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Place à notre avis sur le nouvel album de Ed Sheeran en 2023, Autumn Variations. Le septième album d’Ed Sheeran est une collection de premières. Il s’agit de la première sortie sur le label Gingerbread Man Records, propriété de Sheeran, et d’un changement d’inspiration lyrique – un compositeur des années 1800 nommé Elgar. Sheeran a construit un album de 14 titres, chaque chanson étant consacrée à un ami de sa vie.

Le projet est né de la collaboration de Sheeran avec Aaron Dessner de The National pour la production de son album Subtract (-). Il s’agit également de son premier album essentiellement acoustique. C’est important, car il y a de nombreuses années, l’artiste voulait en faire un, qu’il avait prévu d’appeler « Subtract », mais il était sans cesse repoussé. Et bien sûr, Subtract n’a pas été entièrement acoustique.

Y a quoi sous le capot de Autumn Variations le nouvel album de Ed Sheeran en 2023 ?

À l’instar des tournées simultanées de Sheeran, si son catalogue de tubes pop représente les spectacles dans les stades, Autumn Variants représente les concerts dans des clubs intimes. Le nouvel album de Ed Sheeran s’appuie sur les sensibilités d’auteur-compositeur de Sheeran, avec un son acoustique plus complexe. Avec Dessner à la barre, l’album se concentre sur les moments d’intimité tranquille et l’espace atmosphérique d’une ballade.

Il nous livre l’ouverture « Magical » avec un murmure presque vocal sur une simple guitare piquée au doigt. Bien sûr, la chanson est devenue virale après qu’il se soit incrusté dans un mariage à Vegas et l’ait jouée pour les mariés. Mais malgré les bombes avec lesquelles elle est entrée dans le monde, c’est toujours une chanson touchante.

« England » apporte un sentiment d’optimisme. C’est une ode à la patrie de Sheeran et aux habitants des petites villes. L’instrumentation est distante et calme, tandis qu’un léger rythme percussif se situe en dessous de l’arrangement.

Des chansons telles que « Amazing » sont des hymnes, des chants chatoyants qui semblent avoir été recodés sur une scène. Sheeran a écrit les chansons du point de vue de ses amis, en essayant de saisir ce qu’il pensait qu’ils ressentaient à ce moment-là. Le nouvel album de Ed Sheeran est donc un voyage émotionnel varié, de la joie à la tristesse et au désespoir.

La dynamique « Plastic Bag » démarre lentement, mais trouve vraiment ses marques une fois le refrain entamé, apportant un son vibrant et optimiste, soutenu par une boucle rythmique mais discrète. « Blue », quant à lui, est maussade. L’entraînant « American Town », que Sheeran a présenté lors de son concert à Oakland, est le premier morceau à présenter le style lyrique et verbeux qui a fait la réputation de Sheeran. Cette personnalité se retrouve dans « That’s On Me », bien que les paroles se concentrent sur le sujet plus sérieux du stress et de la santé mentale.

Le paisible « Page » progresse naturellement vers les sonorités Americana de « Midnight ». Bien que cela n’ait pas nécessairement sa place dans le contexte de cet album, l’une des choses qui empêche le nouvel album de Ed Sheeran Autumn Variations d’être excellent est l’absence de virelangues et de paroles rythmées qui sont devenues synonymes de son travail. Des titres comme « Spring » et « Punchline » sont bien construits, mais ils sont un peu monotones.

Sheeran se concentre à nouveau sur la dépression et la santé mentale sur « When Will I Be Alright », un morceau particulièrement bien interprété avec un violon triste accompagnant le lent grattage de la guitare acoustique. Le morceau offre une intimité ciblée qui correspond au contenu des paroles, ce qui renforce encore le message. L’album se termine par deux ballades au piano, « The Day I Was Born » et « Head > Heels ». La première, a expliqué Sheeran, parle d’un ami dont l’anniversaire est toujours oublié en raison des jours largement célébrés sur le calendrier.

Notre avis sur le nouvel album de Ed Sheeran en 2023 ? Autumn Variation offre aux fans beaucoup de matière à creuser. L’album n’est pas immédiatement mémorable, mais il permet de grandir et Sheeran doit être félicité pour avoir pris un risque créatif. Lui et Dessner prouvent une fois de plus qu’ils forment une équipe formidable.

Place à notre avis sur le nouvel album de LP en 2023, Love Lines. Certains artistes ont transformé l’art de la rupture en art littéral, mais les chansons qui en résultent portent souvent sur des préjudices perçus. Les auteurs-compositeurs-interprètes LP étaient fiancés à leur partenaire depuis six ans jusqu’à l’album 2021 Churches et ont apparemment oscillé entre plusieurs partenaires romantiques depuis lors.

Sur Love Lines, son septième album, LP n’est pas en train de jouer le jeu du blâme. Au contraire, ils sont en mode croissance personnelle, déplorant les erreurs qu’ils ont commises et partageant les leçons qu’ils en ont tirées.

