Les 20 meilleures chansons de Pink Floyd

Proposer un classement des meilleures chansons de Pink Floyd, c’est faire un voyage dans le temps et dans l’espace. Leurs chansons dévoilent un monde magnifique mais troublé, tout en nous plongeant au plus profond des mystères de l’esprit humain. De 1967 à 2014 – lorsque le groupe a sorti son dernier album, six ans après la mort du membre fondateur Richard Wright – Pink Floyd a créé certaines des musiques rock les plus férocement créatives et pourtant remarquablement accessibles. Ils ont conçu des albums conceptuels captivants et expérimentaux qui ont réfléchi aux plus grandes questions de l’humanité. Pink Floyd a évolué à travers plusieurs époques et pouvait alterner dans sa création entre une collaboration étendue et un leadership déterminé. Découvrons ensemble notre top 20 des meilleurs titres de Pink Floyd

Notre classement des meilleures chansons de Pink Floyd

20 – See Emily Play (1967)

Un parfait mélange entre pop et psychédélisme dans les années 60. Le Pink Floyd de Syd Barett emballe la mélodie entrainante de « See Emily Play » de pleins de trucs : une intro désorientant, un solo de piano, des « duh-dunn » qui annonce chaque vers… Il y a aussi des sentiments lourds dans ce portrait d’un festivalier trippant au LSD qui se contente d' »emprunter les rêves de quelqu’un » et de « flotter sur une rivière, pour toujours et à jamais ». C’est presque comme si Barrett prévoyait ses propres problèmes provoqués par la drogue. Une des meilleures chansons de Pink Floyd.

 

 

19 – Welcome To The Machine (1975)

Extraite de l’album Wish You Were Here, « Welcome To The Machine » a été écrite par Roger Waters. Le texte traite de la manipulation routinière d’un aspirant rock-star par les pouvoirs en place (Welcome my son, welcome to the machine/Where have you been? It’s alright, we know where you’ve been/You’ve been in the pipeline, filling in time). A moins qu’il n’évoque une société dystopique dirigée par des machines… Les couches sonores sont si habilement réalisées, et la voix volontairement sans émotions, comme un robot dans « la machine ». Un des meilleurs titres de Pink Floyd.

18 – Bike (1967)

La seule chanson qui semble coller à tout le monde dès la première écoute de The Piper at the Gates of Dawn, l’absurdité enfantine de ses couplets – qui accorde peu d’attention à la rime et qui évoque notamment une « bonne souris » nommée Gerald – faisant un contraste troublant avec le refrain presque cohérent : « You’re the kind of girl that fits into my world/ I’ll give you everything, anything, if you want things. »… Un parallèle entre le besoin d’un enfant d’impressionner un adulte et le besoin d’un jeune homme d’impressionner une petite amie potentielle. « Bike » a toute sa place dans notre top 20 des meilleures chansons de Pink Floyd.

17 – Another Brick In The Wall (Pt. 2) (1979)

« En fin de compte, ça ne ressemble pas à Pink Floyd », a admis Gilmour à contrecœur en 1999. Il est vrai que « Another Brick In The Wall (Pt. 2) » détonne un peu dans la discographie du groupe. Rythme disco peu utilisé par le groupe (même s’il est excellent ici), ajout de chœur d’enfants… Une chose est sur, c’est que le solo de guitare est bien made in Gilmour. La seul chanson d°1 de Pink Floyd et l’une de ses plus célèbres. Il nous semblait indispensable de placer « Another Brick In The Wall (Pt. 2) » dans le top 20 des meilleures chansons de Pink Floyd.

16 – Have A Cigar (1975)

Extrait de Wish You Were Here, cette chanson propose le genre de space-blues que seul Pink Floyd peut réaliser. Après une longue intro avec une série de pistes chromatiques, « Have A Cigar » commence sérieusement, avec la voix du chanteur folk Roy Harper (l’une des deux seules chansons de Pink Floyd à comporter des voix de non-membres). « Have A Cigar » est le point de vue cynique de Waters sur l’industrie de la musique et contient la phrase immortelle: Oh by the way, which one’s Pink? « Nous avions des gens qui nous disaient : « Lequel est Rose » se souvient Gilmour. « Il y avait énormément de gens qui pensaient que Pink Floyd était le nom du chanteur principal…

15 – Pigs (Three Different Ones) (1977)

Sur un album qui pestait contre tout, « Pigs (Three Different Ones) » s’est penché sur 3 figures représentant tous les pires éléments de l’establishment ; l’homme d’affaires « attiré par la pierre » ; un « ratbag » que Waters avait repéré à un arrêt de bus près des studios Britannia Row du groupe ; et enfin, le chien de garde moral mal-aimé Mary Whitehouse, à la tête de l’Association nationale des téléspectateurs et des auditeurs. Un des meilleurs titres de Pink Floyd.

14 – Breathe (1973)

Le début de l’un des albums les plus célèbres de l’histoire du rock pose avec succès les bases de ce qui va suivre, avec l’intro « Speak to Me » agissant essentiellement comme une bande-annonce pour les moments forts de l’album (la caisse enregistreuse « Money »,…). Dans la continuité du morceau d’ouverture de l’album « Speak to Me », on retrouve le premier véritable morceau de The Dark Side Of The Moon, « Breathe ». Nick a apporté l’anticipation. Roger a apporté la sagesse. David a apporté la passion. Rick a apporté l’âme sur The Dark Side Of The Moon. « Breathe » en est l’un des morceaux les plus représentatifs et l’un des meilleurs titres de Pink Floyd.

13 – Sheep (1977)

Après « Dogs » et « Pigs », on vous présente « Sheep », le 3ème animal mis en avant dans l’album Animals. Les 10 minutes de « Sheep » sont les moments les plus lourds de l’album, s’appuyant sur une attaque de guitare de Gilmour intense. Contrairement aux cochons despotiques et aux chiens combatifs, les moutons représentaient le troupeau insensé et facile à conduire qui ne se soulevait qu’occasionnellement. « Sheep » reste le point culminant de l’album Animals et un des meilleures chansons de Pink Floyd.

12 – The Great Gig in the Sky (1973)

Positionné presque comme un interlude entre les tubes « Time » et « Money », « The Great Gig in the Sky » se distingue toujours comme l’un des morceaux les plus mémorables de The Dark Side of the Moon. Les débuts de la chanson provenaient d’une série de riffs de piano sur lesquels Richard Wright travaillait depuis plusieurs années, mais elle est devenue un classique instantané une fois que le groupe a fait appel à la chanteuse soul Clare Torry pour améliorer la piste avec des pistes vocales improvisées. Sublime.

11 – Hey You (1979)

À quelques exceptions près, les Pink Floyd sont à leur meilleur lorsqu’ils collaborent et qu’un membre ne domine pas trop. Même si « Hey You » (comme tant de The Wall) est la vision créative de Waters, il n’aurait pas atteint son niveau sans ses camarades de groupe. Gilmour ne se contente pas de prêter sa voix triste aux deux premiers couplets, il livre également l’un de ses solos de guitare les plus célèbres. Les paroles reflètent la douleur de Waters, son désespoir de plus en plus évident à chaque couplet, soulignant la distance croissante qui se créé avec sa femme. « Hey You » a toute sa place dans le top 20 des meilleures chansons de Pink Floyd.

Les 20 meilleures chansons d’ACDC

Bienvenue dans notre classement des meilleures chansons d’ACDC. Des riffs durs et emblématiques, des doubles sens de partout dans leurs textes, et un uniforme d’écolier : ce ne sont là que quelques-uns des ingrédients qui ont fait d’AC/DC l’un des groupes de rock & roll les plus emblématiques des 50 dernières années. Des chansons comme « Highway to Hell » et « You Shook Me All Night Long » sont des incontournables de la radio rock classique, et leur album de 1980, Back in Black, serait l’album le plus vendu de tous les temps si Thriller de Michael Jackson n’existait pas. Le secret de leur succès a toujours été leur authenticité.

Quand ils ont explosé hors de Sydney au milieu des années 70, le leader original d’AC/DC, Bon Scott, a chanté sur ses trois thèmes de prédilections – le sexe, l’alcool et le rock & roll – et depuis, Brian Johnson n’a rien changé. Le groupe sera critiqué par certains pour faire le même album, les mêmes chansons à chaque sortie… Des chansons comme celles-là, on en veut bien un paquet ! L’Australie est un pays qui ne manque pas d’icônes musicales – les Bee Gees, INXS, Sia ou Kylie Minogue pour n’en nommer qu’une poignée – mais peu d’artistes ont dominé la scène internationale comme AC/DC. Revenons ensemble sur 20 des meilleures chansons d’ACDC.

 

Notre classement des meilleures chansons d’ACDC

20 – If You Want Blood (You Got It) (1979)

La chanson « If You Want Blood (You Got It) » a d’abord été utilisé comme un titre de l’album live de ACDC de 1978, avant d’être immortalisé en chanson sur Highway To Hell l’année suivante. Le riff est tellement bon que le groupe le recyclera l’année suivante sur Shoot To Thrill. Une des meilleures chansons de Bon Scott et une des meilleures chansons d’ACDC.

 

 

19 – Big Gun (1993)

« Big Gun » a été une contribution de la part d’ACDC à la bande originale du film Last Action Hero avec Arnold Schwarzenegger. Un blues-rock très efficace et un Angus Young au top de sa force swinguant tout au long du refrain. C’était la première tentative du groupe de travailler avec le producteur Rick Rubin, et cela s’est assez bien passé pour qu’il retravaille avec eux sur Ballbreaker en 1995. Bien que le film de Schwarzenegger ait sous-performé au box-office, le futur Governator a donné un coup de pouce à la chanson en apparaissant dans le clip habillé comme Angus et même en faisant sa fameuse danse. Une des meilleures chansons d’ACDC dans les années 90.

