Catégorie : Rock

On a longtemps débattu pour savoir lequel de ces groupes – Beatles vs Rolling Stones -est le plus grand de tous les temps, et il est maintenant temps de trouver la réponse, une fois pour toutes.

Ces groupes ont plus de points communs qu’on ne le croit. Ils sont tous deux britanniques, ont vu le jour dans les années 1960 et ont tous deux façonné la musique du XXe siècle pour en faire ce qu’elle est aujourd’hui. Toutefois, ces groupes présentent également de nombreuses différences, allant de leur capacité à se produire en direct à leur originalité.

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Beatles vs Rolling Stones : les chiffres

Durée d’existence

Tout d’abord, examinons la durée d’activité de chacun de ces groupes. Après tout, le nombre total d’années de succès doit bien compter, n’est-ce pas ?

Les Beatles se sont formés à Liverpool en 1960, bien que Lennon et McCartney jouent ensemble depuis 1957. Ils étaient à l’origine connus sous les noms de The Quarreymen, The Beatals et The Silver Beatles, qui ont ensuite été abrégés en The Beatles. Le groupe a joué pendant dix ans avant de se séparer en 1970.

Les Rolling Stones ont été formés à Londres en 1962, deux ans seulement après les Beatles. Près de six décennies plus tard, les Rolling Stones continuent de se produire et de sortir de nouveaux morceaux. En fait, le 11 septembre 2020, les Rolling Stones ont atteint la première place du classement britannique des albums avec leur album Goats Head Soup, réédité en 1974, ce qui fait d’eux le premier groupe à figurer en tête des classements sur six décennies différentes.

Mick Jagger et Keith Richards ont réussi à mettre en commun leurs talents créatifs pour faire quelque chose que Lennon et McCartney n’avaient pas pu faire.

Charts UK

Notre prochaine mesure du succès est le succès des groupes dans les charts britanniques. C’est l’un des meilleurs moyens de mesurer à quel point le public britannique a apprécié la musique produite par ces groupes.

Les Beatles ont accumulé un nombre impressionnant de 17 numéros un au Royaume-Uni, et leur nom est resté 65 semaines à la première place. Ils ont également eu un total de 28 singles dans le top 10 britannique, ce qui signifie qu’ils ont passé un total de 188 semaines dans le top 10 britannique.

Les Rolling Stones suivent de près avec un total de 8 succès numéro un au Royaume-Uni, leur nom ayant passé 18 semaines à la première place. Ils ont également produit 21 singles classés dans le top 10 britannique, totalisant 108 semaines de présence dans le top 10 britannique.

Cependant, bien que les Rolling Stones aient un palmarès fantastique en matière de succès dans les charts britanniques, ils sont battus par les Beatles. Les Beatles n’ont pourtant été actifs qu’un sixième de la durée de vie des Rolling Stones.

Nombre d’albums vendus

Examinons maintenant la popularité dont chaque groupe a joui dans le monde en regardant le total de leurs ventes d’albums dans le monde. Après tout, les vrais fans investissent dans la musique de leur groupe préféré en achetant leurs albums.

On estime que les Rolling Stones ont vendu plus de 240 millions d’albums au cours de leurs six décennies de carrière.

Les Beatles ont vendu plus de 600 millions d’albums, ce qui en fait le groupe le plus vendu de tous les temps. Ce total impressionnant place les Beatles au même niveau qu’Elvis Presley, une autre légende incontestée de la musique. Bien qu’ils n’aient été actifs qu’un sixième du temps des Rolling Stones, les Beatles ont vendu plus de 2,5 fois plus d’albums depuis les années 1960 – un exploit impressionnant.

Beatles vs Rolling Stones : la rivalité

Chanteur

Les deux groupes ont des chanteurs emblématiques qui ont non seulement défini leur son mais aussi leur image. John Lennon et Paul McCartney de The Beatles ont apporté une dualité vocale unique et complémentaire. Lennon’s voix était souvent rauque et émotionnelle, tandis que McCartney offrait une gamme vocale plus douce et mélodieuse.

Du côté des Rolling Stones, Mick Jagger est reconnu pour son énergie scénique incomparable et sa voix distinctive. Sa présence charismatique a captivé des millions de fans à travers le monde. Contrairement à Lennon et McCartney, Jagger a été le chanteur principal tout au long de la carrière du groupe, offrant une constance vocale remarquable.

Verdict : Avantage Mick Jagger

Beatles vs Rolling Stones : Guitariste

Les Beatles ont été marqués par les talents de George Harrison, dont le jeu de guitare est souvent considéré comme innovant et influent. Harrison a introduit des éléments de musique indienne dans le rock, élargissant ainsi les horizons sonores du groupe.

Keith Richards des Rolling Stones, quant à lui, est un guitariste légendaire connu pour ses riffs puissants et son style de jeu distinctif. Ses contributions à des morceaux comme « Satisfaction » et « Jumpin’ Jack Flash » sont devenues des références du rock. Si Harrison restera un guitriste hors-pair, Keith Richards restera à jamais comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps et aura marqué l’histoire de son intrusment.

Verdict : Avantage Keith Richards

Bassiste

Paul McCartney, en plus de ses talents de chanteur, est également un bassiste exceptionnel. Son approche mélodique de la basse a ajouté une profondeur supplémentaire aux chansons des Beatles, transformant souvent des lignes de basse simples en éléments mémorables de leurs compositions.

Bill Wyman, le bassiste des Rolling Stones, a apporté un groove solide et cohérent qui a soutenu les riffs de Richards. Bien qu’il soit souvent moins mis en avant, son rôle était crucial pour maintenir la cohésion rythmique du groupe.

Verdict : Avantage Paul McCartney

Batteur

On termine notre comparaison Beatles vs Rolling Stones musicien par musicien avec certainement la « rivalité » la plus délicate à analyser.

Ringo Starr, avec son style de batterie simple mais efficace, a été une force stabilisatrice pour les Beatles. Sa capacité à jouer de manière inventive sans être envahissante a permis aux autres membres de briller.

Charlie Watts, le batteur des Rolling Stones, est souvent salué pour son timing impeccable et son approche jazz de la batterie rock. Son jeu subtil mais puissant a été la colonne vertébrale du groupe pendant des décennies.

Verdict : Egalité

The Beatles vs The Rolling Stones : la longévité

Les Beatles ont dominé la scène musicale pendant une période relativement courte, de 1960 à 1970. Cependant, leur impact a été immense et continue d’influencer les musiciens du monde entier. La dissolution du groupe n’a fait qu’amplifier leur légende, laissant une discographie sans faille.

Les Rolling Stones, en revanche, ont prouvé leur endurance en restant actifs depuis leur formation en 1962 jusqu’à aujourd’hui. Leur capacité à se réinventer et à rester pertinents à travers les décennies est impressionnante. Cette longévité leur a permis de toucher plusieurs générations de fans.

Les drogues

Les Beatles et les Rolling Stones ont tous deux été associés à l’usage de drogues, bien que leurs expériences et impacts aient été différents. Les Beatles, particulièrement pendant leur période psychédélique, ont exploré les effets des drogues comme le LSD sur leur musique. Des albums comme « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » et « Magical Mystery Tour » en témoignent.

Les Rolling Stones, de leur côté, ont eu une relation plus tumultueuse avec les drogues. Des membres comme Keith Richards ont connu des batailles publiques contre la dépendance, ce qui a parfois affecté la dynamique du groupe et leur production musicale. Cependant, cette lutte a également ajouté une couche de mystique et de rébellion à leur image.

Scandales

L’histoire des Beatles et des Rolling Stones est jalonnée de scandales qui ont parfois éclipsé leur musique.

Pour les Beatles, l’un des scandales les plus notoires a été la déclaration de John Lennon en 1966 selon laquelle les Beatles étaient « plus populaires que Jésus ». Cette remarque a provoqué une indignation massive, en particulier aux États-Unis, où des manifestations anti-Beatles ont eu lieu et des disques ont été brûlés. La controverse a mis en lumière l’influence culturelle immense du groupe, mais a également montré les dangers de leur célébrité.

Les Rolling Stones ont eu leur lot de scandales également. En 1967, Mick Jagger et Keith Richards ont été arrêtés pour possession de drogues après une descente de police lors d’une fête. Cet événement a solidifié leur image de rebelles et a marqué le début de nombreuses autres confrontations avec la loi. De plus, leur concert gratuit à Altamont en 1969, censé être une version occidentale de Woodstock, a tourné au désastre avec la mort de plusieurs personnes, dont un spectateur poignardé par les Hells Angels, embauchés comme sécurité.

Ces scandales, bien que dommageables à court terme, ont souvent renforcé la mythologie entourant ces deux groupes, ajoutant une dimension de drame et de controverse à leur héritage musical.

The Beatles vs The Rolling Stones : la véritable différence

Les Rolling Stones et les Beatles se sont affrontés amicalement dans les années 1960. Bien que les Stones aient eu plusieurs disques et albums à succès, ils ne pouvaient pas rivaliser avec le groupe de Liverpool. Dans une interview accordée à Rolling Stone, McCartney a déclaré que Keith Richards avait un jour souligné une différence essentielle entre les deux groupes, et McCartney était d’accord.

Keith Richards m’a dit un jour : « Tu connais la différence entre ton groupe et le nôtre, mec ? Vous aviez quatre chanteurs, et nous n’en avions qu’un seul. Et je dois dire que je n’y avais jamais pensé de cette façon », a partagé McCartney. « Mais il a raison. N’importe lequel d’entre nous pouvait tenir le public. Ringo faisait [la reprise par les Beatles de la chanson des Shirelles] ‘Boys’, qui était très appréciée du public. Et c’était génial – même si, quand on y pense, nous sommes en train de faire une chanson, et c’était en fait une chanson pour les filles.

Si les Beatles sont si uniques, c’est parce que leurs quatre membres sont facilement reconnaissables. Si vous demandez à quelqu’un qui sont les quatre membres des Beatles, la plupart des gens pourront répondre à cette question, qu’ils écoutent le groupe ou non. Le grand public peut nommer le leader ou le guitariste principal d’autres groupes, mais il est plus difficile de nommer chaque membre. Par exemple, tout le monde connaît Jagger, Robert Plant de Led Zeppelin ou Freddie Mercury de Queen, mais tout le monde ne connaît pas Charlie Watts, John Paul Jones ou Roger Taylor.

