Nouvel album de David Bowie en 2021 – Toy

Note : 4 sur 5.

En l’an 2000, Bowie a voulu accorder un peu d’attention à un grand nombre de ses plus anciens singles et chansons et les réenregistrer. Bowie n’était pas un grand fan de ses premiers travaux. Puis, au cours de la réalisation de l’album et quelque temps après l’avoir annoncé, il l’a « supprimé » parce qu’il n’était pas satisfait de la production. En parallèle de cela, Bowie voulait créer son propre label depuis un certain temps déjà et souhaitait donc sortir un dernier album chez EMI. Le nouvel album de David Bowie Toy album est sorti en ligne en 2011 de manière non officielle et a été énormément piraté.

Trois chansons n’ont jamais été publiées : « Toy (Your Turn to Drive) », « Hole in The Ground » et « Shadow Man », une chanson de Ziggy réenregistrée et mise au rebut. La première de ces trois chansons a été publiée sous le titre « Your Turn to Drive » sur le coffret Nothing « Has Changed ». Même chose pour « Shadow Man », mais sans renommage. « Hole in the Ground » a encore été laissée pour morte.

Y a quoi sous le capot de Toy, le nouvel album de David Bowie en 2021

L’album commence par une nouvelle chanson enregistrée pour lui, intitulée « Uncle Floyd ». C’est une chanson très émouvante qui utilise un clip sonore du « The Uncle Floyd Show ». La chanson a un message sur le fait que nous finissons tous par nous échapper et prendre du retard. Certaines personnes pensent qu’il s’agit d’un hommage à John Lennon, car Bowie et lui étaient tous deux de grands fans de « The Uncle Floyd Show ». Cette chanson a été réenregistrée pour son prochain album et a été renommée « Slip Away », sans le clip d’ouverture de « The Uncle Floyd Show ». « Afraid » est une autre très bonne chanson du nouvel album de David Bowie Toy.

Elle contient un message sur le sentiment d’insignifiance et de solitude dans le monde. Elle est chantée du point de vue de quelqu’un qui souffre de dépression, qui est maintenant effrayé et seul. Elle se termine sur une note douce amère sur le fait d’essayer d’aller mieux. Cette chanson a également été réenregistrée pour son prochain album. La piste 3 est un réenregistrement de la face B de son troisième single « Baby Loves That Way », il a été publié à l’origine en 1965. La chanson est stylisée dans un son rock plus lent et plus lourd comme toutes les chansons de cet album.

On continue le nouvel album de David Bowie Toy avec un réenregistrement de son sixième single « I Dig Everything », sorti à l’origine en 1966. La chose que tous les enregistrements originaux ont en commun est que Bowie ne s’était pas trouvé musicalement. Il essayait de ressembler à d’autres groupes et artistes, dans l’espoir que leurs fans écoutent sa musique. L’original sonne une fois de plus comme une chanson de The Who. Cette version est lente et les guitares sont fantastiques, tout comme le refrain.

La chanson suivante est un réenregistrement de « Conversation Piece ». Cette chanson est sortie à l’origine en 1970 et était la face B du single « The Prettiest Star ». L’original est sorti en 1970, donc c’est en fait très bon. C’est une merveilleuse chanson d’amour et les instruments sont fantastiques. Cette version de la chanson sera plus tard publiée sur certaines éditions de luxe de son album « Heathen ».

La chanson suivante « Let Me Sleep Beside You » est une grande chanson d’amour. Il l’a enregistrée entre 1966 et 1968. La chanson n’a pas été publiée jusqu’à ce qu’une collection de chansons de Bowie de cette période soit publiée en 1997. La version originale est bonne, mais comme on peut s’y attendre maintenant, cette version est meilleure. Cette version de la chanson a même été incluse dans le coffret « Nothing Has Changed ».

On enchaine le nouvel album de Bowie, Toy, avec le titre « Toy (Your Turn to Drive) ». Je ne sais pas d’où vient le nom « Toy » car il ne le dit pas dans la chanson, mais c’est quand même bien. Le piano dans la chanson est fantastique. Cette chanson est devenue tristement célèbre jusqu’à ce qu’elle soit finalement publiée dans le coffret « Nothing Has Changed ». Certaines personnes pensent que la chanson a un message sur le fait que c’est à notre tour de jouer notre rôle et d’aider à poursuivre son héritage.

La chanson suivante est « Hole in The Ground ». Il l’avait écrite au milieu des années 60. C’est une bonne chanson, mais les guitares sont un peu noyées dans la masse. Le morceau suivant est « Shadow Man ». Il avait enregistré cette chanson lors des sessions pour son célèbre album Ziggy Stardust, mais il l’a laissée de côté. Cette version la transforme en un ballet sombre et obsédant.

« In the Heat of the Morning » est un autre bon morceau enregistré entre 66 et 68. Cette version est évidemment meilleure sur le nouvel album de David Bowie Toy, surtout au niveau de la voix. Presque aucune des versions originales des chansons réenregistrées ne donne l’impression que Bowie les chante, surtout dans la version originale de cette chanson. Le titre suivant est un réenregistrement de son troisième single « You’ve Got a Habit of Leaving », sorti en 1965. Je n’aime pas trop la version originale, et cette version est l’une des plus faibles de l’album

Heureusement, l’album clôture avec un morceau fort. « London Boys » était une bonne chanson et la face B de « Rubber Band », qui était le premier single de son premier album. Cette interprétation est excellente et termine bien le nouvel album de David Bowie, Toy.

Notre avis sur le nouvel album de David Bowie, Toy ? Après sa mort, la succession de Bowie s’est lancée dans l’une des plus vastes fouilles d’archives de l’histoire récente, dont le coffret Brilliant Adventure et cette version de Toy font partie. Il y a eu d’innombrables sorties en public, des reconstitutions d’albums « perdus » et de somptueux coffrets de démos et d’enregistrements inédits : éphémères, chutes et souvenirs de jeunesse transformés en quelque chose de plus essentiel. C’est effectivement ce que Bowie a fait sur Toy.

