussi clair.
Les paroles de Del the Funky Homosapien sont à la fois animées (sans jeu de mots) et élastiques, et contiennent suffisamment de répliques mémorables pour servir de support à des séances de karaoké en état d’ébriété. Le MVP reste Albarn, dont le ténor mélancolique gémit le genre de lignes qui font rêver la musique pop ; « I’ve got sunshine in a bag » est peut-être la plus grande réussite lyrique de Gorillaz.
4 – DARE
Un morceau de danse parfait est peut-être un concept inatteignable, mais « DARE » s’en rapproche terriblement. Avec huit secondes de turbines aériennes sifflantes pour vous préparer avant que le rythme ne tombe, « DARE » nous plonge directement dans une version futuriste et glauque d’une piste de danse disco, faite sur mesure pour un anneau autour d’une patinoire à roulettes à énergie nucléaire.
Le titre entrecroise l’un des refrains les plus accrocheurs de Gorillaz avec des couplets rêveurs soutenus par des lignes de clavier légères comme des plumes, évoquant le genre de morceaux de club hybrides qui ont fait de Blondie la coqueluche de la ville (de manière assez révélatrice, « DARE » reste le seul single numéro un du groupe dans son pays d’origine, le Royaume-Uni).
Place maintenant au podium des meilleurs titres de Gorillaz
3 – Dirty Harry
Le refrain de « Dirty Harry » est sournoisement assez chantant pour vous distraire du message, à savoir « I need a gun cause all I do is dance ». Ce morceau essentiel de Demon Days – et réponse officieuse à leur précédent « Clint Eastwood » – est une rumination pointue sur les effets psychologiques de la guerre, et il est présenté de manière décadente.
Des claquements de mains et le San Fernandez Youth Chorus renforcent un groove de basse déjà puissant, tandis qu’une section centrale énergique accueille Bootie Brown des Pharcyde. La mélodie est fortement redevable aux tropes de la musique orientale traditionnelle, mais le remix d’Albarn (sans doute meilleur) « Schtung Chinese New Year » fait honneur à ses influences en mettant directement en scène des artistes chinois. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Gorillaz.
2 – Empire Ants – l’une des meilleures chansons de Gorillaz
En un peu moins de cinq minutes, Gorillaz crée une symphonie immersive. Le premier mouvement est une symphonie de glace, de claviers fantomatiques qui effleurent d’une légèreté de plume un espace tonal scintillant d’ambiance lumineuse.
Soudain, un changement, un second mouvement apparaît au loin, une ligne descendante de synthétiseur pointu commence à émerger, se rapprochant à chaque seconde qui passe. L’immobilité s’estompe et devient notre seul point d’attention, devenant plus sérieux à chaque refrain.
Comme une vague, le beat s’écrase, baignant le monde d’une énergie chaude et douce, tandis que Little Dragon apaise le changement de rythme avec des mots qui ne sont pas censés être compris. En bref, c’est de l’électro comme du grand art.
1 – Feel Good Inc.
Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Gorillaz avec « Feel Good Inc. ». Il peut sembler que ce soit un choix consensuel ou un choix facile pour la première place, mais en fin de compte, il ne fait aucun doute que ce n’est pas la plus grande chanson de Gorillaz.
Comme « Clint Eastwood » avant elle, « Feel Good Inc. », la pièce maîtresse de leur deuxième album Demon Days, est une référence des années 2000. Il s’agit également de l’exécution la plus parfaite de la quête de Damon Albarn, qui, tout au long de sa carrière avec Gorillaz, a cherché à marier ses sensibilités alternatives et électro-pop avec le monde du funk et du hip-hop.
Albarn a fait appel au vénérable De La Soul pour une série de couplets maniaques qui correspondent à leurs inspirations cartoonesques en termes d’énergie, tandis qu’il se place judicieusement là où il travaille le mieux : en chantonnant un crochet instantanément accrocheur avec un affect profond.
Nous pourrions parler de la puissance de l’héritage du plus grand morceau funk du nouveau millénaire, mais cela a été évident dès sa sortie : « Feel Good Inc. » est un véritable classique instantané.
Que vous le connaissiez sous le nom de Puff Daddy, P. Diddy ou simplement Sean Combs, il ne fait aucun doute que cet homme possède de sérieuses compétences en matière de musique. Au cours de sa carrière, il a sorti une tonne de chansons géniales qui nous ont fait danser pendant des années. Dans cet article, nous allons passer en revue les 10 meilleures chansons de Puff Daddy de tous les temps.
Notre top 10 des meilleures chansons de Puff Daddy
10 – I’ll Be Missing You (feat. Faith Evans & 112)
Nous commençons notre top 10 des meilleures chansons de Puff Daddy avec « B.O.B. ». « I’ll Be Missing You » est une chanson sur la perte, et plus particulièrement sur la mort de l’ami proche de Combs, Christopher Wallace, alias The Notorious B.I.G. La chanson s’inspire de « Every Breath You Take » de Sting, et met en vedette les voix de Faith Evans et 112.
Elle est sortie en 1997 en tant que single de l’album No Way Out de Combs et est restée en tête du Billboard Hot 100 pendant 11 semaines. Selon Discotech, cette chanson a été écrite par Combs, Evans et Sting, et produite par Combs et Mario Winans. Elle a gagné en popularité après avoir été utilisée comme bande originale du film Rush Hour.
9 -I Need a Girl (Pt. 2)
Cette chanson a été produite par Puff Daddy et publiée en 2001. Elle met en vedette Loon, Ginuwine et Mario Winans, et constitue la suite de » I Need a Girl (Pt. One) « . La chanson a atteint la première place du Billboard Hot 100 aux États-Unis et a été certifiée disque de platine par la Recording Industry Association of America (RIAA).