Y a quoi sous le capot de Love Lines le nouvel album de LP en 2023 ?

Les 12 chansons de l’album, écrites lors de sessions entre Grand Cayman dans les Caraïbes et Palm Springs, et produites par Ashton Irwin (5 Seconds of Summer), Andrew Berkeley Martin et Matthew Pauling, sont enveloppées dans différentes sortes d’arrangements luxuriants.

« Long Goodbye » commence comme un air sépia à la Beatles, mais devient symphonique avec l’entrée d’une section de cordes qui se pâme et peut-être d’une timbale quelques instants plus tard. LP sonne tour à tour opératique et Pat-Benatar-esque dans sa prestation vocale.

« Hey baby/ I worry about you all the time/ I know we didn’t hold the light/ But you are aways on my mind, » chante LP avant qu’un jeu de guitare slide n’entre en scène. La chanson prend encore plusieurs tours et détours avant de se terminer par une outro au piano qui semble faire un clin d’œil à la « Rhapsody in Blue » de George Gershwin.

LP revient sur l’idée des regrets et des chemins non empruntés sur la dernière chanson de l’album, « Hold the Light », la plus dépouillée de l’album.

Les titres « Golden » et « Hola », qui ouvrent le nouvel album de LP en 2023 Love Lines, sont tous deux agrémentés de guitares latines. La première, que LP a décrite comme traitant des leçons de l’amour perdu, tisse ces leçons dans un banger pop. Love Lines ne comporte aucun des sifflements caractéristiques de LP, mais la ligne de conduite commune de leurs voix aiguës flottantes est omniprésente sur les derniers refrains.

« Hola », quant à elle, est préparée pour la salsa, avec une ligne de guitare rock inspirée de Santana et même quelques accents de cuivres. Ici, LP est à la recherche d’un nouvel engouement.

Ailleurs, LP accepte la vie comme elle vient sur « Love Lines », offre son amour à un autre sur « Dayglow », brûle de passion sur « Wild » et regrette ceux qui se sont éloignés sur la ballade à la guitare scintillante « Big Time ». La chanson titre du nouvel album de LP en 2023 et « Big Time » commencent comme de simples ballades à la guitare, mais la première se transforme en quelque chose de beaucoup plus grandiose.

Le sentimental « One Like You » rappelle les premiers succès de LP, comme le très similaire « Lost On You ». Il est suivi par le générique « Love Song », qui se démarque de la plupart de leur répertoire en tant que chanson pop des années 80 qui, par son rythme et sa voix, rappelle « I’m Still Standing » d’Elton John. Ici, LP reconnaît qu’il est préférable d’être amoureux plutôt que d’en subir les conséquences.

Place à notre avis sur le nouvel album de Doja Cat en 2023, Scarlet.

Le quatrième album de la rappeuse et chanteuse Doja Cat ne fait pas dans la dentelle. La jeune femme de 27 ans, qui s’appelle Amal Diamini, fait monter la température avec une agressivité brûlante sur des instruments pointus.

L’album, son premier depuis Planet Her en 2021, s’aventure également sur un terrain controversé.

Y a quoi sous le capot de Scarlet le nouvel album de Doja Cat en 2023 ?

“I’m a puppet/ I’m a sheep/ I’m a cash cow,”, déclare-t-elle sur l’explosif « Demons ». Doja Cat y fait étalage de ses exploits sur un arrangement qui fusionne une orchestration classique et une basse qui bat la chamade. “We are enemies/ We are foes/ Who are you?/ And what are those?”

Le titre le plus en vue sera probablement celui de Doja Cat, qui s’exprime sur la querelle entre Cardi B et Nicki Minaj sur le diss track « Skull & Bones ».

“You need to mind your business Helga Pataki/ ’Cause I’m’a do something devilish if you come at me/ You too high off that boo boo to unpack me,”, chante-t-elle ; Helga Pataki est une référence au surnom que Cardi B a donné à Minaj. Musicalement, le morceau est un R&B décontracté avec un flow fluide. Il n’est pas immédiatement perçu comme un titre dissident.

Le nouvel album de Doja Cat Scarlet excelle à couvrir un large spectre. Le morceau d’ouverture « Paint the Town Red » apporte un groove léger avec des accents de cuivres. Vocalement, Doja Cat passe avec agilité de la mélodie à la rime, avec un sens aigu de ce que la chanson exige. Sur des titres hymniques comme « Wet Vagina », Doja Cat s’en prend à ses détracteurs de la manière la plus directe qui soit.

L’arrangement discret de « FTG » est l’un des moments les plus convaincants de Scarlett. Le flux est serré, l’énergie est concentrée et urgente, mais l’instrumentation et la basse funky sont sournoises, ce qui crée une dichotomie d’émotions. Le morceau de combat agressif « Ouchies » a une touche des années 90 avec un rythme expansif et des paroles qui évoquent un grondement royal.