Ecoutez ici Toy de David Bowie

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Nouvel album de Lordi en 2021 – Lordiversity

Note : 4 sur 5.

Il vous faudra probablement réserver toute une journée entière pour écouter le nouvel album de Lordi, Lordiversity. Ce n’est pas en fait un mais bien 7 albums que Lordi sort sous forme de coffret. 78 chansons et quatre heures et 44 minutes : disons qu’il s’agit d’un album pour les fans inconditionnels. Notre avis sur le nouvel album de Lordi, Lordiversity ? Malgré sa taille intimidante, Lordiversity est un triomphe sauvagement accessible et fréquemment inspiré.

Le dernier album de Lordi, Killection, sorti en 2020, était censé être une compilation voyageant dans le temps, racontant ce à quoi le groupe finlandais aurait ressemblé à différents moments de l’histoire du rock. Sans doute le meilleur exemple à ce jour de ce qui arrive lorsqu’un songwriter prolifique traite des conséquences d’une pandémie mondiale, Lordiversity étoffe la compilation, offrant sept albums complets, chacun tiré d’une époque supposée de l’illustre passé de ce Lordi imaginé. C’est une idée audacieuse, dans laquelle le frontman et maître d’œuvre Mr. Lordi a jeté son cœur noirci et son âme monstrueuse.

Y a quoi sous le capot de Lordiversity, le nouvel album de Lordi en 2021

Personne n’a besoin d’une description détaillée de 284 minutes de musique, et il y a tellement de points forts ici qu’il est difficile de savoir par où commencer. On commence le nouvel album de Lordi avec le CD 1 – « Skelectric Dinosaur » – qui démarre avec un hommage parfait aux débuts de Kiss et d’Alice Cooper ; les sonorités de guitare garage rock et la simplicité de l’écriture ont absolument parfaites tout au long de l’album, et des chansons comme « Maximum-O-Lovin' » et « Blow My Fuse » sont presque égales aux hymnes sans âge qu’elles saluent.

L’album n°2 « Superflytrap » est la première de plusieurs boucles : une joyeuse et palpitante éclaboussure de disco rock brillant. En particulier, le morceau d’ouverture « Macho Freak » mêle le camp bouillonnant des années 70 à la force brute attendue de Lordi, ce qui donne un banger disco-métal pour les anciens.

L’album numéro trois du nouvel album de Lordi est un autre détour qui pourrait aliéner une partie importante de la base de fans de ses créateurs. « The Masterbeast From The Moon » plonge dans l’univers opaque du pomp rock de la fin des années 70, avec des nuances allant de KANSAS et STYX à MAGNUM et SAGA, et les chansons en sont plus complexes et moins tapageuses. Rare moment de répit, l’élégant et brumeux « Hurricane Of The Slain » pue la dévotion à « From the Inside » d’Alice Cooper : là encore, un excellent retournement de situation.

Si c’est du heavy metal tonitruant avec un lien spirituel fort qui sent le début des années 80 que vous voulez alors le quatrième cd du nouvel album de Lordi, Lordiversity de cette série absurdement opulente est celui qu’il vous faut. « Abusement Park » est un régal pour les fans de grands hymnes métalliques brillants et chantants, car des chansons comme le morceau-titre, qui vise les arènes, et le ridiculement entraînant « Grrr ! » rendent un hommage appuyé aux Scorpions, Dokken et W.A.S.P. et à d’innombrables autres groupes du début de la première ère de domination commerciale du heavy metal.

M. Lordi peut écrire des chansons comme celles-ci dans son sommeil, bien sûr, mais tout, de la semi-ballade larmoyante « Carousel » au bruit sourd de « Up To No Good », donne l’impression d’avoir été conçu et réalisé entièrement, avec une attention méticuleuse aux détails. Le cinquième album, « Humanimals », se rapproche encore plus de la même décennie, embrassant l’éclat radiophonique de l’apogée de Def Leppard, Bon Jovi et Van Halen, livrant au passage plusieurs chansons vraiment excellentes : « Be My Maniac » et le groove lent de « Like A Bee To The Honey » sont les plus remarquables.

Le sixième CD du nouvel album de Lordi, « Abracadaver », est sans doute le meilleur du lot. De son intro excentrique, dans le style western spaghetti, au métal pur et déchirant de chansons comme « Devilium » et « Beast Of Both Worlds », la maîtrise de Lordi de tous les métiers du métal est pleinement affichée. Parfois aussi lourd que le premier Pantera, et plein de PRIEST-ismes de l’ère « Painkiller », c’est une éruption non-stop de riffs géniaux et d’explosions inattendues de tout, des claviers symphoniques black metal (sur le grandiose mais granuleux « Evil ») aux riffs du sud (le profond « Acid Bleeding Eyes »).

Par la suite, la déviation du dernier album vers les territoires de Rob Zombie et Nine Inch Nails est tout à fait logique et, comme les fans peuvent s’y attendre, elle s’accorde parfaitement avec le plan de M. Lordi, qui est à la fois plein d’accroches et sinistre. « Demon Supreme  » est la meilleure chanson que White Zombie n’ait jamais écrite ;  » Killusion  » est un synthé rock très agréable ; « Goliath » est le meilleur rip-off de Marilyn Manson que l’on puisse entendre cette année ; « Shake The Baby Silent » exploite les gros riffs de mauvais goût. Tout cela est, presque sans exception, stupidement divertissant.