La chanson parle d’un homme à la recherche de la femme idéale. Elle est sortie sous le label Bad Boy Records. Elle a été utilisée dans les films « Save the Last Dance » et « Step Up ».
8 – Bad Boy for Life
« Bad Boy for Life » est une chanson qui parle du fait d’être un mauvais garçon pour la vie. Il s’agit d’être un dur à cuire et de ne pas reculer devant un combat. C’est une chanson énorme qui est entrée dans le top 10 du Billboard et y est restée pendant des semaines. Puff chante qu’il est un mauvais garçon et qu’il va le rester.
La chanson a été écrite par Sean Combs, Mario Winans, Chucky Thompson et Alvin Joiner. La chanson est devenue encore plus populaire après avoir été utilisée comme bande originale du film Bad Boys II. La chanson est un hymne pour les mauvais garçons et les mauvaises filles du monde entier. C’est une chanson qui célèbre le fait d’être dur et de ne pas se laisser intimider par qui que ce soit. L’une des meilleures chansons de Puff Daddy.
7 – I Need a Girl (Pt. 1) (feat. Usher & Loon)
« I Need a Girl (Pt. 1) » est une belle chanson sur la recherche de l’amour. La production est douce et la chanson est très rythmée. Elle a été écrite par Sean Combs, Mario Winans et Loon. La chanson a bien marché, atteignant la quatorzième place du Billboard Hot 100.
Elle a été utilisée dans des films tels que « Hitch » et « Step Up ». C’est une chanson R&B classique et l’un des meilleurs titres de Puff Daddy.
6 – Last Night – l’une des meilleures chansons de Puff Daddy
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Puff Daddy avec « Last Night ». « Last Night » est une chanson qui parle de, eh bien, de la nuit dernière. Elle parle du temps que Puff Daddy a passé avec sa copine et du fait qu’il veut passer toutes les nuits avec elle. Elle a été produite par le label Bad Boy Records et est sortie le 27 janvier 1998.
La chanson s’inspire de « Thelonious » de Monk Higgins. Elle a atteint la dix-neuvième place du Billboard Hot 100 aux États-Unis et la vingt-septième au Royaume-Uni. Selon Power Orlando, elle a été nominée pour le Grammy Award de la meilleure performance rap par un duo ou un groupe.
5 – Victory
L’une des chansons les plus hymniques du catalogue de Puff Daddy, « Victory » est une célébration de tout ce qui concerne Bad Boy. Avec The Notorious BIG et Busta Rhymes, le morceau est plein de vantardise et contient certaines des lignes les plus mémorables de l’histoire du rap. Sur un rythme triomphant, Puff et ses acolytes se targuent d’être les meilleurs du jeu, et il est difficile de les contredire. « Victory » est l’exemple parfait de ce qui a rendu Puff Daddy et Bad Boy si spéciaux dans les années 90.
La chanson a atteint la première place du Hot Rap Songs et reste encore aujourd’hui l’une des préférées des fans. Elle a été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision au fil des ans, comme The Sopranos, The Interview, et plus récemment dans le film Hobbs & Shaw en 2019.
4 – Been Around the World (feat. The Notorious B.I.G. & Mase)
Ce morceau est aussi proche d’une chanson de rap parfaite qu’on puisse l’être. La chanson parle de la vie de luxe de Puff Daddy et des choses qu’il a vues dans le monde entier. Elle a été écrite par Puff Daddy, Mase et The Notorious B.I.G., et produite par Puff Daddy et Deric « D-Dot » Angelettie.
Elle a atteint la huitième place du Billboard Hot 100 et a été certifiée disque de platine par la RIAA. Elle a également été utilisée dans de nombreux films et émissions de télévision comme The Wire et Friday Night Lights.
Place maintenant au podium des meilleurs titres de Puff Daddy
3 – Young G’s
Young G’s est une chanson sur, vous l’avez deviné, les jeunes. Il s’agit d’une chanson sur la réussite dans le rap et sur la façon dont Puff Daddy et Jay-Z sont les jeunes qui prennent le pouvoir. La chanson est pleine de vantardise, et il est clair que Puff Daddy et Jay-Z s’amusent beaucoup avec elle. Selon Watch Mojo, la chanson est sortie sous le label Bad Boy Records et a été produite par Deric « D-Dot » Angelettie et Sean « Puffy » Combs. La chanson a connu un succès immédiat, atteignant la treizième place du Billboard Hot 100. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Puff Daddy.
2 – Can’t Nobody Hold Me Down (feat. Mase) – l’une des meilleures chansons de Puff Daddy
Cette chanson raconte comment Puff Daddy est au sommet du monde et que personne ne peut le retenir. Cette chanson a connu un énorme succès en 1997 lorsqu’elle est sortie et a atteint la vingt-deuxième place du Billboard Hot 100.
Elle met en scène Mase, qui était à l’époque signé sur le label de Puff Daddy. Elle est sortie sur l’album intitulé « No Way Out » et a été produite par Sean Combs. La chanson a été utilisée comme bande originale dans de nombreux films, notamment « She’s All That » et « Save the Last Dance ».
1 – It’s All About the Benjamin’s Remix ft. Lil’ Kim, the Lox and The Notorious B.I.G.
Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Puff Daddy avec « It’s All About the Benjamin’s Remix « .
Cette chanson vantarde est extraite de l’album No Way Out. La chanson a un rythme hip-hop. La chanson nostalgique parle d’argent. Puff Daddy et son gang veulent de l’argent et ne veulent pas être fauchés. Il veut tout avoir. Il veut pouvoir acheter les choses qu’il veut sans difficulté. Nous voulons tous savoir ce que c’est que d’avoir tous les Benjamins.