18 – Touch Too Much (1979)

Axl Rose – leader et chanteur des Guns N’ Roses – a qualifié « Touch Too Much » sa meilleure chanson d’AC/DC, et il est facile de comprendre pourquoi. Ses refrains explosifs, le solo de guitare d’Angus Young et les paroles de Bon Scott sur une nuit de romance avec un femme qui avait «un corps de Vénus… avec des bras», cette chanson de l’album Highway to Hell est un bijou. Pour autant, « Touch Too Much » sera très peu joué en concert.

17 -Sin City (1978)

Véritable ode de Bon Scott à la ville de Las Vegas et à tous ses vices, « Sin City » contient un solo de basse, suffisamment rare chez ACDC pour le souligner… L’un des morceaux les plus remarquables du sous-estimé Powerage de 1978

16 – Ride On (1976)

S’il y a une chanson sur laquelle Bon Scott a mis son âme à nu, c’est bien ce blues mélancolique « Ride On » de Dirty Deeds Done Dirt Cheap. Il aimait se vanter de toutes les femmes qu’il avait eues, mais dans « Ride On », il a réfléchi à la solitude d’une vie sur la route, l’une des rares fois où il a expliqué comment il gérait la solitude des tournées. Une des meilleures chansons d’ACDC.

15 – Riff Raff (1978)

Les 40 premières secondes de « Riff Raff », remplies principalement de la guitare d’Angus Young, sont parmi les plus chargées de tension de tout le rock & roll. Une fois que le reste du groupe entre en scène, la chanson s’envole dans une explosion de force et d’énergie vraiment impressionnantes. « Riff Raff » a été ramenée dans des sets live lorsque AC/DC a pris la route avec Axl Rose en 2016, et aurait été réintégré à la demande du chanteur des Guns N’ Roses.

14 – Down Payment Blues (1978)

Un merveilleux numéro de blues que ce « Down Payment Blues » sur Powerage, racontant l’histoire d’un homme endetté essayant d’impressionner une dame. Simple, répétitif, mais totalement efficace. Bien qu’on se souvienne de lui comme d’une rock star légendaire, Bon a passé la majorité de ses trente-trois ans à vivre au jour le jour. En tant que tel, il a donné une authenticité grave à « Down Payment Blues » – dans ses paroles et dans la façon dont il les a chantées. Une des meilleures chansons de Powerage et une des meilleures chansons d’ACDC tout simplement.

13 -Jailbreak (1976)

Comme une grande partie des premiers réalisations d’AC/DC, « Jailbreak » n’a pas été entendu en dehors de l’Australie pendant des années après sa sortie – le single n’a été envoyé dans les magasins américains qu’au début des années 1980 après l’album international du groupe Back in Black, qui a suivi la tragique mort de Bon Scott en 1980. Depuis lors, c’est devenu l’une des chansons les plus appréciées du groupe, et il n’est pas difficile de comprendre pourquoi. Commençant par un riff retentissant et répétitif à l’infini et des paroles traînantes de Bon Scott, « Jailbreak » est une des toutes meilleures chansons d’ACDC.

12 – Whole Lotta Rosie (1977)

Des dizaines de morceaux d’AC/DC relatent la longue histoire sexuelle de Bon Scott, mais aucun de ses amants n’est aussi aimé que Rosie, une femme aux proportions généreuses qui surprend Bon avec ses prouesses et sa vigueur sous les draps. Les performances live sont accompagnées d’une énorme poupée gonflable…

11 – It’s a Long Way to the Top (1975)

“It’s a Long Way to the Top” est une des chansons d’ACDC les plus reprises. Mais la première chanson du premier album d’AC/DC aux États-Unis appartiendra toujours à Bon Scott. En effet, Brian Johnson s’est abstenu de la jouer pendant plus d’un quart de siècle avec AC/DC par respect pour son prédécesseur. Malgré son excellent riff rock, « It’s a Long Way to the Top » est un tour de force de Bon Scott, avec des paroles brillamment émoussées qui mettent en lumière la gloire et la crasse du style de vie rock & roll. Au pied de notre top 10, mais une des meilleure chansons d’ACDC tout de même.

Les meilleurs albums de The Who

Les meilleurs albums de The Who

S’il y a bien un groupe de rock que nous aurions souhaité voir sortir plus d’albums, c’est bien The Who (avec les Beatles et les Sex Pistols). Cependant, ceux qu’ils ont sortis comptent pour la plupart parmi les disques de rock les plus mémorables de l’ère du rock classique. Les choses auraient peut-être été différentes pour les Who si Keith Moon n’était pas mort subitement en 1978. Le groupe venait de sortir le grand album Who Are You et semblait imparable. Depuis sa sortie en 1978, The Who n’a sorti que 4 albums studio en quarante ans. Un son unique, des tubes rock légendaires et un groupe devenu culte. découvrons ensemble notre classement des meilleurs albums de The Who.

Notre classement des meilleurs albums de The Who

En dernière place de notre classement des meilleurs albums de The Who

12 – Who (2019)
The Who

Treize ans après « Endless Wire », Roger Daltrey et Pete Townshend sont revenus avec cette collection de titres plutôt musclée qui, à son meilleur, rappelait le travail du groupe au milieu des années 70 sur des albums comme « Quadrophenia ». L’ensemble est un peu trop plan-plan pour être un très bon album de The Who et les fulgurances ne sont que trop peu nombreuses. Who ravivera certainement une vieille étincelle que la plupart des fans pensaient s’être éteinte il y a des décennies. On place Who en dernière place de notre classement des meilleurs albums de The Who.

EN bas de notre classement des meilleurs albums des Who

11 – Endless Wire (2006)

The Who

Vingt-quatre ans après leur dernier album It’s Hard, les deux membres survivants de The Who – Roger Daltrey et Pete Townshend – se sont réunis avec de nouveaux musiciens pour sortir leur 11ème album. (Ils n’étaient pas totalement en sommeil pendant cette longue pause : ils ont lancé notamment plus d’une tournée d’adieu). Keith Moon et John Entswisle décédés, les Who ont dû repenser leur son et leur identité. Le batteur et le bassiste formaient l’une des bases rythmique les plus talentueuses du rock et donc comme on pouvait s’en douter, le son de Endless Wire est bien différent du son de The Who des 70’s. Si on peut retenir les chansons « Two Thousand Years » ou « It’s Not Enough », il manque un ou deux grands titres dans cet album. Voila pourquoi on place Endless Wire en bas de notre classement des meilleurs albums de The Who.

On a été déçu par It's HArd des Who

10 – It’s Hard (1982)

The Who

Comme son prédécesseur, Face Dances sorti en 1981, It’s Hard comprend le nouveau batteur Kenney Jones (anciennement des Small Faces and Faces) ainsi qu’un ensemble de chansons pour la plupart oubliables. A part des singles corrects, « Athena » et « Eminence Front », il n’y a pas grand-chose à recommander ici. Le groupe se battait pour rester ensemble à ce stade, avec des carrières en solo, l’apathie et d’autres activités secondaires gênant leur concentration collective. Il n’est pas surprenant que les Who n’aient pas enregistré de record pendant près d’un quart de siècle après cela. Cela sonnait comme la fin.

FAce Dances est à la 9ème place de notre top des meilleurs albums de The Who

9 – Face Dances (1981)

The Who

Face Dances était un album qui n’a pas été facilement accepté par les fans de Who en raison du décès de Keith Moon. Son remplaçant, Kenny Jones était un batteur complètement différent de Keith Moon et les fans étaient mécontents du choix de Jones. Face Dances s’enfonce sous le poids des chansons pour la plupart ternes de Pete Townshend et de la voix pâle de Roger Daltrey. Les deux albums de Who sortis dans les années 1980 ont été à peu près ignorés par les fans de Who car le son du groupe n’y était plus. On retiendra quand même la chanson d’ouverture « You Better You Bet ». On place évidemment Face Dances en bas de notre classement des meilleurs albums de The Who.

A la 8ème place de notre classement des meilleurs albums de The Who

8 – The Who By Numbers (1975)
The Who

L’album The Who By Numbers est sorti en 1975. Imaginez devoir succéder à un album comme Quadrophenia seulement deux ans plus tard…Le premier single de l’album, « Squeeze Box », a été interdit sur de nombreuses stations de radio aux États-Unis. Cependant, depuis la sortie de la chanson, elle est devenue l’une des chansons les plus reprises du groupe. The Who By Numbers a reçu des critiques mitigées lors de sa première sortie. Pete Townshend était complètement vidé en 1975.

Les quatre derniers albums de Who étaient des albums concept follement ambitieux (même si Who’s Next n’était que la coquille brillante de Lifehouse) et il devenait de plus en plus difficile de se surpasser. Au lieu d’essayer de créer quelque chose d’encore plus grand que Quadrophenia, il a sagement réduit et écrit The Who By Numbers, une série de chansons sur le triste état de sa vie. On retiendra la personnelle « However Much I Booze » ou la très triste « How Many Friends ». Si The Who By Numbers n’est pas le meilleur album de The Who, il a très bien vieilli.

6ème place pour A Quick One

7 – A Quick One (1966)
The Who

A Quick One, le deuxième album de Who, est construit sur le fait que les quatre membres du groupe devaient contribuer au processus d’écriture des chansons. John Entwistle a relevé le défi avec « Whiskey Man » et « Boris the Spider ». Keith Moon a écrit l’instrumental fou « Cobwebs and Strangers », mettant en vedette les quatre membres du groupe sur différents instruments à vent. Le seul morceau de Roger Daltrey est « See My Way », un titre dispensable sur A Quick One. Inutile de dire que les chansons de Pete Townshend sont les meilleures. « So Sad About Us » est un chef-d’œuvre méconnu, tandis que le mini-opéra de neuf minutes « A Quick One, While He’s Away » a ouvert la voie à tous les opéras rock qui ont suivi. Tout cela mis bout à bout font de A Quick One, l’un des meilleurs disques de The Who.

