La discographie de Pink Floyd : le guide complet

Pink Floyd, l’un des groupes de rock les plus influents de tous les temps, a marqué l’histoire de la musique avec ses albums révolutionnaires et ses concerts époustouflants. Leur discographie s’étend sur plusieurs décennies, englobant des genres allant du rock psychédélique au rock progressif. Cet article explore en détail la discographie de Pink Floyd, offrant une vue d’ensemble de chaque album et de leur impact sur la scène musicale.

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Les débuts de Pink Floyd

Pink Floyd a vu le jour en 1965, fondé par Syd Barrett, Roger Waters, Nick Mason, et Richard Wright. Le groupe a rapidement attiré l’attention avec son son psychédélique unique, ses performances live innovantes, et ses compositions audacieuses.

The Piper at the Gates of Dawn – 1er album dans la discographie de Pink Floyd

1er album de la discographie de Pink Floyd

Le premier album de Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn, est sorti en 1967. L’album, principalement composé par Syd Barrett, est un mélange de rock psychédélique et de mélodies fantaisistes. Des titres comme « Interstellar Overdrive » et « Bike » montrent la créativité et l’originalité du groupe.

Contexte et Enregistrement

Enregistré aux célèbres studios Abbey Road à Londres, cet album capture l’essence du rock psychédélique des années 60. Les techniques d’enregistrement innovantes et l’utilisation de l’écho et des effets sonores ont contribué à créer un son unique.

Réception et Influence

L’album a reçu des critiques élogieuses et est devenu un classique du genre. Il a non seulement lancé la carrière de Pink Floyd mais a également influencé de nombreux autres groupes de rock psychédélique.

Piper at The Gates of Dawn (Mono Version)
  • Piper aux portes de l’aube (version mono) [Vinyl LP]
  • ABIS_MUSIQUE
  • Disques Pink Floyd

A Saucerful of Secrets

Avec le départ de Syd Barrett en 1968 en raison de problèmes de santé mentale, Pink Floyd a dû s’adapter. A Saucerful of Secrets marque une transition, avec Roger Waters et David Gilmour prenant une place plus prépondérante dans la création musicale. L’album explore des thèmes plus sombres et complexes.

Composition et Enregistrement

Cet album voit une évolution dans la musique du groupe avec des compositions plus structurées et complexes. Les morceaux comme « Set the Controls for the Heart of the Sun » et la piste titre « A Saucerful of Secrets » montrent une maturation dans le style musical du groupe.

Réception Critique

Bien que moins acclamé que leur premier album, A Saucerful of Secrets a solidifié la position de Pink Floyd dans le paysage musical de l’époque. Il a été salué pour son innovation et sa profondeur musicale.

More et Ummagumma

Ummagumma

More (1969) est la bande originale du film du même nom. Il présente une variété de styles, allant du folk au hard rock. Ummagumma, également sorti en 1969, est un double album contenant un disque live et un disque studio expérimental.

More: La Bande Originale

L’album More est souvent considéré comme une expérience unique dans la discographie de Pink Floyd, avec des morceaux comme « Cirrus Minor » et « The Nile Song » qui montrent une gamme variée de sons et de styles.

Ummagumma: Double Album

Ummagumma se distingue par sa structure unique: un album live et un album studio. Le disque live capture l’énergie brute des performances du groupe, tandis que le disque studio présente des expérimentations individuelles des membres du groupe.

Ummagumma
  • New Store Stock

Atom Heart Mother

On poursuit notre revue de la discographie de Pink Floyd avec Atom Heart Mother. En 1970, Pink Floyd sort Atom Heart Mother, un album caractérisé par l’utilisation d’un orchestre complet et des compositions ambitieuses. La pièce titre, une suite de 23 minutes, est un exemple de l’innovation musicale du groupe.

Collaboration Orchestrale

La collaboration avec le compositeur Ron Geesin pour créer des arrangements orchestraux a donné à l’album un son unique et complexe. La piste titre est une suite épique qui intègre des éléments de musique classique et de rock.

Réception et Impact

Atom Heart Mother a atteint la première place des charts au Royaume-Uni et a été bien accueilli par les critiques pour son audace et son innovation. Cet album a consolidé la réputation de Pink Floyd en tant que pionniers du rock progressif.

Meddle

Meddle est un album important dans la discographie de Pink Floyd

Meddle (1971) marque une nouvelle évolution du son de Pink Floyd, avec des morceaux comme « Echoes » qui montrent la maîtrise du groupe pour les compositions longues et atmosphériques. Cet album est souvent vu comme un prélude aux succès futurs.

Évolution Musicale

L’album explore de nouveaux horizons sonores, avec des morceaux tels que « One of These Days » qui intègrent des éléments de musique électronique. « Echoes », une suite de 23 minutes, est souvent considérée comme l’une des meilleures œuvres du groupe.

Réception Critique

Meddle a été salué pour sa créativité et sa complexité musicale. Il a préparé le terrain pour les succès futurs du groupe et est toujours considéré comme un album clé dans leur discographie.

The Dark Side of the Moon

Dark Side of the Moon

The Dark Side of the Moon (1973) est peut-être l’album le plus célèbre dans la discographie de Pink Floyd. Avec des ventes dépassant les 45 millions d’exemplaires, il est considéré comme un chef-d’œuvre du rock progressif. L’album aborde des thèmes tels que la folie, le temps, et la mortalité.

Production et Thèmes

Enregistré aux studios Abbey Road, l’album utilise des techniques d’enregistrement innovantes et des effets sonores pour créer une expérience immersive. Les thèmes de l’album, tels que le stress, la folie, et le passage du temps, sont universels et résonnent avec de nombreux auditeurs.

Succès Commercial et Critique

L’album a été un succès commercial immédiat, atteignant la première place des charts dans plusieurs pays. Il a reçu des critiques élogieuses pour sa production impeccable et sa profondeur thématique. The Dark Side of the Moon reste l’un des albums les plus vendus et les plus influents de tous les temps.

Dark Side of The Moon
  • Record Label: Emi
  • Catalog#: 0298761
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2011

Wish You Were Here

En 1975, Pink Floyd sort Wish You Were Here, un hommage poignant à Syd Barrett. L’album explore des thèmes de perte et d’absence, avec des morceaux emblématiques comme « Shine On You Crazy Diamond » et la chanson titre.

Thèmes et Composition

L’album est profondément personnel, reflétant la tristesse du groupe face à la détérioration mentale de leur ami et ancien membre Syd Barrett. « Shine On You Crazy Diamond » est un hommage en neuf parties, tandis que « Welcome to the Machine » et « Have a Cigar » critiquent l’industrie musicale.

Réception et Impact

Wish You Were Here a été acclamé par la critique et le public, atteignant rapidement le sommet des charts. Il est souvent considéré comme l’un des meilleurs albums de Pink Floyd et a laissé une empreinte durable sur le rock progressif.

Wish You Were Here 2011-Remaster
  • Record Label: Emi
  • Catalog#: 0298801
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2011

Animals

Animals est un album charniere dans la discographie de Pink Floyd

Animals (1977) est un album conceptuel basé sur la critique sociale et politique. Inspiré par le roman « La Ferme des animaux » de George Orwell, il contient des morceaux comme « Dogs » et « Pigs (Three Different Ones) » qui reflètent la vision cynique de Roger Waters sur la société. L’un des albums fondateurs de la discographie de Pink Floyd.

Thèmes et Structure

L’album divise la société en trois classes animales : les chiens (la classe dirigeante), les porcs (les politiciens corrompus) et les moutons (les masses obéissantes). Chaque morceau développe ces thèmes de manière complexe et musicale.

Réception et Héritage

Animals a été bien reçu par la critique et les fans, bien que certains aient trouvé son ton sombre et cynique déroutant. Il est désormais reconnu comme un album clé dans la discographie de Pink Floyd, influençant de nombreux artistes.

The Wall

The Wall (1979) est un autre album concept ambitieux, racontant l’histoire fictive d’un rockeur nommé Pink. L’album explore des thèmes de l’aliénation, de la guerre, et de la folie. Il contient des hits comme « Another Brick in the Wall » et « Comfortably Numb ».

Histoire et Thèmes

L’histoire de The Wall suit Pink, un rockeur qui construit un mur autour de lui pour se protéger de la douleur et de la souffrance. Les thèmes de l’aliénation, de la perte, et de la guerre sont explorés à travers des chansons puissantes et évocatrices.

Réception et Impact

The Wall a été un énorme succès commercial et critique. Il a donné lieu à un film et à une tournée mémorable, et des morceaux comme « Another Brick in the Wall, Part 2 » sont devenus des hymnes de la rébellion.

The Wall (Double Vinyles)
  • Record Label: Emi
  • Catalog#: 0298831
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2012

The Final Cut

The Final Cut

Sorti en 1983, The Final Cut est souvent considéré comme la suite spirituelle de The Wall. Il reflète les préoccupations politiques de Roger Waters et est dédié à la mémoire de son père, tué pendant la Seconde Guerre mondiale.

Thèmes et Composition

L’album aborde des thèmes tels que la guerre, la perte, et l’inutilité des conflits. Roger Waters a écrit la majorité des chansons, et son influence est fortement ressentie dans les paroles et la musique.

