Catégorie : Nouveauté

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Fall Out Boy en 2023, So Much (for) Stardust. Si vous êtes comme nous, lorsque les pop-punkers de Chicago Fall Out Boy ont annoncé la sortie d’un nouvel album, So Much (For) Stardust, au début de l’année, vous étiez un peu sceptique. L’album de 2018 du groupe, M A N I A, était un peu mitigé et personne ne savait vraiment quoi en penser. Cependant, Patrick Stump, Pete Wentz, Joe Trohman et Andy Hurley nous ont agréablement surpris avec les deux premiers singles publiés pour cette sortie.

Y a quoi sous le capot de So Much (For) Stardust le nouvel album de Fall Out Boy en 2023 ?

Le premier single et la chanson phare ‘Love From The Other Side’ sont une excellente façon de démarrer l’album. C’est comme le retour des Fall Out Boy d’antan, le quatuor s’enfonçant fermement dans ses racines pop-punk. L’arrangement orchestral qui ouvre le bal avant que les guitares et la batterie n’entrent en scène est une excellente façon de se familiariser avec l’album, qui est un véritable banger du début à la fin.

Le deuxième single du nouvel album de Fall Out Boy So Much (For) Stardust, « Heartbreak Feels So Good », est accompagné d’un clip incroyablement divertissant dans lequel on retrouve Rivers Cuomo, de Weezer.

« Hold Me Like A Grudge »‘ » est le suivant et, bon sang, cette ligne de basse d’ouverture… C’est vraiment génial. Il y a aussi quelques unes de ces vieilles paroles rapides comme l’enfer que Patrick est si bon à livrer, et ça ressemble un peu à  » Smooth Criminal  » de Michael Jackson.

On continue le nouvel album de Fall Out Boy avec « Fake Out » qui commence beaucoup plus lentement que les titres précédents, avec une ambiance plus froide, mais la batterie d’Andy Hurley maintient un rythme un peu plus soutenu. C’est vraiment une bonne façon de calmer les auditeurs après l’apogée des trois premières chansons.

« Heaven, Iowa » démarre avec des maracas. C’est presque une ballade, mais c’est aussi assez rock. Instrumentalement, c’est un morceau absolument magnifique. La batterie d’Andy, bien qu’assez percutante, n’étouffe pas l’harmonie des guitares de Joe et Patrick, avec la basse de Pete parfaitement intégrée pour maintenir l’ensemble.

« So Good Right Now  » offre les sensations de fête qui s’étaient perdues dans la mélancolie de « Heaven, Iowa ». On peut dire que Green Day a toujours été une grande influence pour Fall Out Boy, la chanson ressemblant un peu à  » Meet Me On The Roof « , mais en 20 fois mieux. C’est aussi un morceau qui serait parfait pour un bal de fin d’année des années 1950, ou pour une scène de bal de fin d’année dans une comédie romantique pour adolescents des années 2020.

On poursuit le nouvel album de Fall out Boy avec « Flu Game », qui est un excellent nom pour une chanson, mais pas aussi bon que le suivant, « Baby Annihilation  » (nous y reviendrons dans une seconde). La guitare distordue donne le coup d’envoi avant que le chant n’arrive, et à partir de là, c’est du bon et du fun non-stop. Il y a une petite surprise au point culminant, alors assurez-vous d’écouter jusqu’au bout. « Baby Annihilation  » est un morceau parlé par Pete Wentz et ressemble beaucoup à un poème, avec des instruments bizarres qui comportent des sons distordus assez étranges.

« The Kintsugi Kid (10 Years) » entame le compte à rebours vers la fin. Cela nous a fait penser à « What A Catch, Donnie », sur Folie A Deux, une chanson que Pete a écrite sur sa lutte contre la dépression et sa tentative de suicide, presque comme une lettre à Patrick Stump. Le « Kintsugi » est l’art japonais qui consiste à remplir et à réparer les fissures de la poterie et d’autres objets avec de la laque, généralement avec de l’or.

Heureusement, « What A Time To Be Alive » nous réveille de notre stupeur emo et offre une ambiance beaucoup plus joyeuse et optimiste, avec un pied fermement ancré dans les éléments disco des années 1970. C’est optimiste, c’est dansant, c’est disco et c’est une fête totale du début à la fin. C’est un virage à 180 degrés par rapport au morceau précédent, et c’est ce genre de flux et de reflux dans le choix des chansons qui fait de Fall Out Boy un groupe de premier plan.

La fin de l’album reprend également des paroles de « Love From The Other Side » et c’est ce genre de retour en arrière qui rend un album cohérent, et bien que cela puisse être considéré comme ringard, ce n’est absolument pas le cas. « So Much (For) Stardust  » est un morceau épique à tous points de vue, et c’est une excellente façon de terminer ce qui est un excellent album.

Notre avis sur le nouvel album de Fall Out Boy, So Much (for) Stardust ? Dans l’ensemble, ce disque est un peu rock, un peu pop punk, un peu synthé et un peu disco ! Cependant, Fall Out Boy a toujours su utiliser ses albums pour raconter une histoire et So Much (For) Stardust ne fait pas exception à la règle. L’attente de cinq ans entre les deux albums en valait vraiment la peine…

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Katie Melua en 2023, Love & Money. L’auteure-compositrice-interprète Katie Melua se remettait d’un divorce sur l’album n° 8 de 2020. Son dernier album, Love & Money, la place dans une situation totalement différente. Avec un nouveau partenaire et un fils nouveau-né (elle était enceinte au moment de la création de l’album), elle a trouvé un nouveau contentement qui se reflète dans ces chansons folk de Laurel Canyon.