C’est le type de chanson que Puff Daddy a l’habitude d’enregistrer. Il enregistre généralement des chansons sur les choses qu’il possède. C’est une rupture avec les chansons d’amour. Il veut de l’argent et des femmes. Il est amusant qu’il mentionne les chercheurs d’or dans une chanson où il se vante d’avoir beaucoup d’argent.
Place à notre sélection des meilleures chansons de Outkast. Big Boi et Andre 3000, l’un des duos de hip-hop les plus importants et les plus influents de tous les temps, ont émergé d’Atlanta, en Géorgie, au début des années 90 et ont redéfini toute une région grâce à leur style de rap créatif et à leur production innovante.
Formé à Atlanta en 1992, OutKast a rapidement été reconnu pour son son distinctif qui mélangeait des éléments de funk, de soul et de jazz avec des raps rapides, un swag sudiste et une narration exceptionnelle. En tant que membre du collectif Dungeon Family, ils ont joué un rôle crucial en mettant les rappeurs du Sud sur la carte et en ouvrant la voie aux futures générations d’artistes.
Au cours de sa carrière, le duo d’Atlanta a sorti six albums, dont quatre classiques indéniables, un disque de diamant (Speakerboxxx/The Love Below), six Grammy Awards et s’est imposé comme le plus grand groupe de rap d’Atlanta de tous les temps.
De leur succès mondial « Roses » au massacre lyrique de « Skew It on the Bar-B » en passant par les flows profonds de « Aquemini », nous vous présentons les plus grandes chansons d’OutKast de tous les temps.
Notre top 15 des meilleures chansons de Outkast
15 – Hey Ya!
On commence notre classement des meilleures chansons de Outkast avec l’une de leurs chansons le splus connues, « Hey Ya! ».
Les amateurs de hip-hop l’adorent, les fans de pop l’adorent et même les personnes qui n’écoutent pas de musique l’adorent – c’est dire à quel point « Hey Ya ! » est un succès. C’est un candidat au titre de meilleure chanson pop de tous les temps, Andre 3000 libérant le Michael Jackson qui sommeille en lui au micro. Dans le style classique des 3 Stacks, le MC glisse quelques paroles déprimantes, mais ce numéro de danse est tout simplement trop entraînant pour qu’on s’en aperçoive.
14 – Prototype
Maître des tubes pop, des classiques du hip-hop et maintenant des ballades funk avec « Prototype », Andre 3000 peut se targuer d’avoir le CV le plus polyvalent de l’histoire du rap. Les fans étaient sceptiques lorsqu’il a décidé d’abandonner ses racines hip-hop pour The Love Below, mais il faudrait être sans joie pour ne pas apprécier les paroles amoureuses d’Andre et son chant angélique sur cette chanson.
13 – Skew It on the Bar-B
Il s’agit d’une collaboration qui fera date. Les MC sudistes déchirent le micro comme d’habitude, mais Raekwon the Chef ajoute un autre niveau de crudité au morceau, en apportant le grain de la côte est avec un couplet vicieux rempli de rimes rapides. Première collaboration d’OutKast en dehors de la Dungeon Family, cette chanson a été cruciale pour le duo et a fait de lui un nom connu à New York. L’un des meilleurs titres de Outkast.
12 – Crumblin’ Erb – l’une des meilleures chansons de Outkast
Les hymnes à l’herbe ne sont pas nouveaux dans le hip-hop, mais peu de rappeurs parviennent à donner l’impression d’être aussi détendus que celui-ci. Glissant sur un piano et une basse triomphants, la chanson vous donne l’impression d’être aussi décontracté et calme que les MCs lorsqu’ils sont défoncés à l’herbe. Asseyez-vous et détendez-vous, et ce morceau funky vous emmènera plus haut que n’importe quel blunt.
11 – Two Dope Boyz (In a Cadillac)
Après avoir fait le buzz avec leur groovy premier album, OutKast devait impressionner les ATLiens s’ils voulaient que les fans restent à l’écoute. Avec le discret « Two Dope Boyz », le duo a fait plus qu’impressionner – il a fait exploser la concurrence, débitant avec désinvolture des joyaux lyriques avec plus de jeux de mots complexes et de citations en un seul morceau que la plupart des MCs ne pourraient en contenir en un album entier.
10 – B.O.B. (Bombs Over Baghdad)
Nous arrive à notre top 10 des meilleures chansons de Outkast avec « B.O.B.« . Des paroles rapides de Big et Andre au rythme psychédélique qui ne ralentit jamais, « B.O.B. » est l’équivalent musical d’une explosion nucléaire.
S’inspirant de tout le spectre musical – avec une petite influence rock, funk, électronique, et plus encore – on pourrait s’attendre à ce que la chanson soit complètement ratée, mais le résultat final est une bombe bourrée d’action, un single qui frappe plus fort à chaque fois.
9 – Ms. Jackson
Comme si « B.O.B. » n’était pas assez brillant, OutKast s’est rapidement surpassé avec son premier succès numéro un. Andre a toujours eu un don pour les accroches, mais celle-ci est peut-être sa meilleure, accrocheuse au point qu’il est impossible de ne pas chanter. Avec ce rythme glamour et les rimes toujours aussi habiles du duo, « Ms. Jackson » est le summum du rap pop.
8 – ATLiens
Pour continuer notre liste des 10 meilleures chansons de Outkast, nous nous tournons vers la brillante chanson « ATliens ». Cette chanson est l’œuvre d’OutKast dans sa forme la plus aboutie. On pourrait écrire un livre en épluchant les couches de lyrisme qui y sont exposées – c’est le modèle parfait pour tout débutant à la recherche d’un exemple de paroles parfaites.