Notre avis sur le nouvel album de Lordi, Lordiversity ? Lordi n’a jamais été un groupe pour tout le monde, et cette monstruosité de sept albums ne fera probablement pas de nouveaux convertis, mais si vous avez un jour de libre et que vous avez vraiment, vraiment besoin de vous remonter le moral, Lordiversity s’en chargera. De grands airs, un concept incroyable, 284 minutes d’horreur construite de main de maître : c’est la distraction parfaite pour l’arrivée imminente d’un hiver froid et misérable. Merci, cher Père Noël !

Ecoutez ici Lordiversity de Lordi

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Nouvel album de Deep Purple en 2021 – Turning to Crime

Note : 4 sur 5.


Il est difficile de croire que le mythique groupe Deep Purple était autrefois défini par des reprises. En fait, les quatre premiers singles du groupe provenaient du catalogue d’autres personnes – Joe South, Neil Diamond, Ike & Tina Turner et les Beatles – plutôt que des propres mains du groupe. À partir de In Rock, ils ont laissé la notion de reprises dans le rétroviseur. Et c’est ce qui fait que le nouvel album de Deep Purple Turning to Crime est un peu un choc.

On pourrait se demander si le monde a besoin d’une autre reprise de « Rockin’ Pneumonia and the Boogie Woogie Flu », « See See Rider » ou « Let the Good Times Roll ». On pourrait poser la même question pour n’importe quelle chanson de Chuck Berry, mais on n’entend presque jamais de plaintes concernant les innombrables versions de « Roll Over Beethoven » ou de « Johnny B. Goode » qui existent.

Mais Deep Purple avec leur héritage de guitares fulgurantes, d’orgues d’inspiration classique et de tubes comme « Smoke on the Water », « Highway Star » et « Perfect Strangers », sortent du lot avec Turning to Crime. Notre avis sur le nouvel album de Deep Purple ? C’est un ensemble de 11 reprises (plus un medley essentiellement instrumental) qui, si elles ne sont pas toujours suffisamment retravaillées pour justifier leur existence, offrent généralement, pour le moins, une écoute intéressante.

Y a quoi sous le capot de Turning to Crime, le nouvel album de Deep Purple en 2021

Certaines de ces reprises sont intéressantes, ne serait-ce que parce qu’elles sont reprises par Deep Purple. En regardant la liste de chansons presque bizarrement diversifiée de Turning to Crime, on pourrait s’attendre à de véritables coups de théâtre. Prenez « The Battle of New Orleans » – oui, le classique de Johnny Horton de 1959. Entendre ces fidèles du hard rock (Ian Gillan, Roger Glover et le batteur Ian Paice, ainsi que les pas si nouveaux Don Airey et Steve Morse) s’attaquer à une telle chanson peut désorienter. Mais ils font de leur mieux et, avec le violon et le sifflet, c’est une écoute crédible et amusante.

De même, « Let the Good Times Roll », popularisé par B.B. King, Bobby « Blue » Bland et d’autres, est traité dans un style New-Orleans avec des cuivres un peu plus durs que le tube original. Il sonne comme Deep Purple – en quelque sorte – et c’est là toute la magie. C’est un groupe qui dit « Let the Good Times Roll » en s’attaquant à quelque chose que ses fans n’ont probablement pas l’habitude d’entendre de leur part. Un des meilleurs titres du nouvel album de Deep Purple.

En effet, les meilleures performances de Turning to Crime sont des interprétations rafraîchissantes de Deep Purple de morceaux souvent trop familiers. « Watching the River Flow » de Bob Dylan, une sorte de shuffle au piano, reçoit ici un arrangement rock plus rapide et plus standard. Le claviériste de longue date de Deep Purple, Airey, ne reproduit pas vraiment le style de piano de Leon Russell de l’original, mais se lance dans une fanfare presque classique pour terminer la chanson.

De même, le morceau « Shapes of Things » des Yardbirds reçoit le traitement Deep Purple, cette fois-ci plus lent et plus lourd que l’original. On peut se demander s’il s’agit d’une amélioration par rapport à la version des Yardbirds, mais si vous êtes un fan de Deep Purple, la réponse pourrait bien être « oui ». Il en va de même pour la prise difficile de « Oh Well » de Fleetwood Mac, une vitrine pour Morse, en particulier. Et « White Room » reprend le jeu de Cream et fait monter les enchères. Cette chanson apparait naturelle sur un nouvel album de Deep Purple, album de reprises ou pas.

Toutes ces chansons n’améliorent pas l’histoire. La reprise de « 7 And 7 Is », une chanson bizarre de 1966 du groupe psychédélique Love, n’est pas vraiment assez différente de l’original pour se démarquer (la version des Ramones est plus rapide, mais similaire, aussi). La chanson « Dixie Chicken » de Little Feat est traitée de manière assez fidèle, mais elle est surtout remarquable par son interprète. Mais entendre ces gars, qui ont la même approche de base du hard rock depuis 50 ans, s’attaquer à Little Feat ou B.B. King est, si ce n’est une révélation, certainement intéressant et parfois captivant.

Notre avis sur le nouvel album de Deep Purple, Turning to Crime ? Qu’il s’agisse de nouvelles interprétations ou de reprises assez simples, la plupart des chansons de Turning to Crime permettent à ces vétérans du hard rock de briller de manière inhabituelle. Le claviériste Airey montre ses talents de boogie-woogie sur « Rockin’ Pneumonia » et le medley de Mitch Ryder, et ses orgues sur plusieurs de ces morceaux feraient la fierté du regretté Jon Lord. Et Gillan, qui n’a jamais été le chanteur le plus polyvalent, fait honneur à la plupart de ces chansons très diverses.

Ecoutez ici Turning to Crime de Deep Purple

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Nouvel album de Orelsan en 2021 – Civilisation

Note : 4 sur 5.


En seulement quelques albums studios au compteur, Orelsan est devenu un pilier de la scène musicale française et l’un des meilleurs représentant du rap français. Alors forcément, un nouvel album d’Orelsan est un évènement.