Love & Money est son neuvième album. Chacun des huit premiers a atteint le top 10 du classement des albums au Royaume-Uni, un exploit réalisé par seulement deux artistes britanniques, Kate Bush (12 fois) et Melua. Cet album diffère cependant de ses précédents travaux. Le produit final est moins complexe. Les arrangements (l’album a de nouveau été produit par un collaborateur de longue date, Leo Abrahams, qui a travaillé avec Brian Eno et Regina Spektor) sont moins serrés.

Y a quoi sous le capot de Love & Money le nouvel album de Katie Melua en 2023 ?

Il y a moins d’intonations jazzy ; il n’y a pas de chansons comme « Voices in the Night » ou « Maybe I Dreamt It ». Elle a déclaré avoir allégé son approche de la musique pour cet album afin de refléter sa situation dans la vie, sous un « ciel bleu ». C’est un élément thématique auquel elle revient dans plusieurs chansons.

Au lieu de cela, cette musique et le chant de Melua offrent une grande marge de manœuvre et peu de drame. Il s’agit d’une écoute facile, ou peut-être d’une vie facile. Les chansons parlent de tomber amoureux sans se presser, de trouver de la joie dans les choses de tous les jours, d’être en sécurité avec qui elle est et de laisser la vie venir à elle comme elle vient.

Katie Melua définit le cadre avec le nouveau single « Quiet Moves », un bop mid-tempo (et le morceau le plus pop de l’album) qui raconte qu’elle a réalisé qu’elle tombait amoureuse de son partenaire, qu’elle a appelé « Ollie », après avoir observé ses mouvements de danse insouciants. Des notes de piano scintillantes et des lignes de guitare floues dansent autour d’une batterie urgente.

Une grande partie du reste du nouvel album de Katie Melua Love & Money est encore plus douce, mettant l’accent sur ses paroles et son talent de chanteuse.

“It’s good to let a little peace inside you/ Otherwise the flame will freeze inside you,”, chante-t-elle sur « 14 Windows ». Hors contexte, cette chanson aurait pu parler d’une rupture et figurer sur l’album 2020. Mais ici, elle chante avec espoir plutôt qu’avec lassitude et tristesse. La chanson est imprégnée de réverbération d’orgue et de synthétiseurs, comme si elle avait été récemment découverte dans une capsule temporelle de la fin des années 70 ou du début des années 80.

Sur un rythme traînant, une guitare jazzy et de légers riffs de piano, Melua dépeint une journée d’été parfaite sur « Lie in the Heat ». Il est facile de l’imaginer en Blanche-Neige, se pavanant le long d’un ruisseau dans une clairière. Le single « Those Sweet Days » présente une image similaire, mais plus domestique. Cette chanson est construite sur un piano doux, des harmonies vocales et un rythme de batterie semblable à celui d’une valse. Cette chanson parle de s’asseoir et de prendre le temps de ne rien faire.

Le milieu du nouvel album de Katie Melua Love & Money propose des airs de bonheur et d’amour. « Darling Star » pourrait parler de son partenaire ou de son fils nouveau-né.

« Pick Me Up », la chanson la plus dense du nouvel album de Katie Melua sur le plan sonore (elle contient un peu de tout ce qu’offre Love & Money), poursuit la tendance de l’album à faire référence à l’imagerie du ciel bleu. La chanson la plus dramatique est la chanson-titre, qui clôt l’album. Elle ressemble à une histoire autobiographique de l’enfance dans une Géorgie politiquement instable, faisant référence à Kutaisi, la ville où Melua est née, et à un moment où son père semblait nerveux à propos de quelque chose avant de décider que « c’est une fausse alerte ». Cette chanson est teintée d’un sombre jeu de violon, ce qui lui donne un air de musique country.

Le premier extrait de l’album, « Golden Record », parle de la recherche d’un équilibre entre la personnalité de Melua, axée sur le travail, et sa place en tant que femme dans l’industrie de la musique, et la vie qu’elle a manquée – stabilité, enfant, amis ayant les mêmes objectifs et les mêmes événements de la vie. « Qu’est-ce qui te fait peur maintenant ? Tu as peur d’être enfin heureuse ? se demande-t-elle.

U2 a déjà publié des versions alternatives de ses chansons sur des collections, mais il s’agissait toujours de bonus sur des rééditions (Kindergarten Achtung Baby) ou de sorties réservées aux clubs de fans (Medium, Rare & Remastered, Artificial Horizon). Le dernier et nouvel album de U2, Songs of Surrender, est leur première tentative de réédition pour le grand public. Et il y a de quoi faire !

Ces 40 chansons n’offrent souvent qu’une infime partie de l’énergie rock and roll des originaux.

Alors, à quoi bon ? Si vous êtes un auditeur de longue date de U2, vous avez tout intérêt à découvrir des facettes de la musique du groupe que vous n’aviez jamais envisagées auparavant. Si vous êtes convaincu que les riffs de guitare de The Edge dans les années 80 doivent être accompagnés d’un délai de 400 millisecondes, vous serez peut-être déçu de les entendre remplacés par le son intense de ses doigts glissant le long des cordes.

Y a quoi sous le capot de Songs of Surrender le nouvel album de U2 en 2023 ?

Beaucoup de ces chansons durent cinq minutes, ce qui signifie qu’elles ne fonctionnent pas bien en tant que single. Elles sont réparties sur quatre disques de 10 titres, chacun représenté par un membre du groupe, mais on ne sait pas s’il y a une raison derrière la spécificité de leur emplacement dans ces listes de lecture. Les 40 chansons ont été enregistrées au cours des deux dernières années, mais il ne semble pas que les quatre membres aient toujours été impliqués.

De nombreux morceaux n’ont pas de basses ou de percussions perceptibles. The Edge a produit l’album et a déclaré que l’objectif était de remplacer l’urgence post-punk par l’intimité. En pratique, cela signifie que certaines chansons sont interprétées dans des tonalités différentes, à des rythmes plus lents et avec de nouvelles progressions d’accords, et que certaines comportent des paroles actualisées.