Who Are You est un des albums références du groupe

6 – Who Are You (1979)
The Who

Les Who étaient dans la pire forme de leurs 15 ans de carrière lorsqu’ils ont commencé à travailler sur Who Are You à la fin de 1977. Pete Townshend et Roger Daltrey s’étaient pris des coups dans la presse ces dernières années, et Keith Moon était un sévère drogué a seulement 32 ans. La révolution punk balayait également l’Angleterre, menaçant de faire passer des groupes comme les Who pour des dinosaures. Pour autant,Who Are You est un grand disque de The Who. C’était un album beaucoup plus fort que leur précédent album The Who By Numbers. L’album a montré une grande maturité dans l’écriture de Pete Townshend avec des chansons comme « Guitar and Pen » et « Sister Disco ». La chanson « Who Are You » en clôture de l’album est certainement l’une des meilleures chansons de The Who. C’est probablement l’album le plus sous-estimé du groupe, qu’on positionne en 6ème place de notre classement des meilleurs albums de The Who..

My Generation a toute sa place dans le top 5 des meilleurs albums de The Who

5 – My Generation (1965)
The Who

Le choix de l’ordre des cinq prochains albums de notre classement des meilleurs albums de The Who a été assez difficile car ils comptent tous parmi les meilleurs albums de rock jamais enregistrés. My Generation était le premier album du groupe en 1965. Un opus de reprises de chansons de stars américaines du R&B, des premiers pas hésitants et sommaires sur des airs originaux et un groupe toujours à la recherche de son identité. Mais l’album contient quelques perles comme « My Generation », « The Kids Are Alright » ou encore « A Legal Matter ». Un indispensable pour tous les fans.

On a adoré The Who Sell Out

4 – The Who Sell Out (1967)
The Who

Le succès du mini-opéra « A Quick One, While He’s Away » sur l’opus précédent a fait voir grand à Pete Townshend pendant qu’il préparait le troisième album de Who. Inspiré par les stations de radio pirates amarrées près de l’Angleterre, il a écrit une série de chansons liées entre elles par de fausses publicités pour des produits réels comme les fèves au lard Heinz et le déodorant Odorono. Des chansons comme « Tattoo » et « Mary Anne with the Shaky Hands » sont incroyablement étranges mais excellentes, tandis que « I Can See for Miles » est peut-être la meilleure chanson écrite par Townshend dans les années 1960. Un des tout meilleurs albums de The Who.

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de The Who

3 – Tommy (1969)
The Who

En 1969, The Who et surtout Pete Townshend revient avec un opera-rock et un concept album, Tommy. L’histoire tragique de Tommy – qui est maltraité par son cousin Kevin, son oncle Ernie et même violé par une femme embauchée par ses parents – reflète une partie du traumatisme de la propre enfance de Townshend. Le résultat final fut un triomphe absolu et a prouvé que le rock & roll pouvait s’étendre au-delà de sa zone de confort. On retiendra les titres « Pinball Wizard », « Go to the Mirror! », « I’m Free » et « We’re Not Gonna Take It ». Cela semblait être l’album rock le plus ambitieux possible, mais Townshend ne faisait que commencer… Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de The Who.

Quadrophenia est en 2ème place de notre top des meilleurs albums de The Who

2 – Quadrophenia (1973)
The Who

Quatre ans après Tommy et quelques projets conceptuels abandonnés, Pete Townshend est revenu avec un autre opéra rock à double album. Cette fois, il a exploré la culture adolescente de Londres vers 1965, juste au moment où les Who faisaient leurs débuts. D’une certaine manière, Quadrophenia représente les quatre membres éclatés du groupe ; mais dans le schéma plus large des choses, c’est l’histoire d’une rébellion adolescente construite sur l’idéalisme et le rock puissant (« The Real Me », « 5:15 », « Love, Reign O’er Me »). Les performances du groupe sur l’album sont parmi leurs plus grands moments enregistrés. Quadrophenia est un des meilleurs albums des Who.

 

Le plus grand et le meilleur album de The Who a commencé sa vie comme un autre album concept ambitieux (après Tommy) intitulé Lifehouse. Pete Townshend a abandonné le projet pour diverses raisons, mais a conservé plusieurs de ses chansons, qui se retrouveraient sur d’autres disques au fil du temps. Quelques-uns d’entre eux ont trouvé leur chemin sur Who’s Next, une œuvre puissante qui reste l’un des meilleurs album de tous les temps. Beaucoup de ses chansons sont des classiques (« Bargain », « Behind Blue Eyes »), mais ce sont les premiers et derniers morceaux de l’album (« Baba O’Riley » et « Won’t Get Fooled Again ») qui feront date. Un indispensable pour tout fan de rock qui se respecte.

LE meilleur album de The Who est Who's Next

1 – Who’s Next (1971)
The Who

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Notre Top 20 des meilleures chansons des Rolling Stones

Notre Top 20 des meilleures chansons des Rolling Stones

Il aura été difficile d’établir un classement des meilleurs chansons des Rolling Stones tant leur catalogue de titres est monstrueux. S’étant formé au milieu de la rafale de groupes R&B pendant le boom du blues des années 60, le groupe avait le potentiel d’être englouti par les requins des majors. Cependant, ils ont refusé de se laisser entraîner sur la voie du succès de quelqu’un d’autre et, après un court moment à reprendre les chansons d’autres personnes – comme c’était la mode à l’époque – le groupe a commencé à écrire sa propre musique et à voguer vers la célébrité.

Fondé par Brian Jones aux côtés de Keith Richards, Mick Jagger, Bill Wyman et Charlie Watts, le groupe a également accueilli par la suite les membres Mick Taylor et Ronnie Wood. Au cours d’une carrière de près de six décennies, les Rolling Stones ont perfectionné leurs sons, leurs performances et leur personnalité pour se transformer au moins en trésors planétaires. Après 26 albums studios, le groupe a sorti d’innombrables tubes et chansons de qualité, devenus des standards d e la musique rock et blues. Sans plus tarder, découvrons ensemble notre classement des meilleurs chansons des Rolling Stones.

Notre classement des meilleurs chansons des Rolling Stones

20) Beast Of Burden – 1978

« Beast of Burden » est la quintessence du son des années 70 des Stones. Souvent, lorsque nous nous attendons à un gros riff aux proportions hard rock, Richards et le groupe nous surprennent agréablement. « Beast of Burden » est un excellent exemple du maillage de Richards avec son partenaire d’écriture – et son nouveau fleuret de guitare, Ron Wood. C’est la chanson qui a dit au monde que Wood était dans le groupe, tout comme « Honky Tonk Women » l’avait fait pour Taylor. Une des meilleures chansons des Rolling Stones

19) 19th Nervous Breakdown – 1966

Les Rolling Stones à leur top. C’est juste un autre riff de guitare d’ouverture emblématique, et un groove exubérant qui prend de l’ampleur derrière cette grande harmonie sur les paroles « Here it come… ». « 19th Nervous Breakdown » a été écrit alors que les Rolling Stones étaient en tournée de concerts en 1965. Le titre de la chanson est venu en premier, puis Mick Jagger a écrit le reste des mots qui l’entourent. Musicalement, il se distingue par ce que l’on a appelé la ligne de basse « dive bombing » de Bill Wyman à la fin de la chanson. Une des meilleures chansons des Rolling Stones

18) Miss You – 1978

Tout le monde à la fin des années 1970 s’amusait avec le disco, mais les Rolling Stones y sont aussi allé mais à leurs manières. Subtilement. « Miss You » tiré du très bon album Some Girls, un de leur meilleurs depuis Exil On Main Street, est l’un des morceaux funk les plus blues que vous n’entendrez jamais. C’est un hybride vraiment étrange, l’un des tours de magie musicaux les plus étranges que les Stones aient jamais produits. D’une richesse musicale incroyable, « Miss you » – l’une des toutes meilleures chansons des Rolling Stones – est notamment embellie par l’harmonica du musicien de blues new-yorkais Sugar Blues. Superbe.

17) Midnight Ramble – 1969

« Midnight Rambler », tiré de l’album des Stones de 1969, Let It Bleed, était vaguement basé sur la vie du vrai Boston Strangler. Richards a appelé la chanson « un opéra de blues » et a insisté sur le fait que sa collaboration unique avec Jagger était telle que « personne d’autre n’aurait pu écrire cette chanson ». Le duo l’a écrit pendant des vacances en Italie et a déclaré que le fait d’être dans la belle ville ensoleillée de Positano leur avait donné l’étincelle créative pour écrire une chanson sombre sur un tueur en série. « Midnight Rambler » est clairement une des meilleures chansons des Rolling Stones et était une de leurs préférées en concerts, où Richards se déchaînait avec des solos de guitare. C’était aussi la dernière chanson que Brian Jones a enregistrée avec le groupe. Le changement de tempo de trois minutes amène cette piste à un niveau complètement différent et plus funky. Une minute plus tard, cela devient carrément sinistre. Un véritable voyage.

16) Angie – 1973

Bien que crédité à la fois à Mick Jagger et à Keith Richards, « Angie » a été écrit principalement par Keith Richards. Les spéculations au fil des ans sur qui est la Angie de la chanson ont identifié la première épouse de David Bowie, Angela, et l’actrice Angie Dickinson comme des possibilités. En 1993, Keith Richards a déclaré que la chanson avait été inspirée par sa petite fille Dandelion Angela. Plus tard, dans son autobiographie de 2010, Keith Richards a déclaré que le titre avait été choisi arbitrairement. La chanson est tiré de Goats Head Soup qui – s’il est très loin d’être l’un des meilleurs albums des Rolling Stones – a connu un grand succès. Une des plus belles ballades des Stones et une intro est devenue culte.