Le spacey « 97 » prend une tournure plus exploratoire, Doja Cat rappant un flow rythmique peu orthodoxe qui s’oppose volontairement à la signature temporelle tout aussi peu orthodoxe. Le résultat est surprenant et la chanson est résolument différente du reste du nouvel album de Doja Cat, Scarlet. De la même manière, « Often » semble également expérimental, mélangeant des éléments de jazz avec le hip-hop pour un flux de conduite naturel. Les voix sont spatiales et éthérées, beaucoup moins directes.

Cette ode au jeune amour sur « Agora Hills » réussit à atteindre une douce innocence tout en mêlant des paroles plus explicites qui repoussent les limites dans une autre direction. La chanson « Can’t Wait » change une fois de plus de style et devient du R&B rétro, avec une boucle rythmique dépouillée.

L’urgence revient sur « Love Life », un titre optimiste qui évoque les sources d’inspiration de Doja Cat, de ses amis et de sa famille à ses fans. Le nouvel album de Doja Cat Scarlet s’achève sur « Attention » et « Balut », deux titres très rythmés.

Place à notre avis sur le nouvel album de Staind en 2023, Confessions of the Fallen.

Le dernier album de Staind, Confessions of the Fallen, couronne une réunion qui a commencé en 2019 avec une série de dates de festivals et un spectacle à domicile. Au début, un nouveau matériel ne semblait pas être dans les cartes, mais avec le temps, le groupe est entré en studio. Il s’agit du premier nouvel album de Staind depuis 12 ans.les hard rockers du Massachusetts pourraient-ils livrer la marchandise ? Il s’avère que la réponse est oui.

Confessions of the Fallen trouve Staind revigoré et jouant son matériel le plus lourd de ses trois décennies d’existence.

Par moments, l’album semble familier. Le guitariste Mike Mushok joue des riffs tonitruants, tandis que le bassiste Johnny April et le batteur Sal Giancarelli maintiennent habilement la section rythmique. Le chanteur Aaron Lewis, énigmatique et discret, est le trait d’union entre les deux groupes.

Découvrez notre classement des meilleures chansons de Staind.

Y a quoi sous le capot de Confessions of the Fallen le nouvel album de Staind en 2023 ?

En même temps, tout semble un peu différent cette fois-ci, et ce sont les ingrédients supplémentaires qui font briller cet album. Le morceau d’ouverture « Lowest In Me » est un hard rocker hymnique qui fusionne des mélodies entraînantes avec une énergie débordante. Lewis nous livre une surprise sur le pont, avec un cri guttural qui renvoie à certains des premiers travaux du groupe.

« Was Any Of It Real ? » apporte une influence industrielle semblable à celle de NIN dans les couplets sombres et électroniques, avant d’exploser à nouveau dans le refrain, qui fait la part belle aux riffs.

Le groupe a fait appel au producteur Erik Ron, qui a travaillé sur l’excellent The Death of Peace of Mind de Bad Omens, et sa contribution ne passe pas inaperçue. Des chansons comme « In This Condition » fusionnent le rock grunge lourd avec la dynamique du nu-metal. Le morceau s’épanouit sur sa franchise, Staind faisant ce qu’il fait le mieux.

Le mid-tempo « Here and Now » ne serait pas complètement déplacé sur 14 Shades of Grey, mais là encore, on a l’impression qu’il y a plus de viande sur l’os. De la superposition des guitares à la voix, cette chanson plus légère parvient à maintenir l’énergie malgré le fait qu’il s’agisse plutôt d’une power ballade.

Le nouvel album de Staind en 2023 Confessions of the Fallen délivre efficacement de l’agressivité et de l’angoisse sans sacrifier les qualités de chant qui rendent une chanson mémorable. Par exemple, « Out Of Time » oscille entre le dur et le doux, mêlant même quelques boucles et programmations électroniques.

Malgré les quelques fioritures électroniques, Staind ne compromet jamais son identité. Le groupe pousse ses limites encore plus loin sur « Cycle of Hurting », qui fusionne le métal avec des atmosphères mélodiques. Le morceau se termine par l’un des meilleurs jeux de guitare de Mushok sur Confessions of the Fallen, sur un cri brutal de Lewis.

Lorsqu’il ne joue pas avec Staind, Lewis crée et joue de la musique country. Le chanteur sépare les deux mondes, bien qu’un peu de blues s’infiltre dans les mélodies du heavy rocker « The Fray ». Le seul moment de réconfort vient de la ballade éthérée « Better Days », qui présente une superposition complexe de la guitare de Mushok et du groupe tout entier pour le refrain. Ce n’est pas la meilleure ballade de Staind, mais c’est une bonne chanson.

La noirceur revient sur  » Hate Me Too « , qui reprend la dichotomie entre l’agressivité et la mélodie qui définit la majorité de l’album. Chaque morceau parvient à se démarquer avec sa propre personnalité. L’album se termine sur une note lourde avec la chanson titre qui ajoute de l’urgence au rock grondant.