Réception et Héritage

The Final Cut a reçu des critiques mitigées à sa sortie, certains le voyant comme un album solo de Waters plutôt qu’un véritable effort de groupe. Cependant, il est maintenant reconnu pour sa profondeur lyrique et sa puissance émotionnelle.

The Final Cut
  • The Post War Dream (2011 Remastered Version)
  • Your Possible Pasts (2011 Remastered Version)
  • One Of The Few (2011 Remastered Version)
  • International products have separate terms, are sold from abroad and may differ from local products, including fit, age ratings, and language of product, labeling or instructions.

A Momentary Lapse of Reason

Après le départ de Roger Waters, Pink Floyd sort A Momentary Lapse of Reason en 1987. Cet album marque un changement de direction pour le groupe, avec David Gilmour prenant les rênes créatives. Bien que la réception critique ait été mitigée, l’album a rencontré un succès commercial.

Nouveaux Débuts

Avec Waters parti, Gilmour et Mason ont dû recréer l’essence de Pink Floyd. L’album explore des thèmes de réinvention et de persévérance. Des morceaux comme « Learning to Fly » montrent la nouvelle direction musicale du groupe.

Réception et Tournée

L’album a été bien reçu par les fans et a donné lieu à une tournée mondiale réussie. Bien que certains critiques aient regretté l’absence de Waters, l’album a prouvé que Pink Floyd pouvait encore captiver le public.

Discographie de Pink Floyd : The Division Bell

Le dernier album de la discographie de Pink Floyd

The Division Bell (1994) voit Pink Floyd retrouver une certaine harmonie musicale, avec des thèmes de communication et de compréhension. Des titres comme « High Hopes » et « Keep Talking » montrent la maturité du groupe.

Thèmes et Collaborations

L’album explore les difficultés de communication et les conflits interpersonnels. La collaboration avec des artistes comme Stephen Hawking sur « Keep Talking » ajoute une profondeur unique à l’album.

Réception et Héritage

The Division Bell a été un succès critique et commercial, consolidant la place de Pink Floyd dans le panthéon du rock. Il a été accompagné d’une tournée mondiale mémorable, qui a capté l’imagination des fans du monde entier.

Live Albums et Compilations

La discographie de Pink Floyd comporte également plusieurs albums live et compilations. Delicate Sound of Thunder et Puls e sont des enregistrements en direct qui capturent l’énergie de leurs concerts légendaires.

Delicate Sound of Thunder

Sorti en 1988, cet album live capture la magie des concerts de la tournée A Momentary Lapse of Reason. Il présente des versions épiques de classiques comme « Comfortably Numb » et « Money ».

Pulse

Pulse, sorti en 1995, est un autre album live qui capture la tournée de The Division Bell. Il est particulièrement connu pour la performance complète de The Dark Side of the Moon, jouée en entier pour la première fois depuis les années 1970.

Promo
Pulse
  • Record Label: Emi
  • Catalog#: 4914362
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2006

Albums Solo des Membres du Groupe

Les membres de Pink Floyd ont également mené des carrières solo réussies. David Gilmour, Roger Waters, et Richard Wright ont chacun sorti des albums qui explorent de nouveaux horizons musicaux.

David Gilmour

David Gilmour avec guitare

David Gilmour a sorti plusieurs albums solo acclamés, dont David Gilmour (1978), About Face (1984), et Rattle That Lock (2015). Ses albums montrent sa virtuosité à la guitare et son talent pour la composition.

Roger Waters

Roger Waters

Roger Waters a également eu une carrière solo prolifique, avec des albums comme The Pros and Cons of Hitch Hiking (1984) et Amused to Death (1992). Son travail solo continue d’explorer des thèmes politiques et sociaux complexes.

Richard Wright

Richard Wright a sorti deux albums solo, Wet Dream (1978) et Broken China (1996). Son style unique de clavier et ses compositions atmosphériques ajoutent une dimension distincte à ses projets solo.

Enregistrements Rares et Inédits

La discographie de Pink Floyd comprend également des enregistrements rares et inédits. Des éditions spéciales et des coffrets comme The Early Years 1965–1972 offrent aux fans un aperçu des débuts du groupe et des pistes non publiées.

The Early Years 1965–1972

Ce coffret massif contient des enregistrements inédits, des démos, des performances live rares, et des interviews. Il offre un aperçu fascinant des premières années de Pink Floyd et de leur évolution musicale.

Éditions Spéciales

Des éditions spéciales de leurs albums contiennent souvent des pistes bonus, des remixes, et des enregistrements live. Ces éditions permettent aux fans de découvrir des aspects cachés de la musique de Pink Floyd.

L’Impact de la discographie de Pink Floyd sur la Musique

Pink Floyd a influencé de nombreux artistes et genres musicaux. Leur innovation en matière de son et de production a ouvert la voie à de nombreux groupes de rock progressif et de musique électronique.

Influence sur le Rock Progressif

Pink Floyd est souvent cité comme une influence majeure par des groupes de rock progressif comme Radiohead, Yes, Genesis, et King Crimson. Leur approche expérimentale et leurs compositions longues et complexes ont redéfini le genre.

Impact sur la Musique Électronique

Leur utilisation pionnière des effets sonores et des synthétiseurs a également influencé la musique électronique. Des artistes comme Jean-Michel Jarre et Tangerine Dream ont été inspirés par les paysages sonores de Pink Floyd.

L’Héritage de Pink Floyd

L’héritage de Pink Floyd est immense. Leur musique continue d’inspirer et de résonner avec les nouvelles générations. Leurs albums sont des incontournables pour tout amateur de musique rock.

Un Héritage Durable

Les albums de Pink Floyd continuent de se vendre des décennies après leur sortie, prouvant leur impact durable. Des chansons comme « Wish You Were Here » et « Comfortably Numb » restent des classiques intemporels.

Influence Culturelle

Leur musique et leurs performances live ont laissé une marque indélébile sur la culture populaire. Des films, des livres, et des œuvres d’art continuent de s’inspirer de l’univers de Pink Floyd.

FAQs

Qu’est-ce qui rend The Dark Side of the Moon si spécial ?

The Dark Side of the Moon est spécial pour son innovation musicale, ses thèmes universels, et sa production de haute qualité. Il a révolutionné le genre du rock progressif et continue d’influencer les musiciens aujourd’hui.

Comment Pink Floyd a-t-il changé après le départ de Syd Barrett ?

Après le départ de Syd Barrett, Pink Floyd a évolué vers un son plus structuré et complexe, avec Roger Waters et David Gilmour prenant des rôles plus importants dans la composition.

Quel est le meilleur album live de Pink Floyd ?

Pulse est souvent considéré comme le meilleur album live de Pink Floyd, capturant la magie de leurs performances live et présentant une version complète de The Dark Side of the Moon.

Pourquoi The Wall est-il considéré comme un album concept ?

The Wall est un album concept car il raconte une histoire cohérente à travers ses chansons, explorant des thèmes de l’aliénation, de la perte, et de la folie, avec une narration claire et des personnages définis.

Quels sont les thèmes principaux de Wish You Were Here ?

Wish You Were Here aborde des thèmes de perte, d’absence, et de nostalgie, en particulier à travers son hommage à Syd Barrett et sa critique de l’industrie musicale.

Comment Pink Floyd a-t-il influencé la musique moderne ?

Pink Floyd a influencé la musique moderne par leur innovation en matière de son, leur utilisation des effets spéciaux et des synthétiseurs, et leur approche expérimentale de la composition musicale.

Conclusion

La discographie de Pink Floyd est un voyage à travers l’évolution musicale et les changements de formation du groupe. De leurs débuts psychédéliques à leurs albums conceptuels complexes, chaque album raconte une partie de l’histoire de Pink Floyd et de l’impact durable de leur musique. Leur héritage continue de briller, inspirant de nouvelles générations de musiciens et de fans.

Les meilleurs albums de Nickelback : notre liste !

Place à notre classement des meilleurs albums de Nickelback. Formé à Hanna, Alberta, au Canada, en 1995, Nickelback a débuté à la fin de l’ère grunge, mais contrairement à de nombreux groupes du début des années 90, il n’a eu aucun problème à écrire des chansons commerciales qui passent bien à la radio. Le groupe s’est rapidement transformé en une machine à fabriquer des hits, mais il est devenu l’un des groupes les plus controversés du monde du rock. Pourtant, à ce stade, ils n’ont probablement pas de problème avec les détracteurs, car ils ont vendu des dizaines de millions d’albums.

Get Rollin’
  • Get Rollin’ is the 10th studio album by iconic rock band NICKELBACK and their first in five years. Nickelback is the 11th best selling musical act of all time with over 50,000,000 units sold and the 2nd best selling “foreign” group in the U.S. of the 2000s, behind only The Beatles. Amongst all these accolades, they’ve also been named Billboard’s “Top Rock Group of the Decade”,
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Leur premier album, Curb, a été publié par la Foundation Assisting Canadian Talent on Recordings en 1996, et le suivant, The State, a été autoédité avant que les grandes maisons de disques ne viennent frapper à la porte. Aujourd’hui, plus de deux décennies après le début d’une carrière couronnée de succès, Nickelback continue de prospérer sur le plan commercial et a même commencé à recevoir quelques éloges de la part des critiques.