Fait assez dingue, le nouvel album d’Orelsan Civilisation est devenu disque d’or avant même sa sortie, uniquement en précommandes ! Aussi, l’album se retrouvera disponible en 15 éditions physiques différentes (certaines limitées à 30 000 exemplaires, d’autres seulement à 300).

Côté contenu, l’album est long de quinze titres et comprendra des featurings avec Gringe, Skread et le groupe The Neptunes (Pharrell Williams et Chad Hugo). 

Un 1er extrait du nouvel album d’Orelsan a vu le jour il y a quelques jours, le sulfureux titre « L’odeur de l’essence ». Un titre politique clairement explosif dans lequel le rappeur caennais offre sa vision, plutôt sombre, de la société qui va tout droit au « crash » selon lui. Il s’en prend ouvertement aux extrêmes, responsables selon lui d’alimenter la peur, la nostalgie, la haine et la méfiance envers les autres.

Y a quoi sous le capot de Civilisation, le nouvel album d’Orelsan en 2021

Le titre « L’odeur de l’essence » fait suite au magnifique titre « Manifeste », de plus de 7 minutes dans lequel Orelsan est plongé à l’intérieur d’une manifestation. Il s’en prend à certains médias ainsi qu’aux réseaux sociaux tout en prenant de plus en plus conscience de la colère issue de la manif. Pas de refrain, du pur ORelsan, l’un des meilleurs morceaux de l’album.

Auparavant, le nouvel album d’Orelsan débute avec « Shonen », un titre introspectif, mélancolique qui pose les bases de l’album. « J’aurais pas changé si vous m’aviez pas dit de le faire »: merci aux ex d’Orelsan de l’avoir changé !

Comme souvent beaucoup de thèmes abordés sur le nouvel album d’Orelsan : la famille et l’enfance sur la chanson « La Quête » sur un rythme très posé (« ce qui compte ce n’est pas l’arrivée, c’est la quête »), l’alcoolisme sur « Bébéboa », la dépression « Jour meilleur » ou encore la mondialisation sur la chanson « Baise le monde« .

Mais le gros de l’album reste sur sa copine et sur la société dans son ensemble. Et c’est bien là que l’album pêche un peu : un peu répétitif au final à l’écoute des 15 titres.

Un autre reproche qui pourrait être fait sur le nouvel album d’Orelsan Civilisation est sur son flow : trop monotone (hormis sur quelques titres comme « Ensemble » en duo avec Skread).

« Dernier verre » sans être le meilleur morceau du nouvel album d’Orelsan est plutôt agréable et marque la collaboration avec le duo The Neptunes (Pharell Williams et Chad Hugo. Des bases légèrement agréables, un rythme sympa.

Orelsan reste plutôt touchant quand il parle des problèmes de et avec sa nana notamment sur le titre « Athéna » en toute fin de l’album.

Notre avis sur le nouvel album d’Orelsan ? Un album en demi-teinte, du bon voire très bon mais aussi des morceaux dispensables. La production est impeccable, les musiques léchées mais au final on ressort de l’écoute de Civilisation avec un sentiment mitigé. Du dejà écouté ? Des coups pieds dans des portes ouvertes sur ces textes traitant de la société ? A vous de juger. Pour nous, sans être le meilleur album d’Orelsan, Civilisation dans son ensemble reste quand même un bon cru.

En attendant l’écoute du nouvel album d’Orelsan, vous pouvez dès à présent prendre vos billets pour la prochaine tournée du rappeur en 2022. L’OrelsanTour se produira aux quatre coins de la France, dont notamment 4 dates à L’Accor Hotel Arena à Paris. Dépêchez-vous, il n’y en aura pas pour tout le monde. Pour prendre vos billets, c’est par ici

Ecoutez ici Civilisation d’Orelsan

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Nouvel album de Robert Plant en 2021 – Raise The Roof

Note : 4 sur 5.


Il n’y a rien d’écrit dans la pierre à propos des rockeurs classiques de l’âge d’or qui doivent continuer à suivre le même chemin lorsqu’ils arrivent à la fin de leur vie. Cela fonctionne pour certains : Mick Jagger, Paul McCartney et Neil Young ont réussi à ne pas trop s’écarter de leur trajectoire au fil des décennies. Mais d’autres ne combattent plus l’envie de refaire les mêmes mouvements qu’ils faisaient 50 ans plus tôt. Et c’est le cas avec ce nouvel album de Robert Plant.

Robert Plant a pratiquement fait une seconde carrière en réécrivant et en recâblant son passé. Depuis le début du siècle, l’ancien chanteur de Led Zeppelin s’est débarrassé de ses tendances hard-rock et a plongé plus profondément dans l’Americana, le blues et la musique du monde, atteignant son apogée avec l’album de collaboration avec la star du bluegrass Alison Krauss, Raising Sand, en 2007.

La suite tant attendue de Plant et Krauss, Raise the Roof, reprend là où Raising Sand s’est arrêté 14 ans plus tôt et trouve une fois de plus le juste milieu entre les goûts décalés du Britannique et de l’Américaine. Les deux artistes – qui ont 23 ans de différence d’âge – ont clairement indiqué que leurs origines et leurs discographie se croisent rarement ; c’est leur respect mutuel et leur ouverture musicale qui ont fait de leurs collaborations un mélange parfait de deux mondes apparemment disparates.

Y a quoi sous le capot de Raise The Roof, le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss en 2021

Reprendre Calexico semble être un choix audacieux pour Robert Plant et Alison Krauss, qui ouvrent le nouvel album de Robert Plant Raise the Roof avec la chanson « Quattro (World Drifts In) », composée en 2003 par le groupe indie-rock de l’Arizona. Ce n’est pas que Calexico soit d’une manière ou d’une autre à l’abri de toute interprétation, mais le groupe a un son très distinctif et subtil qui ne semblerait pas se prêter à une reprise. Pourtant, Plant et Krauss réussissent parfaitement la chanson, mêlant leurs voix dans des harmonies spectrales sur un arrangement qui remplace les guitares sinueuses de l’original par du piano et un rythme plus soutenu.