Notre avis sur le nouvel album de Staind en 2023, Confessions of The Fallen ? Le feu de Staind brûle toujours dans un genre où il est souvent difficile de se démarquer. Ce disque est un véritable cri de guerre et suggère que le quatuor ne devrait pas attendre une douzaine d’années avant de faire le prochain.

Place à notre avis sur le nouvel album de Kylie Minogue en 2023, Tension. Son 16e album studio, le premier depuis Disco des années 2020, reste dans le club mais fait un bond spectaculaire de quelques décennies. Riche de synthés et de rythmes de danse heavy, cet album offre, selon les propres mots de Minogue,  » un mélange de réflexion personnelle, d’abandon du club et de hauts mélancoliques « .

À la fois futuriste dans son approche et nostalgique, elle donnera sûrement aux auditeurs des flashbacks de ses époques Aphrodite et Fever, l’électro-pop qu’elle a perfectionnée auparavant.

Découvrez notre classement des meilleures chansons de Kylie Minogue

Y a quoi sous le capot de Tension le nouvel album de Kylie Minogue en 2023 ?

L’ouverture « Padam Padam » donne le ton, imitant un battement de coeur. Minogue va plus loin sur la chanson suivante, « Hold Onto Now », avec une ligne de basse surchargée et des synthés éthérés, tout en nous rassurant que « nous pouvons continuer à danser pour toujours ».

La chanson-titre Euro-dance du nouvel album de Kylie Minogue ne fait pas exception. Elle joue un peu avec la formule, utilisant une variété de sons de synthé et d’autres productions électroniques. Les vers mélodiques doux sont jumelés à un crochet dur et percutant, rappelant la musique dance des deux dernières décennies.

D’autres morceaux comme « Things We Do For Love » et « You Still Get Me High » sont des vers d’oreille qui s’inspirent d’un son de pop synthé des années 80, ralentissant les couplets et créant un élan pour la pause dance pendant le refrain.

« Hands » est plus doux et a la même sensation que « Say So » de Doja Cat, tandis que « Green Light » (qui n’est pas une reprise de Lorde mais emprunte le même thème de « Great Gatsby ») est tout aussi émotif et soul, sax solo et tout, montrant la polyvalence des producteurs Biff Stannard et Duck Blackwell à combiner différents sons et à leur donner vie.

La tension ne reste pas moelleuse longtemps, avec le club-banger  » Vegas High « , sur lequel Minogue pince pour une aventure folle avec un amoureux.

La 10e piste du nouvel album de Kylie Minogue 2023, « 10 Out of 10 » met en vedette le DJ et producteur hollandais Oliver Heldens et mêle la pop synthé prédominante sur le disque avec des influences house des années 90. Les chants échasses de Heldens donnent à la chanson une ambiance complètement différente après qu’elle ait démarré sur la marque.

La chanson finale,  » Story « , est un hymne qui apparaît parfois comme quelque chose de Marina Diamandis ou de Robyn, deux artistes qui admirent sans aucun doute Kylie Minogue. Elle fera sans aucun doute pleurer les fans de Minogue de longue date. Sur cette lettre d’amour à elle-même et à ses fans, elle fait une sérénade aux auditeurs dans des octaves aigus et des harmonies impressionnantes sur le tournant de la page et l’acceptation de l’avenir, ainsi que de nous-mêmes, à bras ouverts.

Notre avis sur le nouvel album de Kylie Minogue en 2023 Tension ? Il n’y a pas d’histoire profonde sur Tension, mais l’album n’en souffre pas. Il est purement joyeux et séduisant.

Place à notre avis sur le nouvel album de Madison Beer en 2023, Silence Between Songs.

Il n’y a que deux ans que Madison Beer a sorti son premier album, Life Support, mais l’artiste de 24 ans a connu une véritable maturation musicale au cours de cette période. Le deuxième album de la chanteuse, Silence Between Songs, évoque une époque révolue de la musique pop, avec un sens aigu de l’objectif. Si vous cherchez des bangers pop remplis de synthés audacieux et de gros rythmes, passez votre chemin ; Silence apporte une intimité inattendue qui met en valeur un talent en pleine ascension.

Y a quoi sous le capot de Silence Between Songs le nouvel album des Madison Beer en 2023 ?

Dès la guitare bluesy de la première chanson « Spinnin », Beer s’oriente immédiatement vers quelque chose de nouveau. La chanteuse fait preuve d’une nuance vocale et d’une gamme surprenante qui s’étend d’un murmure discret à une puissance fulgurante. Comme le suggère le titre du nouvel album de Madison Beer, le silence n’est pas seulement entre les chansons – les morceaux sont respirants et spacieux, ce qui permet à la chanteuse de laisser libre cours à ses émotions.