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Notre top 10 des meilleurs albums de Nickelback

10 – Curb (1996)

Il est intéressant de voir comment Nickelback a évolué au fil des ans. Le premier album du groupe, « Curb », était fortement influencé par l’alt-rock des années 90. « Fly » est le seul single extrait de l’album, et il n’a pas atteint les sommets de leurs succès ultérieurs. Bien qu’il y ait des fans de cet album, il a été largement ignoré, et on peut dire que personne n’a vu venir le succès massif de Nickelback en se basant sur « Curb ».

9 – No Fixed Address (2014)

Nickelback a commencé à élargir ses horizons avec l’album ‘No Fixed Address’ de 2014. L’album les a même vus collaborer avec le rappeur Flo Rida sur un morceau. Le groupe a eu du mal à s’imposer à la radio avec de nombreux singles. « Edge of a Revolution » a été le premier single rock, en tête des charts Mainstream Rock, tandis que leur sortie simultanée plus pop de « What Are You Waiting For » s’est également bien déroulée.

Mais au-delà, « Million Miles an Hour » et « Get ‘Em Up » sont restés sans suite. Des chansons comme « Satellite » et « She Keeps Me Up » figurent également parmi les meilleurs titres de l’album. Il serait facile d’attribuer les ventes médiocres de l’album à l’incapacité du groupe à tourner pendant que Chad Kroeger se faisait opérer de la voix, mais « No Fixed Address » n’était tout simplement pas aussi bon que ses prédécesseurs.

8 – Feed the Machine (2017)

    On poursuit note remontée du classement des meilleurs albums de Nickelback avec « Feed The Machine ». Bien qu’il s’agisse de l’un des albums les moins réussis de leur carrière sur le plan commercial, « Feed the Machine » de Nickelback a suscité certaines des meilleures critiques qu’ils aient reçues depuis un certain temps. Une grande partie de ces critiques était centrée sur le titre rock du groupe, une chanson qui marquait un retour à un son plus lourd pour le groupe. Cependant, le groupe a continué à équilibrer les choses avec des titres plus mélodiques, comme le single « Song on Fire » et l’entraînant « Must Be Nice ».

    Aucune des deux chansons n’a eu beaucoup de succès à la radio, alors que le soutien des radios est généralement important pour les albums les plus réussis de Nickelback. Pour ceux qui ne se contentent pas des singles, il convient d’écouter « The Betrayal (Act III) » et son pendant instrumental « The Betrayal (Act I) », qui clôt l’album de façon sombre.

    7 – The State (1998)

    C’est avec l’album « The State », sorti en 1998, que Nickelback a véritablement percé sur les ondes radio. Le deuxième album du groupe est sorti de manière indépendante, mais a reçu un coup de pouce lorsque EMI Canada et Roadrunner sont venus frapper à la porte et ont réédité l’album avec le soutien de l’ensemble du label. C’est la chanson « Leader of Men » qui a commencé à illuminer les ondes.

    Elle s’est hissée à la huitième place des charts Mainstream Rock. Les titres « Old Enough » et « Breathe » démontrent également le talent de Nickelback pour écrire des morceaux rock accrocheurs. The State » a été le premier album de Nickelback à se vendre en platine et leur a permis de remporter le prix du meilleur nouvel artiste aux Juno Awards du Canada.

    6 – Get Rollin’ (2022)

    Nickelback a bénéficié de l’une des plus grandes ruptures de sa carrière, en travaillant sans label et en produisant l’un de ses meilleurs albums de rock de qualité.

    Get Rollin’ ne s’éloigne pas trop des sentiers battus, mais c’est le son d’un groupe qui sait ce qu’il fait bien et qui joue sur ses forces. « San Quentin » est l’une des chansons les plus lourdes du catalogue du groupe, qui s’est hissée jusqu’à la deuxième place du classement Mainstream Rock, et le groupe s’est également fait entendre à la radio en exploitant la nostalgie de « Those Days » et en faisant vibrer les guitares musclées et le rythme effréné de « Skinny Little Missy ». L’album comporte également des titres plus profonds comme « High Time », « Standing in the Dark » et « Does Heaven Even Know You’re Missing ».

    Get Rollin’ a peut-être connu son plus mauvais démarrage depuis The State (il a débuté à la 30e place), mais il tient plutôt bien la route par rapport au reste de leur catalogue.

    5 – Here and Now (2011)

    Lorsque le septième album de Nickelback, « Here and Now », est sorti en 2011, le groupe s’était installé dans un son assez familier. L’album a débuté à la deuxième place et a été certifié disque de platine, produisant encore cinq autres singles. « When We Stand Together » et « Bottoms Up » sont sortis simultanément, le premier remportant un plus grand succès dans les charts pop, tandis que le plus grinçant « Bottoms Up » s’est hissé à la deuxième place des radios rock. L’ouverture de l’album « This Means War » a suivi, tandis que les titres plus doux « Lullaby » et « Trying Not to Love You » ont été publiés en tant que singles, mais n’ont pas été diffusés de manière significative à la radio.

    4 – The Long Road (2003)

    Comment suivre un succès monstre ? Tel était le défi de Nickelback, mais comme le titre de l’album nous l’a rappelé, une carrière est une « longue route ». Le quatrième album du groupe n’a pas connu le même succès commercial que son prédécesseur, « Silver Side Up », mais il a tout de même débuté à une respectable sixième place et a été certifié triple disque de platine aux États-Unis, avec cinq singles à la clé. Le nostalgique « Someday » a ouvert la voie, se hissant à la deuxième place aux États-Unis.

    Le rocker plus suggestif « Figured You Out » s’est hissé à la première place du classement Mainstream Rock, tandis que le mid-tempo « Feelin’ Way Too Damn Good » a atteint la troisième place de ce même classement. Le rocker « Because of You » et la fin de l’album « See You at the Show », plus dynamique, figurent également parmi les meilleurs morceaux de l’album.

    Et le podium est…

    3 – Silver Side Up (2001)

      L’album « Silver Side Up » de Nickelback a l’étrange particularité d’être sorti le 11 septembre 2001, mais à part cette date malheureuse, il n’y a pas eu beaucoup d’autres problèmes pour le groupe pendant le cycle « Silver Side Up ». Le groupe a connu une percée avec l’album « The State », mais « Silver Side Up » l’a propulsé au sommet du monde du rock, en grande partie grâce au succès de « How You Remind Me », un titre qui a été classé par Nielsen Soundscan comme la chanson la plus jouée sur les radios américaines pendant toute la décennie 2000.

      Non seulement elle a été en tête du classement rock, mais elle a également passé quatre semaines à la première place du classement Billboard Hot 100 Singles. Entre-temps, l’agressif « Never Again » et le plus sombre « Too Bad » ont continué sur leur lancée dans les charts rock. Silver Side Up » a débuté à la deuxième place et a été certifié six fois disque de platine par la RIAA. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Nickelback.

      2 – Dark Horse (2008) – l’un des meilleurs albums de Nickelback

        Nickelback et le producteur Robert « Mutt » Lange semblaient former un couple parfait, et pour la plupart, cela a bien fonctionné. Lange avait le don de produire du hard rock à tendance pop et Nickelback a connu un certain succès avec les chansons de son album « Dark Horse ».Si « Something in Your Mouth » a été le titre phare du rock, « If Today Was Your Last Day » s’est hissé à la 19e place du Billboard Hot 100 Singles.

        Le groupe a également connu le succès avec « Burn It to the Ground », qui s’est classé dans le top 5 des radios rock et a été nommé aux Grammy Awards. Parmi les autres titres phares du rock figurent « Gotta Be Somebody » et « Shakin’ Hands », tandis que « I’d Come for You », « Never Gonna Be Alone » et « This Afternoon » ont tous connu des succès plus importants dans le monde de la pop. Lorsque la poussière est retombée, « Dark Horse » a été certifié triple platine aux États-Unis et a produit certaines des meilleures œuvres du groupe à ce jour.

        1 – All the Right Reasons (2005)

          Nickelback a connu un énorme succès avec « Silver Side Up » et « The Long Road », mais ils ont atteint le point culminant de leur carrière avec « All the Right Reasons » en 2005. L’album est rempli de chansons rock prêtes à être diffusées sur les radios, telles que « Rock Star » et « Photograph », un joyau sentimental. L’album compte sept singles, dont le puissant « If Everyone Cared », le rocker entraînant « Animals », le plus sombre « Savin’ Me », le mélancolique « Far Away » à la guitare acoustique et le titre le plus lourd de l’album.