Beaucoup de ces chansons sont prêtes à être écoutées dans un café. D’autres ressemblent beaucoup aux concerts acoustiques de U2. Dans le meilleur des cas, le nouvel album de U2 Songs of Surrender présente des versions d’univers alternatifs du catalogue classique de U2.

Imaginez U2 avec Edge comme chanteur principal. Il chante sur « Peace On Earth », qui était déjà une chanson de type feu de camp, mais qui l’est encore plus avec une guitare acoustique qui fait le gros du travail. Il a également une voix plus proéminente sur d’autres chansons. « Stories For Boys » est l’une de ces premières chansons, avec des accords de piano scintillants, à la « MLK », où Bono et Edge s’harmonisent. On se rend compte ici que cette chanson rock, l’une des premières déclarations de U2, est devenue un funèbre chant funèbre.

Le nouvel album de U2 Songs of Surrender démarre avec l’une de ses chansons les plus fortes, « One ». Dans cette version, le batteur Larry Mullen Jr. joue du piano. La partie n’est pas compliquée, mais elle est magnifiquement réalisée. Parallèlement, Abe Laboriel Jr, mieux connu comme batteur de Paul McCartney, chante des chœurs.

D’autres chansons font un pas de côté, comme « 11 O’Clock Tick Tock », un autre rocker des débuts de l’album, qui devient un mid-tempo jazzy digne d’un salon ou même d’une salle de bal, rappelant « Save a Prayer » de Duran Duran. Encore plus inhabituel, « Out Of Control » est présenté dans un arrangement folky Americana ! Malgré l’instrumentation clairsemée (Bono, Edge, deux parties de guitare acoustique), elle reste énergique. Qui l’eût cru ? « Pride (In The Name Of Love), la dernière chanson du premier disque, introduit enfin la guitare électrique de Edge, mais sans attendre.

Sur le nouvel album de U2, on dirait le groupe des années 2000 jouant le U2 des années 1980, sans les retards caractéristiques de ce dernier. Elle comporte également un arrangement orchestral du joueur de tabla indien-américain Karsh Kale, ainsi qu’une chorale composée d’enfants de Mumbai, dirigée par l’auteur-compositeur-interprète de Delhi Kamakshi Khanna.

Le morceau « Red Hill Mining Town », favori des fans des années 80, sonne presque rétro-futuriste avec des synthétiseurs ou des guitares à chorus spatiaux. La caisse claire militariste caractéristique de Mullen est présente ici, ainsi qu’une section de cuivres de quatre musiciens dirigée par Trombone Shorty.

La chanson « Sometimes You Can’t Make It On Your Own », tirée de l’album How to Dismantle an Atomic Bomb (2004), présente une nouvelle progression d’accords, jouée au piano, qui la fait ressembler à « Sunday Bloody Sunday ». Il s’agit d’un autre morceau où le chant de Edge occupe une place prépondérante. Une harpe ou un clavecin fait son apparition aux deux tiers du morceau, ainsi que le jeu de batterie de Mullen, qui donne toujours l’impression de jouer une chanson de marche.

On poursuit l’écoute du nouvel album de U2 avec la nouvelle version du tube « Vertigo » qui met le paquet. Des cordes du Moyen-Orient ouvrent cet arrangement, rapidement rejointes par un violoncelle ou une basse à archet, une guitare et un vibrato en forme de serpent à sonnettes joué par Bono lui-même. Les cordes sonnent plus irlandais vers la fin. C’est différent et cela risque de faire naître des conversations, mais est-ce que cela atteint l’objectif d’un son plus intime ? Il semble qu’il faille au moins sept ou huit personnes sur scène pour jouer sans accompagnement.

« Desire », tirée de Rattle & Hum (1988), est la chanson la plus moderne de tout l’album. Elle est funky, avec des basses électroniques profondes. Elle se veut un hymne de club tout en conservant son côté bluesy. Les résultats varient. J’ai aimé. La personne assise derrière mon épaule a eu un haut-le-cœur.

Le nouvel album de U2 Songs of Surrender stagne sur des chansons qui offrent une ambiance similaire à celle des enregistrements originaux, ou sur des arrangements similaires à ce que U2 a joué en concert pendant des années. Il s’agit notamment de « Beautiful Day », « Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of » (Ezra Mullen, le fils de Mullen, joue du tambourin), « Who’s Gonna Ride Your Wild Horses » et « Sunday Bloody Sunday » (sur laquelle Edge joue du ukulélé).

Si U2 n’avait pas déjà sorti un mix de « The Fly » (Achtung Baby, 1991) appelé « Lounge Fly » dans les années 90, cette nouvelle version serait un substitut acceptable. L’ancienne chanson est meilleure, et celle-ci devient plus bizarre avec un tas d’éléments intéressants qui ne s’accordent pas entre eux.

Et sur « I Still Haven’t Found What I’m Looking For », Bono a l’air d’un vieux lion fatigué qui tente d’échapper à son destin. Peut-être que sa carrière d’acteur a déteint sur cet arrangement. Il y a tout de même un avantage : La chanson est accompagnée de chœurs de Brian Eno et de Daniel Lanois. Il ne s’agit pas d’enregistrements d’archives, ce qui laisse présager de futures collaborations entre ces vieux amis. La basse est assurée par le technicien d’Adam Clayton, Stuart Morgan.

Malheureusement, il y a quelques chansons qui enlèvent à U2 ce qui fait d’eux des U2. L’original « Where The Streets Have No Name » et la version jouée par le groupe lors des concerts apportent une catharsis par le biais d’une poussée de dopamine. Mais la version que nous avons ici est plus axée sur la sérotonine. Bono chante en sourdine jusqu’à la fin sur un piano et des synthés brumeux. Elle ne décolle jamais. De même, « City Of Blinding Lights » et « Until The End Of The World » sont vidés de leur substance. Le premier sonne comme « Lullaby U2 ».