Cela s’explique en partie par le fait que chaque membre a eu l’occasion de briller. Si la plupart des chansons ont été interprétées par Paul McCartney ou John Lennon, Ringo Starr et George Harrison ont tout de même eu l’occasion de s’illustrer. Le groupe étant légendaire, chaque membre a eu une carrière solo réussie, car ils avaient tous une base de fans intégrée, simplement parce qu’ils étaient associés à ce groupe emblématique.

FAQ

Qui est le meilleur chanteur entre Beatles vs Rolling Stones ?

Cela dépend des préférences personnelles. John Lennon et Paul McCartney des Beatles offraient une dualité vocale unique, tandis que Mick Jagger des Rolling Stones est connu pour son énergie et sa présence scénique.

Quelle est la plus grande contribution de George Harrison aux Beatles?

George Harrison a introduit des éléments de musique indienne dans le rock et a composé des chansons emblématiques comme « Here Comes the Sun » et « Something ».

Comment la longévité des Rolling Stones a-t-elle affecté leur carrière?

La longévité des Rolling Stones leur a permis de toucher plusieurs générations de fans et de rester pertinents dans l’industrie musicale pendant plus de cinq décennies.

Quelle a été l’influence des drogues sur la musique des Beatles?

Les drogues, notamment le LSD, ont influencé la période psychédélique des Beatles, aboutissant à des albums novateurs comme « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band ».

Quels sont les riffs les plus célèbres de Keith Richards?

Keith Richards est connu pour des riffs emblématiques comme ceux de « Satisfaction », « Jumpin’ Jack Flash » et « Brown Sugar ».

Pourquoi Ringo Starr est-il souvent sous-estimé comme batteur?

Ringo Starr est sous-estimé car son style de jeu est simple mais efficace, servant toujours la chanson plutôt que de chercher à se mettre en avant.

Conclusion de notre article Beatles vs Rolling Stones

Il est difficile de déterminer de manière absolue lequel des deux groupes est le plus grand. Les Beatles ont eu une influence révolutionnaire et une discographie impeccable en une décennie, tandis que les Rolling Stones ont démontré une longévité et une capacité à rester pertinents incroyables. Les préférences personnelles joueront toujours un rôle majeur dans ce débat sans fin.

Découvrons ensemble la biographie de Syd Barrett. Roger « Syd » Barrett, né le 6 janvier 1946 à Cambridge, Angleterre, est un musicien et artiste britannique, célèbre pour avoir cofondé Pink Floyd. Encouragé dès son jeune âge dans la musique et l’art, il forma Pink Floyd avec Roger Waters et Nick Mason, devenant un pionnier du rock psychédélique.

Sa créativité unique et son charisme sur scène ont marqué les débuts du groupe. Cependant, des problèmes de santé mentale l’ont conduit à quitter le groupe en 1968. Barrett a ensuite enregistré deux albums solo avant de se retirer de la scène musicale. Il est décédé en 2006, laissant un héritage durable dans le monde de la musique.

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Biographie de Syd Barrett : son enfance et sa famille

Roger Keith Barrett est né le 6 janvier 1946 à Cambridge, en Angleterre. Ses parents sont Max (Dr A M Barrett) et Win (née Heeps). Roger est le quatrième de cinq enfants, les autres étant Alan, Don, Ruth et Rosemary. Le jeune Roger a été activement encouragé par ses parents dans ses activités musicales et artistiques – à l’âge de sept ans, il a remporté un concours de piano en duo avec sa sœur Rosemary, et il a remporté des concours de poésie pendant ses études secondaires.

Max est mort lorsque Roger avait 15 ans et son journal intime ne contenait ce jour-là qu’une seule ligne : « Cher papa est mort aujourd’hui » : « Cher papa est mort aujourd’hui ». Cette perte lui a coûté cher. Trois jours plus tard, il écrit à sa petite amie Libby : « Je pourrais écrire un livre sur ses mérites – je le ferai peut-être un jour ».

Enfance et éducation

De 11 à 16 ans, Roger est allé à la Cambridgeshire High School for Boys sur Hills Road, alias « The County ». L’école avait sa propre troupe de scouts, à laquelle Roger participait avec beaucoup d’intérêt. Il était un imitateur naturel et amusait ses amis en imitant des personnes célèbres, dont l’acteur comique Sid James. Son camarade scout Brian Boydell se souvient que c’est à cette occasion qu’il a donné à Roger le surnom de « Sid », à l’âge de douze ans. Trois ou quatre ans plus tard, l’orthographe change après avoir vu un bassiste du Riverside Seven, un groupe de jazz traditionnel, s’appeler Sid Barrett. Brian « Freddy » Foskett, ancien batteur de jazz des Riverside Seven, emmena Roger au YMCA d’Alexandra Street pour écouter le groupe et Roger décida de mettre le « y » dans son surnom pour éviter toute confusion avec le bassiste. À partir de ce moment-là, Sid s’appelle Syd – jusqu’aux années 1970, où il reprend son nom d’origine, Roger. « Syd ne vit plus ici », c’est ainsi qu’il répondait à la porte aux étrangers en visite.

La rencontre avec Roger Waters

Syd connaissait Roger Waters depuis l’école primaire et a rencontré David Gilmour à l’adolescence, de sorte que leurs chemins se sont souvent croisés. Ces trois-là deviendront plus tard les principaux leaders créatifs de Pink Floyd, chacun s’élevant au premier rang à sa propre époque, liés par leurs origines et leur amitié depuis l’époque de Cambridge. Après un passage à la Cambridge School of Art, Syd déménage à Londres pour suivre les cours du Camberwell Art College, et se lie finalement avec Roger Waters, qui suit les cours du Regent Street Polytechnic. David Gilmour est invité à rejoindre le groupe à la fin de l’année 1967.

Biographie de Syd Barrett : La naissance de Pink Floyd

Syd est une figure bohème notable et populaire de la scène de Cambridge, échangeant des accords de guitare avec David Gilmour et appréciant avidement un large éventail d’influences musicales allant du jazz à d’obscurs combos de blues. Lorsqu’il s’installe à Londres, il fait déjà partie de groupes locaux, dont Geoff Mott and the Mottoes, né de collaborations dans la maison familiale des Barrett à partir de 1962. Lors de ses retours à Cambridge, il commence à jouer de la guitare avec The Hollerin’ Blues, qui devient Those Without en 1965. Entre-temps, Roger Waters a formé un groupe appelé Sigma 6 avec des amis de l’université, dont Richard Wright et Nick Mason. Lorsque deux des six membres du groupe quittent le groupe, il reste de la place pour Syd qui rejoint Rado « Bob » Klose. Six chansons ont été enregistrées par cette première version de Pink Floyd, et après 50 ans, elles ont finalement été publiées en novembre 2015. Après quelques changements de personnel et de nom, le groupe s’installe finalement dans la formation Barrett / Mason / Waters / Wright à l’été 1965 sous le nom de Pink Floyd, comme suggéré par Syd. La première mention dans la presse date d’un article de Melody Maker début juillet 1965.

L’origine du nom Pink Floyd

Dans une interview suédoise de septembre 1967, Barrett explique que « le nom Pink Floyd vient de deux chanteurs de blues de Géorgie, aux États-Unis – Pink Anderson et Floyd Council ». Au même moment, mais dans une autre interview, Roger Waters explique que le nom « sonne comme un joli nom pour nous. Ce n’est en fait qu’une marque d’enregistrement. C’est mieux que de s’appeler CCE338, ou quelque chose comme ça ». Les chanteurs de blues auxquels Syd fait référence sont en fait originaires de Caroline du Sud et de Caroline du Nord respectivement, et la combinaison de noms a été trouvée dans les notes linéaires d’un album de compilation de Blind Boy Fuller.

Formation et ascension de Pink Floyd

Les Pink Floyd (alternativement connus sous le nom de The Tea Set) sont encore un groupe à temps partiel, ce qui permet à Syd de s’envoler pour la France en août 1965 avec David Gilmour, pour visiter la maison de Pablo Picasso, dont le fils est étudiant à Cambridge. Ils sont brièvement arrêtés par la police de Saint-Tropez pour avoir fait du busking. Le style musical du groupe est basé sur le blues américain et le R’n’B, mais la naissance d’une scène musicale psychédélique au Royaume-Uni leur permet de développer les idées de Syd basées sur la performance pour en faire quelque chose d’unique. Tout au long de l’année 1966, ils perfectionnent leurs performances en concert, développant souvent les chansons en de longues séquences de jam. Une mention particulière doit être faite de la résidence qu’ils ont eue au All Saints Church Hall dans le cadre d’une série de concerts organisés par la jeune London Free School à l’automne 1966. Ces concerts s’appelaient Sound and Light Workshops et présentaient des projections de diapositives lumineuses et des « films liquides ». C’est là que le groupe commence à se faire connaître.

La célèbre guitare miroir de Syd Barrett a été créée à cette époque en modifiant sa Fender Esquire blanche d’origine avec du plastique adhésif pour lui donner un nouveau corps de couleur argentée, puis en y montant 15 disques réfléchissants. La guitare à disque miroir a probablement été présentée pour la première fois lors du concert du All Saints Church Hall le 14 octobre – une « POP DANCE mettant en vedette le groupe le plus éloigné de Londres ». Julian Palacios brosse ce tableau dans son livre Dark Globe : « Esquissant des cercles d’infini avec ses glissandi, Syd a sorti pour la première fois son Esquire argenté modifié – une révélation psychédélique toute prête. Alors que le jeu de lumière brut frappait les disques et renvoyait la lumière vers le public, Syd utilisait la guitare comme un accessoire visuel pour « faire pleuvoir de l’argent sur les gens », comme un sceptre magique. Le spectacle lumineux a touché les disques d’argent et une étoile est née ».