15) Let’s Spend The Night Together – 1966

Le début de la domination des Rolling Stones sur le rock and roll pourrait facilement avoir comme point de départ les années 1965 et 1966 et l’excellent « Let’s Spend The Night Together », titre face B du single « Ruby Tuesday ». « Let’s Spend The Night Together » était l’une des chansons préférées de David Bowie des Rolling Stones, et en 1973, il a enregistré sa propre version de cette collaboration Jagger-Richards. A noter que parmi les instruments crédités sur la chanson figurent des matraques : Jagger a utilisé les armes fournies par deux policiers qui ont fait appel au studio à Londres. Le chanteur les voulait pour un « son de bâtons claquants » dans le rythme.

14) Get Off Of My Cloud – 1965

« Get Off Of My Cloud » était une suite solide au succès massif « (I Can’t Get No) Satisfaction ». La chanson de Jagger-Richards, traitant des frustrations du groupe concernant les inconvénients du statut de célébrité, a été un succès funky et accrocheur. Enregistré à Hollywood, le single a été inclus sur l’album uniquement américain December’s Children (And Everybody’s). L’introduction à la batterie de Watts mène à l’attaque vicieuse à double guitare de Richards et Jones. Le groupe cherchait en fait une chanson plus lente, à la funky soul man de la Nouvelle-Orléans Lee Dorsey. Au lieu de cela, il s’est retrouvé avec une version beaucoup plus vibrante. Un des premiers gros titres du groupe et une des meilleures chansons des Rolling Stones.

13) Under My Thumb – 1966

Enregistré en mars 1966, « Under My Thumb » est surtout connu pour ses paroles, qui ressemblaient à une chape misogyne, décrivant une femme agressive subordonnée à une femme qui “talks when she’s spoken to ». Pourtant, la musique elle-même est extrêmement cool et séduisante, définie par le marimba séduisant de Jones et la guitare discrète de Richards. Jagger a déclaré plus tard que ses paroles étaient un reflet honnête de « trop ​​de mauvaises relations » qu’il vivait à l’époque. Reprise par les Who en solidarité lorsque les Stones ont été jugés pour trafic de drogue en 1967, c’était surtout la dernière chanson que Meredith Hunter écoutera au concert à Altamont deux ans plus tard, tuée par un membre des Hells Angels.

12) It’s Only Rock and Roll – 1974

Les Rolling Stones ont écrit et enregistré « It’s Only Rock and Roll (But I Like It) » en réaction aux jugements de la presse sur la qualité de chacune des sorties d’album du groupe. C’est un appel à ne pas prendre leur musique aussi au sérieux. « If I could stick a knife in my heart / Suicide right on stage / Would it be enough for your teenage lust?”. Cela ressemble à un titre de Let It Bleed ou Sticky Fingers, qui pourrait être due au groupe de session (Ronnie Wood à la douze cordes, Willie Weeks à la basse, Kenney Jones à la batterie et David Bowie aux chœurs). C’est une chanson peu profonde tout compte fait, mais c’est devenu un titre signature pour le groupe et une des meilleures chansons des Rolling Stones.

11) Honky Tonk Women – 1969

Que Dieu bénisse… la cloche à vache joué par le producteur Jimmy Miller, l’instrument qui donne le coup d’envoi de cette mélodie classique. Pendant que nous y sommes, bénissez aussi les femmes qui ont peut-être inspiré cette chanson. (En particulier celle qui a fait exploser le nez de Mick Jagger). Alors que la chanson est née d’influences plus country comme en témoigne « Country Honk » présenté sur Let It Bleed, « Honky Tonk Women » est tout simplement une des meilleures chansons des Rolling Stones. « Honky Tonk Women » est sorti au Royaume-Uni le lendemain du jour où l’ancien membre des Rolling Stones Brian Jones a été retrouvé mort noyé dans sa piscine.

Notre Top 15 des meilleurs batteurs de tous les temps

Les meilleurs batteurs de tous les temps

Quel fan de musique n’a pas eu une discussion, voire un débat complet, sur qui sont les meilleurs batteurs de tous les temps ? Nous avons essayé d’être le plus éclectique possible en proposant des techniciens, des génies du timing, des groovemen en puissance… Il n’a pas été si difficile que ça de trouver des batteurs de génies ; le plus dur aura été de réduire leurs nombres à 15. Alors il y aura certainement quelques oublis pour certains, mais c’est bien le jeu d’un classement. Après notre classement des meilleurs guitaristes et des meilleurs solos de guitare de tous les temps, place donc maintenant à notre top 15 des meilleurs batteurs.

Notre classement des meilleurs batteurs de tous les temps

15) Travis Barker – Blink 182

On commence notre top 15 des meilleurs batteurs de tous les temps avec un batteur de punk… et pas des moindres. Travis Barker de Blink-182 est l’un des batteurs les plus célèbres du nouveau millénaire grâce à sa sensibilité hardcore, son cool de skateur, son énergie hip-hop et son attrait pop. Sans parler de sa facilité à travailler avec des rappeurs et DJ à ses heures perdues. Tatoué de la tête au pied, Travis Barker est largement considéré comme l’un des meilleurs batteurs de punk rock.

14) Ringo Starr – The Beatles

Bien qu’il ait été souvent sous-estimé pendant la flamboyante fin des années 60 produite par Keith Moon et Mitch Mitchell, Ringo n’a pas seulement fondé le plus grand groupe de tous les temps aux côtés de Paul McCartney ou John Lennon, il a contribué à donner forme à leur musique – écoutez les rouleaux extatiques qui ouvrent « She Loves You », la rythmique de « Ticket to Ride », le travail de cymbale de « Rain », ou la façon dont il a joué impeccablement sur la longue liste des meilleurs chansons des Beatles. Ringo Starr a toute sa place dans notre classement des meilleurs batteurs de tous les temps.

13) Ramon « Tiki » Fullwood – The Parliaments

Décédé en 1979 d’un cancer de l’estomac, Ramon « Tiki » Fullwood était un pionnier absolu. A la fin des années 1960, il a été employé comme batteur des Parliaments – Funkadelic de George Clinton et même de Miles Davis. La légende raconte qu’à l’âge de 17 ans, Fullwood a dû se faufiler dans des clubs pour se produire, et Clinton a finalement dû supplier sa mère de l’emmener en tournée. Les musiciens modernes de funk et de soul s’inspirent beaucoup du travail de « Tiki », ce qui montre à quel point il a eu une influence sur la scène musicale. Un des tout meilleurs batteurs.

12) Dave Lombardo – Slayer

Le type de musique que vous jouez a un impact significatif sur le type de batteur que vous pouvez devenir. Pour Dave Lombardo, l’arrivée du trash metal a fait de lui le styliste le plus influent du mouvement. Il est le moteur du groupe Slayer, et il a un mélange très exceptionnel de précision et de technique, qui lui a été apporté par ses racines latines. Il est le batteur de trash metal parfait. « Angel of Death » comprend notamment l’un des breaks de batterie les plus impressionnants du métal. Les tensions internes au groupe l’auront forcé à entrer et sortir du groupe à plusieurs reprises. Un des plus grands batteurs de tous les temps.

11) Chad Smith – Red Hot Chili Peppers

Depuis ses débuts avec les Red Hot Chili Peppers en 1989, Chad Smith a constamment mélangé la rapidité du funk classique avec la puissance et le volume d’un rocker d’arène. L’ancien batteur des Chili Peppers Cliff Martinez l’appelle « un monstre virtuose … avec un sens sophistiqué et bien aiguisé de ce qui est approprié ». Le batteur de longue date des Red Hot Chili Peppers a été la passerelle du rock au funk pour des millions de batteurs depuis l’énorme album du groupe, Blood Sugar Sex Magik, en 1991. Ses frappes lourdes combinées à son appréciation du groove rendent ses parties addictives à apprendre. Ce n’est pas étonnant qu’il soit la moitié de l’une des sections rythmiques les plus appréciées du rock (avec Flea à la basse) et l’un des tous meilleurs batteurs de tous les temps.

10) Phil Collins

Avant que Phil Collins ne devienne l’un des chanteurs pop les plus titrés des années 1980, il était l’un des batteurs les plus aventureux des années 1970, travaillant avec des artistes révolutionnaires comme Brian Eno, le collectif de jazz fusion Brand X et, bien sûr, le virtuose Peter Gabriel. -dirigé la gamme de Genesis. C’est lors d’une session solo de Gabriel à la fin de 1979 que Collins a établi son son de batterie « gated snare », rapidement imité dans tout l’univers de la pop, devenant un élément clé d’innombrables disques des années 80. Il l’a réutilisé sur « In the Air Tonight », une chanson qui contient l’un des breaks de batterie les plus célèbres de la décennie. Après le succès de cette chanson, Robert Plant, Eric Clapton et de nombreuses autres superstars l’ont emmené en studio pour jouer de la batterie sur leurs albums. Bienvenue dans notre Top 10 des meilleurs batteurs de tous les temps.

9) Neil Peart – Rush

Neil Peart est connu comme l’incroyable batteur de Rush, qui l’a choisi après une audition parce qu’il leur rappelait Keith Moon de The Who. Au final, il ne ressemblait en rien à Moon à part son style percutant. Moon était très lâche avec son timing, mais Peart est probablement le joueur le plus méticuleux et technique de tous les temps. Au fur et à mesure que la musique du groupe s’est simplifiée dans les années 80, à travers des chefs-d’œuvre de transition et à un son plus pop, le jeu de Peart s’est également développé; il a commencé à incorporer avec goût des percussions électroniques et à chercher l’inspiration auprès d’autres comme Stewart Copeland. Un batteur qui en inspirera beaucoup d’autres et qui bien évidemment toute sa place dans notre top 10 des meilleurs batteurs de tous les temps.