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          Pro-Ject Primary E - quelle platine vinyle choisir

          Pro-ject Platine Vinyle Primary E Fr – Noir
          • Platine à entraînement par courroie pour une lecture audiophile
          • Cellule ORTOFON de qualité NM (de type MM), montée et réglée sur un bras de 8, 6’’, de précision, léger et en aluminium
          • PAS de plastique
          • Fabriqué à la main en Europe
          • Manuel en Français inclus

          CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES
          Type : Entraînement par courroie
          Fonctionnement : Manuel
          Vitesses : 33 ⅓, 45
          Changement de vitesse : Manuel
          Cartouche : Ortofon OM à aimant mobile
          Station phono intégrée : Non
          USB : Non
          Bluetooth : Non
          Dimensions (hwd) : 11.2 x 42 x 33cm
          Poids : 4kg
          initions : 3 (rouge, blanc, noir)

          RAISONS D’ACHETER
          +Un tempérament agréable
          +Répond aux critères de base de la sonorité
          +Facile à installer et à utiliser

          RAISONS A EVITER
          -Les bords du châssis sont un peu tranchants

          Pour les puristes qui sont à la pointe du renouveau du vinyle pour débutants, qui ont un petit budget et qui ne se soucient pas de fonctions telles que l’extraction de disques et le fonctionnement automatique, la Pro-Ject Primary E pourrait être la bonne solution.

          La Primary E remplit avec assurance les conditions de base, depuis l’équilibre tonal jusqu’à la restitution claire et nette, et suffisamment spacieuse pour que tout reste cohérent. Un corps et une substance décents s’accrochent de manière fiable à chaque fréquence, ce qui est rendu encore plus agréable par une sensation de dynamisme et d’élan.

          Le meilleur lecteur vinyle avec station phono intégrée ? Rega Planar 1 Plus

          Quelle platine vinyle choir - le choix de Rega Planar 1 Plus

          Rega Planar 1 Plus Platine avec cartouche carbone Rega et préampli phono intégré Version 2021 Noir mat
          • Finition noire mate
          • Courroie d’entraînement EBLT Advanced
          • Stabilité améliorée
          • Précision de vitesse améliorée
          • Phono intégré

          CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES
          Type : Entraînement par courroie
          Fonctionnement : Manuel
          Vitesses : 33 ⅓, 45
          Changement de vitesse : Manuel
          Cartouche : Rega Carbon à aimant mobile
          Station phono intégrée : Oui
          USB : Non
          Bluetooth : Non
          Dimensions (hwd) : 11.7 x 44.7 x 36cm
          Poids : 4.35kg
          Finitions : 3 (blanc, noir, noyer)

          RAISONS D’ACHETER
          +Son énormement agréable
          +Clarté et subtilité excellentes
          +Rythmes souples et précis
          +Etage phono intégré

          RAISONS A EVITER
          -Ne pas associer à un kit à la sonorité brillante ou maigre

          La meilleure platine vinyle de milieu de gamme ? Rega Planar 2

          L'un des meilleurs tourne-disque du marché

          Rega Planar 2 (modèle 2016) Tourne-disque High End aveccellule magnétique MM Rega Carbon, Noir
          • Platine, manuelle.
          • Aveccellule à aimant mobile Carbon de Rega.
          • Plug ‘n Play – Livré monté.

          CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES
          Type : Entraînement par courroie
          Fonctionnement : Manuel
          Vitesses : 33 ⅓, 45
          Changement de vitesse : Manuel
          Cartouche : Rega Carbon à aimant mobile
          Phono stage : Non
          USB : Non
          Bluetooth : Non
          Dimensions (hwd) : 11.7 x 44.7 x 36cm
          Poids : 5.5kg
          Finitions : 4 (blanc, noir, rouge, noyer)

          RAISONS D’ACHETER
          +Son détaillé
          +Solide et autoritaire
          +Design élégant et discret

          RAISONS D’ÉVITER
          -Nécessite une installation minutieuse

          On pourrait penser que payer plus cher pour une platine permet d’obtenir plus de fonctionnalités, mais ce n’est pas le cas ici. Rega est réputée pour la pureté et la simplicité de ses produits (à l’exception de la Planar 1 Plus), mais cela ne signifie pas que la Planar 2 n’est rien d’autre que remarquable pour son prix moyen. Ce qu’il vous offre, ce sont des composants clés améliorés par rapport au Planar 1 d’entrée de gamme, qui offrent une qualité sonore encore meilleure, le tout dans un design élégant et discret. Quelle platine vinyle choisir en 2024 ? Planar 2 fera largement l’affaire pour un budget autour de 600 euros.

          Sony PS-LX310BT, l’un des meilleurs Tourne-disque Bluetooth

          L'une des meilleures platine vinyle à choisir - Bluetooth

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          Sony PS-LX310BT Tourne-disque Platine Vinyle Bluetooth Noir
          • Conçue dans un style minimaliste pour un contrôle aisé. Vous n’aurez qu’à appuyer sur «Play» et votre platine vinyle commencera à jouer votre enregistrement à partir du dernier appareil connecté.
          • Deux vitesses de fonctionnement: 33 1/3 et 45 tours par minute et 3 modes d’augmentation pour ajuster le volume instantanément.
          • Des rythmes jazz aux concertos classiques, le hip-hop et la pop, vous apprécierez le son chaud et fluide des vinyles grâce aux pièces fabriquées avec minutie et à la conception
          • Sony

          CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES
          Type : Entraînement direct
          Fonctionnement : Entièrement automatique
          Vitesses : 33 ⅓, 45
          Changement de vitesse : Électronique
          Cartouche : Aimant mobile
          Station phono intégrée : Oui
          USB : Non
          Bluetooth : Oui
          Dimensions (hwd) : 10.8 x 43 x 36.7cm
          Poids : 3.5kg
          Finitions : 1 (noir)

          RAISONS D’ACHETER
          +Sonorité divertissante
          +Facile à utiliser
          +Bluetooth

          RAISONS D’ÉVITER
          -Le son peut être amélioré à ce prix budgétaire

          Si vous souhaitez entrer dans le monde du tourne-disque sans le moindre souci, cette superbe platine Sony à fonctionnement entièrement automatique mérite d’être testée. L’installation est un jeu d’enfant : il n’est pas nécessaire d’installer et d’aligner une cartouche, de régler la force de suivi ou l’anti-patinage, de sorte qu’une fois que vous avez placé la courroie autour de la poulie du moteur, vous êtes prêt à faire tourner le disque. La présence d’un étage phono intégré et la connectivité Bluetooth sont également des atouts appréciables.

          L’un des meilleurs tourne-disque USB : le Audio Technica AT-LP5x

          le Audio Technica AT-LP5x

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          Audio-Technica LP5x Platine Vinyle à Entraînement Direct Entièrement Manuelle Noir
          • Fonctionnement entièrement manuel à trois vitesses : 331/3, 45 et 78 tr/min
          • Le bras de lecture en forme de J, inspiré des conceptions Audio-Technica originales des années 1960 et 70, est conçu pour minimiser les erreurs de lecture
          • Préamplificateur et ligne intégrés commutables MM/MC permettant la connexion à des éléments avec ou sans entrée phono dédiée
          • Tapis d’amortissement en caoutchouc épais pour une meilleure reproduction des basses fréquences
          • Comprend un câble stéréo double RCA (mâle) vers double RCA (mâle), adaptateur 45 tr/min, câble USB. Couvercle anti-poussière et matériel de montage inclus

          CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES
          Type : Entraînement direct
          Fonctionnement : Manuel
          Vitesses : 33 ⅓, 45, 78
          Changement de vitesse : Électronique
          Cartouche : AT-VM95E à aimant mobile
          Station phono : Oui
          USB : Oui
          Bluetooth : Non
          Dimensions (hwd) : 15.7 x 45 x 35.2cm
          Poids : 7.3kg
          Finitions : 1 (noir)

          RAISONS D’ACHETER
          +Composé, présentation robuste
          +Facile à utiliser et à installer
          +Module phono impressionnant
          +Les rips USB en qualité de fichier WAV

          RAISONS D’ÉVITER
          -Les concurrents puristes offrent de meilleures performances.

          La première platine AT-LP5 d’Audio-Technica était une gagnante. Lancée en 2016, la combinaison d’une ingénierie solide, de fonctionnalités utiles et d’un son de qualité a suffi à en faire l’une de nos recommandations de référence pour tous ceux qui souhaitent un tourne-disque à prix raisonnable, sans tracas, avec en prime une sortie USB.

          Il n’est donc pas surprenant de constater qu’Audio-Technica n’a pas changé sa formule gagnante pour ce nouveau modèle LP5x. Pourquoi le ferait-il ? Si vous vous demandez quelle platine vinyle choisir, celle-ci sera très certainement votre d’ici peu de temps…

          Quelle est la meilleure marque pour une platine vinyle en 2024 ?

          Il n’y a pas une seule « meilleure » marque de platine vinyle, car le choix de la meilleure marque dépend en grande partie de vos besoins, de votre budget et de vos préférences personnelles. Plusieurs marques réputées fabriquent d’excellentes platines vinyles en 2024. Voici quelques-unes des marques bien établies dans l’industrie des platines vinyles :

          1. Rega : Rega est une marque britannique réputée pour ses platines de qualité et son excellent rapport qualité-prix.
          2. Pro-Ject : Pro-Ject propose une gamme variée de platines vinyles, allant des modèles d’entrée de gamme aux modèles haut de gamme. Ils sont connus pour leur attention aux détails et leur qualité sonore.
          3. Technics : Technics est une marque japonaise célèbre pour ses platines haut de gamme, notamment la légendaire Technics SL-1200. Ces platines sont très appréciées par les DJs et les audiophiles.
          4. Audio-Technica : Audio-Technica propose des platines vinyles de qualité à des prix abordables. Ils sont populaires pour leurs platines USB, idéales pour numériser des vinyles.
          5. Thorens : Thorens est une marque suisse qui a une longue histoire dans la fabrication de platines vinyles haut de gamme.
          6. Clearaudio : Clearaudio est une autre marque allemande de platines vinyles de haute qualité.
          7. VPI : VPI est une marque américaine connue pour ses platines vinyles haut de gamme et ses innovations en matière de conception.