Biographie de Syd Barrett : Principales étapes

Pink Floyd est rapidement devenu le principal groupe « underground », alimenté par le public et les sympathisants proches de la London Free School. Pink Floyd joue à la soirée de lancement de l’International Times et devient le premier groupe de l’UFO club. Le jour de l’Halloween 1966, le groupe crée Blackhill Enterprises avec les managers Peter Jenner et Andrew King. Le même jour, ils entrent en studio et enregistrent une première version de « Interstellar Overdrive », utilisée comme musique pour le film expérimental San Francisco d’Anthony Stern. Il s’agit d’une composition du groupe, mais la plupart des autres premiers enregistrements sont des chansons de Syd, qui s’est imposé comme l’innovateur créatif du groupe.

Pink Floyd a signé avec EMI Records en 1967 et a sorti les singles « Arnold Layne » et « See Emily Play », tous deux écrits par Syd, au cours du premier semestre de la même année. Ils travaillent bientôt sur leur premier album, The Piper at the Gates of Dawn, dans les studios d’Abbey Road, à côté des Beatles qui enregistrent en même temps leur Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band. À la fin du mois d’avril, Pink Floyd fait la clôture du festival 14 Hour Technicolor Dream à l’Alexandra Palace, et laisse une impression durable sur les spectateurs, alors que le soleil se lève et entre par les fenêtres, jetant des reflets sur la guitare miroir de Syd. À la mi-mai, le groupe est invité à donner un véritable concert devant un public assis au prestigieux Queen Elizabeth Hall sur South Bank à Londres. À cette occasion, ils introduisent de nombreux nouveaux aspects de l’expérience d’un concert, notamment des effets sonores, un système de sonorisation à 360 degrés et des films à l’écran avec lesquels ils jouent en synchronisation – autant de marques de fabrique du futur Pink Floyd.

En juillet, « See Emily Play » est en tête des hit-parades et Pink Floyd participe à trois reprises à l’émission télévisée Top Of The Pops. C’est au moment de la dernière apparition que Syd commence à avoir de sérieux problèmes, probablement à cause des drogues psychédéliques. Roger Waters se souvient : « C’est arrivé très vite avec Syd, je dois dire, juste à l’époque de « See Emily Play ». Vous savez, il est devenu très bizarre très rapidement ». Des lettres d’excuses ont dû être écrites et un certain nombre de concerts importants ont été annulés. Le groupe fait une pause forcée, ce qui fait la une des journaux qui parlent de « flake out ». Cela a coïncidé avec la sortie de leur premier album au début du mois d’août et a jeté une ombre sur ce qui aurait dû être un moment de triomphe. The Piper at the Gates of Dawn, composé en grande partie par Syd, est considéré comme l’un des plus grands albums psychédéliques britanniques.

Syd commence à développer une personnalité plus troublée, comme s’il avait traversé un tournant. Deux projets de singles sont enregistrés mais mis de côté, en raison de leur nature sombre et de leur potentiel non commercial :  » Scream Thy Last Scream (Old Woman With A Casket)  » et  » Vegetable Man « . Bien que joués en concert et à la radio, ils restent à ce jour officiellement inédits. Au lieu de cela, le single plus ensoleillé « Apples and Oranges » est sorti en novembre 1967, mais n’est pas entré dans les hit-parades.

Défis et départ de Pink Floyd

Les premiers Pink Floyd ont travaillé plus dur que la plupart des autres groupes en tournée. Lors de leurs concerts, en raison de la qualité de l’équipement sonore de l’époque et du risque de larsen, les voix étaient difficilement audibles et le groupe s’appuyait fortement sur des morceaux instrumentaux, plutôt bruyants et percutants. Le comportement de Syd devient de plus en plus erratique au cours d’une série de concerts gênants aux États-Unis et lors de la tournée britannique de Jimi Hendrix, au point que le groupe décide d’ajouter un second guitariste. David Gilmour est approché début décembre et ils espèrent faire appel aux capacités de composition de Syd pour le travail en studio, similaire au rôle de Brian Wilson dans les Beach Boys, tandis que Gilmour soutiendrait le groupe lors des concerts. C’est à ce moment que Syd apporte une nouvelle chanson aux répétitions du groupe, pour la changer à chaque prise, avant de ramener le groupe sur le refrain « have you got it yet ? ». Ce fut sa dernière répétition avec Pink Floyd et le 25 janvier 1968, après seulement une poignée de concerts à 5, le groupe décida de ne pas aller chercher Syd sur le chemin de Southampton.

Biographie de Syd Barrett : Carrière solo

Syd et Pink Floyd se séparent officiellement en mars 1968, le management du groupe, Blackhill Enterprises, décidant de rester avec Syd en tant qu’artiste solo. Le nouveau label Harvest d’EMI s’engage sur un projet solo de Barrett, et au cours d’une année, Syd enregistre The Madcap Laughs. Commencé brièvement avec Peter Jenner de Blackhill, l’enregistrement commence sérieusement en avril 1969 avec Malcolm Jones d’EMI, et dans la dernière ligne droite implique David Gilmour et Roger Waters. Gilmour participe à trois sessions et Waters seulement à la dernière, le 26 juillet, qui est un sprint qui génère quatre chansons sans fioritures pour l’envoûtante deuxième face du premier album de Syd, nommée The Madcap Laughs d’après une phrase de la chanson ‘Octopus’ et suggérée par David Gilmour.

Albums et sorties

The Madcap Laughs ne sort qu’en janvier 1970, mais il est bien accueilli et se vend raisonnablement selon les standards de l’époque, si bien qu’EMI décide d’enregistrer immédiatement une suite. Les sessions de l’album Barrett débutent le 26 février 1970, avec David Gilmour comme producteur et à la guitare basse, Richard Wright aux claviers et Jerry Shirley de Humble Pie à la batterie. Les sessions d’avril et de juillet suivent, et l’album sort en novembre 1970, dernier album officiel de Syd Barrett, à l’exception des compilations.

Entre 1968 et 1972, Syd n’entreprend que très peu d’activités musicales en dehors du studio. Le 24 février 1970, il apparaît dans l’émission Top Gear de John Peel sur la BBC en jouant cinq chansons, dont une seule avait déjà été publiée. Trois d’entre elles seront réenregistrées pour l’album Barrett, tandis que la chanson « Two of a Kind » (peut-être écrite par Richard Wright) est unique. David Gilmour et Jerry Shirley ont également soutenu Syd pour son seul et unique concert live durant cette période, le 6 juin 1970. Le trio joue quatre chansons à l’Olympia Exhibition Hall, à Londres, dans le cadre d’un festival de musique et de mode. Syd fait une dernière apparition à la BBC Radio, enregistrant trois chansons de Barrett le 16 février 1971.

Performances et projets

Fin janvier 1972, Syd forme un groupe éphémère appelé Stars avec Twink, ancien membre des Pink Fairies, à la batterie et Jack Monck à la basse. Bien que le groupe soit d’abord bien accueilli, un de leurs concerts au Corn Exchange à Cambridge est désastreux, suivant les hard rockers du MC5 sur scène un jeudi soir tard, le 24 février. Le dernier concert a lieu deux jours plus tard, moins d’un mois après la création du groupe. Syd quitte le groupe quelques jours plus tard après une critique cinglante. L’effondrement de Stars a coïncidé avec la montée en puissance de Dark Side of the Moon, qui avait été joué à Londres quelques jours auparavant et avait reçu des éloges massifs de la part de la presse. Une suite de chansons, conceptualisées à partir des expériences vécues avec Syd, et se terminant véritablement par une éclipse. Syd se réunit une dernière fois avec les membres de Pink Floyd le 5 juin 1975. C’était pendant les sessions d’enregistrement de Wish You Were Here, quand il est apparu à Abbey Road sans prévenir et dans un cas étrange de « précision aléatoire » alors que le groupe travaillait sur « Shine On You Crazy Diamond », leur chanson d’hommage à lui.

En août 1974, Peter Jenner convainc Syd de retourner aux studios d’Abbey Road dans l’espoir d’enregistrer un nouvel album, mais les sessions ne débouchent pas sur grand-chose. Syd se retire de l’industrie musicale et choisit finalement Cambridge et une vie de peintre, créant de grandes toiles abstraites et de nombreuses autres formes de peintures.

En 1988, EMI Records sort un album de prises de studio de Syd et d’inédits enregistrés entre 1968 et 1970 sous le titre d’Opel, un morceau très apprécié omis de The Madcap Laughs. Crazy Diamond, sorti en 1993, est un coffret regroupant les trois albums, chacun contenant d’autres prises de ses sessions en solo. The Best Of Syd Barrett : Wouldn’t You Miss Me ? a été publié par EMI en 2001.

Ses dernières années et son héritage

Roger « Syd » Barrett est décédé d’un cancer du pancréas le 7 juillet 2006 à l’hôpital Addenbrooke de Cambridge, mais son héritage se perpétue par la reconnaissance de son influence croissante sur de nombreux musiciens. Un concert hommage a été organisé au Barbican Theatre de Londres en 2007, sous la direction de Nick Laird-Clowes et Joe Boyd. David Gilmour, Richard Wright et Nick Mason ont interprété Arnold Layne. D’autres musiciens ont rendu hommage à Arnold Layne, notamment Roger Waters, Damon Albarn, Kevin Ayers, Captain Sensible, Mike Heron, Robyn Hitchcock, Chrissie Hynde, John Paul Jones, Kate McGarrigle et Martha Wainwright.

En 2010, EMI Records a publié An Introduction To Syd Barrett, une nouvelle collection qui rassemble pour la première fois sur un même album des morceaux de Pink Floyd et de l’œuvre solo de Syd, y compris quelques remixes inédits. David Gilmour, producteur exécutif de l’album, a supervisé les remixes et les améliorations de cinq titres, dont « Octopus », « She Took A Long Cool Look », « Dominoes » et « Here I Go ». Le titre « Matilda Mother » de Pink Floyd a également été remixé en 2010 et les paroles originales ont été restaurées. L’illustration a été fournie par Storm Thorgerson, associé de longue date de Pink Floyd et ami de Syd, et son studio Hipgnosis.