8) Charlie Watts – The Rolling Stones

Keith Richards a dit un jour que lorsque les Rolling Stones se sont formés, ils « ne pouvaient pas se permettre » le batteur Charlie Watts, qui était déjà le solide stickman du groupe Blues Incorporated plus établi d’Alexis Korner. Finalement, les Stones l’ont conquis et il a demandé à les rejoindre. Outre les séjours occasionnels dans des projets parallèles au jazz, Watts a parfaitement complété Jagger, Richards et le reste de la bande avec des grooves swing (« Brown Sugar ») et des rythmes très efficaces (« Satisfaction », « Sympathy For The Devil »). Si le duo Jagger-Richards aura droit aux louanges et à la sur-médiatisation, Watts œuvrera dans l’ombre comme l’un des meilleurs batteurs avec brio et consistance sur plus de 50 ans de carrière. Chapeau bas monsieur.

Les meilleurs albums d’ Alanis Morissette

Les meilleurs albums d’Alanis Morissette

Notre revue des meilleurs classements d’artistes se penche aujourd’hui sur une artiste rock’n’roll qui a complètement bouleversé le monde de la musique en 1995 avec son premier album Jagged Little Pill. L’album est devenu assez rapidement l’un des plus vendus de tous les temps. Alimentée par un single à succès intitulé « You Ought To Know », qui a fait tourner les têtes instantanément, Alanis Morissette est devenue une sensation du jour au lendemain dans le monde de la musique. Avec plus de 30 ans de carrière derrière elle, Alanis Morissette aura enregistré 9 albums studios et sera devenu une référence de la musique pop-rock. Découvrons ensemble notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

Notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette

En Derniere place de notre classement des meilleurs albums d'Alanis Morissette

9 – Alanis (1991)
Alanis Morissette

Nous avons inclus ses deux premiers albums sur cette liste pour vraiment avoir une discographie complète. Le premier album de l’artiste canadienne intitulé Alanis est sorti en 1991. Cela ne ressemble en rien à l’Alanis Morissette que nous avons tous connu avec Jagged Little Pill. En dernière place de notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

En bas de notre classement des meilleurs albums de Alanie Morissette

8 – Not Your Kind Of People (1992)
Alanis Morissette

Le deuxième album d’Alanis Morissette intitulé Now Is The Time est sorti en 1992. C’est intéressant à écouter car Alanis Morissette a en fait écrit toutes les chansons de ce disque. Pourtant, c’est avant qu’elle rencontre Glen Ballard qui a complètement changé sa façon de penser en tant qu’auteur-compositeur et en tant qu’artiste. Et il faut se rappeler qu’Alanis Morissette n’était qu’une gamine lorsqu’elle a sorti ses deux premiers albums sous la forte pression des maisons de disques

On a été déçu par Havoc and Bright Lights

7 – Havoc and Bright Lights (2012)
Alanis Morissette

On continue notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette, place maintenant à l’album Havoc and Bright Lights. L’album est sorti en 2012. C’était le huitième album studio d’Alanis Morissette. Si l’album a atteint la place de numéro un dans les charts canadiens, force est d’admettre que ce n’est pas du grand Alanis. Beaucoup trop similaire à ce qu’elle a pu produire les années précédentes, Havoc and Bright Lights est assez décevant et manquant cruellemnt d’originalité. En bas de notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

A la 6ème place de notre classement des meilleurs albums d'Alanis Morissette

6 – Such Pretty Forks In The Road (2020)
Alanis Morissette

Place maintenant à Such Pretty Forks In The Road, son album le plus récent puisqu’il est sorti l’été dernier, en juillet 2020. C’était agréable d’avoir un nouvel album d’Alanis Morissette au milieu de la pandémie alors que nous pouvions à peu près rien d’autre à faire que d’écouter de la musique et de regarder Netflix. RCA Records a sorti cinq singles de l’album en commençant par la chanson « Reasons I Drink », qui était si appropriée pour l’époque. Such Pretty Forks In The Road est un album sur l’apprentissage de la satisfaction de l’âge mûr. Morissette lutte contre les angoisses, les histoires d’origine, les dépendances, la parentalité tout au long du disque, à la recherche de raisons et d’un diagnostic. Si la voix de l’artiste et ses musiques mélodiques sont toujours au rendez-vous, la mayonnaise n’arrive pas à prendre et ressort un peu déçu de cette écoute, surtout avec une telle attente. En 6ème place de notre top des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

Il a toute sa place dans notre top des meilleurs albums de Alanis Morissette

5 – Flavours Of Entanglement (2008)
Alanis Morissette

Le 7ème album studio de l’artiste canadienne – Flavours Of Entanglement – est sorti en 2008. L’album a été alimenté par le grand single « Underneath », qui est sorti le 15 avril 2008. L’album Flavours Of Entanglement était en quelque sorte un retour à son style de colère et de chagrin Jagged Little Pill pour le plus grand plaisir des fans de la 1ère heure. Il est rempli de chansons de chagrin, de colère et de regret, avec une bonne dose d’affirmation de soi. Musicalement, c’est beaucoup plus proche du rythme confus de Supposed Former Infatuation Junkie, en grande partie grâce à sa collaboration avec Guy Sigsworth, mieux connu pour ses productions avec Björk et Madonna. Avec de bons titres comme « Citizen Of The PLanet » ou « Tapes », et sans être l’un des meilleurs albums d’Alanis Morissette, Flavours Of Entanglement est une écoute agréable.

On a adoré Under Rug Swept

4 – Under Rug Swept (2002)
Alanis Morissette

L’une des choses évidemment des albums qui ont suivi Jagged Little Pill était leur désordre. Morissette a souvent été critiqué pour être trop verbeux, et la structure lyrique peut en effet avoir entravé ses meilleures mélodies pop. Mais avec Under Rug Swept, elle a pu écrire des chansons comme « 21 Things I Want in a Lover » et « So Unsexy » et les rendre comme des chansons aérées, très écoutables et accrocheuses. Ajoutez à cela l’excellent premier single « Hands Clean » (qu’on aurait bien vu dans Jagged Little Pill) et de très bons titres comme « Precious Illusions » ou « Narcissus », et vous avez entre vos mains l’un des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Alanis Morissette

3 – Supposed Former Infatuation Junkie (1998)
Alanis Morissette

Peu importe ce qu’Alanis Morissette aura pu sortir après Jagged Little Pill, il aurait toujours été comparé à son chef-d’œuvre. Mais il faut admettre que Supposed Former Infatuation Junkie est plutôt une réussite. Bien que ne s’éloignant pas trop du son et du style de son prédécesseur, l’album a montré une croissance artistique et le désir de se développer en tant qu’artiste sans perdre son public de fans. Une fois de plus, cinq singles ont été publiés par Maverick Records, à commencer par la chanson très cool « Thank U » inspirée par un voyage en Inde. On retiendra aussi « Baba » et sa critique rock des fausses idoles, l’excellent « Joining you », « Sympathic character » ou encore « Are you Still Mad? ». Si l’album est un peu long (17 titres dont 4 ou 5 titres de remplissages), Supposed Former Infatuation Junkie a toute sa place sur le podium des meilleurs albums d’Alanis Morissette.

Une 2ème place bien mérité

2 – So Called Chaos (2004)
Alanis Morissette

Alanis Morissette a souvent écrit sur ses histoires de cœur, mais elle a rarement écrit du point de vue de l’amour, et elle n’a certainement jamais enregistré un album où elle semble aussi amoureuse et en paix qu’elle l’a fait avec son quatrième album, So-Called Chaos. Il y a encore des brins d’amertume, de cynisme et de jalousie mais elle donne l’impression de s’en débarrasser. Cela n’est nulle part plus vrai que sur « This Grudge ». On retiendra aussi « Everything », « Eight Easy Steps » ou encore la chanson-titre. Un de ses albums les plus cohérents.

LE meilleur album d'Alanis Morissette

1 – Jagged Little Pill (1995)
Alanis Morissette

Nous clôturons notre classement des meilleurs albums d’Alanis Morissette avec Jagged Little Pill, un des albums références des années 90. Jagged Little Pill d’Alanis Morissette est l’un des albums les plus vendus de tous les temps. L’album s’est vendu à plus de 35 millions d’exemplaires dans le monde. Près de la moitié de cela a été vendu aux États-Unis où il s’est vendu à 15 millions d’exemplaires. L’album joue comme une purge émotionnelle, provoquée par une relation amère – et, selon toutes les allusions lyriques, il s’agit probablement d’un directeur de disques qui a profité d’une jeune Alanis. Elle ne cache jamais sa rage et son dégoût purs et simples, notamment sur la colère vengeresse de « You Oughta Know ». « Ironic » dans laquelle elle s’amuse du côté imprévisible de la vie, deviendra son titre le plus connu. Le grungy « Hand in my pocket » et « You Learn » deviendront aussi des standards de la chanteuse. LE meilleur album d’Alanis Morissette, évidemment.