On continue le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss Raise the Roof qui reflète un large éventail de musique, avec des chansons américaines folk, country et R&B, ainsi que quelques morceaux de folk britannique que Plant connaissait depuis longtemps. Il y a même une chanson originale, « High and Lonesome », que Plant a écrite avec T Bone Burnett, qui a produit l’album. Avec un groupe ancré par le batteur Jay Bellerose et le guitariste Marc Ribot (avec des contributions de David Hidalgo, Bill Frisell et Buddy Miller, entre autres), Plant et Krauss couvrent beaucoup de terrain.

Avec des parties vocales qui fusionnent et s’entremêlent comme si Plant et Krauss étaient chacun la moitié d’une même âme, les chanteurs habitent pleinement ces chansons. Ils s’approprient même les morceaux les plus familiers de manière indélébile, même s’il faut parfois une minute pour s’en rendre compte. La chanson « Can’t Let Go » de Randy Weeks, par exemple, est assez fermement associée à la version abrupte et tranchante que Lucinda Williams a enregistrée en 1998, mais Plant et Krauss laissent le rythme se balancer un peu plus et chantent ensemble dans un murmure sensuel sur une guitare électrique aiguë.

Tous les morceaux ne sont pas aussi immédiatement reconnaissables. Plant prend la tête sur « Go Your Way », des chanteurs folk britanniques Anne Briggs et Bert Jansch, en chantant une mélodie calme et désespérée qui s’appuie sur la voix plus désolée de Briggs sur son enregistrement de 1971 de la chanson.

Notre avis sur le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss ? Bien que le choix des chansons soit de premier ordre, il s’agit d’un groupe assez disparate pour que Raise the Roof soit éclectique, si ce n’était de la façon dont Plant et Krauss (et le groupe) s’unissent comme s’ils avaient fait cela non-stop pendant les quinze dernières années. L’aspect le plus séduisant de l’album est peut-être le fait que, quels que soient le son, le style ou l’endroit d’où proviennent ces chansons – folk britannique, soul de la Nouvelle-Orléans, country de Bakersfield – elles semblent cohérentes et d’un seul tenant entre les mains de Plant et Krauss.

Ecoutez ici Raise The Roof de Robert Plant Ici

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Nouvel album de Sting en 2021 – The Bridge

Note : 4 sur 5.


Sting a été très occupé ces dernières années, avec la sortie de trois albums et la mise en scène d’une comédie musicale à Broadway ; pourtant, sa production musicale s’est surtout concentrée sur des réinterprétations de son répertoire (My Songs en 2019), des collaborations avec d’autres artistes ou une combinaison des deux (Duets sorti en mars de cette année). Avait-il quelque chose dans le réservoir pour de nouvelles chansons de son cru ? La question trouve une réponse affirmative sur The Bridge, le nouvel album de Sting enregistré à distance qui offre un peu de son œuvre rock, de ses ballades amoureuses sensuelles et quelques numéros jazzy, aussi.

Bien qu’il s’agisse d’un album fermé, avec ses thèmes de perte, de séparation et d’agitation, et que Sting et les membres de son groupe soient dispersés et ne se trouvent pas dans un studio commun, l’album parvient toujours à être si cohérent et la musicalité si soudée.

Y a quoi sous le capot de The Bridge, le nouvel album de Sting en 2021

Le nouvel album de Sting The Bridge s’ouvre sur son titre le plus rauque et le meilleur, « Rushing Water », qui rappelle Police. La batterie est ici la plus remarquable musicalement, ainsi que les riffs de guitare en sourdine, donnant un ton qui demeure pour la première partie de l’album. Avec des voix superposées, Sting chante « Jonah and the Whale » et une rivière déchaînée qui représente ses peurs. La chanson introduit le concept de l’album, le fleuve représentant la division de l’humanité et le « pont » étant la chose qui rapproche les gens les uns des autres, de leur passé et, pour Sting, entre la vie et la mort elle-même.

Il est suivi d’un autre single optimiste et poppy, « If It’s Love ». C’est une chanson joyeuse, qui démarre avec un riff sifflé avant que le reste du groupe ne le rejoigne. Il y a une courte section de cuivres funky qui n’est pas écrasante, ainsi qu’une section de cordes. La chanson est également optimiste, se concentrant sur un amour que Sting compare à une maladie.

On continue le nouvel album de Sting avec la chanson « The Book of Numbers » qui commence lentement mais comporte un refrain rock, faisant le lien entre le début de l’album et son cœur. Sting chante à nouveau les paraboles et les écritures de la Bible et « les fous dans les cours du pouvoir ». “If I storm the gate of heaven, I’ll find myself in hell,”, chante-t-il. Il y a beaucoup de choses à assimiler, mais l’essentiel porte sur les dangers du fanatisme.

En apparence, le titre suivant, « Loving You » traite de la séparation entre deux amoureux et de leur incapacité à communiquer, alimentée par la jalousie et la méfiance. Mais on peut aussi l’interpréter comme le clivage entre les gens dans leur ensemble et la façon dont les actions de certains ont pu faire perdre aux autres leur confiance en eux. « You say that I don’t listen/ That I don’t give you no respect », chante Sting dès la première ligne de ce slow sombre.

« Harmony Road », quant à lui, est un pont entre les intérêts pop et jazz de l’artiste. Cette chanson, ainsi que « The Book of Numbers » et « The Bells of St. Thomas », sont interprétées par son guitariste de longue date Dominic Miller. Ce dernier morceau est l’autre point fort jazzy du nouvel album de Sting, plus aérien, avec un travail de cymbales vif et une mélodie douce qui permet aux auditeurs de se concentrer sur une autre histoire teintée de gospel racontée par Sting.