Biographie de Syd Barrett : Reconnaissance posthume

En mars 2011, un nouveau livre intitulé Barrett, The Definitive Visual Companion, a été publié par Essential Works. Les auteurs Russell Beecher et Will Shutes se sont appuyés sur leurs recherches approfondies pour présenter l’œuvre et la vie de Syd, aboutissant à une étude complète de l’artiste. Le livre contient la plus grande collection d’images liées à Syd Barrett jamais réunie, avec des centaines de photographies inédites et rares de Syd et de Pink Floyd, des lettres d’amour personnelles de Syd et toutes les œuvres d’art originales restantes de Syd.

L’héritage continue de vivre. De plus en plus de gens découvrent la musique, l’art et la vie uniques de Syd Barrett, qui fascinent et trouvent un écho chez tant de gens. En fin de compte, Syd Barrett était bien plus qu’un artiste défini par ses œuvres. C’est l’histoire de sa vie aux multiples facettes qui, pour beaucoup, permet d’apprécier son art.

Place maintenant à la biographie de Bon Scott. Le 19 février 1980, Bon Scott meurt à Londres après une nuit de fête. La cause officielle est une intoxication alcoolique aiguë, mais certains pensent qu’il y a plus que cela.

Lors d’une nuit fatidique de 1980, Bon Scott, le leader du groupe de rock australien AC/DC, est monté sur la banquette arrière d’une voiture garée à Londres. Scott a toujours été un grand buveur, même pour une rockstar. Et ce soir-là, il s’était laissé aller à ses habitudes dans un club local.

Un peu plus mal en point, Scott s’est rapidement évanoui après que ses amis l’aient laissé dormir dans la voiture. Lorsqu’ils sont revenus le lendemain matin, Scott était mort. Depuis lors, des questions persistent sur ce qui s’est exactement passé cette nuit-là, remettant en cause l’héritage de l’un des groupes de rock les plus appréciés.

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Qui était Bon Scott et comment est-il mort ?

Les débuts de Bon Scott

Michael Ochs Archives/Getty Images

Bon Scott est né Ronald Belford Scott à Kirriemuir, en Écosse, le 9 juillet 1946. À l’âge de six ans, sa famille décide de déménager à Melbourne, en Australie.

Le petit nouveau à l’accent écossais prononcé n’est pas très populaire.

« Mes nouveaux camarades de classe ont menacé de me mettre la pâtée quand ils ont entendu mon accent écossais », s’est souvenu Scott plus tard. « J’avais une semaine pour apprendre à parler comme eux si je voulais rester intact… Cela m’a rendu d’autant plus déterminé à parler à ma façon. C’est ainsi que j’ai obtenu mon nom, vous savez. Le Bonny Scot, vous voyez ?

Cette détermination à ne pas vivre comme les autres voulaient qu’il le fasse a souvent valu à Scott des ennuis dans sa jeunesse. Il abandonne l’école alors qu’il n’a que 15 ans et il est arrêté pour avoir volé de l’essence.

Peu après, il a été rejeté par l’armée australienne et a passé plusieurs années à faire des petits boulots. Mais Bon Scott a toujours eu une voix puissante et en 1966, il a monté son premier groupe, les Spektors. Au cours de ces premières années, Bon Scott a connu un petit succès en faisant des tournées avec différents groupes.

Comment Bon Scott a transformé AC/DC

Dick Barnatt/Redferns

Bon Scott a rejoint AC/DC en tant que leader après l’échec du chanteur Dave Evans. C’est grâce au passé mouvementé de Scott et à son attitude rebelle que le groupe s’est imposé comme un groupe de rock rauque et brutal.

Scott, qui avait été rejeté de l’armée australienne parce qu’il était « socialement inadapté », a apporté cette perspective à AC/DC. Et c’est resté. Mais le stress des tournées et des concerts constants commence bientôt à user Scott. Sujet à l’alcoolisme, il boit beaucoup pendant cette période.

Entre-temps, l’album Highway to Hell de son groupe est entré dans le Top 100 américain, faisant d’AC/DC un groupe majeur presque du jour au lendemain.

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Pour la première fois, Scott sait ce que c’est que d’avoir de l’argent en poche. Mais le succès a également mis à rude épreuve ses relations avec les autres membres du groupe.

Les paroles de Scott ont toujours été un élément important de l’alchimie du groupe, mais il s’est retrouvé en conflit avec Malcolm et Angus Young à propos du crédit qu’on lui accordait pour tout son travail.

Après des années de tournée avec le groupe, Scott en a assez. Bien qu’il soit sur le point de connaître le succès, il envisage de quitter le groupe pour de bon afin de maîtriser sa consommation d’alcool. Mais il n’en aura jamais l’occasion.

Biographie de Bon Scott – Les mystères entourant sa mort

On se souvient de Bon Scott pour avoir contribué à faire d’AC/DC une star, et pour avoir véritablement « vécu les paroles de ses chansons ».

Bon Scott était à Londres en février 1980 pour travailler sur l’album Back in Black. Comme d’habitude, cela signifiait plusieurs nuits de fêtes endiablées.

Dans la nuit du 18 février 1980, Bon Scott a rencontré quelques amis au club Music Machine à Londres. Il y boit beaucoup avant de monter dans une voiture garée appartenant à son ami Alistair Kinnear. Ses amis ont pensé qu’il avait juste besoin de dormir et de se dégriser.

Mais le matin du 19 février 1980, Bon Scott était toujours dans la voiture. Ses amis l’ont trouvé sans réaction et recroquevillé sur la banquette arrière, le véhicule étant couvert de vomissures. Bon Scott est rapidement transporté à l’hôpital, mais il est déclaré mort à son arrivée. Il n’avait que 33 ans. On a supposé par la suite que le vomi avait pénétré dans les poumons de Bon Scott, l’étouffant ainsi.

Bon Scott n’aurait pas été la première rockstar à mourir de cette façon. En effet, Jimi Hendrix était mort étouffé par son propre vomi 10 ans plus tôt. Scott n’aurait pas non plus été la dernière rockstar à connaître ce sort. John Bonham de Led Zeppelin est mort de la même manière quelques mois après Scott. En fin de compte, la cause du décès de Bon Scott a été déterminée comme étant une « intoxication alcoolique aiguë ».

Mais l’idée qu’un fêtard chevronné puisse mourir après quelques verres paraissait improbable à beaucoup. Comme l’a écrit le biographe Jesse Fink dans un compte rendu ultérieur de la mort de Bon Scott, « c’était un buveur prodigieux. L’idée que sept doubles whiskeys puissent le mettre à terre semble étrange ».

Combiné à la confusion des premiers rapports sur la mort, ce fait a donné lieu à plusieurs théories de la conspiration. Certains ont même suggéré qu’il aurait été assassiné par quelqu’un qui aurait détourné les gaz d’échappement de la voiture, peut-être parce que les autres membres du groupe voulaient se débarrasser de lui.

Cette théorie de l’acte criminel est peu probable. En revanche, il est possible que la drogue ait joué un rôle dans sa mort. Scott était connu pour sa consommation d’héroïne, et de nombreuses personnes avec lesquelles il se trouvait lors de cette dernière nuit étaient apparemment liées aux drogues dures.

« Quand il est arrivé à Londres, la mode était de sniffer de l’héroïne… et c’était de l’héroïne brune et très forte. Tous les personnages liés à Bon au cours des dernières 24 heures de sa vie auraient été associés à l’héroïne. L’héroïne est un thème récurrent dans sa mort », écrit Fink.

Scott aurait déjà fait deux overdoses d’héroïne au moment de sa mort. Combinée à l’alcool, une troisième overdose aurait pu le tuer.

Les controverses autour de Back In Black

(De gauche à droite) Malcolm Young, Bon Scott, Cliff Williams, Angus Young et Phil Rudd.

Quelle que soit la cause mystérieuse de la mort de Bon Scott, ses coéquipiers, le cœur brisé, ont dû choisir entre quitter AC/DC ou trouver un autre homme pour le remplacer. C’est finalement cette dernière option qu’ils ont choisie.

Bon Scott a été remplacé par l’auteur-compositeur-interprète anglais Brian Johnson et AC/DC a continué à connaître le succès, notamment avec la sortie de l’album Back in Black, qui a été lancé cinq mois seulement après la mort de Bon Scott.

Back in Black

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Certains pensent que Scott a écrit une grande partie de ce qui figure sur l’album. Une de ses ex-petites amies affirme avoir vu son journal intime avec les paroles du célèbre tube « You Shook Me All Night Long » avant sa mort.

Certains ont estimé qu’il méritait d’être crédité à titre posthume pour l’album, plutôt que son remplaçant Brian Johnson. Après tout, Scott avait contribué à lancer le groupe dans la célébrité et avait joué un rôle essentiel dans les premiers succès du groupe.

Le corps de Scott a été rapatrié en Australie, où sa tombe est devenue un sanctuaire pour ceux qui apprécient le lyrisme unique qu’il a apporté au groupe.

Vince Lovegrove, membre d’un des premiers groupes avec lesquels Scott a joué, a déclaré : « Ce que j’aimais le plus chez Bon Scott, c’était sa personnalité presque unique. Ce que vous voyiez était ce que vous obteniez, c’était une personne réelle et aussi honnête que le jour est long. À mes yeux, il était le poète de rue de ma génération et des générations suivantes. »

David Bowie, une figure emblématique de la musique rock, a marqué des générations avec son talent et sa capacité à se réinventer constamment. Dans cet article, nous explorerons les 10 meilleurs albums de David Bowie, qui reflètent son incroyable carrière et son influence durable sur la musique.

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Les meilleures chansons rock des années 70

Les débuts de Bowie

David Bowie a fait ses débuts dans les années 1960, mais c’est dans les années 1970 qu’il a véritablement trouvé son public. Les 10 meilleurs albums de David Bowie comprennent des œuvres de cette période où il a commencé à expérimenter avec des sons et des styles différents. Ses premiers albums, comme David Bowie (1967), montrent un artiste en pleine évolution, cherchant à définir son identité musicale.

les meilleurs albums de David Bowie : Les albums glam rock

Le mouvement glam rock des années 1970 a vu Bowie adopter une esthétique flamboyante et théâtrale. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) est sans doute l’un des albums les plus emblématiques de cette période. Cet album, qui figure parmi les 10 meilleurs albums de David Bowie, raconte l’histoire d’un extraterrestre devenu rock star, et a cimenté la place de Bowie dans l’histoire de la musique.