Notre avis sur le nouvel album de U2 Songs of Surrender en 2023 ? Que vous considériez Songs of Surrender comme un nouvel album de U2, comme un mélange de bonus sans pièce maîtresse ou comme un compagnon de la production théâtrale de Bono ou de ses mémoires, il devrait suffire à piquer votre intérêt. Il est toutefois peu probable qu’il remplace les originaux dans votre liste de lecture.

Peu de titres sont aussi immédiatement mémorables que le dernier tube de Miley Cyrus, « Flowers », un groove lent qui véhicule un message d’indépendance et d’amour de soi. Le titre fait déjà partie des titres les plus streamés de l’histoire. Cette chanson hymnique donne le coup d’envoi du huitième et nouvel album de Miley Cyrus en 2023, qui est resté largement confidentiel jusqu’à sa sortie.

Dans l’ensemble, Endless Summer Vacation semble être le successeur naturel de Plastic Hearts de 2020. Mais cette fois-ci, il est moins question de Joan Jett et de Stevie Nicks que de Miley Cyrus. Cette douzaine de titres s’inspire moins du rock classique que d’une ambiance d’auteur-compositeur-interprète à l’envers.

Y a quoi sous le capot de Endless Summer Vacation le nouvel album de Miley Cyrus en 2023 ?

Le deuxième titre, « Jaded », est calme et froid, une jam acoustique mid-tempo, la voix de Cyrus passant d’une intimité tranquille sur les couplets à une puissance fulgurante sur le refrain.

Les grooves lents se poursuivent sur « Rose Colored Lenses », un morceau au piano lourd et rythmé, avec une mélodie bluesy discrète. Ce trio d’ouverture est un peu différent pour Cyrus. La majeure partie d’Endless Summer Vacation se situe davantage dans une esthétique de tonalité mineure, avec des paroles et une maturité vocale.

On continue le nouvel album de Miley Cyrus en compagnie de la country rockeuse Brandi Carlile pour la ballade acoustique chatoyante « Thousand Miles ». Cette ballade fusionne harmonieusement la pop, l’Americana et la country dans un morceau bien arrangé et bien interprété. La voix de Carlile n’est utilisée que pour l’harmonisation, mais elle ajoute de la luxuriance et se marie bien avec le chant de Cyrus. La chanson se termine même par ce qui semble être un riff d’accordéon ou d’harmonica.

La ballade bluesy « You » est encore plus douce, avec un arrangement clairsemé de touches et de percussions, et prépare le terrain pour que la star brille avec une autre voix de tueur.

Endless Summer Vacation est une œuvre plus discrète. Elle n’est pas remplie de pop entraînante et de chansons estivales. Le titre est donc un peu ironique. Miley Cyrus laisse généralement ses fans dans l’expectative quant à l’évolution de son style, et cet album ne déroge pas à la règle.

« Handstand » est un tournant sonore qui fait prendre à l’album une direction très différente. S’ouvrant sur des synthés lourds et une intro parlée, elle se transforme en une combinaison de boucles spatiales, de sons électroniques et d’un rythme substantiel. On a l’impression qu’il s’agit d’un interlude, bien qu’il dure toute la durée du nouvel album de Miley Cyrus. Il prépare avec succès les sons synthétiques entraînants de « River ». Ce dernier a un rythme pulsé et des accroches pop, mais se restreint juste assez pour s’intégrer dans le paysage de cet album.

L’hymne mid-tempo « Violet Chemistry » ramène les choses à un niveau sonore intermédiaire, tout en infusant de l’électronique, ce qui marque la seconde moitié de Endless Summer Vacation. Le refrain mélange la sensibilité pop avec le funk et le R&B. Il a une personnalité rétro. Il a la personnalité d’un retour en arrière.

L’un des moments forts du nouvel album de Miley Cyrus arrive et repart rapidement, mais il fait une déclaration en cours de route. « Muddy Feet » est une collaboration avec Sia, qui joue à nouveau le rôle de caméraman. La chanson mélange un stomp bluesy brut avec l’énergie vocale du rock classique de Plastic Hearts. Il y a un groove pop serré qui offre un ton imposant. Elle dure un peu plus de deux minutes, mais c’est du temps bien utilisé.

Une partie du style vocal est conservé sur  » Wildcard « , qui est par ailleurs plus discret et plus riche en groove. Le titre de « Island » est tout à fait approprié : il s’agit d’une ballade aux accents tropicaux. Il est facile de s’imaginer allongé sur une plage et de l’écouter avec une paire d’écouteurs.

Notre avis sur le nouvel album de Miley Cyrus Endless Summer Vacation en 2023 ? L’album se termine par « Wonder Woman », une ballade au piano sur la résilience, le voyage et la capacité à surmonter les hauts et les bas de la vie. C’est une note magnifique et sombre qui clôt l’album.

Dans des siècles, les historiens chercheront désespérément un artefact qui traduise ce qu’était la vie au crépuscule de la civilisation occidentale. Les gens du futur auront besoin d’aide pour comprendre l’ennui anxieux de notre époque. Cracker Island, le nouvel album de Gorillaz en 2023 – la collaboration musicale entre Damon Albarn, le chanteur de Blur, et l’artiste visuel Jamie Hewlett – contribuera largement à donner aux humains du futur une idée de ce qu’était la vie en 2023.

Les paroles de l’album sont axées sur l’isolement et la marchandisation de nos vies essentiellement virtuelles. Sur le plan musical, il brille d’un éclat de science-fiction, avec les jouets numériques qui, selon les paroles, nous rendent fous.