Un rythme de basse pulsé introduit « Sweet Relief », mais pas de la manière dont on pourrait s’y attendre. Le morceau est discret, presque funky – un retour aux années 70 avec une personnalité cool et posée. C’est l’un des titres les plus entraînants de l’album, mais dans ce contexte, il reste discret. Puis, « 17 » entre en scène avec un éclat groovy ; une guitare légèrement pincée commence avant qu’un rythme jazzy n’entre dans le mélange.

Il y a définitivement une chance de s’arrêter et de sentir les fleurs ici. C’est un disque pour s’allonger et rêvasser tout au long de l’après-midi. « Ryder » est une ode au jeune frère de Beer et à leur éducation collective, l’histoire de « deux enfants pris entre deux feux ». C’est un morceau acoustique poignant et magnifiquement exécuté. « Nothing Matters But You » remonte encore plus loin dans le temps. Il s’agit d’un autre morceau classique rempli d’atmosphères calmes.

Beer double les harmonies solennelles de « I Wonder », un bop d’été insouciant avec une belle sensibilité de retour en arrière. Sa maîtrise de sa propre vision devient de plus en plus impressionnante au fil de l’album, avec sa capacité à délivrer des voix puissantes et subtiles.

« Je me suis appris à pleurer sur commande/ Je ferme les yeux et je pense à toi », chante-t-elle sur la ballade acoustique « At Your Worst », qui se rapproche davantage de la pop contemporaine. « Showed Me (How I Fell In Love With You) » apporte une fraîcheur tranquille avec un rythme de batterie bien défini et bien ancré dans la basse. Vocalement, son chant ressemble à celui de Billie Eilish, bien que l’exécution du morceau soit assez différente. Le titre est immédiatement contagieux et constitue l’un des points forts de l’album.

« Home To Another One » fusionne un son funk vintage avec une personnalité pop moderne. Il reprend l’énergie après une série de ballades et de morceaux mid-tempo. Beer calme les choses pour la ballade au piano « Dangerous », un morceau de musique divine et planante qui sonne comme un classique cinématographique dans son arrangement.

« Reckless » et le titre de l’album apportent une énergie éclectique qui oscille entre rythmique et mélodique. L’album se termine par la ballade « King Of Everything », dramatique et bien chantée, de type rock classique.

Notre avis sur le nouvel album de Madison Beer en 2023 Silence Between Songs ? Silence Between Songs est un album puissant, inattendu et sans prétention. Il propulse une pop star sous les feux de la rampe d’une manière très peu orthodoxe. Certains fans de Madison Beer seront peut-être surpris par la nature discrète de l’album, mais celui-ci est tout simplement trop bon pour être mis de côté.

Place à notre avis sur le nouvel album de Demi Lovato en 2023, Revamped.

Si l’on se posait encore des questions sur l’engagement de Demi Lovato dans sa nouvelle personnalité hard rock, Revamped est la réponse. Le concept est assez simple : Lovato a pris une poignée de tubes existants et les a transformés en hymnes hard-rock.

Ce projet, c’est un peu la « version de Demi », avec des accords puissants. Certains morceaux ne sont pas surprenants, car Lovato a interprété les arrangements lors de ses concerts de soutien à Holy Fvck. La particularité de ce nouvel album est que Lovato a également invité un éventail éclectique de rockers à collaborer.

Y a quoi sous le capot de Revamped le nouvel album des Demi Lovato en 2023 ?

L’artiste est depuis longtemps influencée par le rock, et ce dès ses premiers travaux, mais le nouvel album de Demi Lovato Revamped concrétise cette influence sous une forme plus directe. La transition n’est pas toujours très importante. « Cool For the Summer » et « Confident » étaient déjà des hymnes pop aux accents rock. Lovato ajoute à ces chansons une forte dose de guitares, une percussion puissante et un regain d’énergie. La basse gronde particulièrement fort sur « Confident ».

D’autres chansons bénéficient d’une transformation plus importante. La première chanson, « Heart Attack », reçoit un traitement pop-punk, avec un tempo plus élevé sur les couplets et un riff de guitare plus pressant. Il en va de même pour « Sorry Not Sorry », qui ajoute quelques cris mais comporte un solo foudroyant de Slash. La présence du guitariste de Guns ‘N Roses est un signe que Lovato touche les bonnes notes – ces chansons sont même diffusées sur les radios rock modernes.

L’album n’est pas « que des riffs, tout le temps ». « Tell Me You Love Me » atteint le statut de power ballad en fusionnant des couplets mélodiques et atmosphériques avec un refrain à la guitare.

Que Lovato fasse du rock, de la pop ou de la soul, ses prouesses vocales sont stupéfiantes. Lovato chante très haut à quelques reprises, en lançant des séries et de grandes notes lorsque le moment l’exige. D’une certaine manière, le format rock offre une plus grande marge de manœuvre.

L’étoile brillante de Revamped est peut-être l’hymne de club « Neon Lights », une collaboration avec The Maine. La nouvelle version reprend l’énergie de l’original, mais l’élève à un autre niveau grâce à des motifs de batterie expressifs ajoutés au mélange. Une fois le refrain entamé, le son alt-rock dynamique brille de tous ses feux. En d’autres termes, la mission a été comprise.