Les périodes de changement

David Bowie était connu pour sa capacité à se réinventer. Chaque album apportait une nouvelle direction artistique. Dans les années 1980, avec des albums comme Scary Monsters (And Super Creeps) (1980), il a exploré des thèmes plus sombres et complexes, tout en intégrant des influences de la new wave et du post-punk. Ces œuvres montrent un Bowie en constante évolution, toujours à la recherche de nouveaux moyens d’exprimer sa créativité.

Les succès commerciaux parmi les meilleurs albums de David Bowie

Certains des 10 meilleurs albums de David Bowie sont également ses plus grands succès commerciaux. Let’s Dance (1983) a marqué une période où Bowie a atteint une immense popularité mainstream. Avec des hits comme « China Girl » et « Modern Love », cet album a démontré la capacité de Bowie à créer des morceaux accrocheurs tout en conservant une profondeur artistique.

Les collaborations

Bowie a souvent collaboré avec d’autres artistes pour enrichir son son. Young Americans (1975) est un exemple notable, avec des contributions de John Lennon sur la chanson « Fame ». Ces collaborations ont souvent produit certains des moments les plus mémorables de sa discographie, et ajoutent une dimension supplémentaire à les 10 meilleurs albums de David Bowie.

Les albums conceptuels

David Bowie a toujours été un conteur d’histoires, et cela se reflète dans ses albums conceptuels. Diamond Dogs (1974), inspiré par le roman 1984 de George Orwell, est un album dystopique qui montre la capacité de Bowie à créer des mondes complets à travers sa musique. Ces albums sont essentiels pour comprendre l’ampleur de son talent narratif.

Les influences musicales

Bowie n’a jamais hésité à puiser dans diverses influences musicales pour enrichir son propre son. Low (1977), l’un des albums de la « trilogie berlinoise », montre une forte influence de la musique électronique et du krautrock. Ces explorations ont permis à Bowie de rester à l’avant-garde de la musique contemporaine, et expliquent pourquoi ces œuvres sont parmi les 10 meilleurs albums de David Bowie.

Les rééditions

Les albums de Bowie ont souvent été réédités, parfois avec des pistes bonus et des remasters de haute qualité. Ces rééditions permettent de redécouvrir la richesse de son catalogue et de comprendre pourquoi il reste une figure incontournable de la musique. Les rééditions de classiques comme Hunky Dory (1971) et Station to Station (1976) montrent la longévité et l’importance continue de ses œuvres.

Les concerts et tournées

Les performances live de Bowie étaient légendaires, et ses tournées ont souvent été le reflet de ses transformations artistiques. Les albums live comme David Live (1974) et Stage (1978) capturent l’énergie et l’innovation de ses spectacles. Ces enregistrements sont essentiels pour comprendre l’impact de Bowie en tant que performeur, et sont des compléments précieux à les 10 meilleurs albums de David Bowie.

L’héritage de Bowie

L’héritage de David Bowie est immense. Ses albums ont influencé d’innombrables artistes et continuent d’être redécouverts par de nouvelles générations. Les récentes rééditions et compilations, ainsi que les hommages rendus par des artistes contemporains, montrent l’impact durable de sa musique. Les 10 meilleurs albums de David Bowie ne sont pas seulement des œuvres majeures de sa carrière, mais aussi des pierres angulaires de la musique moderne.

Notre top 10 des meilleurs albums de David Bowie

Pour conclure cet article, voici une liste détaillée des 10 meilleurs albums de David Bowie, chacun ayant laissé une empreinte indélébile sur la musique et la culture.

1. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

Cet album conceptuel est sans doute le plus emblématique de Bowie. Il raconte l’histoire de Ziggy Stardust, une rock star extraterrestre. Avec des titres comme « Starman » et « Suffragette City », cet album a consolidé Bowie en tant qu’icône du glam rock et figure en tête de les 10 meilleurs albums de David Bowie.

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2. Hunky Dory (1971) – l’un des meilleurs albums de David Bowie

Hunky Dory est souvent considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Bowie. Il comprend des classiques comme « Changes » et « Life on Mars? », qui montrent son talent pour écrire des chansons intemporelles. Cet album représente une étape cruciale dans la carrière de Bowie, juste avant sa transformation en Ziggy Stardust.

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3. Low (1977)

Premier volet de la trilogie berlinoise, Low est un album expérimental qui intègre des éléments de musique électronique et de krautrock. Des morceaux comme « Sound and Vision » et « Warszawa » illustrent la capacité de Bowie à innover constamment. Low est essentiel parmi les 10 meilleurs albums de David Bowie pour comprendre son évolution musicale.

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4. Heroes (1977)

Deuxième album de la trilogie berlinoise, Heroes est surtout connu pour sa chanson titre, qui est devenue l’un des hymnes les plus durables de Bowie. Cet album continue d’explorer des sons électroniques et ambiants, consolidant l’influence de Bowie sur la musique moderne.

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5. Station to Station (1976) – l’un des meilleurs albums de David Bowie

Station to Station marque la transition de Bowie vers un son plus sophistiqué, incorporant des éléments de soul et de funk. La chanson titre, longue de plus de dix minutes, montre la complexité et la profondeur de son travail. Cet album figure parmi les 10 meilleurs albums de David Bowie grâce à sa créativité et son audace.

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6. Let’s Dance (1983)

Avec Let’s Dance, Bowie a atteint un succès commercial massif. Des hits comme « China Girl » et « Modern Love » ont fait de cet album un incontournable des années 1980. Sa collaboration avec le producteur Nile Rodgers a donné naissance à des morceaux dansants et accrocheurs qui ont défini une époque.

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7. Scary Monsters (And Super Creeps) (1980)

Scary Monsters est souvent considéré comme l’un des albums les plus complets de Bowie. Il mélange des éléments de new wave avec le son unique de Bowie. « Ashes to Ashes » et « Fashion » sont des titres phares qui montrent la capacité de Bowie à se renouveler tout en restant fidèle à son style.

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8. Young Americans (1975)

Young Americans marque la période « plastic soul » de Bowie. La chanson « Fame », co-écrite avec John Lennon, et « Young Americans » sont des exemples de la manière dont Bowie a intégré des influences soul et funk dans sa musique. Cet album est un autre incontournable parmi les 10 meilleurs albums de David Bowie.

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9. Aladdin Sane (1973) – l’un des meilleurs albums de David Bowie

Aladdin Sane, souvent décrit comme la suite de Ziggy Stardust, est un album qui continue d’explorer les thèmes du glam rock avec une touche plus sombre. « The Jean Genie » et « Drive-In Saturday » sont des morceaux clés de cet album qui montrent l’énergie et l’originalité de Bowie.

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10. Blackstar (2016)

Blackstar est le dernier album de Bowie, sorti peu avant sa mort. Cet album a été acclamé pour sa profondeur émotionnelle et son expérimentation musicale. Des titres comme « Lazarus » montrent un artiste en pleine réflexion sur sa propre mortalité, faisant de Blackstar une conclusion poignante à une carrière légendaire.

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Ces albums représentent le meilleur de ce que David Bowie a offert au monde de la musique. Chacun de ces titres montre une facette différente de son génie artistique, confirmant pourquoi les 10 meilleurs albums de David Bowie continuent d’inspirer et de fasciner les fans du monde entier.

Découvrez notre liste des plus grandes chansons rock des années 80. Dans les années 1980, le rock était à son apogée, ce qui en a fait une décennie épique pour la musique. Il y a eu tellement de grandes chansons qui sont sorties au cours de cette décennie qu’il est difficile de réduire la liste à seulement 41. Cela fait de nombreuses années que la scène musicale des années 80 est passée de quelques groupes célèbres à l’un des genres les plus populaires en Amérique.

Cette liste de lecture vous ramènera dans votre jeunesse avec ces airs incroyables. Mettez de bons écouteurs, éteignez votre téléphone et profitez-en !

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Les meilleures chansons rock des années 90

Notre top 20 des meilleures chansons rock des années 80

20 – Start Me Up – Rolling Stones

Le groupe culte aura traversé les décennies et même si les années 80 ne resteront pas comme leur plus grande décennie, il est quand mêm à noter que le groupe aura sortie de magnifiques chansons. « Start Me Up » est l’une d’entre elles.

La chanson n’est pas très précise sur ce dont elle parle, mais beaucoup pensent qu’elle parle d’une prostituée. C’est l’une des chansons les plus populaires de ces derniers temps et elle est excellente à écouter. Ils ont modifié la chanson pour l’adapter au nouvel album après l’avoir mise de côté. La chanson devait être un reggae, mais plus tard, elle est devenue un rock.

19 – The Final Countdown – Europe

Cette chanson a été écrite par le bassiste du groupe, John Norum, et a un son des années 80. Elle est sortie en 1986 et est restée numéro un du Billboard Hot 100 américain pendant quatre semaines consécutives, un record que le groupe détient encore aujourd’hui.

La chanson est devenue un tube dans plusieurs pays du monde et a fait d’Europe l’un des plus grands groupes de rock de l’époque.

18 – Eye Of The Tiger – Survivor – l’une des meilleures chansons rock des années 80

Place maintenant à une chanson emblématique des années 80. La chanson était le thème du film à succès Rocky III, et elle a connu un succès immédiat auprès des fans du monde entier. Elle a été jouée lors de divers événements sportifs, notamment des matchs de la WWE, de la NFL et même des Jeux olympiques.

La chanson a un rythme très entraînant et fait partie de celles qui ne vous quittent pas d’une semelle. Elle est considérée comme l’une des chansons les plus populaires du groupe et a été publiée en 1980.

17 – Don’t You (Forget About Me) – Simple Minds

La chanson est apparue dans le film The Breakfast Club et est sortie en single en 1985. Elle est restée numéro un au UK Singles Chart pendant trois semaines consécutives et est la chanson de Simple Minds la plus vendue à ce jour. Le clip vidéo montrait le protagoniste du Breakfast Club, un prisonnier dans une école qui subissait les brimades de ses camarades.