De la phrase classique de Big Boi « I’m cooler than a polar bear’s toenails » à l’accroche qui fait vibrer la foule, c’est une classe de maître en matière de jeux de mots, avec un rythme envoûtant pour couronner le tout.
7 – Da Art of Storytellin’ Pt. 1
Depuis leurs débuts en 1994, le duo s’est essayé à la narration de morceaux, mais aucun ne s’est approché de la maîtrise de ce favori des fans. En seulement deux couplets, les légendes sudistes racontent des histoires si vivantes que l’auditeur a l’impression d’avoir été téléporté juste à côté d’eux au moment où les événements se produisent. Avec le caractère tragique de l’histoire d’Andre, comment pourrait-on nier qu’OutKast sont les conteurs parfaits ?
6 – So Fresh, So Clean – l’une des meilleures chansons de Outkast
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Outkast avec « So Fresh, So Clean ». Avec un rythme endiablé d’Organized Noize et une accroche addictive offerte par Sleepy Brown, OutKast avait la recette parfaite pour un tube.
Vous ne trouverez pas beaucoup de chansons aussi optimistes que celle-ci – le simple fait de l’écouter vous met de bonne humeur, le duo se présentant comme les plus beaux hommes de la planète sur l’un des rythmes les plus doux qu’ils aient jamais utilisés.
5 – Southernplayalisti-cadillacmuzik
En embrassant tout ce qui rend le Sud unique, de la gloire de rouler en Cadillac à la liberté de faire exploser la musique funk, OutKast a créé l’hymne national du hip-hop sudiste. Avec des vers patriotiques et un débit régulier, le duo s’engage à ATL sur un rythme doux que seuls les vrais habitants d’Atlanta peuvent maîtriser. De plus, avec une chorale pleine d’âme sur le refrain, ce n’est rien de moins que parfait.
4 – Player’s Ball
Ce titre était à l’origine un morceau de Noël, mais il est trop entraînant pour ne pas être joué tout au long de l’année. « Player’s Ball » n’est pas seulement un autre tube funk du duo, c’est aussi la chanson qui l’a fait connaître et qui a donné à OutKast son premier succès auprès du grand public. Avec des jeux de mots sur le thème de Noël, cette chanson a été un moment historique pour OutKast et pour tout le Sud.
Place maintenant au podium des meilleurs titres de Outkast
3 – Aquemini
Andre et Big Boi avaient déjà prouvé qu’ils étaient parmi les meilleurs paroliers des années 90, alors au moment où Aquemini est arrivé, ils n’ont fait que se montrer. Les couplets des deux MCs sont époustouflants sur ce morceau, rappant que « rien ne dure éternellement », mais leurs flows sont si aiguisés et leurs rimes si complexes que l’on aimerait que la chanson ne s’arrête jamais. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Outkast.
2 – Elevators (Me & You) – l’une des meilleures chansons de Outkast
Sur un morceau consacré à l’ascension dans le monde du hip-hop, le duo élève sa plume à de nouveaux sommets. Le rythme est inhabituellement clairsemé et atmosphérique pour un tube, mais qui a besoin d’une ligne de basse groovy quand on a des paroles si tranchantes qu’elles pourraient couper le diamant ?
En tant que premier single d’ATLiens, OutKast a montré au monde qu’ils étaient vraiment des extraterrestres, car aucun humain ne possède un tel niveau de compétence.
1 – SpottieOttieDopaliscious
Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Outkast avec « SpottieOttieDopaliscious ». Si vous voulez des paroles acérées, une narration vivante, un rythme groovy – ce morceau a tout ce qu’il faut, prenant tout ce qui fait la légende d’OutKast et l’amplifiant au maximum.
Cette épopée de sept minutes guide l’auditeur à travers les souvenirs du duo, des souvenirs de Dre, ivre, sur la violence de la rue, à la première rencontre de Big avec sa femme. La production trippante rend le tout encore plus doux, avec un solo de cor triomphant qui élève le morceau à la perfection.
Place à notre sélection des meilleures chansons de Kendrick Lamar. Dans le monde du hip-hop, peu d’artistes ont atteint le niveau de succès critique et commercial de Kendrick Lamar. Le MC né à Compton et inspiré par 2Pac est depuis longtemps une lueur d’espoir pour une communauté en proie à la pauvreté, à la criminalité et à l’inégalité sociale.
Depuis ses premières mixtapes jusqu’à ses albums studio révolutionnaires, K.Dot a toujours utilisé sa musique pour raconter l’histoire de sa vie, de sa communauté et de sa culture. Son premier album, Section.80, a attiré l’attention des fans de hip-hop du monde entier, mais c’est son premier album sur un grand label, Good Kid, M.A.A.D. City, qui a cimenté sa place dans le panthéon des grands paroliers. Avec sa narration cinématographique et sa description sans complaisance de la vie à Compton, good kid, m.A.A.d city est un chef-d’œuvre du hip-hop moderne, qui a instantanément placé Kendrick dans une ligue à part.
Notre top 15 des meilleures chansons de Kendrick Lamar
15 – These Wallshttps feat. Bilal, Anna Wise & Thundercat
On commence notre classement des meilleures chansons de Kendrick Lamar avec “These Walls” feat. Bilal, Anna Wise & Thundercat.
Le hip-hop est une affaire de samples, mais sur « These Walls », Kendrick et son groupe ont conçu la chanson de A à Z. Avec un groupe de musiciens, ils s’unissent pour produire une tempête de sons funky qui aurait sa place sur un disque de soul. Avec un groupe de musiciens impliqués, ils s’unissent pour délivrer une tempête de sons funky qui trouverait sa place sur un disque de soul. Il faudrait chercher longtemps pour trouver un morceau de rap plus beau que celui-ci.
14 – ELEMENT.