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Les 20 meilleures chansons de Nirvana

Bien que Nirvana n’ait sorti que trois albums studio et un album live au cours de sa courte durée de vie en tant que groupe, force est de constater que leur discographie contient pléthore d’excellentes chansons ; dont beaucoup d’entre elles sont devenues des standards de l’histoire du grunge et du rock. La divergence ultérieure des chemins pour les principaux acteurs du groupe – la fin abrupte du chanteur Kurt Cobain avec son suicide en avril 1994, le bassiste Krist Novoselic s’enroulant dans une relative obscurité, tandis que le batteur Dave Grohl est devenu une deuxième superstar improbable en tant que leader de Foo Fighters – ajoute encore un peu de magie à un groupe iconique aux débuts des années 90. Découvrons ensemble notre top 20 des meilleures chansons de Nirvana.


Notre classement des meilleures chansons de Nirvana

20 – Serve The Servants (1993)

Le succès de Nevermind a été doux-amer pour Kurt Cobain. Nirvana est devenu le groupe le plus important de la décennie. Il a finalement obtenu une plate-forme massive, mais ce faisant, il a pris activement peur de devenir trop commercial et, par conséquent, d’être victime de tout ce à quoi Nirvana était intrinsèquement opposé. In Utero, le dernier chef-d’œuvre du groupe, est un doigt d’honneur géant pour tous ceux qui pensaient que Nirvana deviendrait commercial. La chanson « Serve The Servants » joue ironiquement avec l’angoisse des adolescents sur laquelle Nevermind a capitalisé, tout en indiquant clairement que Cobain s’en moque. Une des meilleures chansons de Nirvana.

19 – Pennyroyal Tea (1993)

Kurt Cobain devrait toujours être reconnu non seulement en tant que leader de Nirvana, mais en tant qu’auteur-compositeur élégant. Oui, élégant. Son style d’écriture était époustouflant dans sa simplicité. Sa brièveté était brusquement rafraîchissante et parfois étonnamment poétique. « Pennyroyal Tea » – une des meilleure chanson de Nirvana – est l’une d’entre elles. Lyriquement, sa profondeur est grande, explorant la dépression d’une manière effrayante.

18 – Been a Son (1989)

Personne, encore moins Nirvana lui-même, n’aurait pu prédire le succès de Nevermind, mais avec le recul, leur premier album Bleach est parsemé de suggestions selon lesquelles ils n’étaient pas les mêmes que leurs pairs grunge, parmi lesquels la face B « Been a Son » : une étude de aliénation adolescente qui forme une parenthèse de la lourdeur de Bleach au profit d’une mélodie simple, implacable et inoubliable. Une des meilleures chansons de Nirvana.

17 – Territorial Pissings (1991)

« Territorial Pissings » reste aussi furieux et drôle que le jour où Nirvana l’a posé en une seule prise avec la guitare de Cobain branchée directement sur la table de mixage. Son ton reste cassant et déchiqueté, et la chanson arbore ses répliques les plus tranchantes : « Never met a wise man / If so, it’s a woman. ». La chanson commence par la voix folle de Novoselic « C’mon people now, smile on your brother, everybody get together, try to love one another right now ». Un des meilleurs débuts de chansons de Nirvana ; une des plus punk aussi.

16 – Lithium (1991)

« Lithium » est une des meilleures chansons de Nirvana et surtout de Nevermind. Le titre s’est avéré être un son signature pour le groupe. Malgré son son libre, le morceau est plutôt dérangeant. Cobain y a injecté une partie de la douleur qui le rongeait. Cela rend également l’émotion particulièrement authentique. « Lithium » est une chanson sur un gars qui se tourne vers la religion après la mort de sa petite amie. Cela l’apaise, un peu comme une dose de véritable lithium. En raison de ses tempos changeants, « Lithium » était réputé être la chanson la plus difficile à enregistrer pendant les sessions de Nevermind, mais l’effort en valait la peine, car c’est un pur bonheur.

15 – Rape Me (1993)

Si In Utero était un doigt d’honneur pour les gens qui craignaient que Nirvana ne devienne trop commercial, la chanson « Rape Me » est carrément une gifle au visage. Bien sûr, malgré les intentions de Cobain d’être aussi clair que possible sur le message de la chanson contre la misogynie et contre le viol, la chanson a été mal compris par beaucoup. Kurt Cobain est le plus passionnant quand il passe lentement des murmures aux cris. La rage répétitive de l’outro (« rape me, rape me, rape me… ») reste encore aujourd’hui l’un des moments les plus audacieux de toute la musique populaire. C’est une des meilleures chansons de Nirvana.

14 – Scentless Apprentice (1993)

Le deuxième morceau sur In Utero, avec la voix déchiquetée de Cobain et ses rafales de guitares pleins de distorsions, a clairement indiqué les intentions du groupe de faire leur troisième (et finalement dernier album) assez différent de tout ce qui l’avait précédé. Basé sur le roman de 1985 de Peter Süskind, Perfume: The Story Of A Murderer – l’histoire d’un psychopathe à la sensibilité olfactive extrême qui capture les parfums de ses victimes, et l’un des livres préférés de Kurt – « Scentless Apprentice » déborde d’une étrange inspiration. C’est le seul morceau d’In Utero sur lequel chaque membre obtient un crédit d’écriture.

13 – Polly (1991)

Bien qu’il ait gagné sa place en tant que meilleure chanson de Nirvana pour Bob Dylan, ce morceau de l’album Nevermind doucement sinistre est devenu l’une des chansons les plus controversées et les plus mal comprises du groupe. Basé sur l’histoire macabre et vraie d’une jeune fille enlevée après avoir quitté un spectacle de rock à Seattle, la fille aurait ensuite été détenue en captivité dans la maison mobile de l’agresseur, suspendue la tête en bas, violée et torturée. Cependant, la confusion entourant la chanson a grandi du fait que Cobain a choisi de raconter l’histoire de la chanson du point de vue de l’auteur, ce qui a conduit certains à l’accuser de glorifier le crime, ou, pire, en supposant qu’il avait une sorte de sympathie pour l’agresseur. Les tensions ont atteint leur paroxysme lorsque Cobain a appris que deux hommes avaient violé une femme tout en lui chantant les paroles de la chanson.

12 – Something In The Way (1991)

Nirvana n’a jamais été aussi près de Pink Floyd avec « Something In The Way », un murmure acoustique qui fait froid dans le dos dans son ambiance sombre et son désespoir. Le titre de clôture de Nevermind est devenue un hymne pour les adolescents les plus anxieux du monde entier lors de sa sortie en 1991, avec sa guitare acoustique sombre, son tempo lent, ses cordes larmoyantes et ses harmonies douces-amères racontant l’histoire du temps où Cobain dormait sous un pont à Aberdeen. Une des meilleures chansons de Nirvana.

11 – Come As You Are (1991)

« Come As You Are » tourne autour d’un riff emprunté à « Eighties » de Killing Joke. Mais toute ressemblance s’arrête là. Kurt Cobain était un grand fan des Pixies, et il s’est souvent rabattu sur leur méthode brevetée d’écriture de chansons « fort-silencieux-fort ». Il a rarement été mieux utilisé que sur « Come As You Are », le deuxième single de Nevermind. La radio a embrassé le morceau de manière énorme, et cela a aidé le groupe à devenir l’un des plus grands groupes de la planète. L’interprétation sur le MTV Unplugged est particulièrement puissante, et le refrain répété de « I don’t have a gun » reste glaçant.

Les meilleurs albums de Jimi Hendrix

Les meilleurs albums de Jimi Hendrix

Au cours de son bref règne de quatre ans en tant que superstar, Jimi Hendrix a élargi le vocabulaire de la guitare rock électrique plus que quiconque avant ou depuis. Hendrix était passé maître dans l’art d’amadouer toutes sortes de sons imprévus de son instrument, souvent avec des expériences d’amplification innovantes qui produisaient un son d’une qualité incomparable et une distorsion jamais entendu alors. Son sens du spectacle – il pouvait jouer derrière son dos et avec ses dents et mettre le feu à sa guitare – a parfois obscurci ses dons considérables en tant qu’auteur-compositeur, chanteur et maître d’une gamme de blues, R&B et de styles rock. Hendrix est évidemment l’un des tout meilleurs guitaristes de tous les temps. Décédé prématurément en 1970 à l’âge de 27 ans, Jimi Hendrix aura sorti 4 albums studios avec ses groupes The Jimi Hendrix Experience et Band of Gypsys. Son dernier projet studio sortira plusieurs décennies plus tard. Découvrons ensemble le classement des meilleurs albums de Jimi Hendrix.

Notre classement des meilleurs albums de Jimi Hendrix

En derniere place de notre classement des meilleurs albums de Jimi Hendrix

5 – First Rays Of The New Rising Sun (1997)
Jimi Hendrix

En 5ème place de notre classement des meilleurs albums de Jimi Hendrix, on retrouve l’album First Rays Of The New Rising Song est sorti en avril 1997. Il est le dernier projet d’album studio enregistré de Jimi Hendrix mais qui ne verra le jour que 25 ans après sa mort. Censé être le 4ème album du guitariste, il contient notamment « Cry Of Love », « Voodoo soup », « Rainbow Bridge » et « War Heroes ».

On a adoré Band Of Gypsys

4 – Band Of Gypsys (1970)
Jimi Hendrix

L’album Band Of Gypsys est un album live de Jimi Hendrix avec son nouveau groupe Band of Gypsies avec Billy Cox à la basse et Buddy Miles à la batterie. Ces derniers ont apporté un son funk rock à la musique de Jimi Hendrix qui était très différent de Jimi Hendrix Experience. Cependant, ces musiciens ne se sont pas connectés avec Jimi Hendrix comme Noel Redding et Mitch Mitchell l’ont fait. L’album contient de nouvelles (bonnes) chansons de Jimi Hendrix telles que « Machine Gun », « Power Of Soul » et « Who Knows ». On place quand même cet album live dans notre top 5 des meilleurs albums de Jimi Hendrix.