16 – I Love Rock N Roll – Joan Jett & Blackhearts

La chanson a d’abord été enregistrée par le groupe britannique Arrows en 1975, mais n’a pas connu de succès. Jett a été inspirée et a fait son interprétation de la chanson en 1981, et cette fois, le succès a été immédiat.

Elle a été jouée dans plusieurs films au fil des ans et est l’une des chansons les plus populaires de Jett à ce jour.

15 – With Or Without You – U2

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons rock des années 80 avec « With or Without You » de U2. Cette chanson parle d’une relation torturée dont Bono a du mal à s’échapper. Il décrit les sentiments du protagoniste en détail, et c’est très compréhensible.

The Edge a réalisé un excellent travail à la guitare en utilisant un dispositif de distorsion appelé Infinite Guitar. Ce dispositif produit le son plaintif que l’on peut entendre dans la chanson.

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14 – Every Breath You Take – The Police

Police reste comme l’un des groupes de rock majeurs des années 80. La chanson « Every Breath You Take » parle d’un harceleur obsessionnel qui est prêt à tout pour récupérer l’amour de sa vie.

Elle a atteint la première place du Billboard Hot 100 et y est restée pendant huit semaines consécutives. C’est le single le plus vendu en 1983 et l’un des plus grands succès de The Police à ce jour.

13 – I Wanna Know What Love Is – Foreigner

Ce titre emblématique évoque le désir profond de se rapprocher de quelqu’un et de tomber amoureux. Vous êtes-vous déjà senti seul et avez-vous craint que l’amour n’existe pas ?

Ce morceau peut certainement résonner avec beaucoup d’entre nous qui veulent juste ressentir cette connexion profondément, et c’est pourquoi c’est l’une des meilleures chansons de rock des années 80 !

12 – Back In Black – AC/DC

Un classement des plus grandes chansons rock des années 80 a forcément une chanson d’AC/DC dans sa liste. La chanson est sortie cinq mois après la mort du chanteur Bon Scott. C’est le premier album sur lequel apparaît le nouveau chanteur Brian Johnson.

Elle a reçu un accueil positif de la part des fans du monde entier. Le thème de la chanson est sombre puisqu’elle parle de la mort de Scott. C’est un hommage à lui et à son héritage en tant qu’artiste. La chanson contient d’excellents solos de batterie et est l’une des meilleures chansons d’AC/DC.

11 – Born In The USA – Bruce Springsteen

Difficile de ne pas placer « Born In The USA » de Bruce Springsteen dans notre top 20 Des meilleures chansons rock des années 80.

Cette chanson est sortie en 1984 et a connu un succès immédiat auprès des fans du monde entier. C’est la première chanson d’un rocker américain à atteindre la première place des US Mainstream Charts et des Rock Charts en même temps. Les paroles parlent de la mauvaise passe que traversait l’Amérique à l’époque. La chanson est patriotique et nationaliste, ce qui en fait une combinaison passionnante.

Place à notre top 10 des plus grandes chansons rock des années 80

10 – Rock The Night – Europe

Il s’agit du deuxième single publié par le groupe. Il a connu un succès retentissant et a atteint le no. 36 dans les charts américains, ce qui en fait l’une des meilleures chansons d’Europe. Europe est un groupe de rock suédois formé à Stockholm en 1979.

Le début de la chanson est épique avec le riff de guitare. Le groupe a vendu plus de 25 millions d’exemplaires de la chanson dans le monde, et c’est l’un de ses plus grands succès à ce jour.

9 – Don’t Stop Believin’ – Journey

La chanson est structurée différemment, le refrain n’apparaissant qu’à la fin et dans le titre. Il s’agit de la chanson la plus célèbre de Journey. L’instrumentation est captivante et ne manquera pas de retenir votre attention.

L’objectif principal de la musique était de créer un lien entre le groupe et ses fans ; ils ont atteint cet objectif. C’est une chanson que vous n’oublierez pas facilement.

8 – Money For Nothing – Dire Straits – l’une des meilleures chansons rock des années 80

La chanson parle d’une conversation réelle entre des livreurs qui se plaignaient de leur travail. Mark a écrit les paroles de la chanson. La vidéo de Money For Nothing a une histoire très intéressante derrière elle.

Le mot censuré dans la musique n’a pas besoin d’être trouvé par un génie. Les rythmes et les mélodies de cette chanson sont tous alignés, ce qui en fait l’un des plus grands succès.

7 – Welcome To The Jungle – Guns N’ Roses

L’album Appetite For Desctruction des Guns N’ Roses aura fait l’effet d’une bombe lors de sa sortie et aura marqué à jamais le son rock des années 80. La chanson parle du côté sombre de la route vers la célébrité.

C’est un hymne hard rock et vous sentirez l’adrénaline monter pendant que le groupe hurle à pleins poumons, ce qui est normal à Los Angeles, surtout si vous ne connaissez pas les lieux. Les guitares flamboyantes vous feront balancer la tête violemment d’un côté à l’autre.

6 – Rock You Like A Hurricane – Scorpions

On remontre notre ilste des plus grandes chansons rock des années 80 avec « Rock You Like A Hurricane » de Scorpions. La chanson figure sur l’album Love at First Sting, sorti en 1984. Elle parle d’attitude et de sexualité et constitue un grand hymne rock. Le bassiste Francis Bucholz l’a écrite et elle est devenue l’une des chansons les plus populaires parmi les fans.

Les accords ressemblent à ceux de leur autre chanson, No One Like You, mais la séquence est différente. La chanson a été diffusée dans plusieurs émissions de télévision, et c’est un morceau qui restera gravé dans votre esprit pendant un certain temps.

5 – When Doves Cry – Prince

S’il y a bien un artiste qui restera à jamais identifié comme icone rock des années 80, c’est bien Prince. La particularité de cette chanson est qu’elle n’a pas de basse. Prince écrivait la musique de son film et jouait de tous les instruments.

La chanson est restée en tête des hit-parades pendant cinq semaines. Les percussions uniques que Prince a utilisées dans cette chanson vous feront danser.

4 – Another One Bites The Dust – Queen

Les quatre membres du groupe ont participé à l’écriture de la chanson. Deacon s’est occupé de la plupart des instruments, et contrairement à leurs autres chansons, il n’y a pas de synthétiseurs sur celle-ci.

Les rythmes sont répétitifs tout au long de la chanson, en particulier les battements de mains. Le son croissant et décroissant ne manquera pas de capter votre attention. C’est l’une des meilleures chansons de rock classique jamais publiées.

Et le podium est…

3 – Livin’ On A Prayer – Bon Jovi

Beaucoup de gens peuvent s’identifier à cette chanson car il y a un moment où tout ce que l’on peut faire est de prier. C’est une chanson belle et étrange, car le rock et la prière ne semblent pas faire bon ménage, mais Bon Jovi nous prouve le contraire.

Si vous vous retrouvez à essayer d’imiter la guitare talk box au début de la chanson, sachez que vous n’êtes pas seul. La musique est excellente à écouter et c’est l’une des meilleures chansons de rock des années 80.

2 – Jump – Van Halen – l’une des meilleures chansons rock des années 80

La chanson a été un succès et a atteint la première place du Billboard pendant huit semaines. Le solo de la chanson est indéniablement l’un des meilleurs. La chanson a un effet électrisant qui vous tient en haleine et vous donne de l’énergie. Eddie restera dans les mémoires comme un grand guitariste, grâce à cette chanson.

1 – Sweet Child O’ Mine – Guns N’ Roses

Comment ne pas placer « Sweet Child O’Mine » en tête de notre top 20 des meilleures chansons rock des années 80 ? La chanson a été inspirée par un poème sur lequel Axl travaillait et qui parlait de sa petite amie.

La guitare basse est à tomber par terre et a joué un rôle essentiel dans le succès de la chanson. Ils avaient le son et l’énergie nécessaires pour les chansons rock des années 1980.

Vous trouverez ci-dessous notre sélection des 10 meilleures chansons de Nickelback. Nickelback a eu une carrière intéressante. Le groupe peut se targuer d’être l’un des groupes de rock les plus vendus de tous les temps et l’un des plus controversés.

Depuis ses débuts en 1996, le groupe a remporté d’innombrables succès et s’est produit sur les plus grandes scènes du monde. Dans le même temps, il s’est constitué un groupe fidèle de « haters » (détracteurs) qui sont presque religieux dans leur façon de critiquer le groupe.

Get Rollin’

• Get Rollin’ is the 10th studio album by iconic rock band NICKELBACK and their first in five years. Nickelback is the 11th best selling musical act of all time with over 50,000,000 units sold and the 2nd best selling “foreign” group in the U.S. of the 2000s, behind only The Beatles. Amongst all these accolades, they’ve also been named Billboard’s “Top Rock Group of the Decade”,
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Néanmoins, le groupe continue de faire du rock aujourd’hui. Le quatuor a récemment sorti un album intitulé Get Rollin’ et s’apprête à entamer une vaste tournée cet été.

Pour leur rendre hommage, nous avons dressé une liste des meilleures chansons de Nickelback à ce jour.

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Notre top 10 des meilleurs titres de Nickelback

10 – « If Everyone Cared »

En écoutant pour la première fois « If Everyone Cared », on pourrait penser qu’il s’agit d’une autre chanson rock banale. Mais en prêtant attention aux paroles, le groupe délivre un message unificateur sur l’amour du prochain. Un doux sentiment de départ de la part d’un groupe de rock n’ roll.

9. « Gotta Be Somebody »

« Gotta Be Somebody » était le premier single de l’album Dark Horse du groupe – un changement de dernière minute par rapport à « If Today Was Your Last Day ». La voix du leader Chad Kroeger est aussi riche qu’elle l’a toujours été. Les paroles de cette chanson, l’une des plus attachantes du catalogue de Nickelback, montrent que le chanteur fantasme sur la possibilité de trouver l’amour de sa vie.