Le recueil de chants influencés par la musique classique de « Fields of Gold » est repris sur des chansons comme la ballade mélancolique « For Her Love », et certains des points forts de The Bridge sont des airs folkloriques influencés par le synthé ou la guitare slide. « The Hills on the Border », avec ses violons, son accordéon et son ambiance, ressemble à un croisement entre Richard Thompson et le U2 de l’ère October.

La chanson titre de l’album et « Captain Bateman » se rapprochent davantage du folk, tandis que « Captain Bateman’s Basement », un titre bonus disponible sur l’édition deluxe de l’album, est tout autre chose, mêlant jazz et éléments de musique électronique. C’est loin d’être de la musique de club, mais c’est une face B intéressante.

Parmi les autres bonus de l’album de luxe, on trouve une reprise fidèle de la chanson désormais standard « (Sittin’ on) The Dock of the Bay », le standard de la folk anglaise « Waters of Tyne » – l’arrangement acoustique en fait le meilleur des bonus – et « I Guess the Lord Must Be in New York City », un air lounge, presque tropical, qui est une exclusivité de la version japonaise du nouvel album de Sting, The Bridge.

Notre avis sur le nouvel album de Sting, The Bridge ? C’est un album fort d’un auteur-compositeur-interprète qui voit des signes avant-coureurs. « C’est ma mission solitaire d’éveiller le monde à son destin », chante Sting. Sans être l’un des meilleurs albums de 2021, The Bridge reste une écoute agréable et un bon disque du chanteur.

Ecoutez ici The Bridge de Sting

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Nouvel album de Eagles Of Death Metal – Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas

Note : 3 sur 5.


La trame de fond d’Eagles Of Death Metal est jonchée d’anecdotes. Certains sont inattendus, comme le fait que le leader Jesse Hughes était autrefois un militant impliqué dans la campagne sénatoriale de Sonny Bono en 1992. Malheureusement, une page de leur histoire est tout à fait tragique. À la date parisienne de leur tournée de 2015, le 13 Novembre, une attaque terroristes a coûté la vie à 89 personnes. Mais, grâce à des groupes comme Eagles Of Death Metal, le rock et la liberté ne peuvent pas être tenus en cage. Voici le nouvel album des Eagles Of Death Metal sur le thème de Noël, intitulé Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas.

Eagles Of Death Metal est tout sauf un groupe de death metal, et le nouvel album du groupe Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas – un album de Noël véritablement émouvant et exaltant – a tout l’air de sonner comme un nouveau départ pour le groupe.

Cet EP de six titres est planant, sain et réconfortant. Ici, Hughes enfile le costume son alter-ego torride « Boots Electric ».

Notre avis sur le nouvel album d’Eagles Of Death Metal ? L’ensemble de l’EP est assez agréable, mais des morceaux comme « God Rest Ye Merry Gentlemen », « Little Drummer Boy » et « Little Town Of Bethlehem » sont nettement au-dessus. Le point culminant de l’album, une interprétation a cappella de « O Holy Night » avec la voix vraiment émouvante de Hughes et Homme, est un beau finish a ce (trop) court album

Ecoutez ici Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas

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Nouvel album de Exodus – Persona Non Grata

Note : 4.5 sur 5.


Après, le bombardement ambitieux de plus de 70 minutes du Atrocity Exhibition enregistré en 2007, ou Blood In, Blood Out dernier album en date, sorti en 2014, qui a vu le retour triomphal de Steve « Zetro » Souza au poste de chanteur dans un mariage bien accueilli de l’esprit à l’ancienne du groupe et de l’écriture de chansons de l’ère moderne. En ce mois de novembre 2011, voici le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata, le 11ème du nom.

Y a quoi sous le capot de Persona Non Grata, le nouvel album d’Exodus en 2021

Les marqueurs standard de ce que tout le monde attend d’un disque d’Exodus sont toujours au premier plan, dans l’ensemble. Les grognements fulgurants de Souza se sont parfaitement intégrés dans le giron – à la fois en studio et en live – et reprennent rapidement de l’importance sur la chanson titre d’ouverture de l’album. Les riffs rythmiques et les solos saccadés qui ont personnifié le travail du groupe émergent rapidement et propulsent le morceau comme une forte salve d’ouverture, mais cela ne suffit finalement pas à maintenir la durée totale de 7 minutes.

Malheureusement, cette sensation de ballonnement imprègne d’autres pistes tout au long du disque qui auraient autrement bénéficié d’un montage plus judicieux. Quarante ans après le début de leur carrière, EXODUS reste l’un des meilleurs à intégrer des grooves, le prouvant ici avec « Slipping Into Madness ». Le riff mid-tempo qui alimente le refrain du morceau aurait fait palir Pantera il y a vingt-cinq ans, mais il perd en quelque sorte de son éclat la troisième fois qu’il apparaît à la fin de ses cinq minutes.

Le barrage de six minutes de « Antiseed » serait une fin furieuse pour de nombreux autres disques, mais ici, cela ne fait qu’ajouter au sentiment d’engourdissement que l’on trouve à la fin du disque.

Pour autant, on retrouve quand même de très bons titres sur le nouvel album d’Exodus Persona Non Grata qui viendront sans problèmes intégrer les sets live du groupe. On pense notamment à la chanson « R.E.M.F. », un thrasher qui serait un coup de chaos énergique à n’importe quelle époque du groupe, et à chaque instant où Souza crie « Mother Fuckers! » du haut de ses poumons pendant la chanson nous donne du baume au coeur, façon heavy metal.

Enfin, le titre « The Beatings Will Continue (Until Morale Improves) » est une explosion de fureur contagieuse de trois minutes alimentée par un refrain qui ne manquera pas d’être chanté bruyamment par une foule en concert.