Le nouvel album de Demi Lovato fonctionne parce que l’amour de l’artiste pour ce genre musical transparaît. Elle est sincère et enthousiaste.

« Skyscraper » offre un changement de rythme radical. Ici, il ne s’agit pas de faire du hard rock, mais plutôt d’obtenir un son pop-rock direct. Il y a une qualité facile à vivre qui s’apparente presque à celle des Goo Goo Dolls.

« La La Land » brille également grâce à la virtuosité et à la précision de Nita Strauss. La guitariste était un pilier du groupe de Lovato pendant la tournée Holy Fvck et continue de participer quand elle le peut. Le solo de Strauss est de bon goût mais brûlant.

Un autre morceau remarquable est « Give Your Heart a Break », qui bénéficie de l’apport mélodique du chanteur de The Used, Bert McCracken. « Don’t Forget » clôt l’album avec un autre mélange de couplets mélodiques et d’un refrain solidement pesant. Alors que Demi Lovato a laissé entendre que cette dernière série de concerts pourrait être la dernière, Revamped pourrait changer la donne. Ces morceaux se prêtent parfaitement aux concerts

Place à notre avis sur le nouvel album de Thirty Seconds to Mars en 2023, It’s The End Of The World But It’s A Beautiful Day.

Thirty Seconds to Mars a toujours été un groupe difficile à cerner. Alors que Jared Leto et ses coéquipiers se sont lancés dans le rock alternatif à tendance emo, le groupe n’a plus vraiment existé dans cet espace depuis un certain temps. Non seulement son son a évolué, mais sa structure aussi ; le groupe est essentiellement un duo composé des frères Jared et Shannon Leto. It’s The End Of The World But It’s A Beautiful Day semble être le prolongement naturel d’America, sorti en 2018. Mais il puise dans un spectre de sons et d’émotions bien plus large.

L’objectif déclaré du groupe était de simplifier. Il n’y a pas de chansons expansives de cinq à six minutes. A la place, on trouve près d’une douzaine de chansons qui tournent autour des trois minutes – elles sont prêtes pour la radio ! La plupart d’entre elles sont également spacieuses et atmosphériques, sans la production murale de Thirty Seconds to Mars utilisée précédemment.

Y a quoi sous le capot de It’s The End Of The World But It’s A Beautiful Day le nouvel album des Thirty Seconds to Mars en 2023 ?

L’album s’ouvre sur les notes de guitare mélancoliques de « Stuck », qui se développe lentement jusqu’à une basse urgente et un synthétiseur de basse flou. Le rythme est contagieux, faisant passer le morceau de l’alt-pop au territoire de la danse, en particulier lorsque Leto se lance dans des vocalisations sans paroles -um-dum-badum-bum-bridge.

A son crédit, l’espace supplémentaire permet à la voix de Leto d’émouvoir d’une manière que certaines des œuvres précédentes du groupe n’ont pas. Thirty Seconds to Mars revient ensuite à la charge pour « Life if Beautiful », qui commence également calmement et permet une prestation vocale plus intime. Enfin, jusqu’à ce que le refrain riche en percussions arrive (Imagine Dragons).

Le nouvel album de Thirty Seconds To Mars album réussit à couvrir toute une gamme d’émotions, sans se concentrer uniquement sur les aspects négatifs de la société moderne.

« Seasons » n’a peut-être pas d’équivalent dans le recueil de chansons de 30STM. Il s’agit d’une ballade légère qui passe d’un grattement acoustique à une boucle légèrement programmée. En tant que morceau pop, la chanson tient ses promesses, de manière presque surprenante. Leto semble trouver du réconfort dans l’inconfort sur le nouvel album de Thirty Seconds To Mars, se plaçant dans des positions pour écrire des chansons qui ne viennent pas nécessairement naturellement. « Get Up Kid » existe dans le même espace, doublant l’intersection du chagrin d’amour et de l’opportunité, en trouvant un message finalement positif.

Sur « Love These Days », Leto livre sa critique de l’amour moderne, qui met souvent l’accent sur le chagrin d’amour au détriment de la beauté. La chanson a une allure R&B décontractée, avec une production minimaliste qui fait avancer les choses. Ce message est repris sur la surprenante et entraînante « World On Fire », qui déclare : « Let there be light/ And we’ll set this world on fire ».

La contrepartie de ce nouveau son est l’absence des moments les plus dramatiques de Thirty Seconds to Mars. Le groupe opte plutôt pour la nuance. Mené par une batterie chargée de basses et la voix de Leto, parfois criée, « 7:1 » se rapproche le plus du son traditionnel de Thirty Seconds to Mars.

La ballade au piano « Never Not Love You » est tout le contraire. Ce morceau délicat est composé d’un drone de piano d’une seule note, d’un chant amoureux et d’une base musicale qui fait la part belle au moins-disant.