          Il est essentiel de considérer vos besoins spécifiques, tels que votre budget, l’utilisation prévue, la qualité sonore souhaitée, et les fonctionnalités dont vous avez besoin, pour choisir la meilleure platine vinyle pour vous. Lorsque vous faites votre choix, assurez-vous également de prendre en compte la qualité de la cellule et du bras de lecture, car ces composants influencent grandement la performance sonore de la platine vinyle. Il peut être utile de consulter des critiques et de faire des comparaisons avant de prendre une décision d’achat.

          Comment choisir un disque vinyle de qualité ?

          Le choix d’un disque vinyle de qualité dépend de plusieurs facteurs, dont l’état du vinyle, la qualité de pressage, la provenance de l’enregistrement, et vos préférences personnelles. Voici quelques conseils pour choisir un disque vinyle de qualité :

          1. L’état du vinyle :
            • L’état physique du disque est essentiel. Recherchez des disques vinyles qui sont en bon état, sans rayures profondes ni fissures. Les disques d’occasion peuvent présenter des signes d’usure, alors examinez-les attentivement.
          2. La qualité de pressage :
            • Les disques vinyles de qualité sont pressés à partir de matrices de haute qualité. Si possible, recherchez des disques pressés sur du vinyle vierge ou de qualité audiophile, car ils offrent généralement une meilleure qualité sonore que les disques pressés sur du vinyle recyclé.
          3. La provenance de l’enregistrement :
            • Les disques vinyles d’origine ou les rééditions de qualité d’enregistrements bien produits ont tendance à offrir une meilleure qualité sonore. Vérifiez l’année de l’enregistrement et le label de production pour avoir une idée de la qualité.
          4. Le mastering et la production :
            • Les disques qui ont bénéficié d’un mastering de haute qualité et d’une production soignée auront tendance à sonner mieux. Cherchez des disques masterisés par des ingénieurs de renom et pressés dans des usines de pressage réputées.
          5. Les préférences personnelles :
            • La qualité sonore est souvent subjective, et ce qui sonne bien pour une personne peut ne pas convenir à une autre. Écoutez le vinyle avant de l’acheter si possible, ou lisez des critiques d’experts pour vous faire une idée de la qualité sonore.
          6. Évitez les contrefaçons :
            • Soyez vigilant pour éviter les disques contrefaits ou de mauvaise qualité. Achetez vos vinyles auprès de vendeurs de confiance, de disquaires réputés ou de sources fiables.
          7. Nettoyage et entretien :
            • Assurez-vous de maintenir vos disques vinyles en bon état en les stockant correctement et en les nettoyant régulièrement avec des équipements de nettoyage de vinyles appropriés.

          En fin de compte, le choix d’un disque vinyle de qualité dépendra de vos goûts musicaux, de vos attentes en matière de qualité sonore et de votre budget. N’hésitez pas à demander conseil à des audiophiles ou à des passionnés de vinyles pour obtenir des recommandations spécifiques sur des enregistrements et des artistes à rechercher.

          En résumé, comment choisir sa platine vinyle en 2024 ?

          La source de votre système hi-fi, qu’il s’agisse d’un streamer, d’un lecteur CD ou d’un tourne-disque, est un élément crucial.

          Tout d’abord, déterminez votre budget. Il ne doit pas représenter plus d’un quart du coût de votre système, sinon il est peu probable que votre amplificateur et vos enceintes tirent le meilleur parti de votre platine.

          De même, renseignez-vous sur les caractéristiques sonores de tous vos composants : même les produits cinq étoiles bénéficient d’un bon partenariat.

          Une fois votre budget fixé, décidez des caractéristiques dont vous avez besoin. Entraînement par courroie ou entraînement direct ? Avez-vous besoin d’un étage phono intégré ? Qu’en est-il de la cartouche ? Sans fil ? USB ? Veillez à établir une liste de contrôle en fonction de vos besoins pour vous aider à affiner votre recherche.

          Une fois que vous avez fait votre choix, il est essentiel de configurer correctement votre platine. Si certains tourne-disques sont relativement faciles à utiliser, d’autres nécessitent un peu plus de temps et d’efforts pour donner le meilleur d’eux-mêmes.

          Les meilleurs albums de Dire Straits

          Place à notre classement des meilleurs albums de Dire Straits. Dire Straits a choisi l’année la plus formatrice du punk et du disco pour faire ses débuts. Coïncidence ? Marketing stratégique ? Ou simplement une déclaration typiquement sans tendance de la part du leader Mark Knopfler ? Quoi qu’il en soit, Dire Straits 1978 ne ressemble à rien d’autre que ce qui est sorti cette année-là, pas même au rock ‘n’ roll traditionnel dans lequel il semble être enraciné.

          Promo
          Brothers In Arms
          • Record Label: Vertigo
          • Catalog#: 00422 8244992
          • Country Of Release: NLD
          • Year Of Release: 1996
          • Notes: =Remastered=
          Private Investigation – The Best of
          • Record Label: Mercury
          • Catalog#: 06024 9874050
          • Country Of Release: NLD
          • Year Of Release: 2005
          • Notes: Very Best Of

          Et c’est à peu près la voie qu’a suivie le groupe au cours de sa brève carrière, qui n’a donné lieu qu’à six albums. Chaque fois que Knopfler se sentait trop à l’aise, stagnant ou catalogué, il changeait les choses sur l’album suivant. Des rockers de bar aux conteurs ambitieux en passant par les superstars des stades, Dire Straits a rarement fait deux fois le même album.

          C’est ce qui ressort de la liste ci-dessous des albums de Dire Straits, classés du pire au meilleur, qui rassemble les six albums studio du groupe et retrace l’évolution du groupe au cours des 13 années d’enregistrement. « Money for Nothing » a fait d’eux d’immenses stars de MTV (tout en mordant la main qui les nourrissait), mais Knopfler n’a jamais compromis la vision de son groupe. Et en se séparant après une demi-douzaine d’albums, ils n’ont jamais eu l’occasion d’en faire un mauvais ou embarrassant.

          Notre classement des meilleurs albums de Dire Straits

          6) On Every Street

          On commence notre classement des meilleurs albums de Dire Straits avec On Every Street. Le dernier album de Dire Straits ne pouvait en aucun cas égaler le succès mondial de Brothers in Arms, qui s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires. Aussi, lorsqu’ils reviennent six ans plus tard avec On Every Street, le ton est à la fois réservé et moins monumental.

          Il n’en reste pas moins qu’il est aussi complexe et concentré que les meilleurs albums du groupe, mais sans les ambitions de « Love Over Gold », l’art de la chanson de Making Movies ou les succès de Brothers in Arms.

          5) Communique

          Le deuxième album de Dire Straits est sorti moins d’un an après son premier, et il semble précipité. À part « Lady Writer » (et peut-être le morceau d’ouverture « Once Upon a Time in the West », qui a sa raison d’être), les chansons sont oubliables et l’inspiration est à peine présente.

          Parce que le groupe s’est précipité en studio alors que le premier album était encore bien placé dans les charts, Communique ressemble beaucoup à son prédécesseur, mais sans le punch d’une chanson comme « Sultans of Swing ».

          4) Love Over Gold

          Le quatrième album de Dire Straits est le plus complexe et le plus exquis, une œuvre d’art de bon goût et parfois difficile, emmenée par le premier titre de 14 minutes « Telegraph Road ». Chaque album de Dire Straits, à l’exception de Communique, était une réaction à celui qui l’avait précédé. Love Over Gold contrebalance les hymnes radiophoniques de Making Movies avec des morceaux de fin de soirée qui se déroulent comme un film noir pour les oreilles.

          Place au podium des meilleurs albums de Dire Straits…

          3) Making Movies

          Le deuxième album de Dire Straits, Communique, a été critiqué parce qu’il ressemblait trop à leur premier album. Mark Knopfler a donc fait de l’album n° 3 son grand coup d’arène-rock. Et à bien des égards, il s’agit de leur album le plus abouti, rempli d’immenses chansons (« Tunnel of Love », « Romeo and Juliet ») plus grandes, plus audacieuses et plus mélodieuses que tout ce qu’ils avaient fait auparavant et, dans une certaine mesure, par la suite. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Dire Straits.

          2) Brothers in Arms, l’un des meilleurs albums de Dire Straits

          Mark Knopfler a revu à la baisse les ambitions de son groupe pour son cinquième album, et cela a porté ses fruits avec le meilleur et le plus gros succès de vente de Dire Straits, ainsi qu’avec l’un des albums les plus vendus des années 80. « Money for Nothing » a contribué à redéfinir leur image et leur carrière, mais presque toutes les chansons de Brothers in Arms prennent des directions nouvelles et parfois familières – de l’ouverture « So Far Away », au printanier « Walk of Life », en passant par l’épique morceau-titre qui clôt l’album.