Les fans de hip-hop se demandent toujours qui est le meilleur MC, et sur « ELEMENT », la légende de Compton fait savoir à tout le monde qu’il n’y a qu’une seule réponse acceptable : Kendrick Lamar. Il utilise presque la chanson pour hypnotiser ses auditeurs, avec son énergie désordonnée qui fait sonner chaque vantardise comme un fait. Grâce à son accroche mélodique, la chanson est devenue un nouveau succès mondial pour Kendrick.
13 – Bitch, Don’t Kill My Vibe
Faire des hits est dans l’ADN de Kendrick, et celui-ci est l’un de ses meilleurs. À l’origine, Lady Gaga devait se joindre à lui sur la chanson, mais il est impossible d’imaginer que ce banger influencé par la trap puisse être meilleur qu’il ne l’est déjà. Le MC de la côte ouest rappe comme si c’était la dernière fois qu’il prenait un micro, changeant de flow à de nombreuses reprises et transformant ce tube en un classique intemporel. L’une des meilleures chansons de Kendrick Lamar.
12 – u – l’une des meilleures chansons de Kendrick Lamar
Kendrick a une collection de Grammys, mais après avoir entendu sa performance sur « u », il ne devrait pas tarder à collectionner les Oscars. Son interprétation est sans doute la meilleure qu’il ait jamais faite, avec des mots flous et des pauses pour boire de l’alcool alors qu’il dit à quel point il se déteste. Il joue parfaitement le rôle d’un ivrogne, avec la même nuance qu’un acteur de premier plan.
11 – Mortal Man
Comment conclure un album aussi parfait que To Pimp a Butterfly ? La réponse de Kendrick est de faire étalage de ses prouesses lyriques pendant quelques minutes, de réciter un poème, puis d’avoir une conversation avec feu Tupac Shakur. Cela semble absurde sur le papier, mais si l’on reprend tous les thèmes de l’album, on obtient la meilleure conclusion possible. Contre toute attente, Kendrick a réussi.
10 – Backseat Freestyle
Nous arrive à notre top 10 des meilleures chansons de Kendrick Lamar avec « Backseat Freestyle ».
Toutes les chansons de Kendrick n’ont pas besoin d’avoir un message profond pour être un classique. « Backseat Freestyle » est aussi simple que possible, le MC de Compton débitant mesure après mesure, se vantant sans retenue. Mais ne vous méprenez pas : la simplicité du morceau le rend encore meilleur, et l’assurance de K-Dot en fait l’un des morceaux les plus divertissants de son catalogue.
9 – HiiiPower
Les couplets de « HiiiPower » ressemblent presque à des discours, les paroles inspirantes de Kendrick encourageant ses auditeurs à améliorer leur mental, leur corps et leur esprit s’ils veulent réussir. Il s’agit du premier et unique single de son premier album Section .80, qui montre à la culture que Kendrick Lamar est une force avec laquelle il faut compter. En suivant sa propre mentalité de « HiiPower », Kendrick était prêt à prendre le contrôle du jeu.
8 – FEAR.
Pour continuer notre liste des 10 meilleures chansons de Kendrick Lamar, nous nous tournons vers la brillante chanson « FEAR ». « FEAR » emmène l’auditeur directement dans l’esprit de Kendrick, explorant toutes ses peurs sur un rythme inquiétant de The Alchemist.
Chaque couplet aborde ses peurs à un âge différent, comme si l’auditeur était emmené dans ses souvenirs alors que les pires cauchemars du rappeur prennent vie dans les paroles. Kendrick a dit lui-même qu’il s’agissait de la meilleure chanson qu’il ait jamais écrite, et il pourrait bien avoir raison.
7 – Hood Politics
Le titre « Hood Politics » vient s’ajouter à la longue liste de chansons parfaitement écrites par Kendrick. Sur ce morceau, il rime comme s’il avait été possédé par son cadet, en jouant sur un ton plus aigu pour imiter une voix de jeune homme. En plus de montrer sa souplesse d’élocution, K-Dot rappe comme s’il était un politicien du hip-hop, parlant de tous les problèmes de son quartier et de la culture.
6 – A.D.H.D.– l’une des meilleures chansons de Kendrick Lamar
On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Kendrick Lamar avec « A.D.H.D. ».
Kendrick n’a jamais approuvé les drogues, et « A.D.H.D. » est sa protestation contre elles. Sur un instrumental spatial qui imite presque l’effet trippant de la défonce, il parle de l’abus de drogues dans sa génération, utilisant ce morceau pour se défendre et rejeter les drogues. Cette chanson a été essentielle pour le MC, devenant l’un de ses premiers grands succès et lui donnant un avant-goût de la lumière du grand public.
5 – Money Trees feat. Jay Rock
Il faudrait être le plus grand pinaillage du monde pour trouver à redire à cette chanson. Du rythme hypnotique à l’accroche entraînante de Kendrick, il n’est pas surprenant que « Money Trees » passe en boucle sur les stations de radio du monde entier. Et n’oublions pas le couplet de Jay Rock – une classe de maître en matière de flow qui a rendu une chanson parfaite encore meilleure.
4 – Cartoon & Cereal feat. Gunplay
Aucune chanson de Kendrick n’est plus explosive que celle-ci. Avec ses basses lourdes et ses percussions puissantes, elle a le même son rustique que le cloud rap, mais cela ne fait que l’améliorer. Le morceau est aussi chaotique qu’un rêve fiévreux, avec une distorsion sur le rap qui le rend encore plus étrange. Ajoutez à cela un couplet légendaire de Gunplay, et vous obtenez l’un des meilleurs morceaux de rap des années 2010.