Le batteur Shannon Leto passe au premier plan (au chant) sur « Midnight Prayer ». Il s’agit d’un retour puisqu’il a également assuré le chant sur l’album américain « Remedy ». Il est efficace, même sans l’étendue et la puissance de son frère, et fait de ce titre hymnique l’un des points forts du nouvel album de Thirty Seconds To Mars.

Le rythme ralentit sur la ballade atmosphérique « Lost These Days ». La chanson présente une superposition de sons d’une complexité trompeuse. Le rythme s’accélère pour le dernier refrain, l’amenant vers une orientation club, avant que le dernier morceau de l’album, « Avalanche », n’allège l’électronique et ne s’oriente vers un son légèrement plus traditionnel. Il s’agit d’une version plus pop du rocker « From Yesterday ».

Place à notre avis sur le nouvel album des Chemical Brothers en 2023, For That Beautiful Feeling.

À une époque où les nombreuses formes de musique électronique de danse sont à la pointe de l’innovation et de la popularité, les Chemical Brothers continuent de maintenir leur pertinence et leur musique au sommet de leur art, 30 ans après avoir fait leur apparition en Angleterre. C’est encore le cas sur leur 10e album studio, For That Beautiful Feeling.

L’album, leur premier depuis No Geography en 2019, ressemble à une montée d’adrénaline soutenue ou à un rêve fiévreux, avec seulement quelques moments pour reprendre son souffle entre les chansons. Comme un set live, les chansons de l’album passent généralement de l’une à l’autre, sans le moindre reflux.

Y a quoi sous le capot de For That Beautiful Feeling le nouvel album des Chemical Brothers en 2023 ?

Avec les synthés croustillants et les ruptures de « Goodbye », qui garde un pied dans les années 90 (rappelant même Play de Moby avec ses voix samplées) et un autre dans le présent, les auditeurs peuvent se sentir perdus dans l’instant. Ce n’est que la quatrième chanson de l’album, mais votre cœur devrait déjà battre la chamade.

Le nouvel album des Chemical Brothers For That Beautiful Feeling démarre avec la vaguement menaçante « Intro », qui n’est rien d’autre que du remplissage avec les voix numérisées de l’artiste psych-pop française Halo Maud – même si elle ne dure que 69 secondes – et qui se fond rapidement dans le rythme entraînant de « Live Again ». Maud fournit des voix douces et simples (« We will live again ») qui contrastent avec la production dure et hachée. Elle apparaît également sur le titre céleste qui conclut l’album. Bien qu’elle interprète le même type de voix et qu’elle chante à nouveau le nom de la chanson, son chant sert ici un objectif complètement différent.

« No Reason », qui ouvre la voie à « Goodbye », commence comme un morceau de jeu vidéo 8 bits avant qu’une batterie électronique et des riffs de basse funky ne changent complètement la donne. La chanson sonne à la fois moderne et comme un jam de jock perdu. L’un des meilleurs titres du nouvel album des Chemical Brothers.

Tom Rowlands et Ed Simons freinent des quatre fers sur le mid-tempo « Fountains », sur lequel les guitares sonnent comme le chucking de Nile Rodgers, sur des lignes de synthé psychédéliques. Le tout est brièvement brouillé dans un ragoût numérique avant que la mélodie ne refasse surface, suivant le beat drop sous la forme d’un air funk inspiré des années 70.

Les agressifs « Magic Wand » et « The Weight » ont des sections rythmiques qui ressemblent un peu à « Block Rockin’ Beats », mais le premier est associé à des cris de sirène et à des échantillons de voix soul, et le second est beaucoup plus psychédélique avec des voix distordues et des bleeps et blasts allongés, dignes de Daniel-Lanois.

Le deuxième sommet du nouvel album des Chemical Brothers For That Beautiful Feeling arrive avec le très poétique « Skipping Like A Stone », la deuxième collaboration des Chemical Brothers avec Beck depuis « Wide Open » en 2015. Une fois que le rythme est retombé et que la chanson prend des allures de danse chargée de basses, elle devient plus rêveuse avec une mélodie enroulée et des sons métalliques déphasés. La voix de Beck lui confère une qualité onirique.

Le morceau suivant, « The Darkness That You Fear » (appelé « Harvest Mix » sur l’album), est comme l’afterparty de l’album. Plutôt que de ralentir le tempo, il rafraîchit la température juste assez pour que la mélodie, les percussions et les sons d’instruments en laiton vous donnent l’énergie nécessaire pour continuer. Les rythmes syncopés et les breakbeats foudroyants du duo se poursuivent sur le glitchy « Feels Like I’m Dreaming ». Ce n’est que sur la chanson titre qu’ils mettent fin à la fête. Cet album montre clairement que les Chemical Brothers ne sont pas prêts à descendre de leur piédestal de rois de l’électronique.