          1) Dire Straits

          En tête de notre classement des meilleurs albums de Dire Straits, on retrouve leur premier opus sorti en 1978. Arrivé au milieu des explosions punk et disco, le premier album de Dire Straits a déraciné le rock ‘n’ roll traditionnel tout en y restant quelque peu ancré.

          Ils gardent les choses relativement simples, avec des guitares nettes et perçantes et la voix folk de Mark Knopfler, qui s’inspire autant des chanteurs de pubs britanniques que de Bob Dylan. « Sultans of Swing » a fait d’eux des stars ; le reste de l’album s’inscrit dans une formule qui a évolué au fil du temps.

          Les meilleurs tubes de l’été de 1989 à aujourd’hui

          L’été est la saison des plaisirs, de la chaleur ensoleillée et des souvenirs qui durent toute une vie. Et quoi de mieux pour accompagner ces moments que la musique qui fait vibrer nos âmes et nous transporte dans une ambiance estivale ? Depuis les années 90 jusqu’à aujourd’hui, de nombreux tubes de l’été ont rythmé nos mois de Juillet et Août, devenant des hymnes indissociables de cette période ensoleillée de l’année.

          Dans cet article, nous vous invitons à un voyage nostalgique à travers le temps pour redécouvrir les meilleurs tubes de l’été qui ont marqué les esprits et ont fait danser des générations entières. Préparez-vous à revivre des moments emblématiques et à vous laisser emporter par les mélodies inoubliables qui ont illuminé les étés passés.

          40 Tubes Ete 2022
          • Non communiqué

          Notre liste des meilleurs tubes de l’été par année

          Les tubes de l’été des années 90

          1989 – Lambada – Kaoma – Le 1er tube de l’été

          On commence avec la chanson culte de la Lambada en 1989 qui aura marqué le véritable départ des tubes de l’été. Reprise par la marque Schweppes pour l’une de ses pubs, la chanson est en fait un plagiat… Peu importe, le titre est devenu culte et reste encore aujourd’hui dans le patrimoine de la musique en France.

          1990 – SOca Dance – CHARLES D. LEWIS

          On aurait aussi très bien pu placer ici « Maldon » de Zouk Machine de sorti la même année mais il faut bien faire un choix.

          1991 – Saga Africa – Yannick Noah

          Comment ne pas placer Saga Africa de Yannick Noah comme meilleur tube de l’été de l’année 1991 ? L’ex-tennisman recouverti en chanteur sort ce titre phare que la France entière chnatera sur cette année 1991.

          1992 – Sous le Soleil de Bodega – Les Négresses Vertes

          Cette chanson des Négresses Vertes vou smettra forcément du soleil dans le coeur. « Aie, bodega, bodega / Chante nos joies et nos folies ». Incontournable cette année-là, « Sous le soleil de Bodega » est notre choix évident pour le meilleur tube de l’été de 1992.

          1993 – Darla Dirladada – G.O. Culture

          Remix de la chanson culte des Bronzés, G.O. Culture est leur « Darla Dirladada » sera sur toutes les ondes en 1993 et a toute sa place dans notre liste des meilleurs tubes de l’été.

          1994 – Rhythm of the Night – Corona

          Probablement l’une des meilleures chansons dance des années 90… Corona et son légendaire « Rhythm of the Night » aura enflammé les pistes de dance en 1994 et reste encore aujourd’hui l’un des meilleurs représentant des tubes de l’été des années 90.

          1995 – Dam dam deo – Felicidad

          « Dam Dam Deo » est un véritable hymne de fête, invitant chacun à se laisser emporter par la musique et à profiter pleinement du moment présent. Les paroles évoquent la joie de vivre et l’envie de danser, créant une atmosphère de célébration et de bonne humeur.

          1996 – Macarena – Los Del Rio – L’un des tubes de l’été les plus connus

          Place au roi… On parle évidemment de la « Macarena » qui reste encore aujourd’hui l’un des meilleurs tubes de l’été de l’histoire. La chorégraphie est réalisée par Mia Frye, que l’on peut voir dans le clip et aura grandement participée au succès de la chanson. Qui n’a pas essayé de la reproduire lors de cet été 1996… et même après ?

          On aurait également pu cité « Tic Tic Tac » de Carrapicho

          1997 – Alane – Wes – LE tube de l’été ultime

          Il y a bien eu cette année la « Un, dos, Tres Maria » de Ricky Martin ou encore « Samba de Janeiro » de Bellini… Mais le titre phare qui restera associé comme LE tube de l’été de 1997 est bien évidemment « Alane » de Wes. Chanté en douala et sponsorisé par TF1, le titre sera un énorme carton en France mais aussi dans toute l’Europe.

          1998 – Yakalelo – Nomads

          « I Will Survive » du Hermes House Band sera dans toutes les oreilles après la victoire de l’équipe de France lors de sa coupe du Monde en France mais la véritable tube de l’été reste pour nous « Yakalelo » de Nomads. Entêtante comme jamais, le tube sera dans tous les baladeurs en 1998.

          On aurait également pu rajouter un 3ème prétendant : Pata Pata de Coumba Gawlo.

          1999 – Mambo N°5

          On poursuit notre liste des meilleurs tubes de l’été des années 90 avec l’année 1999. Beaucoup de titres auront cartonné cet été là. On pense à Zebda et leur « Tomber la chemise » ou encore « Bailamos » de Enrique Iglesias.. Mais le cador reste quand même l’allemand Lou Bega et son cultissime « Mambo N°5 ».

          Tout savoir sur Mariah Carey All I Want For Christmas Is You

          Découvrez tout ce dont vous souhaitez savoir sur le titre de Mariah Carey All I Want For Christmas Is You. Mariah Carey est la reine incontestée de Noël, grâce à « All I Want for Christmas Is You ». L’une des seules chansons pop à avoir été ajoutée au canon classique des fêtes de Noël, la chanson a résisté à l’épreuve du temps pendant 28 ans (et ce n’est pas fini).

          Qu’il s’agisse de ses innombrables reprises, des émissions spéciales et des spectacles festifs de Carey sur le thème de Noël, la chanson est une locomotive de la culture pop qui ne disparaîtra jamais.

          Merry Christmas Deluxe Anniversary Édition
          • Merry Christmas Deluxe Anniversary Edition
          • Product type: ABIS MUSIC
          • Brand: COLUMBIA/LEGACY

          Il existe de nombreuses versions de la chanson

          Bien sûr, il y a le single original que nous connaissons et aimons, mais Mariah a sorti plusieurs versions différentes de son tube de Noël. Quand elle a sorti son deuxième album de Noël, elle a sorti une version « extra festive » de la chanson. Et bien sûr, il y a la version qu’elle a enregistrée en duo avec Justin Bieber. Elles sont toutes géniales… mais rien ne vaut l’original.

          C’est le 1er et seul single de Noël certifié Diamant

          La chanson de Mariah Carey All I Want For Christmas Is You a été certifiée diamant (c’est-à-dire qu’elle a été vendue à plus de 10 millions d’exemplaires). Et reste à ce jour le seul.

          A l’origine, Mariah Carey ne voulait pas l’enregistrer

          Ni faire un album de Noël. En 1994, les albums de Noël étaient pour les vieux artistes et les has-beens. Dans son livre, Hitmaker : The Man and His Music, le mari de Mimi et directeur musical, Tommy Mottola, se souvient qu’en voyant la couverture de l’album Merry Christmas, elle lui a dit : « Qu’est-ce que tu essaies de faire, me transformer en Connie Francis ? ». Grand bien lui en a pris de revenir sur sa décision…

          Love Actually

          Le titre All I Want For Christmas Is You n’a pas été un si grand succès à sa sortie

          Manifestement, les gens des années 90 n’appréciaient pas pleinement la magie dont ils avaient bénéficié, car lorsque « All I Want For Christmas Is You » est sorti en 1994, il n’a pas dépassé la 12e place du Billboard Hot 100. C’est surtout la sortie du film Love Actually en 2003 qui redonnera un regain de popularité à la chanson, qui n’est pas redescendu depuis…

          All I Want For Christmas Is You et son joli pactole

          SI la chanson est signe du début des fêtes de fin d’année pour beaucoup, c’est le signe pour la chanteuse du début des retombées financières qui vont avec. Depuis 28 ans maintenant (et certainement encore 28 autres années), Mariah Carey toucherait l’équivalent de 2,5 millions de dollars par an. Et près de 60 millions de dollar de redevance à ce jour.

          Des recherches Google très saisonnières…

          Un graphique assez amusant a regardé est la tendance de recherche sur Google des internautes pour le titre de Mariah Carey All I Want For Christmas Is You. Beaucoup s’en servent pour connaitre quand commence réellement l’esprit des fêtes de Noël.