Notre avis sur le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata ? Il y a de nombreuses indications que quelque part à l’intérieur de « Persona Non Grata » on aurait pu trouver un véritable chef-d’œuvre de thrash de 45 minutes. Exodus a réussi à rassembler les pièces du puzzle de leur production abondante dans le passé, mais le moment semble maintenant venu où une approche plus stricte de leur prochain album peut être bien justifiée.

Ecoutez ici Persona Non Grata d’Exodus

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Nouvel album de Adele en 2021 – 30

Note : 4.5 sur 5.


Chaque nouvel album d’Adele est un événement. À une époque de sursaturation, elle reste l’une des rares icônes mondiales vraiment reconnaissables : un nom en un seul mot, sa vie divisée en chapitres distincts, chacun étant lié à un âge ou à un tournant important de sa vie.

Pourtant, le nouvel album d’Adele en 2021 30 – même selon ses propres critères – a une importance personnelle et une résonance émotionnelle qui éclipse sans doute même les sommets de son travail précédent. Elle commence par évoquer son divorce avec Simon Konecki, puis aborde la maternité, son besoin d’indépendance et les sentiments d’échec personnel et d’engourdissement émotionnel qui peuvent en découler.

Sur le plan musical également, il s’agit de son album le plus diversifié à ce jour, qui passe de symphonies de rue soul-funk à un tube country-pop en passant par des cordes hollywoodiennes et – oui – des ballades déchirantes, comme seule Adele peut en offrir.

Y a quoi sous le capot de 30, le nouvel album d’Adele en 2021

Il est donc curieux que « le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur un moment de pur mélodrame : dans la chanson « Strangers By Nature », Adele, voilée de noir, « apporte des fleurs au cimetière de son cœur ». Aussi direct qu’il soit sur le plan émotionnel, le lyrisme franc d’Adele se retourne continuellement sur lui-même, présentant un labyrinthe de sentiments dans lequel il faut naviguer ; “I rebut all my rebuttals,” (« Je réfute toutes mes réfutations »), dit-elle, avant de demander pensivement : “Will I ever get there?”

Construit à travers les studios du monde entier, le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur une flopée de chansons pop californiennes clinquantes. Le titre « Easy On Me » est l’un des moments les plus ouvertement « Adele » de l’album – un premier single à succès, mais qui s’appuie stylistiquement sur son passé. On enchaine ensuite avec « My Little Love » offre un autre point de vue sur la musique de l’âme, une discussion franche sur l’anxiété et son impact. Vous auriez du mal à trouver un morceau de chanson plus nu et plus honnête qui sera absorbé par des millions de personnes dans le monde en 2021.

Le 4ème titre du nouvel album d’Adele 30 « Cry Your Heart Out » s’ouvre sur un chœur de voix angéliques profondément distordues, les effets numériques trippants vous éloignent complètement de la voie caractéristique d’Adele. Pourtant, le morceau change une fois de plus de registre, se dissolvant dans une sorte d’exercice de soul des années 60 qui démontre la maîtrise d’Adele des sons classiques. L’impact traditionnel de l’arrangement est cependant contrebalancé par les paroles – le couplet n’utilise aucune structure de rimes, simplement une série de déclarations directes qui viennent directement du cœur. Le tout est soutenu par la voix incroyable d’Adele.

« Oh My God » est un pur titre gospel, Adele trouvant la rédemption dans le célibat : “I am a grown woman,” déclare-t-elle, “and I do what I want to do…”. Cela nous amène à l’une des déviations les plus inattendues de l’album, le morceau country-pop « Can I Get It », dirigé par Max Martin. L’immédiateté de ces morceaux se dissipe cependant rapidement. Dans le nouvel album d’Adele, la liberté et l’introversion semblent être implicitement liées, jusqu’à la sombre ballade de fin de soirée « I Drink Wine ».

Comme dans les ballades de Tom Waits des années 70, Adele revient à ce style qui évite les rimes directes, laissant ses ruminations se répandre. Elle ne trouve aucune résolution, et très peu de joie aussi ; dans un monde où l’on nous apprend à « trouver l’équilibre dans le sacrifice », elle ne « connaît personne qui soit vraiment satisfait… » chante-t-elle. En levant le voile, nous sommes invités à nous pencher sur la solitude de la vie à Los Angeles, cette ville tentaculaire où même le plus simple des trajets peut vous bloquer – émotionnellement ou autre.

En effet, ce sentiment d’appartenance traverse « All Night Parking ». Le récit lyrique de la séduction, entre Los Angeles et ses racines londoniennes, fera sans doute jaser. Dans le contexte de l’album, cependant, il développe la solitude d’Adele – et son besoin de connexion.

On poursuit le nouvel album d’Adele 30 avec la chanson « Woman Like Me » qui s’articule autour d’un superbe riff de guitare acoustique, le « cliquetis » des notes constituant le moment le plus spartiate de l’album. C’est un morceau audacieux où Adele réfléchit à la dichotomie entre « complaisance » et « constance ». On se demande toutefois si elle s’adresse vraiment à son ancien partenaire ou si ces commentaires ne sont pas pour elle.

La chanson « Hold On », coécrite par Dean Josah Cover, est encore plus proche de la réalité, avec une voix accompagnée d’une chorale présentée comme « les amis fous d’Adele ». Lorsque le rythme est lancé pour la première fois, « Hold On » devient une expérience révélatrice – une pure symphonie de soul de rue, avec Inflo évoquant les fantômes de ces arrangements épiques d’Axelrod du début des années 70 avec une touche magistrale.

Cette dynamique se dissout ensuite sur le prochain titre du nouvel album d’Adele « To Be Loved », dont les notes du piano permettent à Adele d’exécuter des pirouettes vocales dignes de Whitney Houston dans toute sa grâce. “I’ll never learn,” dit-elle, “if I never leap” avec ces longues lignes vocales mélodieuses tirant chaque once de force de sa gorge. “I took some bad turns,” admet-elle, “that I am owning”. Écrite aux côtés de son précédent collaborateur Tobias Jesso Jr., la beauté manifeste de la mélodie et de la structure des accords contraste fortement avec l’audace et le caractère cathartique des paroles – elle n’a jamais été aussi ouverte, aussi franche auparavant.