Y a quoi sous le capot de Cracker Island le nouvel album de Gorillaz en 2023 ?

Les synthétiseurs somptueux de « Silent Running » se verrouillent avec une guitare funk fendue, groovant dans la grande tradition du funk britannique maniéré qui va de David Bowie à Jamiroquai en passant par Daft Punk. Un sifflet humain solitaire délivre la mélodie de l’intro au milieu d’un déluge de sons synthétiques.

Si le titre de la chanson est une référence au film spatial de 1972 sur le thème de l’écologie, le voyage décrit dans les paroles d’Albarn n’est pas un voyage à la recherche d’une planète sur laquelle planter un bouquet d’arbres, mais une retraite dans les recoins noirs et sombres de nous-mêmes.

Comme on pouvait s’y attendre, Albarn et sa compagnie ont rassemblé une brochette d’invités pour le nouvel album de Gorillaz Cracker Island, dont Stevie Nicks, Thundercat, Bad Bunny, Beck, Tame Impala et le rappeur de Pharcyde, Booty Brown.

Le titre phare du nouvel album de Gorillaz, « New Gold », suggère que février n’est pas trop tôt pour commencer à penser à la chanson de l’été 2023. Ce banger absolu a été coécrit par Kevin Parker de Tame Impala et Brown. Comme tous les plus grands succès de Gorillaz, le morceau passe sans effort d’un mode musical à l’autre : des synthés nuageux et des voix rêveuses à une batterie hip-hop grinçante et à des lignes de claviers envolées.

La voix rauque caractéristique de Stevie Nicks double la mélodie vocale avec Albarn sur « Oil ». Le duo appelle les auditeurs à l’action à la fin de la chanson, en chantant à l’unisson : « Les actions individuelles changent le monde ». Bad Bunny se joint à Albarn sur « Tormenta », ajoutant une touche d’auto-accordage et d’inspiration reggaeton au piano et à la harpe délicats de la chanson.

Fidèle aux personnages animés et à l’ambiance visuelle créés par Jamie Hewlett, une grande partie de la musique ressemble à une bande dessinée : frappante, dramatique, austère et engageante. Des chansons comme « The Tired Influencer », « Tarantula » et « Baby Queen » évoquent le psychédélisme carnavalesque des Flaming Lips.

« Skinny Ape « , une chanson qu’Albarn a lancée lors de la dernière apparition du groupe à San Francisco, commence par une délicate guitare acoustique avant d’être submergée par un groove synthétique. La dynamique musicale semble récapituler notre expérience de primates numériques, qui ne sont pas à leur place dans un monde où nos créations informatisées menacent de nous remplacer alors que nous passons de plus en plus de temps à dépenser des émotions réelles dans un monde virtuel.

Notre avis sur le nouvel album de Gorillaz Cracker Island en 2023 ? Plus que tout autre album que l’on a entendu récemment, Cracker Island capture notre sentiment actuel d’irréalité : cette impression que nos vies deviennent moins substantielles, comme si nous ne faisions que des rêves lucides devant une série d’écrans.

Sur « Possession Island », Albarn et Beck chantent :  » Where things they don’t exist/ And we’re all in this together ’til the end/ ‘Til the end « . C’est comme si la seule chose que nous ayons apprise de nos connexions câblées pendant le Covid était à quel point nous nous sentons profondément seuls, tous ensemble.

Place à notre avis sur le nouvel album de Godsmack, Ligtning Up The Sky. Si le huitième album de Godsmack est, comme le suggère le chanteur Sully Erna, le dernier du groupe, alors le quatuor de Boston a choisi une sacrée façon de partir. Bien que le groupe ne prenne pas sa retraite, Erna a déclaré qu’il quittait définitivement le studio pour faire plus de choses que les membres voulaient faire depuis longtemps, tandis que le groupe est satisfait des succès qu’il obtient déjà lors des concerts.

Bien que l’on puisse débattre du bien-fondé de cette décision, le groupe livre un chant du cygne puissant sur Lighting Up the Sky, si tant est qu’il s’agisse de la fin des nouveaux enregistrements.

Y a quoi sous le capot de Lighting Up the Sky le nouvel album de Godsmack en 2023 ?

En près de trois décennies, Godsmack a bâti sa réputation sur un son de base. À l’instar de leurs contemporains Disturbed ou Nickelback, les hard rockers ont prospéré grâce à des hymnes machistes à forte teneur en riffs. Si Lighting Up the Sky ne s’écarte pas radicalement de ce modèle, l’album le présente d’une manière différente. Pour commencer, le disque a un son beaucoup plus organique. Les guitares sont brutes et mordantes, la batterie puissante mais spacieuse et la basse réchauffe la section rythmique. On dirait que ce sont des musiciens qui jouent ensemble.

La plupart des morceaux du nouvel album de Godsmack dépassent les quatre ou cinq minutes, ce qui permet aux musiciens de déployer leurs muscles. Par exemple, le hard rock bluesy de l’ouverture « You and I » est construit autour d’un riff lourd, mais le guitariste Tony Rombola a tout le temps de livrer un solo lyrique et convaincant.

« Red, White, and Blue » est peut-être le morceau qui ressemble le plus à Godsmack sur le disque, construit sur la bravade américaine et l’esprit de combat.

D’un autre côté, le single « Surrender » s’envole, peut-être le meilleur titre du groupe depuis des années. Mélangeant une sensibilité rock classique avec une urgence nerveuse, Erna complète le tout avec une voix tranchante et agressive qui explose lorsque la chanson passe à son refrain mélodique qui fait sauter les poings. Le dynamique « What About Me » maintient le rythme, passant d’un murmure à un cri.