          All I Want For Christmas Is You - Google trends
          Pic de saisonnalité de la recherche Google : All I Want For Christmas Is You

          Une chanson écrite en 15 minutes environ

          Elle a coécrit cette chanson avec l’auteur-compositeur chevronné Walter Afanasieff, qui affirme que la vitesse à laquelle ils l’ont écrite est le secret du succès de la chanson. « Ce n’est certainement pas le Lac des cygnes », a-t-il déclaré. « Mais c’est pour cela qu’elle est si populaire – parce qu’elle est si simple et si agréable à écouter ! ». Pas faux.

          Une chanson portait déjà le même titre

          C’est vrai que Mariah est une vraie originale, mais le titre de cette chanson ? Pas tant que ça. Vince Vance & the Valiants ont sorti une chanson appelée « All I Want for Christmas Is You » en 1989, mais celle de Mariah Carey est totalement unique et ne ressemble en rien à la chanson country.

          3 records du monde pour All I Want For Christmas

          Qui sont : la chanson de vacances (Noël/Nouvel An) la mieux classée dans le Billboard U.S. Hot 100 américain par un artiste solo, la chanson la plus diffusée sur Spotify en 24 heures, et le plus grand nombre de semaines dans le Top 10 des singles au Royaume-Uni pour une chanson de Noël.

          En tête des charts sur 4 décennies

          Ce n’est pas un secret que Mariah Carey a eu un grand nombre de numéros 1, et quand « All I Want For Christmas Is You » a atteint la place de numéro 1 à la fin de 2019/début de 2020, cela a marqué la quatrième décennie consécutive où elle a eu une chanson numéro 1 – quelque chose qu’aucun autre artiste n’a jamais fait !

          1 milliard de streams sur Spotify

          En 2021, alors que la chanson été écouté plus de 5 millions de fois chaque jour de décembre, le titre a cumulé plus d’un milliard de streams sur la plateforme de Spotify. SI d’autres artistes l’ont également fait, il ne sont pas non plus pléthore…

          Des reprises en veux-tu en voila

          Parmi les artistes qui se sont appropriés ce classique de Noël, on retrouve Miley Cyrus, Ariana Grande, la chanteuse australienne Kylie Minogue, Michael Bublé, la chanteuse de country Shania Twain, mais aussi Bruce Springsteen, Justin Bieber ou encore Aloe Blacc. Et quelque chose nous dit qu’il y en aura encore beaucoup d’autres…

          Les meilleures guitares pour enfants

          Recevoir sa toute première guitare quand on est enfant est un souvenir essentiel pour nous, guitaristes. Le moment où nous avons tenu notre première guitare a été le moment où nous avons su que c’était quelque chose que nous étions destinés à jouer – et à partir de là, cela a tout changé pour nous. C’est la raison pour laquelle il est si important de s’assurer que vous achetez l’une des meilleures guitares pour enfants.

          Jouer de la guitare est un moyen fantastique pour un enfant créatif de canaliser son énergie et sa passion dans quelque chose de vraiment universel, et contribue également à renforcer sa confiance en soi. Jouer de n’importe quel instrument de musique est un moyen sûr de se faire des amis et d’acquérir des compétences en communication auditive et visuelle.

          Contrairement à d’autres instruments qui peuvent s’avérer plus difficiles, la guitare est relativement facile à prendre en main. Cette progression rapide signifie qu’avec vos premiers accords à votre actif, vous êtes plus ou moins un guitariste opérationnel !

          Dans ce guide, nous avons sélectionné cinq guitares électriques et cinq guitares acoustiques qui nous semblent idéales pour les jeunes joueurs qui débutent.

          LES MEILLEURES GUITARES POUR ENFANTS : NOS MEILLEURS CHOIX

          Bien que n’importe laquelle des entrées de notre guide des meilleures guitares pour enfants puisse être une excellente première guitare pour votre enfant, il y a quelques options vers lesquelles nous vous dirigerions sans hésiter. Notre meilleure recommandation acoustique est la Fender FA-115.

          Non seulement c’est un excellent instrument pour débuter, avec un corps compact et confortable de la taille d’une guitare de concert, mais les jeunes joueurs ne s’en lasseront pas aussi vite qu’avec d’autres guitares d’entrée de gamme. Surtout, vous avez là un pack complet : guitare, sac de transport, sangle, médiators, cordes et même des cours en ligne.

          Fender FA-115 Dreadnought Ensemble Guitare Acoustique, Touche en Noyer, incluant un Sac de Transport pour Guitare, Sangle, Médiators, Cordes, Leçons en Ligne, Naturel
          • Le pack de guitare Fender FA-115 Dreadnought avec touche en noyer comprend une guitare acoustique au fini naturel, un sac de transport, une sangle, des médiators, des cordes de rechange et un accès aux cours en ligne Profitez de la qualité légendaire de Fender dès le premier coup
          • Le FA-115 offre une valeur et une qualité exceptionnelles Son style de corps dreadnought offre un son plein et résonnant, ce qui le distingue comme un choix idéal pour ceux qui débutent ou cherchent à élargir leur collection
          • Doté d’une finition brillante naturelle, le FA-115 est doté d’une table en épicéa avec renfort en « X » pour une projection sonore améliorée Le fond et les éclisses en tilleul offrent un son équilibré, tandis que la touche en noyer à 20 frettes assure une jouabilité fluide et un son chaud et riche
          • La forme classique dreadnought du FA-115 est conçue pour une expérience de jeu confortable Sa construction robuste et ses matériaux de qualité le rendent durable et fiable, garantissant qu’il peut résister aux rigueurs d’une utilisation régulière
          • Soutenu par l’héritage d’excellence de Fender, le pack de guitare acoustique FA-115 Dreadnought offre une qualité à un prix abordable L’histoire de Fender en matière de fabrication de guitares raffinées garantit que chaque produit offre des performances et une fiabilité exceptionnelles

          Les guitares pour enfants Mad About

          Les guitares pour enfants Mad About représentent certainement le meilleur rapport qualité-prix. Les cordes sont en nylon, plus facile pour un enfant pour jouer à ses débuts et il comprend tout le pack classique : sac de transport + cordes de rechange, sangle et médiator. La finition est également au rendez-vous.

          L’identifiant du tableau n’est pas valide.

          Les guitares pour enfants Music Alley

          Voici aussi une guitare impeccable pour débuter la guitare. Avec une taille adaptée aux petits, et des cordes en nylon, elle sera idéale pour vos enfants.

          Music Alley Guitare acoustique classique pour enfant 34 pouces
          • Guitare acoustique taille 1/2 : La music Alley mesure 34 pouces (env. 86 cm) de long. Cela, ainsi que son corps léger en tilleul, en fait la guitare idéale pour les enfants et les débutants
          • Guitare acoustique avec cordes en nylon : plus douces pour les doigts et conçues pour produire un son chaud, les cordes en nylon de cette guitare acoustique seront accordées régulièrement, jusqu’à ce qu’elles s’ajustent, mais vous permettent de jouer plus longtemps
          • Guitare acoustique avec engrenages en métal : les engrenages métalliques de cette guitare permettent un réglage plus rapide et plus précis afin que vous puissiez passer moins de temps à accorder et plus de temps à jouer
          • Accessoires pour guitare acoustique : cette guitare est livrée avec des cordes de rechange et des autocollants de notes qui aideront les guitaristes débutants à apprendre les notes, les accords et les gammes
          • Guitare classique Design : ayant son origine dans le 19ème siècle, la forme de cette guitare a préservé sa popularité en raison de sa grande jouabilité

          La marque Fender et sa guitare Sonoran Mini + Housse

          Lorsque l’on cherche une guitare pour débuter, il est évident que l’on commence par une des plus grandes marques, et il n’y a pas plus grand que Fender. Bien que plus cher que les autres guitares pour enfants de notre liste, la Sonoran Mini est idéale pour les enfants et les adultes.

          Le petit corps est complété par un manche très jouable, ce qui signifie qu’il est facile à manier – surtout pour les joueurs débutants. L’ajout de l’emblématique tête de Fender Stratocaster est une touche agréable, donnant à la Sonoran un look très unique.

          Cette petite guitare est également livrée avec un sac de transport Fender très pratique, qui vous permettra de la transporter facilement entre vos cours.

          Fender Sonoran Mini Guitare Acoustique, Naturel, incluant un Sac de Transport pour Guitare
          • Le Sonoran Mini emballe un gros coup de poing dans une guitare acoustique de plus petite taille. Avec le choix d’un plateau en épicéa ou en acajou associé à un dos et des côtés en acajou, cette guitare a une longueur d’échelle de 24 pouces, mais offre le son d’une guitare de taille normale.
          • Comme tous les modèles de la série California, la Sonoran Mini est dotée d’une poupée Strat de 6 pouces inspirée de l’héritage électrique de Fender.
          • Que vous soyez un jeune joueur en herbe à la recherche d’un instrument plus petit, ou simplement à la recherche d’une guitare haut de gamme facile à transporter, le Sonoran Mini est ce qu’il vous faut.
          • La table d’harmonie fournit l’élément tonal le plus important d’une guitare acoustique. Les sommets en épicéa sont connus pour leur luminosité, leur ouverture et leur meilleur son au fil du temps. Les plateaux en acajou présentent des motifs de grains séduisants et offrent un ton plus chaud que l’épinette. Les deux répondent bien à tout style de jeu acoustique, du grattage dur au flatpicking rapide ou au fingerpicking délicat.
          • Le contreventement festonné est plus fin que le contreventement plus conventionnel. Cela signifie que le motif de contreventement à l’intérieur de la guitare utilise moins de bois, ce qui signifie que la masse de la table d’harmonie est réduite. Cela permet au sommet de résonner plus librement, résultant en un meilleur son avec plus de nuance et une plus grande projection.