Place maintenant au podium des meilleurs titres de Kendrick Lamar
3 – Alright
« Alright » n’est pas seulement une chanson, c’est une déclaration politique. En 2015, alors que les manifestations Black Lives Matter faisaient rage, les émeutiers de toute l’Amérique diffusaient cette chanson à plein volume.
Ce fut un moment décisif pour Kendrick, qui devint le héros des émeutes en donnant aux manifestants un banger jazzy pour leur remonter le moral. Aujourd’hui encore, les foules scandent « We gon’ be alright ». Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Kendrick Lamar.
2 – Sing About Me (I’m Dying of Thirst) – l’une des meilleures chansons de Kendrick Lamar
Les longues chansons ont tendance à s’éterniser au bout d’un moment, mais « Sing About Me » passe en un clin d’œil. Les paroles sont si personnelles que l’on a l’impression que Kendrick lit différents journaux intimes, chaque couplet étant interprété du point de vue d’un autre personnage. Le changement de rythme laisse place à une production encore plus puissante, faisant de cette chanson une épopée de douze minutes qui justifie chaque seconde. K-Dot est à son meilleur niveau de créativité.
1 – m.A.A.d City feat. MC Eiht
Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Kendrick Lamar avec « m.A.A.D city ». Que vous recherchiez l’énergie agressive de Kendrick, ses paroles complexes ou ses flows vicieux, « m.A.A.d. city » a tout ce qu’il faut.
C’est la chanson parfaite de Kendrick Lamar, où le MC de Compton détruit le rythme cinématographique avec un débit sanguinaire et trente-deux mesures féroces. Et quand on pense qu’il a fini, il reprend le micro de MC Eiht pour cracher encore plus de feu. C’est K-Dot en pleine forme – on ne peut pas l’arrêter.
Place à notre avis sur le nouvel album des Rolling Stones en 2023, Hackney Diamonds. 18 ans après leur dernier album original A Bigger Band (le groupe a sortie en 2016 l’album de reprises Blue and Lonesome), un nouvel opus du plus grand groupe de rock du monde est forcément un évènement majeure dans la planète rock. Les Rolling Stones sortent surtout le 1er album après le décès de Charlie Watts – qui aura été de toutes les sorties précédentes depuis le premier album éponyme du groupe en 1964.
Les sessions d’enregistrement ont commencé en 2020, le groupe enregistrant dans divers studios à New York, Los Angeles et Nassau (Bahamas). Produit par un jeune artiste qui s’est fait connaître ces dernières années grâce à de riches collaborations avec divers artistes tels que Ozzy Osbourne, Elton John, Iggy Pop, Ed Sheeran, Lana Del Rey, Camila Cabello et Miley Cyrus… le talentueux Andrew Watt.
Avec une constellation d’invités, dont Lady Gaga, Stevie Wonder, Paul Mc Cartney et l’ancien bassiste des Stones Bill Wyman, le nouvel album des Rolling Stones Hackney Diamonds contient également les derniers enregistrements avec le groupe de feu le batteur Charlie Watts, qui apparaît sur deux titres.
Y a quoi sous le capot de Hackney Diamonds le nouvel album des Rolling Stones en 2023 ?
Le premier single et morceau d’ouverture, Angry, a été publié en même temps que l’annonce de l’album : propulsé par un riff classique des Stones et un rythme endiablé, Jagger est dans une forme hilarante lorsqu’il se morfond sur une querelle d’amoureux. “It hasn’t rained in a month, the river’s run dry / we haven’t made love and I wanna know why,”, se plaint le chanteur de 80 ans.
Richards s’appuie sur sa forte sensibilité pour le solo de guitare, suivant parfois la mélodie de la voix de Jagger sur le couplet avec des notes identiques sur sa guitare. La batterie, lente mais puissante, les soutient. Les Stones n’ont jamais eu besoin de vitesse pour se sentir puissants et cette chanson trouve un groove merveilleux qui aurait pu figurer sur Tattoo You en 1981.
« Get Close », « Depending on You » et la lettre d’amour hard-rock « Bite My Head Off » sont toutes des distillations parfaites de ce que les fans aimaient dans les premiers travaux du groupe. Si vous cherchez un point d’entrée confortable, commencez par ceux-ci. Il s’agit en effet des quatre premiers titres du nouvel album des Rolling Stones.
Les Rolling Stones tentent également de moderniser leur son. « Whole Wide World » et « Mess it Up » sont des interprétations du dance rock des années 80 par les Stones, qui pourraient être appréciées sur une piste de danse. Les deux sont merveilleusement interprétées et fuzzées avec suffisamment de crunch de guitare pour s’approprier le morceau. Le premier n’est pas à la hauteur du reste de l’album, tandis que le second fonctionne mieux en tant que merveilleux mélange de leur signature sonore reconditionnée en tube pop dance.
« Dreamy Skies » rappelle la composition sonore de « Wild Horses », empruntant l’harmonica blues, les diapositives de cuivres et les guitares acoustiques pour un morceau western au milieu de l’album.
Le nouvel album des Rolling Stones Hackney Diamonds prend des risques intéressants avec le sujet de « Tell Me Straight ». En apparence, il s’agit d’une méditation sombre sur la fin d’une relation. Mais c’est aussi une excellente métaphore de la façon dont les Rolling Stones voient leur musique et leur place dans le panthéon musical.
Les paroles, remarquablement vulnérables, contemplent la façon dont les choses doivent se terminer, si elles peuvent durer aussi longtemps et si les meilleures années sont derrière eux.
« Sweet Sounds of Heaven », avec Stevie Wonder et Lady Gaga, est le successeur spirituel de « You Can’t Always Get What You Want », qui aurait pu figurer sur Tattoo You. Il se construit à partir d’un simple morceau de piano pour devenir un rocker de stade grandiose ; un mur épais d’instruments superposés et de voix inspirées de la soul propulse le couplet vers le refrain dans une exaltation lente et puissante. Le chant de Gaga, opposé à celui de Jagger, est emblématique. C’est certainement la chanson la plus émouvante de l’album.