Place à notre avis sur le nouvel album de Corinne Bailey Rae en 2023, Black Rainbows. Corinne Bailey Rae ne nous a pas fait l’honneur d’un album depuis The Heart Speaks in Whispers, sorti en 2016. Cependant, son nouveau disque vaut la peine d’attendre, Black Rainbows est une véritable révélation.

C’est une artiste reconnue et respectée, même si son nom est peut-être mieux connu au Royaume-Uni (son pays) qu’ici. Elle est surtout connue ici pour le coquelicot et ensoleillé  » Put Your Records On « , de ses débuts éponymes en 2006. Connaître cette chanson, ou vraiment, n’importe laquelle de ses oeuvres antérieures, ne préparera pas quelqu’un à l’expérience exaltante et exténuante de l’écoute de son quatrième album, Black Rainbows.

Y a quoi sous le capot de Black Rainbows le nouvel album de Corinne Bailey Rae en 2023 ?

Enregistré à la Stony Island Arts Bank de Chicago, le nouvel album de Corinne Bailey Rae Black Rainbows reflète le temps que Rae y a passé, absorbant l’art collectionné par Theaster Gates. Installé dans une ancienne banque, Stony Island abrite une vaste collection d’art ainsi que les archives des magazines Ebony et Jet et la collection de vinyles de Frankie Knuckles. Elle a dit qu’elle s’est trouvée inspirée et changée par ce qu’elle a trouvé.

Corinne Bailey Rae semble déterminée à renverser les attentes quant à son son sur cet album. Elle saute à travers les genres et les styles avec un abandon joyeux.  » A Spell, A Prayer « , commence l’album avec une ligne de basse lente et pulsante qui ressemble presque à la Badalamenti. Puis, elle éclate en une floraison de guitare électrique fortement déformée. La chanson oscille entre des états de chaos buzzy à la Radiohead et des voix soul sur plusieurs pistes. Elle est expérimentale et fraîche et pas ce que la plupart des gens s’attendent à entendre d’elle.

« Erasure » trouve Bailey Rae déplorant l’effacement de l’enfance noire dans des voix déformées et grognantes sur une guitare sale qui évoque PJ Harvey à l’époque sèche. Évoquant la mémoire d’enfants comme Tamir Rice, ainsi que les cartes postales de la collection Stony Island montrant des enfants noirs fuyant les alligators, la chanson vibre d’une colère vertueuse.

Bien que Bailey Rae ait été à la tête d’un groupe riot girl à l’adolescence, ce n’est pas très connu, et l’influence de son travail précédent n’était pas évidente. Cependant, « New York Transit Queen », avec ses claquements de mains joyeux, sa guitare grungy et ses chants chantés, s’inscrivait parfaitement dans l’énergie de ces groupes des années 90. La chanson s’inspire d’une photo d’archives du couronnement de l’icône de mode Audrey Smaltz en 1954, dans la collection Stony Island.

« Earthlings » trouve la voix de Bailey Rae transformée en extraterrestre sur des grooves bleeping de synthé quand elle dit: “Don’t you know, Earthlings?/ You can start again/ Simply press refresh/ To begin again.” Une guitare surchauffée qui fond le visage est incongrue avec la douceur de sa voix alors qu’elle nous invite tous à réinitialiser et à créer une utopie. Les oiseaux qui gazouillent joyeusement mettent fin à l’intermède extraterrestre.

La voix douce et aiguë de Bailey Rae avec juste un peu de râpe reste un instrument puissant, mais ce n’est pas le point central de l’album. Le son de Black Rainbows est plutôt centré sur le groupe, y compris son mari et multi-instrumentiste Steve Brown. Brown, qui est aussi coproducteur et coauteur, est un véritable utilitaire ici, puisqu’il joue non seulement de la batterie, de la basse et de la guitare sur différents morceaux, mais aussi de l’ocarina, des carillons à vent et du knifonium (un synthétiseur monophonique à 26 tubes).

Sur les dernières chansons, l’ambiance est plus calme, et Bailey Rae se penche de nouveau dans la puissance de sa voix. « Peach Velvet Sky » la compare à sa voix voguant sur le piano. « Peach Velvet Sky » s’inspire de « Life of a Slave Girl », l’autobiographie de Harriet Jacobs, une jeune esclave qui s’est cachée dans un vide sanitaire pendant sept ans et n’a vu le coucher de soleil que par une petite échappatoire.

Notre avis sur le nouvel album de Corinne Bailey Rae, Black Rainbows ? L’album se termine sur  » Before the Throne of the Invisible God « , sur lequel la voix de Bailey Rae s’étire et tient des notes d’une manière révérencieuse qui rappelle celle de Jeff Buckley, même si la flûte et le saxophone flottent en dessous et en dessous. Corinne Bailey Rae amène avec succès les auditeurs à travers de nombreux styles et émotions sur Black Rainbows. À la fin, elle fait descendre l’avion doucement, ce qui nous rend heureux d’être là pour le voyage.