8 – « Someday »

Nickelback s’est essayé à quelques saveurs rock au cours de sa carrière. « Someday » représente le virage du groupe vers un son post-grunge. Kroeger s’en donne à cœur joie sur cette chanson, réussissant à donner une nouvelle perspective au genre de la chanson de rupture.

7 – « San Quentin »

En ce qui concerne les chansons plus contemporaines de Nickelback, « San Quentin » est tirée du dernier album du groupe, Get Rollin’. Kroeger pousse la vie sur la route un peu trop loin dans cette chanson, menaçant de se faire enfermer dans la prison en question. Le disque montre qu’il a fait tout cela pour le rock n’ roll.

6 – Follow You Home

Si les puristes du métal anti-Nickelback devaient un jour être convaincus, ce serait probablement en écoutant « Follow You Home ». Cette chanson s’écrase sur vos haut-parleurs et ne se relâche pas pendant toute la durée du morceau. Les guitares sont bien présentes et sont accompagnées de coups de grosse caisse qui frôlent le crépuscule, ce qui en fait un morceau vraiment sauvage. Si vous ne savez pas pourquoi Nickelback a été étiqueté comme un groupe de métal, ne cherchez pas plus loin.

5 – If Today Was Your Last Day

Contrairement à « Follow You Home », « If Today Was Your Last Day » adopte une approche plus douce du rock. Ce tube mid-tempo est sorti sur l’album Dark Horse du groupe en 2008. Kroeger exhorte les auditeurs à profiter de leur vie au lieu de la subir passivement. Bien que le message puisse paraître un peu mielleux, Kroeger parvient à lui donner suffisamment de relief pour qu’il soit digne d’un groupe de rock de sa stature.

4 – « Far Away »

« Far Away » est le troisième single de All the Right Reasons. Il n’a pas le même caractère que celui qui a fait la réputation du groupe, mais il met en valeur la polyvalence du groupe avec des sensibilités plus pop. Kroeger y chante l’amour avec nostalgie, avec une voix qui donne des frissons à l’auditeur.

Et le podium est…

3 – « Rockstar »

À sa sortie, « Rockstar » a été considéré comme un morceau kitsch qui n’a fait que grossir les rangs des anti-Nickelback. Au fil du temps, elle est devenue une chanson culte avec ses paroles satiriques sur les avantages qui accompagnent la célébrité. Elle est inlassablement accrocheuse et facile à chanter. C’est l’une de leurs plus grandes chansons pour une bonne raison – peut-être même All the Right Reasons…

2 – « Photograph »

Parmi l’interminable liste de rockers hymniques de Nickelback, il y a « Photograph ». Kroeger fait des clins d’œil à ses amis, à sa famille et à ses transgressions passées, le tout à travers le filtre rose de la nostalgie de cette chanson. De nombreuses paroles sont inspirées de la vie réelle du chanteur, notamment de son casier judiciaire.

1 – « How You Remind Me »

Une fois que notre label a entendu « How You Remind Me », tout a changé », a récemment déclaré Kroeger à American Songwriter. « How You Remind Me » a propulsé Nickelback vers de nouveaux sommets. La chanson s’est hissée à la première place du classement Hot 100 de Billboard, devenant ainsi le seul titre du groupe à figurer au palmarès américain.

Comme le raconte Kroeger, après la sortie de cette chanson, leur style de vie de « Rockstar » s’est immédiatement mis en place. Soudain, leurs efforts fragmentaires se sont transformés en une opération grandiose et ils étaient en passe de devenir l’un des plus grands groupes des années 2000.

PLace à notre classement des meilleures chansons de Dire Straits. Dire Straits est sorti de nulle part lorsque leur premier album est sorti en 1978. C’est vrai. Ils ne s’étaient formés que l’année précédente et n’avaient pas donné beaucoup de concerts avant d’enregistrer une démo qui a attiré l’attention des responsables des maisons de disques.

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Le succès est immédiat, en particulier auprès des radios rock, qui adoptent leur son épuré à base de guitares. Après quelques ratés – un deuxième album ennuyeux, un troisième excellent mais peu remarqué – le leader Mark Knopfler les a menés au sommet des charts en 1985 avec Brothers in Arms, l’un des plus gros succès de la décennie.

Le groupe n’a produit qu’un seul autre album par la suite, avant de mettre un terme à sa carrière en 1995. Cette liste des 10 meilleures chansons de Dire Straits célèbre leur meilleur.

Notre to p10 des meilleures chansons de Dire Straits

10 – Industrial Disease (1982)

Au début des années 80, les choses n’allaient pas très bien pour l’industrie britannique. En plus de tout le reste, les grèves ouvrières, l’anxiété et les maladies physiques et mentales étaient les symptômes du déclin de l’industrie manufacturière britannique à cette époque.

Knopfler passe en revue toute une série de répliques – certaines réelles, d’autres inventées – sur ce morceau musicalement élastique, extrait du quatrième album du groupe.

9 – Twisting by the Pool (1983)

Entre Love Over Gold (leur album le plus difficile) et Brothers in Arms (qui a fait d’eux des stars mondiales), Dire Straits a sorti un EP de quatre chansons de rock rétro et de swing.

Il s’agit pour la plupart de morceaux sans intérêt, mais la chanson phare du disque est très amusante, un rocker à la Chuck Berry qui préfigure le plus populaire Walk of Life (voir n° 5 sur notre liste des 10 meilleures chansons de Dire Straits).

8 – So Far Away (1985)

On poursuit notre remontée du top 10 des meilleures chansons de Dire Straits avec « So Far Away ». Avant que Brothers in Arms ne devienne un album monstre et le seul numéro 1 du groupe aux États-Unis, « So Far Away » a été publié en tant que premier single au Royaume-Uni.

En Amérique, en revanche, il est sorti en tant que troisième single, bien après que Brothers in Arms ait atteint la gloire du multiplatine, en se classant dans le Top 20. Quoi qu’il en soit, il ouvre l’album et en est l’un des morceaux les plus réduits. Rien d’extravagant – juste du rock pur et dur à son meilleur.

7 – Skateaway (1980) – – l’une des meilleures chansons de Dire Straits

Après l’échec commercial et critique de leur deuxième album, Communiqué (1979), Dire Straits est revenu l’année suivante, plus serré, plus concentré et armé de ses meilleures chansons. Making Movies maintient ces chansons au centre de l’image, repoussant les habitudes des deux premiers albums du groupe. « Skateaway » est plus proche d’un format de radio rock traditionnel que n’importe quelle autre chanson de l’album.

6 – Walk of Life (1985)

Le plus grand album de Dire Straits est rempli de plusieurs morceaux interminables qui s’appuient sur la lenteur pour créer leur ambiance (deux chansons durent plus de huit minutes, trois autres plus de six minutes). Mais l’une de ses meilleures chansons – qui a failli ne pas figurer sur l’album – dépasse à peine les quatre minutes. « Walk of Life » a d’abord été publiée comme face B du single britannique « So Far Away » (voir n° 8 sur notre liste des 10 meilleures chansons de Dire Straits) qui est sorti avant Brothers in Arms. Elle est finalement devenue la face A, atteignant le Top 10 dans le monde entier.

5 – Private Investigation (1982)

D’une durée de près de sept minutes, le tentaculaire « Private Investigations » prend des allures d’épopée dès ses premières notes. Knopfler raconte une histoire de journaux intimes, de bouteilles de whisky et de volets clos dans le style d’un film noir, tandis que la guitare acoustique classique joue d’une manière inquiétante en arrière-plan. C’est le Dire Straits le plus littéraire et le plus atmosphérique.

4 – Tunnel of Love (1980)

Compagnon en quelque sorte de  » Romeo and Juliet  » du même album (voir n° 3 sur notre liste des 10 meilleures chansons de Dire Straits),  » Tunnel of Love  » est la pièce maîtresse du troisième album du groupe, une épopée de huit minutes qui se termine par le plus grand solo de guitare de Knopfler de tous les temps.

Après le lamentable Communiqué, Making Movies marque un retour créatif, mais pas vraiment commercial. Il faudra attendre encore cinq ans pour cela.

Et le podium est…

3 – Roméo et Juliette (1980)

L’une des plus belles chansons de Knopfler, et peut-être sa meilleure composition, « Romeo and Juliet » fait le lien entre Shakespeare, West Side Story et une histoire d’amour moderne et rock ‘n’ roll où c’est la célébrité, et non la famille, qui sépare les jeunes amoureux.

Le single n’a pas été classé aux États-Unis, ce qui est dommage car il s’agit de l’une des chansons les plus intemporelles de Knopfler. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Dire Straits.

2 – Money for Nothing (1985) – l’une des meilleures chansons de Dire Straits

Ironiquement, le plus grand succès de Dire Straits (et son seul numéro 1) – une dénonciation de MTV et de sa fabrication de pop stars jetables – a été un énorme succès sur le réseau de vidéos musicales et a fait des membres du groupe des pop stars temporaires.

Avec un refrain chanté par Sting, un autre artiste britannique devenu star de la radio, « Money for Nothing » veut le beurre et l’argent du beurre. Peu importe : C’est un morceau essentiel des années 80.

1 – Sultans of Swing (1978)

Dire Straits n’avait guère plus qu’une démo et quelques concerts derrière eux lorsqu’ils ont sorti leur premier album éponyme en 1978. Et pour l’essentiel, cet album témoigne de leur relative inexpérience. À l’exception de quelques morceaux, il est principalement constitué de jams à base de guitares oubliables et de structures squelettiques de chansons à moitié réfléchies.

Mais « Sultans of Swing », leur premier single, est un chef-d’œuvre de guitare pointue, de section rythmique entraînante et de fraîcheur nocturne. Il a valu à Knopfler un concert avec Bob Dylan et a fait entrer le groupe dans les livres d’histoire.

Place maintenant à notre classement des meilleurs albums d’Arcade Fire.