« Rolling Stone Blues », qui clôt le nouvel album des Rolling Stones sur un blues pur et dur, est comme la déclaration d’intention du groupe. Une seule guitare légèrement distordue, un harmonica qui glapit et la voix de Jagger qui passe à travers un filtre étincelant pour imiter un micro de bar bourdonnant.
Notre avis sur le nouvel album des Rolling Stones en 2023, Hackney Diamonds ?Hackney Diamonds ne s’adresse pas à la vieille garde, pas plus qu’il n’ouvre grand les portes à de nouveaux fans plus jeunes. Mais les Rolling Stones s’expriment en tant qu’eux-mêmes, et c’est probablement la raison pour laquelle ce nouvel album fonctionne si bien.
Hackney Diamonds est frais sans être trop expérimental. Il conserve le son des Rolling Stones, imprégné de blues, de distorsion de guitare et du hurlement de Mick Jagger dans les bars. L’album prouve qu’un groupe doit se réinventer sans cesse pour rester pertinent.
La tracklist de Hackney Diamonds
1. Angry 2. Get Close(feat Elton John) 3. Depending on You 4. Bite My Head Off(feat Paul Mc Cartney) 5. Whole Wide World 6. Dreamy Skies 7. Mess It Up 8. Live by the Sword(feat Elton John) 9. Driving Me Too Hard 10. Tell Me Straight 11. Sweet Sounds of Heaven(feat Lady Gaga & Stevie Wonder) 12. Rolling Stone blues
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RAISONS D’ACHETER +Son détaillé +Solide et autoritaire +Design élégant et discret
RAISONS D’ÉVITER -Nécessite une installation minutieuse
On pourrait penser que payer plus cher pour une platine permet d’obtenir plus de fonctionnalités, mais ce n’est pas le cas ici. Rega est réputée pour la pureté et la simplicité de ses produits (à l’exception de la Planar 1 Plus), mais cela ne signifie pas que la Planar 2 n’est rien d’autre que remarquable pour son prix moyen. Ce qu’il vous offre, ce sont des composants clés améliorés par rapport au Planar 1 d’entrée de gamme, qui offrent une qualité sonore encore meilleure, le tout dans un design élégant et discret. Quelle platine vinyle choisir ? Planar 2 fera largement l’affaire pour un budget autour de 600 euros.
Sony PS-LX310BT, l’un des meilleurs Tourne-disque Bluetooth
Conçue dans un style minimaliste pour un contrôle aisé. Vous n’aurez qu’à appuyer sur «Play» et votre platine vinyle commencera à jouer votre enregistrement à partir du dernier appareil connecté.
Deux vitesses de fonctionnement: 33 1/3 et 45 tours par minute et 3 modes d’augmentation pour ajuster le volume instantanément.
Des rythmes jazz aux concertos classiques, le hip-hop et la pop, vous apprécierez le son chaud et fluide des vinyles grâce aux pièces fabriquées avec minutie et à la conception
Sony
CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Type : Entraînement direct Fonctionnement : Entièrement automatique Vitesses : 33 ⅓, 45 Changement de vitesse : Électronique Cartouche : Aimant mobile Station phono intégrée : Oui USB : Non Bluetooth : Oui Dimensions (hwd) : 10.8 x 43 x 36.7cm Poids : 3.5kg Finitions : 1 (noir)
RAISONS D’ACHETER +Sonorité divertissante +Facile à utiliser +Bluetooth
RAISONS D’ÉVITER -Le son peut être amélioré à ce prix budgétaire
Si vous souhaitez entrer dans le monde du tourne-disque sans le moindre souci, cette superbe platine Sony à fonctionnement entièrement automatique mérite d’être testée. L’installation est un jeu d’enfant : il n’est pas nécessaire d’installer et d’aligner une cartouche, de régler la force de suivi ou l’anti-patinage, de sorte qu’une fois que vous avez placé la courroie autour de la poulie du moteur, vous êtes prêt à faire tourner le disque. La présence d’un étage phono intégré et la connectivité Bluetooth sont également des atouts appréciables.
L’un des meilleurs tourne-disque USB : le Audio Technica AT-LP5x
Fonctionnement entièrement manuel à trois vitesses : 331/3, 45 et 78 tr/min
Cellule stéréo à double aimant mobile AT-VM95E (noire) avec diamant remplaçable
Porte-cellule léger AT-HS6
Le bras de lecture en forme de J, inspiré des conceptions Audio-Technica originales des années 1960 et 70, est conçu pour minimiser les erreurs de lecture
CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Type : Entraînement direct Fonctionnement : Manuel Vitesses : 33 ⅓, 45, 78 Changement de vitesse : Électronique Cartouche : AT-VM95E à aimant mobile Station phono : Oui USB : Oui Bluetooth : Non Dimensions (hwd) : 15.7 x 45 x 35.2cm Poids : 7.3kg Finitions : 1 (noir)
RAISONS D’ACHETER +Composé, présentation robuste +Facile à utiliser et à installer +Module phono impressionnant +Les rips USB en qualité de fichier WAV
RAISONS D’ÉVITER -Les concurrents puristes offrent de meilleures performances.
La première platine AT-LP5 d’Audio-Technica était une gagnante. Lancée en 2016, la combinaison d’une ingénierie solide, de fonctionnalités utiles et d’un son de qualité a suffi à en faire l’une de nos recommandations de référence pour tous ceux qui souhaitent un tourne-disque à prix raisonnable, sans tracas, avec en prime une sortie USB.