Le nouvel album de Godsmack Lighting Up the Sky est un album conceptuel en quelque sorte, qui documente un voyage à travers une variété de relations interpersonnelles, de l’amour à la perte en passant par la politique.

Bien que Godsmack soit connu pour sa lourdeur, les ballades du groupe sont tout aussi impressionnantes. La première de l’album arrive avec « Truth », une histoire de cœur brisé et de trahison menée au piano. Le refrain mélange des harmonies dignes d’Alice in Chains avec une forte dose de cordes et autres touches orchestrales.

« Hell’s Not Dead » parvient à faire la part des choses entre le son authentique de Godsmack et l’esthétique rock classique de l’album. Rombola brille à nouveau avec un solo bluesy foudroyant qui fait tout ce qu’il faut. « Soul On Fire » est un morceau punk/thrash avec une mélodie infectieuse. « Let’s Go ! » creuse encore plus profondément dans un son qui mélange le blues rock avec Black Sabbath.

L’hymne « Best Of Times » est une sorte de carte de remerciement aux fans et à tous ceux qui ont aidé le groupe au fil du temps. Enra remercie les fans pour leur patience et s’excuse pour son comportement au début, lorsqu’il n’était pas facile de travailler avec lui.

« Growing Old » est le moment le plus brillant d’Erna sur l’album. La chanson s’envole avec certaines de ses voix les plus convaincantes sur le disque. La chanson s’appuie sur le piano au début, mais elle se développe pour remplir un paysage sonore massif.

Godsmack termine ensuite avec une chanson-titre endiablée, Erna mêlant même des paroles de certains des anciens succès du groupe, comme « Stay Away » et « Voodoo », alors que l’album s’éteint.

Notre avis sur le nouvel album de Godsmack Lightning Up The Sky en 2023 ? S’agit-il du dernier nouvel album de Godsmack ? Seul le temps nous le dira, mais pour l’instant, il y a beaucoup de choses pour les fans qui gravitent autour de ce dernier (potentiellement) final.

This Is Why, le sixième album et tant attendu nouvel album de Paramore en 2023, pourrait bien être la preuve que l’absence rend le cœur plus tendre. Le groupe a fait une pause prolongée après l’album After Laughter de 2017. Cette pause a permis à Hayley Williams de sortir deux disques solo tout en luttant contre la santé mentale et la dépression pendant la pandémie.

This Is Why est la somme des presque deux décennies de Paramore en tant que groupe, un cri de guerre triomphant qui est le travail le plus mature et le plus confiant du trio.

Y a quoi sous le capot de This Is Why le nouvel album de Paramore en 2023 ?

D’une certaine manière, le travail solo de Williams était un pont nécessaire à cette dernière itération de Paramore. La précision tranquille des couplets de la chanson titre rappelle la complexité de Petals For Armor, tandis que les rythmes groovy influencés par le jazz du batteur Zac Farro et les riffs funky du guitariste Taylor York font passer le son à une autre dimension. Le refrain hymnique est un rappel instantané de l’alchimie qui alimente ce groupe.

L’hymne urgent et punk « The News » fait écho à quelque chose qui aurait pu provenir de l’album éponyme du groupe. L’évolution de Williams en tant qu’auteur est perceptible tout au long de l’album. Avec After Laughter, le chanteur s’est concentré sur les thèmes de la dépression et de l’isolement d’un monde qui semble trop lourd. Sur le nouvel album de Paramore This Is Why, Williams est toujours confrontée à ces défis, mais cette fois, elle écrit à leur sujet avec un sentiment renouvelé d’assurance qui apporte une nouvelle énergie à la musique.

« Running Out of Time » s’ouvre sur un motif de basse et de guitare discret jusqu’à ce que le groove léger de Farro entre dans le mix. Le morceau bondissant explose en un refrain alt-pop massif qui se situe davantage dans le domaine de certains morceaux d’After Laughter.

York apporte également une nouvelle perspective à son travail à la guitare. Même les morceaux les plus lourds ne sont pas inondés de riffs et de distorsion. York trouve de nouvelles façons d’utiliser son instrument pour transmettre l’ambiance sans s’appuyer sur des accords puissants.

Les couplets parlés de Hayley Williams sur le punchy « C’est Comme Ca » sont délicieusement bizarres, l’un des nombreux aspects intrigants de This Is Why. Certains morceaux, ou même des parties de morceaux, ne résonnent pas tout de suite, mais prennent tout leur sens après quelques écoutes. La prise de risque fait du nouvel album de Paramore ce qu’il est.

« Big Man Little Dignity » est un morceau mid-tempo très groove qui montre une autre facette de la voix de Williams. La chanteuse montre sa gamme dynamique, optant pour la précision de la puissance dans l’énonciation du refrain. Le morceau n’a pas vraiment de point de référence dans le passé de Paramore ; il a plutôt une énergie pop des années 80.

L’agressif « You First » est un morceau absolument remarquable, un morceau sombre et lunatique qui contient certaines des paroles les plus pointues de Williams sur le disque.

Ce n’est pas une comparaison exacte avec certains des premiers travaux du groupe, mais il y a un peu de cette énergie dans la chanson. L’ambiance se poursuit avec « Figure 8 », un morceau qui accompagne naturellement le numéro précédent. York joue une ligne de guitare serrée et chatoyante alors que l’énergie monte crescendo dans le refrain. L’une des meilleures chansons du nouvel album de Paramore.

Le rythme ralentit pour la première fois sur « Liar », où quelques notes de guitare isolées mènent à un chant serein. C’est un renversement de rôle pour Williams, qui s’excuse plus facilement et fait preuve d’introspection dans ses paroles.

Dans « Crave », plus brillant et plus optimiste, Williams se souvient des jours passés. Les harmonies superposées du pont sont particulièrement efficaces.