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Jimi Hendrix

3 – Axis: Bold As Love (1967)
Jimi Hendrix

7 mois seulement après le chef d’œuvre Are You Experienced, Jimi Hendrix and co sortent leur 2ème album de l’année avec Axis: Bold As Love. L’album est à peu près dans la continuité de ce que le groupe avait fait sur leur premier album. Bien sûr, ce n’était pas aussi révolutionnaire que leur premier album ni que leur troisième album qui a complètement changé de vitesse dans l’expérimentation. Axis: Bold As Love vient juste poursuivre le succès du groupe en présentant treize autres chansons rock and roll incroyables interprétées par trois musiciens au sommet du monde et jouant comme personne d’autre n’avait jamais joué auparavant. Les chansons de l’album commencent à montrer un peu plus de maturité dans l’écriture de chansons de Jimi Hendrix, en particulier sur les ballades comme « Little Wing » et les numéros mid-tempo comme « Spanish Castle Magic ». Il y a plus de profondeur dans l’écriture et dans le jeu que sur Are You Experienced ? mais il manque sur certains titres le grain de génie de leur 1er album. On place néanmoins cet album sur le podium des meilleurs albums de Jimi Hendrix.

En 2ème place de notre top 5

2 – Electric Ladyland (1968)
Jimi Hendrix

Electric Ladyland est le dernier album studio du groupe The Jimi Hendrix Experience. Malheureusement, ce n’était que le troisième album studio du groupe. De nombreux fans et critiques de rock and roll pensent qu’il s’agit du meilleur album que The Jimi Hendrix Experience n’ait jamais sorti. C’était certainement l’album le plus révolutionnaire et le plus expérimental et sert maintenant de rappel de ce qui aurait pu arriver si Jimi Hendrix n’était pas décédé.

Les chansons d’Electric Ladyland présentent vraiment tous les différents styles musicaux qui ont influencé l’écriture de chansons et le jeu de guitare de Jimi Hendrix. Le blues bien sûr, en particulier sur le superbe morceau « Voodoo Chile ». Il y a du style R&B façon New Orleans sur le morceau « Come On ». La psychédélique est toujours présente dans des chansons comme « Burning Of The Midnight Lamp » et le premier titre « Have you ever been (To Electric ladyland)? »

Bien sûr, on ne peut pas parler d’Electric Ladyland sans évoquer le plus gros succès du groupe en carrière aux États-Unis… la reprise de « All Along the Watchtower » de Bob Dylan (qui contient l’un des meilleurs solos de guitare de tous les temps). L’album reste l’un des grands joyaux du rock and roll des années 1960 et est un des meilleurs albums de Jimi Hendrix.

 

LE meilleur album de Jimi Hendrix

1 – Are You Experienced (1967)
Jimi Hendrix

Le premier album de The Jimi Hendrix Experience, Are You Experienced, reste le meilleur album de Jimi Hendrix. Il est même considéré comme l’un des meilleurs albums de tous les temps. Are You Experienced était une extravagance rock and roll révolutionnaire qui a époustouflé tout le monde lors de sa sortie. L’album contient des titres parmi les plus grandes chansons rock de tous les temps : « Purple Haze », « Manic Depression », « Hey Joe », « Love or Confusion », « The Wind Cries Mary », « Fire », « Foxy lady »…Que des bijoux ! Are You Experienced est un album qui délivrait un son que personne n’avait jamais entendu auparavant. Aucun guitariste dans l’histoire n’avait jamais joué comme Jimi Hendrix. Un album indispensable, emblématique de la période psychédélique, pour tout fan de guitare ou de rock en général.

 

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Les meilleurs albums de Garbage

Les meilleurs albums de Garbage

Originaire du Wisconsin, Garbage marquera le rock des années 90 avec sa pop-electro-rock. Garbage est composé de la chanteuse Shirley Manson et les membres fondateurs Steve Marker et Duke Erickson à la guitare et Butch Vig à la batterie (juste avant la formation du groupe Garbage, Butch Vig a produit l’album révolutionnaire de Nirvana Nevermind). Les quatre membres du groupe ont créé un son qui ne ressemble à aucun autre groupe à l’époque. Chaque album sorti par le groupe était incroyablement produit. Découvrons ensemble le classement des meilleurs albums de Garbage.

Notre classement des meilleurs albums de Garbage

En derniere place de notre classement des meilleurs albums de Garbage

6 – Not Your Kind Of People (2012)
Garbage

L’album Strange Little Birds est sorti le 10 juin 2016. N’étant plus sur un label majeur, Garbage a sorti cet album sur son propre label indépendant. Il s’agit de l’album le moins vendu de Garbage à ce jour. Malgré le manque de ventes, l’album Strange Little Birds est l’un de leurs meilleures productions. C’est un très bon album qui contient un puissant punch alimenté par la délicieuse voix de Shirley Manson qui vous regarde dans les yeux, vous fait très peur, mais ne vous laisse pas vous détourner et vous éloigner. Parmi les morceaux les plus remarquables, citons « Empty », « Even While Our Love Is Doomed « et « Night Drive Loneliness ». Néanmoins, Garbage nous aura livré de meilleures albums dans les décennies précédentes. Voila pourquoi on place cet opus en 5ème place de notre classement des meilleurs albums de Garbage.

On bien aimé Strange Little Birds

5 – Strange Little Birds (2016)
Garbage

L’album Strange Little Birds est sorti le 10 juin 2016. N’étant plus sur un label majeur, Garbage a sorti cet album sur son propre label indépendant. Il s’agit de l’album le moins vendu de Garbage à ce jour. Malgré le manque de ventes, l’album Strange Little Birds est l’un de leurs meilleures productions. C’est un très bon album qui contient un puissant punch alimenté par la délicieuse voix de Shirley Manson qui vous regarde dans les yeux, vous fait très peur, mais ne vous laisse pas vous détourner et vous éloigner. Parmi les morceaux les plus remarquables, citons « Empty », « Even While Our Love Is Doomed « et « Night Drive Loneliness ». Néanmoins, Garbage nous aura livré de meilleures albums dans les décennies précédentes. Voila pourquoi on place cet opus en 5ème place de notre classement des meilleurs albums de Garbage.

On a adoré Combat Rock

4 – Beautiful Garbage (2001)
Garbage

Au quatrième rang de notre liste des meilleurs albums de Garbage se trouve le 3ème album studio du groupe, Beautiful Garbage sorti en 2001. Le groupe sonne un peu différemment sur ce troisième album. C’était un peu moins d’électro et beaucoup plus de mélodie. Les 4 singles « Androgyny », « Cherry Lips », « Breaking Up The Girl » et « Shut Your Mouth » ont tous rencontré un bon succès. Edulcoré (au détriment des fans de la 1ère heure) et beaucoup moins rock, Beautiful Garbage n’en reste pas moins un bon album du groupe. A noter la chanson de clôture, « The World Is Not Enough », B.O du film James Bond du même nom.

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Garbage

3 – Bleed Like Me (2005)
Garbage

Sur le podium des meilleurs albums de Garbage, on retrouve Bleed Like Me sorti en 2005. Notre chanson préférée sur l’album n’est jamais sortie en single, mais c’était le morceau d’ouverture de l’album intitulé « Bad Boyfriend ». Bien sur les 4 singles « Why Do You Love Me », « Bleed Like Me », « Sex Is Not The Enemy » et « Run Baby Run » sont tous des très bons titres, mais des chansons comme « Metal Heart », « It’s All Over But The Crying » ou « Boys Wanna Fight » vous feront aussivibrer.

Numero 2 dans notre top 5

2 – Garbage (1995)
Garbage

Au deuxième rang de notre classement des meilleurs albums de Garbage, voici le premier album du groupe simplement intitulé Garbage. Ce que les fans de musique et les critiques ont adoré à propos de l’album, c’est à quel point le groupe sonnait original. Cinq grands singles sont sortis de l’album, mais ce sont bien les singles « Stupid Girl » et « Queer » qui feront de Garbage l’un de principaux groupes de rock de 1995. Ses sonorités pop-electro-rock seront une bouffée d’air frais sur les ondes…

LE tout meilleur album de Garbage, evidemment

1 – Version 2.0 (1998)
Garbage

Avec la sortie de leur 2ème album – Version 2.0 – le groupe a continué à explorer le son unique qu’ils ont développé sur leur premier album. Version 2.0 est leur album le plus commercial et un de leur plus très réussi. Il s’est vendu à près de deux millions d’exemplaires aux États-Unis. Certaines des chansons les plus célèbres du groupe sont sorties sur l’album, notamment les singles « I Think I’m Paranoid », « When I Grow Up » et « Push It ». Percutant, catchy, dynamique, Version 2.0 marquera les esprits dès les premières notes de « Temptation Waits ». De l’envoûtant « The Trick Is To Keep Breathing » en passant par le puissant « Dumb », Version 2.0 est la plus belle réussite du groupe. LE meilleur album de Garbage à ce jour.

Nos autres classement Rock

Les meilleurs albums de Depeche Mode

Les meilleurs albums de Depeche Mode

Le groupe anglais Depeche Mode a repris les sons des clubs électroniques underground du début des années 80 et les a étendus à des niveaux de la taille d’un stade en une décennie, devenant ainsi l’un des groupes internationaux les plus vendus. L’un des premiers groupes à établir une identité musicale entièrement basée sur l’utilisation de synthétiseurs, ils ont fait leurs débuts avec un esprit électro-pop plein d’entrain qui s’est progressivement transformé en un style synth-rock plus sombre et plus dramatique qui les a finalement positionnés comme l’un des plus groupes alternatifs de leur époque. Depeche Mode, c’est 14 albums studios, des tournées mondiales à guichets fermées et une place d’icone dans l’histoire de la pop et du rock depuis des décennies. Comme il n’est jamais trop tard pour découvrir la discographie du groupe, longue de près de quatre décennies, c’est peut-être le bon moment pour le faire. Regardons ensemble notre Top 10 des meilleurs albums de Depeche Mode.