Il n’est donc pas surprenant de constater qu’Audio-Technica n’a pas changé sa formule gagnante pour ce nouveau modèle LP5x. Pourquoi le ferait-il ? Si vous vous demandez quelle platine vinyle choisir, celle-ci sera très certainement votre d’ici peu de temps…
Quelle est la meilleure marque pour une platine vinyle ?
Il n’y a pas une seule « meilleure » marque de platine vinyle, car le choix de la meilleure marque dépend en grande partie de vos besoins, de votre budget et de vos préférences personnelles. Plusieurs marques réputées fabriquent d’excellentes platines vinyles. Voici quelques-unes des marques bien établies dans l’industrie des platines vinyles :
Rega : Rega est une marque britannique réputée pour ses platines de qualité et son excellent rapport qualité-prix.
Pro-Ject : Pro-Ject propose une gamme variée de platines vinyles, allant des modèles d’entrée de gamme aux modèles haut de gamme. Ils sont connus pour leur attention aux détails et leur qualité sonore.
Technics : Technics est une marque japonaise célèbre pour ses platines haut de gamme, notamment la légendaire Technics SL-1200. Ces platines sont très appréciées par les DJs et les audiophiles.
Audio-Technica : Audio-Technica propose des platines vinyles de qualité à des prix abordables. Ils sont populaires pour leurs platines USB, idéales pour numériser des vinyles.
Thorens : Thorens est une marque suisse qui a une longue histoire dans la fabrication de platines vinyles haut de gamme.
Clearaudio : Clearaudio est une autre marque allemande de platines vinyles de haute qualité.
VPI : VPI est une marque américaine connue pour ses platines vinyles haut de gamme et ses innovations en matière de conception.
Il est essentiel de considérer vos besoins spécifiques, tels que votre budget, l’utilisation prévue, la qualité sonore souhaitée, et les fonctionnalités dont vous avez besoin, pour choisir la meilleure platine vinyle pour vous. Lorsque vous faites votre choix, assurez-vous également de prendre en compte la qualité de la cellule et du bras de lecture, car ces composants influencent grandement la performance sonore de la platine vinyle. Il peut être utile de consulter des critiques et de faire des comparaisons avant de prendre une décision d’achat.
Comment choisir un disque vinyle de qualité ?
Le choix d’un disque vinyle de qualité dépend de plusieurs facteurs, dont l’état du vinyle, la qualité de pressage, la provenance de l’enregistrement, et vos préférences personnelles. Voici quelques conseils pour choisir un disque vinyle de qualité :
L’état du vinyle :
L’état physique du disque est essentiel. Recherchez des disques vinyles qui sont en bon état, sans rayures profondes ni fissures. Les disques d’occasion peuvent présenter des signes d’usure, alors examinez-les attentivement.
La qualité de pressage :
Les disques vinyles de qualité sont pressés à partir de matrices de haute qualité. Si possible, recherchez des disques pressés sur du vinyle vierge ou de qualité audiophile, car ils offrent généralement une meilleure qualité sonore que les disques pressés sur du vinyle recyclé.
La provenance de l’enregistrement :
Les disques vinyles d’origine ou les rééditions de qualité d’enregistrements bien produits ont tendance à offrir une meilleure qualité sonore. Vérifiez l’année de l’enregistrement et le label de production pour avoir une idée de la qualité.
Le mastering et la production :
Les disques qui ont bénéficié d’un mastering de haute qualité et d’une production soignée auront tendance à sonner mieux. Cherchez des disques masterisés par des ingénieurs de renom et pressés dans des usines de pressage réputées.
Les préférences personnelles :
La qualité sonore est souvent subjective, et ce qui sonne bien pour une personne peut ne pas convenir à une autre. Écoutez le vinyle avant de l’acheter si possible, ou lisez des critiques d’experts pour vous faire une idée de la qualité sonore.
Évitez les contrefaçons :
Soyez vigilant pour éviter les disques contrefaits ou de mauvaise qualité. Achetez vos vinyles auprès de vendeurs de confiance, de disquaires réputés ou de sources fiables.
Nettoyage et entretien :
Assurez-vous de maintenir vos disques vinyles en bon état en les stockant correctement et en les nettoyant régulièrement avec des équipements de nettoyage de vinyles appropriés.
En fin de compte, le choix d’un disque vinyle de qualité dépendra de vos goûts musicaux, de vos attentes en matière de qualité sonore et de votre budget. N’hésitez pas à demander conseil à des audiophiles ou à des passionnés de vinyles pour obtenir des recommandations spécifiques sur des enregistrements et des artistes à rechercher.
En résumé, comment choisir sa platine vinyle ?
La source de votre système hi-fi, qu’il s’agisse d’un streamer, d’un lecteur CD ou d’un tourne-disque, est un élément crucial.
Tout d’abord, déterminez votre budget. Il ne doit pas représenter plus d’un quart du coût de votre système, sinon il est peu probable que votre amplificateur et vos enceintes tirent le meilleur parti de votre platine.
De même, renseignez-vous sur les caractéristiques sonores de tous vos composants : même les produits cinq étoiles bénéficient d’un bon partenariat.
Une fois votre budget fixé, décidez des caractéristiques dont vous avez besoin. Entraînement par courroie ou entraînement direct ? Avez-vous besoin d’un étage phono intégré ? Qu’en est-il de la cartouche ? Sans fil ? USB ? Veillez à établir une liste de contrôle en fonction de vos besoins pour vous aider à affiner votre recherche.
Une fois que vous avez fait votre choix, il est essentiel de configurer correctement votre platine. Si certains tourne-disques sont relativement faciles à utiliser, d’autres nécessitent un peu plus de temps et d’efforts pour donner le meilleur d’eux-mêmes.
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