Le calme « Thick Skull » prend une allure sombre et bluesy ; le morceau au piano se construit à partir de quelques notes austères jusqu’à un paysage sonore étendu. La chanson passe du doux au lourd et termine sur une note dramatique, comme le fait « All I Wanted » pour Brand New Eyes.

Notre avis sur le nouvel album de Paramore This Is Why en 2023 ? This Is Why est l’œuvre la plus complète de Paramore en tant que groupe. Il n’a pas de tube pop-punk comme « Still Into You », mais ce n’est pas la question. L’album montre la croissance de trois musiciens au sommet de leur art et est la preuve que Paramore a encore beaucoup à dire.

Place maintenant au nouvel album de Shania Twain en 2023, Queen of Me. Quand on pense qu’il fut un temps où l’on pensait ne plus jamais entendre de musique de Shania Twain… Même si des problèmes de santé personnels ont menacé de mettre sa carrière de chanteuse sur la touche, l’artiste country féminine la plus vendue a non seulement réussi à s’en sortir, mais elle est revenue à la musique plus forte que jamais. Queen of Me est le titre parfait pour le premier album de Twain en six ans, qui est son sixième album de chansons originales depuis 1993.

Y a quoi sous le capot de Queen of Me le nouvel album de Shania Twain en 2022 ?

Depuis l’époque emblématique de « Man ! I Feel Like A Woman ! » Twain a toujours créé des hymnes de danse à chanter pour. Cet album n’est pas différent, car la reine de la pop-country a produit quelques morceaux pour nous faire sentir bien. L’ouverture du nouvel album de Shania Twain, et l’un des premiers singles de l’album, « Giddy Up ! » est la façon parfaite d’inaugurer la nouvelle ère.

Le titre « Queen of Me » vous donnera envie de crier dans la voiture avec vos amis. C’est un morceau parfait pour s’aimer soi-même, qui parle de tout ce que nous apportons à la table et du fait qu’être soi-même est une force en soi. Pour une autre chanson qui vous fait bouger, écoutez « Number One ». Et si vous voulez simplement vous sentir bien, vous ne pouvez pas vous tromper avec les titres optimistes « Brand New » et « Waking Up Dreaming ».

Shania Twain trouve également le temps de se tourner vers l’intérieur et d’écrire avec son cœur. Elle ralentit les choses sur « Inhale/Exhale AIR », en écrivant qu’il est important de ralentir et de profiter des choses simples de la vie avant qu’elles ne vous dépassent.

La chanson fait référence aux ballons, aux bulles, au parachutisme et à d’autres choses plus légères que l’air pour faire passer le message. Un refrain de guitares acoustiques guide la chanson et lui donne un air aérien. Une grande partie du nouvel album de Shania Twain offre cette sensation de brise et de premier jour d’été.

Puis il y a « The Hardest Stone », coécrite et produite par Tyler Joseph de Twenty One Pilots, qui réduit l’instrumentation pour qu’elle passe après la puissante voix de Twain. Dans cette chanson, Shania Twain se parle à elle-même de ce qu’elle a appris de ses relations passées.

Elle impressionne également sur « Not Just a Girl », une chanson qui donne du pouvoir et qui se rapproche le plus du son country original de l’album. « Hold me but don’t hold me down », prévient-elle. Twain a toujours parlé fièrement de sa féminité et soutenu les femmes qui l’entourent, et il est bon de voir que les choses n’ont pas changé.

Notre avis sur le nouvel album de Shania Twain ? Queen of Me est tout ce que les fans de Shania Twain pouvaient espérer. En même temps, c’est une introduction parfaite pour tous ceux qui ne l’ont pas entendue jusqu’à présent. Twain fait de la musique qui est amusante, et elle s’amuse à le faire.

Place maintenant au nouvel album de Sam Smith en 2023, Gloria. Imaginez un Sam Smith plus jeune, au bord du précipice de la superstar, qui doit se censurer publiquement et professionnellement de peur de perdre non seulement tout ce qu’il a construit pour lui-même, mais aussi le respect de toutes les autres personnes qui l’entoure.

Même après être devenu l’un des plus grands chanteurs pop de la planète dans les années qui ont suivi, au cours desquelles Smith a fait son coming out en tant qu’homosexuel puis non binaire, il s’est senti limité dans ce qu’il pouvait faire et dans la façon dont il pouvait s’exprimer dans des studios.

Le nouvel album de Sam Smith, Gloria, est donc une proclamation de sa véritable identité, délivrée par la voix douce et mélassée caractéristique de Smith. C’est un album fièrement queer, mêlant des récits historiques des défis auxquels la communauté est souvent confrontée à des proclamations franches et fières, aux difficultés personnelles de Smith.

Y a quoi sous le capot de Gloria le nouvel album de Sam Smith en 2022 ?

Après In The Lonely Hour (2014), The Thrill Of It All (2017) et Love Goes (2020), le moment est peut-être peu conventionnel pour faire un album de passage à l’âge adulte, mais c’est précisément la façon dont Smith a dit qu’il considérait Gloria.

Il n’y a rien d’autre sur l’album qui ressemble à « Unholy ». On a beaucoup parlé de ce banger absolu, mais il est important de souligner que la pression qui a suivi Smith tout au long de sa carrière existait déjà lors de la création de cette chanson. Il y avait Smith, Petras et neuf hommes dans la pièce, et tous l’ignorait.

Smith s’est ensuite entouré de voix féminines en réalisant Gloria pour « équilibrer » le ton de l’album et le rendre plus féminin. Outre Petras, on retrouve sur l’album la chanteuse soul et rappeuse Jessie Reyez et l’artiste jamaïcaine Koffee. La cosignataire Reyez se joint à Smith sur la chanson « Perfect », qui célèbre l’imperfection et les solos de guitare sexy. Reyez et Koffee apparaissent tous deux sur le deuxième morceau le plus intéressant du nouvel album de Sam Smith « Gimme ». Cet air de dancehall à double sens parle de désir.