Le groupe canadien de rock indépendant Arcade Fire a été fondé à Montréal en 2001. Le groupe est centré sur le duo mari et femme Win Butler et Régine Chassagne, tandis que Will, le frère de Butler, en a été membre jusqu’en 2021. La formation actuelle, y compris les membres en tournée, compte neuf musiciens, et le groupe incorpore souvent des instruments inhabituels comme l’accordéon et la vielle à roue, en plus des instruments rock habituels. Win Butler est plus charismatique que la plupart des chanteurs de rock indépendant, sérieux et passionné comme Springsteen.

Arcade Fire a connu un succès critique et commercial, en particulier au cours de sa première décennie d’existence. Leur premier album, Funeral, sorti en 2004, est l’un des plus acclamés de la décennie, tandis que The Suburbs, sorti en 2010, s’est hissé en tête des classements américains et a remporté le Grammy de l’album de l’année.

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Notre classement des albums d’Arcade Fire

6 – EVERYTHING NOW

On commence notre liste des meilleurs albums d’Arcade Fire avec « Everything Now ». Le cinquième album d’Arcade Fire semble sans direction – il suit souvent les styles dance de Reflektor, mais sans l’ancrage dans les sons haïtiens et jamaïcains. Il en résulte un album orienté pop qui semble souvent creux.

L’instrumentation non conventionnelle, comme l’accordéon, le xylophone et les flûtes à bec, qui a donné à leurs autres travaux une saveur distinctive, est largement absente ici. Il y a un passage particulièrement difficile au milieu du disque avec l’âme plastique de « Chemistry “ et le jeu de mots banal qui ancre ” Infinite Content ».

5 – REFLEKTOR

Butler et Chassagne ont visité Haïti, d’où est originaire la famille de Chassagne. Les sons d’Haïti et de la Jamaïque ont inspiré le quatrième album d’Arcade Fire. Ils ont également travaillé avec James Murphy, de LCD Soundsystem, pour créer un album beaucoup plus dansant que tout ce qu’Arcade Fire avait sorti auparavant.

Butler a déclaré plus tard à Rolling Stone : « Nous voulions juste faire un album sur lequel Régine pourrait danser ». L’album est trop long, avec de nombreux morceaux dépassant les six minutes, mais c’est un changement de direction revigorant lorsqu’il fonctionne – le morceau-titre dansant est un point fort particulier.

4 – WE

Arcade Fire a commencé à travailler sur We avant la pandémie de COVID, mais on a l’impression qu’il s’agit d’une réaction à cette pandémie, à en juger par les titres de chansons comme « Age of Anxiety ». Après avoir flirté avec les rythmes de danse sur leur précédent album, il sonne comme un repli sur leur son antérieur – des chansons comme ‘We’ et ‘The Lightning I’ sont aussi bonnes que n’importe quelle autre de leur catalogue.

L’album est également plus incohérent que les précédents – en particulier, « End of the Empire IV (Sagittarius A) » ressemble à un mauvais morceau d’OK Computer. Peter Gabriel est invité à chanter sur « Unconditional II (Rage and Religion) ».

Place au podium…

3 – NEON BIBLE

Après avoir établi leur carrière avec Funeral, Neon Bible a été un succès commercial et s’est classé à la deuxième place des charts américains. Ce n’est pas aussi brut que Funeral – au lieu de cela, Arcade Fire joue une Americana grandiose qui rappelle Springsteen et Dylan.

Avec la voix de Butler au premier plan et entourée d’un écho caverneux, Neon Bible semble distant et dystopique. No Cars Go’ est un rocker entraînant recyclé du premier EP du groupe. Les frères Butler ont été élevés dans la religion mormone, et on retrouve des connotations spirituelles dans des chansons comme  » My Body is a Cage » et ” The Well and the Lighthouse ». Bienvenue sur le podium des meilleurs albums d’Aracade Fire.

2 – THE SUBURBS – l’un des meilleurs albums d’Arcade Fire

The Suburbs a marqué l’apogée du succès d’Arcade’s Fire : l’album est arrivé en tête du Billboard et a remporté le Grammy 2011 de l’album de l’année. Il reflète l’éducation des frères et sœurs Butler dans la banlieue de Houston – Win Butler le décrit comme « une lettre de la banlieue ». Sur le plan musical, The Suburbs reflète les groupes qui fascinaient Butler lorsqu’il était jeune – un mélange de Depeche Mode et de Neil Young.

À l’image de la banlieue à laquelle il doit son nom, l’album s’étend sur plus d’une heure. Mais il y a beaucoup de bonnes chansons cachées dans ses grooves – les points forts comprennent le twitchy ‘Modern Man’ et la voix de Chassagne sur la synth-pop de ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’.

1 – FUNERAL

Le titre du premier album d’Arcade Fire est tiré des décès familiaux que les membres du groupe ont connus récemment, notamment celui du grand-père des Butler, le chef d’orchestre Alvino Rey. Comparé aux 1,6 millions de dollars qu’a coûté l’enregistrement de Reflektor, Funeral n’a coûté que 10 000 dollars.

C’est le groupe à l’état brut, avec des titres comme « Neighbourhood 3 (Power Cut) » et « Rebellion (Lies) ». Cet album a immédiatement placé la carrière du groupe à un niveau élevé qu’il n’a jamais dépassé.

Place maintenant à notre classement des meilleures chansons d’Arcade Fire. Il s’agit de l’un des groupes les plus importants et les plus influents que le Canada ait jamais produit, et il n’est pas nécessaire de le présenter.

En bref : depuis leur sensationnel premier album de 2004, Funeral, Arcade Fire a non seulement contribué à définir la musique indépendante telle que nous la connaissons, mais il a également été la tête d’affiche de festivals dans le monde entier, a été nommé pour un Academy Award, a remporté le Polaris Music Prize, a sorti un film d’horreur, a collaboré avec des artistes tels que David Bowie et Mavis Staples, a enregistré un documentaire de concert sur deux disques et est devenu le premier groupe indépendant à remporter un Grammy Award pour l’album de l’année.

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Notre top 10 des meilleures chansons d’Arcade Fire

10 – The Lightning I, II

On commenc enotre to p10 des meilleures chansons d’Arcade Fire avec « The Lightning I,II ». Le single de WE est important pour plusieurs raisons et mérite donc d’être mentionné dans cette liste. Il laisse présager de grandes choses pour le premier album du groupe en cinq ans et montre que le groupe est toujours au sommet de son art en matière d’écriture. C’est aussi l’un des derniers à inclure le membre fondateur Will Butler, qui a annoncé son départ du groupe le mois dernier.

9 – Neighborhood #3 (Power Out)

Honnêtement, il était difficile de ne pas remplir cette liste avec des chansons de Funeral, sorti en 2004. Bien que d’autres chansons du premier album du groupe figurent sur cette liste, c’est cette chanson, récompensée par un prix Juno en 2006, qui capture le mieux l’essence de l’album et ce qu’était le groupe à l’époque.

8 – Neon Bible

Faisant suite à Funeral, Neon Bible a permis à Arcade Fire de se faire connaître. L’album s’est classé dans les palmarès du monde entier (à la 7e place en Australie et à la 1re au Canada) et a figuré en bonne place dans les listes des meilleurs albums de l’année. Le titre de l’album, avec son instrumentation délicate, son rythme soigné et la voix apaisante de Win Butler, est hypnotique.

7 – Everything Now

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons d’Arcade Fire avec « Everything Now ».

Comme l’a noté le chroniqueur de The Music Guido Farnell lorsque l’album Everything Now du groupe est sorti en 2017 : « La chanson-titre hymnique est chargée de crochets qui s’enfoncent profondément dans votre tête. Tout, du piano roulant ABBA-esque au riff de flûte de pan et au glorieux ‘na na na’ des mains en l’air du refrain, poussera les auditeurs à appuyer sur le bouton de répétition. »

6 – Reflektor

Arcade Fire est un groupe qui semble vouloir faire les choses à sa manière, ce qui donne souvent lieu à des éclairs de génie. Reflektor, épopée de huit minutes aux accents disco, en est un parfait exemple.

5 – Keep The Car Running – l’une des meilleures chansons d’Arcade Fire

Le groupe a choisi cette chanson pour jouer au Saturday Night Live avant la sortie de Neon Bible, ce qui en dit long. Elle a été reprise en live la même année que sa sortie par les Foo Fighters et Bruce Springsteen (ce dernier l’a jouée aux côtés de membres d’Arcade Fire). Assez bon pour le Boss, assez bon pour nous.

4 – No Cars Go

Pardonnez-nous pour les titres de Neon Bible qui se suivent, mais No Cars Go ne pouvait être que le suivant. Pour de nombreux fans, c’est la quintessence d’Arcade Fire. C’est audacieux, émouvant et magnifique. C’est aussi très accrocheur.

Place au podium…

3 – The Suburbs

Lors d’un entretien avec Spin à l’occasion de la sortie de The Suburbs, Win Butler a décrit le troisième album du groupe comme « un mélange de Depeche Mode et de Neil Young ». C’est une combinaison dont beaucoup ne savaient pas qu’ils avaient besoin jusqu’à ce qu’ils l’entendent, et le premier titre de l’album est aussi excentrique qu’inspirant. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons d4Arcade Fire.

2 – Rebellion (Lies) – l’une des meilleures chansons d’Arcade Fire

Il n’a pas été facile de réduire cette liste, mais il a été très difficile d’établir les deux premières places. Comme vous l’avez peut-être deviné plus tôt, la dernière ligne droite fait la part belle à Funeral, et Rebellion (Lies) devait toujours figurer en tête de liste (si ce n’est en première position). La chanson est connue pour apparaître à la fin des concerts du groupe et a été leur finale préférée autour de la sortie de l’album, y compris lors de leur passage au Big Day Out en 2008.

1 – Wake Up

Vous l’avez deviné ! Wake Up est le cinquième et dernier single de Funeral, et il semble que le groupe ait gardé le meilleur pour la fin. À l’approche de son 20e anniversaire, le titre continue de figurer dans les listes Best Of et est souvent cité comme le meilleur morceau d’Arcade Fire. En plus de figurer dans un certain nombre de films au fil des ans, il a également été repris par David Bowie, Macy Gray et bien d’autres. Tous les meilleurs éléments de Funeral se retrouvent dans Wake Up, pour une chanson à la fois intime et parfaite pour un stade.