          Qu’est-ce qui fait une bonne guitare pour enfants ?


          Il y a quelques éléments à prendre en compte lors de l’achat des meilleures guitares pour enfants. Tout d’abord, la guitare doit être confortable, avoir un bon son et un look attrayant. Si une guitare remplit toutes ces conditions, vous pouvez être sûr que votre enfant voudra la prendre encore et encore.

          Quel est l’âge idéal pour que mon enfant commence à jouer de la guitare ?

          guitare acoustique

          Il n’y a pas vraiment de règle absolue lorsqu’il s’agit d’initier votre enfant aux joies de la guitare. Cela dit, nous suggérons généralement de commencer vers l’âge de six ans. Vous ne voulez pas les initier trop tôt et les effrayer à jamais de l’instrument.

          Cependant, il est bon de rappeler que vous connaissez votre enfant mieux que quiconque, et qu’il vaut donc la peine de l’encourager lorsque vous le sentez prêt. Si vous souhaitez développer son goût pour la musique dès le plus jeune âge, nous vous recommandons le ukulélé, qui est l’instrument d’initiation idéal.

          Quelle est la taille idéale d’une guitare pour enfants ?

          Il est difficile de répondre à cette question de manière définitive. Encore une fois, tout dépend des besoins de votre enfant.

          La taille de la guitare est cruciale pour garantir une bonne expérience de jeu. Vous devrez donc vous pencher sur certaines spécifications pour vous assurer d’associer la bonne guitare à votre enfant. La taille d’une guitare est généralement mesurée par la longueur de l’échelle, c’est-à-dire la mesure entre le sillet et le chevalet. Il s’agit de la longueur de jeu de la guitare, donc plus elle est courte, plus la guitare sera petite, ce qui la rendra plus facile à manipuler pour les jeunes joueurs.

          La deuxième mesure que vous devrez prendre en compte est la taille du corps. La taille du corps est généralement exprimée en fractions, par exemple, ¾, qui est une taille de corps populaire pour les jeunes joueurs. Un corps plus fin permet d’approcher plus facilement l’instrument de la main de votre jeune joueur, et cela est particulièrement vrai pour les guitares acoustiques qui ont tendance à avoir des corps plus larges.

          Guitare électrique ou guitare acoustique ?

          Guitare pour enfants- enfant avec une guitare électrique

          Choisir entre une guitare électrique et une guitare acoustique peut être difficile, mais ce n’est pas une fatalité. Si votre enfant aspire à devenir le Jimi Hendrix de cette génération, il est préférable de choisir une guitare électrique. De même, s’il aspire à devenir le prochain Ed Sheeran, une guitare acoustique sera peut-être plus appropriée.

          Encore une fois, il s’agit de donner de l’inspiration à votre enfant, et le choix de la bonne guitare peut faire toute la différence. Demandez à votre enfant ce qu’il préfère, car c’est lui qui jouera de la guitare à la fin de la journée.

          Bien entendu, le débat entre guitare électrique et acoustique comporte également un aspect pratique. Avec une guitare acoustique, vous avez simplement besoin d’un plectre et vous êtes prêt à jouer. Une guitare électrique, en revanche, doit être branchée sur quelque chose, et vous aurez donc besoin d’un ampli et d’un câble d’entraînement. Il existe de nombreux packs pour débutants destinés aux jeunes guitaristes qui contiennent tout ce dont ils ont besoin, ce qui est un moyen facile de s’assurer que vous avez couvert toutes les bases.

          Woodstock 1999 : l’un des pires festival de tous les temps

          Quand un rassemblement prévu pour être de nouveau un week-end de trois jours de paix, d’amour et de musique est devenu une des pires catastrophe de l’histoire des festivals. Ce Woodstock 1999 restera – pour les mauvaises raisons – dans les annales comme l’un des pires festivals de tous les temps.

          Woodstock 99 : une programmation magnifique…

          Woodstock 1999 était la 5ème édition qui a tenté d’imiter le festival original de Woodstock de 1969 (Il y a eu auparavant 1979, 1989, 1994 et donc 1999). Comme les précédents festivals de Woodstock, il s’est tenu dans le nord de l’État de New York, cette fois dans la ville de Rome (à environ 160 km du site de l’événement d’origine), et la participation a été d’environ 250 000 personnes sur 3 jours.

          Sur le papier, tout cela semblait être une très bonne idée. A commencer par la liste des invités. Une programmation à faire pâlir plus d’un directeur de festival ; jugez plutôt :

          Découvrez la programmation du Woodstock 1999

          Vendredi 23 Juillet

          • James Brown
          • Jamiroquai
          • Live
          • Sheryl Crow
          • DMX
          • The Offspring
          • Korn
          • Bush
          • Moby
          • The Roots
          • George Clinton

          Samedi 24 Juillet

          • Limp Bizkit
          • Rage Against The Machine
          • Metallica
          • Alanis Morissette
          • Kid Rock
          • Dave Matthews Band
          • Counting Crows
          • Los Lobos
          • Ice Cube
          • The Chemical Brothers
          • Fatboy Slim

          Dimanche 25 Juillet

          • Red Hot Chili Peppers
          • Creed
          • Muse
          • Jewel
          • Elvis Costello
          • Everlast
          • Megadeth
          • Godsmack
          • The Brian Selzer Orchestra

          Même si certains grands noms du rock ont dû annuler leur venue (Foo Fighters, Al Green, Aerosmith, Sugar Ray ou Jeff Beck qui ont eu une très belle inspiration d’annuler…), la programmation de ce Woodstock 1999 était sur le papier du 4 étoiles.

          …mais 3 jours de violence, d’agressions et de pillages.

          Malheureusement, le week-end du Woodstock 99 deviendra une catastrophe.

          Tout d’abord, bien loin de l’esprit 1969, les organisateurs n’ont rien fait pour accueillir les festivaliers dans de bonnes conditions. Interdiction d’amener des boissons ou de la nourriture à l’intérieur du festival…pour y trouver des bouteilles d’eau à 4$ le 1er jour…à 12$ le dernier jour (les gens dépenseront alors leur argent en bière…) et des parts de pizza à 10$.

          Trop peu de stock prévu et les 37°C (qui devraient certainement être beaucoup plus en ressenti avec le goudron) ont privé rapidement les festivaliers d’eau entrainant de nombreuses déshydratations. Les secours, trop peu nombreux sur place ont rapidement été dépassé…

          Aussi les artistes présents n’ont rien fait pour calmer les ardeurs des festivaliers, bien au contraire. Le bassiste des Rage Against The Machine brulera un drapeau des Etats-Unis sur scène. Quant à Fred Durst, leader et chanteur de Limp Bizkit, il incitera le public a faire n’importe quoi pendant sa chanson « Break Stuff ». Et c’est exactement ce qu’ils ont fait…

          Limp Bizkit pendant Woodstock 1999
          @Getty Images

          La foule deviendra alors plus agressive et se mit même à secouer l’échafaudage à trois étages à partir duquel MTV diffusait et le fit tomber.

          Apogée certainement de la catastrophe de ce Woodstock 1999, avant que les Red Hot Chili Peppers ne montent sur scène dimanche soir, un groupe anti-violence a distribué environ 100 000 bougies destinées à une veillée anti-armes pendant l’hymne du groupe « Under the Bridge ».

          Au lieu de cela, ces bougies ont été utilisées par beaucoup pour allumer des feux qui sont rapidement devenus incontrôlables (Peut-être aussi que le groupe n’aurait pas du jouer une reprise de Jimi Hendrix… »Fire »), déclenchant par la suite des émeutes de masse. Destructions des infrastructures, pillages…

          De nombreux dérapages lors de cette édition de Woodstock 1999
          @Getty Images
          Des camions pillés
          @Getty Images

          Vous pouvez voir la veillée aux chandelles se transformer en départ de feu sur cette prestation de « Under The Bridge » par les Red Hot Chili Peppers (à partir de 3:40).

          Le bilan de ce Woodstock 1999

          Les concerts sont bien évidemment passés à la trappe et ce que nous retenons est le triste bilan de ce Woodstock 1999 : 44 arrestations, 10 000 personnes ayant eu recours des soins, des accusations de viols, des pillages, des incendies… Un carnage.

          Les organisateurs ont mis à l’honneur les artistes des nouveaux courants musicaux phares de l’époque – le rap rock, du post-grunge et du nu-metal – des genres qui ont captivé une jeunesse avide de rébellion. À Woodstock 99, ils l’ont trouvé.

          L’objectif de ce Woodstock 1999 était de rendre hommage à l’esprit originel du festival en proposant de nouveau » 3 jours de paix et de musique ». Et bien deviez quoi ? Il n’y aura pas eu d’autres éditions de Woodstock après cette édition… Surprenant, non ?

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