Le dernier morceau du nouvel album d’Adele 30, « Love Is A Game », permet à la chanteuse de retourner à la table de roulette, jouant une fois de plus avec son cœur. Une autre production d’Inflo, la ligne de basse descendante et régulière fait un clin d’œil à la soul de la Nouvelle-Orléans, et la façon dont le rythme s’affirme tandis qu’Adele chante « self-inflict that pain » est absolument sublime. Le seul titre londonien de l’album – enregistré dans les somptueux Metropolis Studios de Chiswick – passe d’un Wurlitzer inquiétant à des cordes de style « Mad About The Boy ». C’est une chanson qui offre une conclusion, mais pas de résolution ; si l’album s’ouvre sur un mélodrame, il se termine sur une rédemption personnelle, Adele déclarant simplement « pas de compromis » avant le début du long fondu enchaîné.

Notre avis sur le nouvel album d’Adele, 30 ? Son dernier album est une œuvre de triomphe personnel et artistique, mais il n’est pas exempt de défauts. Malgré toute son ampleur stylistique et ses écarts audacieux, l’album s’attarde sur la pop californienne, tandis que certains éléments nouveaux, comme la musique country de Max Martin, ne s’intègrent pas à la palette globale. Mais ce n’est que chercher l apetite bête sur un très grand album de la chanteuse. L’équilibre est ici parfait, alliant le service aux fans (le glorieux premier single « Easy On Me ») à de nouvelles idées audacieuses. Un album à la profondeur romanesque, lorsque 30 se retourne une fois de plus pour sa conclusion londonienne, Adele semble atteindre un nouveau palier dans sa carrière stratosphérique. Un des meilleurs albums de 2021.

Ecoutez ici 30 de Adele

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Nouvel album de Bruno Mars et Anderson .Paak – An Evening with Silk Sonic

Note : 4.5 sur 5.

Notre avis du nouvel album de Bruno Mars et son duo Silk Sonic en 2021 : An Evening with Silk Sonic


Bruno Mars et Anderson .Paak ont ​​sorti leur premier album Silk Sonic, An Evening With Silk Sonic fin novembre 2021. Les musiciens ont teasés le disque avec les titres « Silk Sonic Intro », « Leave the Door Open », « Skate » et, plus récemment, « Smokin Out the Window ». Bruno Mars joue avec le funk depuis le succès mondial de 2015, « Uptown Funk », tout comme le musicien et rappeur de la .Paak, qui a expérimenté les sons funk sur l’album 2018 Oxnard.

En 2017, lorsque les deux ont tourné ensemble lors du 24K Magic Tour de Mars, une jam session de fin de soirée a dévoilé leur amour commun pour le funk. Quatre ans plus tard, après des mois en studio, Silk Sonic est né. Notre avis sur le nouvel album de Bruno Mars ? Une explosion de soul du début des années 70 chargée de clins d’œil à des groupes comme Kool & The Gang, O’Jays ou encore The Stylistics.

La légende de la musique Bootsy Collins sert en quelque sorte de MC de l’album, guidant les auditeurs à travers ce monde fluide et sexy. La voix remarquable de Bruno Mars élève l’album de divertissant à magistral, et bien que sa puissante voix de fausset orne chaque chanson sous une forme ou une autre, il laisse également de la place à .Paak pour montrer ses propres capacités vocales impressionnantes. L’album regorge d’harmonies élégantes et de multiples octaves. Pour la plupart, cet album de neuf pistes contient des chansons qui couvrent de nombreux styles de funk. Découvrons ensemble le contenu de ce nouvel album de Bruno Mars et Silk Sonic.

Y a quoi sous le capot de An Evening With Silk Sonic le nouvel album de Bruno Mars en 2021

Après une chanson d’ouverture qui se lit comme la musique derrière une introduction de Soul Train, Silk Sonic ouvre le voyage le plus branché d’Amérique avec son premier single, « Leave the Door Open ». Même si Mars et .Paak sont nés une décennie après que cette musique ait dominé la radio FM, c’est clairement dans leur sang et ce premier single et titre de l’album en dit long sur le suite du nouvel album de Bruno Mars.

Tout comme « Blast Off », il y a des chansons sur l’album qui relèvent de la catégorie accrocheuse et sexy, avec des voix en écho et un synthé lent et oscillant. « After Last Night », avec l’artiste lauréat d’un Grammy Thundercat et Collins, rappelle également un morceau velouté et séduisant de James Brown.

Alors que des chansons comme « Fly As Me » ou « Skate » (sorti l’été dernier avec une vidéo très estivale sur le thème du patinage à roulettes) sont aussi des chansons romantiques, elles ont toutes deux une sensation plus rebondissante, cette dernière étant une piste énergique

Enfin, « 777 » est plus une version adulte du célèbre « Uptown Funk » de Mars, car c’est un jeu groovy avec une âme authentique et amusante avec un peu de thème Vegas.

Notre avis sur le nouvel album de Bruno Mars et .Paak, An Evening With Silk Sonic ? La sélection de chansons n’est pas très variée et les chansons les plus sensuelles ont tendance à se ressembler dans leur structure. Mais que c’est bon. En plus des sons funk par excellence, les paroles amusantes de Bruno Mars et Anderson .Paak éloignent An Evening With Silk Sonic d’une aventure trop sérieuse. Une réussite et un concurrent séreiux pour une place dans notre top albums de 2021.

Ecoutez ici An Evening With Silk Sonic de Bruno Mars et Anderson . Paak (Silk Sonic)

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