Alors que ces chansons et le morceau « Lose You », qui fait vibrer les pistes de danse à la manière de Kylie Minogue, sont la bête noire de Gloria, le cœur de Smith s’ouvre plus largement sur les morceaux plus lents, qui sont plus proches de leur travail précédent. Sur « Love Me More », qui ouvre l’album, Sam Smith s’engage à s’aimer plus que par le passé et à cesser de se regarder dans le miroir.

Le morceau « Who We Love », qui clôt le nouvel album de Sam Smith Gloria, est une ballade au piano et le morceau le plus emphatique de l’album. La chanson vient en fait de l’esprit d’Ed Sheeran, qui fait un duo avec Smith.

« No God » et « How To Cry » sont les hymnes de rupture les plus anciens de Smith. Le premier est moins clair mais joue comme un reproche à quelqu’un qui n’est pas digne du piédestal sur lequel il est assis. Il y a plus de reproches sur la dernière chanson, plus tendre, qui a beaucoup à dire sur la fin d’une relation où l’autre personne n’est pas capable de transmettre ce qui se passe dans sa tête.

Sam Smith a décrit la chanson R&B « Six Shots » comme sa « chanson de sexe ». Sur le plan sonore, elle partage une base similaire à « Perfect », mais sur le plan des paroles, elle ressemble davantage à « Gimme », qui la suit immédiatement. L’autre déclaration audacieuse se trouve sur le morceau aux sonorités mid-’80 « I’m Not Here To Make Friends » (écrit avec Stargate et Reyez et produit par Calvin Harris) – car Smith est en fait à la recherche d’un amant.

Une particularité narrative du nouvel album de Sam Smith Gloria est la chanson titre, un hymne choral qui est probablement la chanson la plus unique que Sam Smith ait jamais écrite (avec Foy Vance). En plus de cela, Smith a enregistré la chanson avec une chorale dans la majestueuse église qu’ils fréquentaient lorsqu’il était enfant.

Place maintenant au nouvel album de New Found Glory en 2023, Make the Most of It. Make the Most Of It est un album entièrement acoustique. Fort de quatorze titres, l’album est presque comme la combinaison de deux EPs, croisant sept nouveaux titres avec sept autres enregistrés en concert.

Ce disque a un poids particulier pour le groupe : Il a été écrit à la suite du diagnostic du cancer de Chad Gilbert. Le guitariste de longue date du groupe a été trouvé inconscient dans son lit à la maison, puis transporté d’urgence à l’hôpital où on lui a diagnostiqué une tumeur. Le chemin de la guérison de Gilbert a été long. Après avoir été déclaré exempt de cancer, les médecins ont découvert une autre petite tumeur sur sa colonne vertébrale. Make the Most of It est une chronique musicale de son parcours.

Y a quoi sous le capot de Make the Most of It le nouvel album de New Found Glory en 2022 ?

« I won’t give in and I won’t give up/ A true connection/ A deeper love », chante Jordan Pundik dans le premier morceau « Dream Born Again », une ode pleine d’espoir à la renaissance après avoir eu le sentiment que tout était perdu.

« Mouth to Mouth » a un style pop-punk malgré sa base acoustique. Le morceau est un peu à double sens, servant à la fois de chanson d’amour avec des références à la réanimation de Gilbert au sens propre et au sens figuré.

Malgré ce message lourd, le nouvel album de New Found Glory est plein d’espoir et tourné vers l’avenir, s’attardant moins sur les défis passés et plus sur les opportunités renouvelées. « Get Me Home » est un hymne à tous les espoirs, les rêves et les désirs de Gilbert – les choses qu’il voulait faire une fois guéri, comme les amis, la famille, les voyages et les joies les plus simples de la vie.

« Watch the Lilies Grow » est une ode douce à la fille de Gilbert, Lily. La chanson est luxuriante et calme avec des jeux de guitare acoustique fusionnés avec des superpositions orchestrales. Les paroles détaillent la fierté de Gilbert pour sa fille et le fait de la voir grandir, ce qui est beaucoup plus important pour lui que les réalisations professionnelles ou musicales. « More Than Enough » est un remerciement à sa femme pour son soutien tout au long de leur relation et de son parcours de santé.

Le disque est interprété d’un point de vue unique, Pudnik chantant l’expérience de vie de Gilbert. Il fait un travail plus qu’admirable en tant que messager, prenant les mots de Gilbert et leur donnant vie, une tâche certainement difficile.

« Kiss the Floor » est une ode à la gratitude et à l’appréciation, une célébration de la vie restaurée et renouvelée, interprétée au piano et à la guitare acoustique. Elle dure plus de cinq minutes et présente l’une des meilleures voix de Pudnik sur le nouvel album de New Found Glory, Make the Most of It. Ce sentiment se poursuit sur « Bloom », un morceau exaltant qui inclut un peu de guitare électrique, bouclant ainsi la boucle.

La deuxième moitié de l’album présente des performances d’un concert à Franklin, Tennessee. Cette collection est très bien interprétée, bien produite et offre un portrait coloré de ce spectacle intime. On y retrouve des titres phares comme « All Downhill From Here » et « The Story So Far » de Sticks and Stones.

Notre avis sur le nouvel album de New Found Glory, Make the Most of It ? Pour un genre (pop-punk) qui peut parfois s’attarder sur les aspects négatifs, Make the Most of It fait honneur à son nom, en se concentrant sur les aspects positifs de la vie. Le sujet, lourd et personnel, ne convient peut-être pas à tout le monde, mais les chansons sont écrites et interprétées de manière à ce que le message général trouve un écho chez beaucoup.