Notre classement des meilleurs albums de Depeche Mode

En dernière place de notre classement des meilleurs albums de Depeche Mode

10 – Exciter (2001)
Depeche Mode

Après avoir survécu à une spirale infernale pour des problèmes de drogue et de départs du groupe qui auraient sûrement mis fin à la carrière de groupes de moindre importance, Depeche Mode est entré dans le nouveau siècle rafraîchi et recentré sur Exciter, leur 10ème album souvent négligé dans leur catalogue. La nature du disque est résolument douce, quelque peu inhabituel dans le répertoire de Depeche Mode. Peu importe la raison, il y a une profondeur et une beauté discrètes sur des chansons comme « When the Body Speaks » et « Goodnight Lovers », et des styles familiers sur le titre d’ouverture « Dream On » qui représentent les meilleurs moments d’Exciter. Quelques faiblesses néanmoins pour en faire un très bon album. Voila pour quoi on place Exciter en dernière place de notre classement des meilleurs albums de Depeche Mode.

En bas de notre top 10 des meilleurs albums de Depeche Mode

9 – Sounds Of The Universe (2009)
Depeche Mode

2ème album avec Ben Hillier à la production après Playing The Angels. Sounds of the Universe est moins optimiste que son prédécesseur, mais parvient malgré tout à capturer l’essence du groupe. 30 ans après, Depeche Mode est toujours une valeur sûre et nous livre un bon album. Même si l’opus est plus électro que synthpop de la grande époque (fin des années 80 – début des années 90), il y a ici de très bons titres. On retiendra les chansons « Peace », « Perfect » ou encore « In Sympathy » Mais la pièce maitresse de Sounds Of The Universe est incontestablement la chanson « Wrong », l’une des meilleurs chansons de Depeche Mode de tous les temps. Trop irrégulier et pas assez homogène pour prétendre être néanmoins l’un de meilleurs albums de Depeche Mode… Et puis que dire de cette pochette d’album ?!

Une 8ème place bien méritée pour Spirit

8 – Spirit (2017)
Depeche Mode

Après la « trilogie Hillier », Depeche Mode a finalement changé de producteur, permettant à James Ford d’apporter plus de clarté et de directivité à leur son. Côté texte, Spirit est le premier disque du groupe avec un contenu politique depuis Construction Time Again et peut paraitre comme étant un peu prétentieux et moralisateur. De très bons titres quand même : la chanson d’amour oppressante « Eternal » ou son contraire, le bien intitulé « Poison Heart ». Mention spéciale aussi pour le très bon titre d’ouverture « Going Backwards » Un album plus homogène et cohérent que les précédents. Sans être révolutionnaire, Spirit est un pas en avant, en regardant quand même dans le rétroviseur uniquement pour éviter les faux pas auprès des fans de la première heure.

Un bon album  de Depeche Mode

7 – Some Great Rewards (1984)
Depeche Mode

Si la pochette d’album ne restera pas dans les annales, le contenu lui est une réussite. Some Great Rewards contient tout d’abord deux immenses tubes « Master And Servant » et « People Are People ». Depeche Mode semble se libérer de la pop naïve des adolescents tout en embrassant le côté sombre et plus industriel de leur musique. Some Great Reward est beaucoup plus cohérent tout en proposant des chansons de qualité qui ont permis à Martin Gore (qui écrit la quasi totalité des titres) d’explorer des domaines plus lyriques, comme le S&M, la politique, la religion et l’ennui quotidien. Some Great Reward, c’est aussi les très bonnes chansons « Somebody » et « Blasphemous Rumours ». Bref, un très bon album de new-wave et un des meilleurs albums de Depeche Mode.

6ème place dans notre classement des meilleurs albums de Depeche Mode

6 – Songs Of Faith and Devotion (1993)
Depeche Mode

Entre Violator et Songs of Faith and Devotion, il s’est passé beaucoup de choses : Nirvana a réécrit les idées de ce que « l’alternatif » était censé être, tandis que Nine Inch Nails a été diffusé sur les ondes comme le nouveau groupe à succès le plus clairement influencé par Depeche Mode. Pendant ce temps là, David Gahan se transformait en un rocker aux cheveux longs et vêtu de cuir et poussait pour un son plus orienté guitare. On retiendra notamment les premiers titres « I Feel You » et « Walking In My Shoes » mais la pièce maitresse de l’album reste sans conteste « In Your Room. Vous avez là avec Songs Of Faith and Devotion un des tout meilleurs albums de Depeche Mode. Depuis cet album, Depeche Mode sortira un album tous les 4 ans.

Une tres bonne 5ème place pour ce Music For The mAsses, un de smeilleurs albums de Depeche Mode

5 – Music For The Masses (1987)
Depeche Mode

Au départ, le titre devait sonner comme une vantardise incroyablement prétentieuse, sauf que Depeche Mode a ensuite fait une tournée mondiale monstrueuse, a marqué encore plus de succès aux Etats-Unis et ailleurs que jamais auparavant. Côté musique, le morceau d’ouverture, « Never Let Me Down Again » (une des meilleures chansons de Depeche Mode), a merveilleusement démarré les choses : un riff de guitare compressé claquant soudainement dans une énorme combinaison percussion/clavier/piano et l’une des meilleures voix de David Gahan. D’autres singles clés comme « Strangelove » et « Behind the Wheel » ont maintenu le même mélange de puissance et de qualité musicale, tandis que certains des chansons les plus calmes telles que « The Things You Said » et « I Want You Now » ont montré que la musique et l’intimité lyrique pourrait facilement coexister chez Depeche Mode. Music For The Masses a toute sa place dans le top 5 des meilleurs albums de Depeche Mode

On a adore Black Celebration

4 – Black Celebration (1986)
Depeche Mode

Que le groupe sente qu’il est simplement temps de proposer autre chose que sa fusion industrielle-pop, ou que le succès accru et les salles plus grandes poussent la musique dans différents horizons, le cinquième album studio de Depeche Mode, Black Celebration, a vu le groupe se lancer sur un chemin qui, à bien des égards, a défini leur son jusqu’à aujourd’hui : des paroles émotionnellement extrêmes associées à des airs amplifiés, autant de rock anthémique que de ballades austères et discrètes. On a aimé la chanson titre avec sa construction lente, « Sometimes » avec son début de choeur gospel et ses sons de piano poussés. Les différents singles de l’album restent aussi des moments forts, tels que « A Question of Time » ou « Stripped » avec des arrangements très qualis. Un des albums les plus solides et les plus cohérents de bout en bout de la part de Depeche Mode.

Place au top 3 !

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Depeche Mode

3 – Playing The Angels (2005)
Depeche Mode

Chaque album sorti après Violator a été injustement comparé au chef d’œuvre de Depeche Mode. Une décennie et demie plus tard, le groupe a sorti un des albums qui s’est le plus rapproché de lui. Playing The Angel a été le premier album dirigé par l’ancien producteur de Blur et U2 Ben Hillier et le premier à présenter une poignée de chansons de Gahan. Dave Gahan assumant donc un rôle plus important dans l’écriture de chansons semble avoir fait ressortir l’esprit de compétition de Martin Gore, créant un ensemble de chansons provocantes et palpitantes. « Suffer Well », « Precious » et « The Sinner in Me » sont les pièces maitresses de ce superbe album. Une grosse claque et un des meilleurs albums de Depeche Mode.

EN 2eme place de notre top 10 des meilleurs albums de Depeche Mode

2 – Ultra (1997)
Depeche Mode

Lorsque la nouvelle a fait surface en 1995 qu’Alan Wilder avait quitté Depeche Mode pour se concentrer sur son projet solo Recoil, la préoccupation immédiate des fans était de savoir si le groupe serait capable d’atteindre à nouveau des sommets. Combiné au quasi-suicide de Gahan et au long rétablissement en cure de désintoxication, les choses semblaient plutôt sombres. Heureusement, Ultra s’est avéré être l’un des tout meilleurs albums de Depeche Mode.

Le changement le plus immédiat fut le chant de Gahan ; notamment sur le merveilleux « It’s No Good ». Le titre d’ouverture « Barrel of a Gun » continue dans la veine des chansons pour arène comme « Never Let Me Down Again » et « I Feel You ». Ultra couvre principalement des territoires plus subtils, tels que le légèrement effrayant « Sister of Night » et le doux « The Love Thieves ». Clôturant avec « Insight », une ballade assez charmante, Ultra a montré que Depeche Mode était loin d’être fini…l’avenir finira de le confirmer.

LE meilleur album de Depeche Mode, tout simplement

1 – Violator (1990)
Depeche Mode

En 1ère place de notre top10 des meilleurs albums de Depeche Mode, on retrouve évidemment Violator, le chef d’oeuvre du groupe. En un mot, époustouflant ! Les deux premiers singles de l’album ont tout de suite donné le niveau de qualité de l’labum. Le premier était « Personal Jesus », à la fois simpliste, avec un superbe beat funk/hip-hop et des accords de guitare blues basiques, et formidables. Puis « Enjoy The silence », une des plus belles ballades romantiques du groupe. Le single « Policy of Truth » a tout aussi bien fonctionné, un numéro funk Motown discret pour les temps modernes avec des paroles d’amour / haine tranchantes pour démarrer.

Mais ce sont bien tous les titres de l’album qui sont à retenir. « Sweetest Perfection », « Waiting For The NIght », « Halo » jusqu’au titre de clôture « Clean »…. Depeche Mode atteint ici des sommets ahurissants, rarement atteints par un groupe.