Notre classement des 10 meilleures chansons de Placebo

Découvrons ensemble notre classement des meilleures chansons de Placebo. Placebo est un groupe de rock anglais, formé à Londres en 1994 par le chanteur-guitariste Brian Molko et le bassiste-guitariste Stefan Olsdal. Après la sortie d’une démo, d’un split single et de leur premier album éponyme, Placebo s’est fait connaître en 1997 après que le single « Nancy Boy » soit devenu populaire au Royaume-Uni, une chanson connue à l’époque pour son contenu sexiste.

Le groupe se démarque de la scène Britpop à laquelle il est associé à l’époque par son apparence androgyne, son contenu musical et ses paroles qui abordent ouvertement la sexualité, la santé mentale et la consommation de drogues. Placebo a collaboré avec divers artistes au fil des ans, notamment David Bowie, Justin Warfield, Michael Stipe et Alison Mosshart. À ce jour, Placebo a sorti huit albums studio, qui ont tous atteint le Top 20 au Royaume-Uni, et a vendu environ 11 millions de disques dans le monde.

Notre top 10 des meilleures chansons de Placebo

10 – The Extra

On commence notre liste des meilleures chansons de Placebo avec « The Extra ». Pour les fans de Placebo qui attendaient avec impatience une suite à Battle For the Sun de 2009, l’EP ‘B3’ de 2012 était une friandise légèrement inattendue pour dépanner tout le monde. ‘B3’ est l’une des sorties les plus divisées de Placebo, mais heureusement, elle contient un joyau inédit.

« The Extra » peut sembler un peu simple au niveau des paroles ( » If I am an extra in the film of my own life / Then who the hell is the director/If I am an extra in the film of my own life / Will someone please turn of the camera / And show me how to live « ), mais l’idée de se sentir comme un figurant dans sa propre vie fait de cette chanson l’une des plus universelles de Placebo.

9 – Song to Say Goodbye

« You are one of god’s mistakes / You crying, tragic waste of skin. » Si nous devions décerner un prix pour la ligne d’introduction la plus furieuse et la plus vicieuse d’une chanson, celle-ci pourrait bien remporter la médaille d’or. Mais il ne s’agit pas d’une référence à une ex ou à un ennemi.

Brian Molko aurait écrit cette chanson comme une lettre à lui-même, après avoir voyagé en Inde pour tenter d’améliorer son mode de vie. De plus, la vidéo qui accompagne cette chanson (qui montre un jeune garçon s’occupant de son père malade mental) est d’une beauté et d’une émotion bouleversantes.

8 – Sleeping With Ghosts

« Soulmates never die » : c’est une idée très simple, et pourtant c’est l’une des lignes les plus puissantes et les plus résonnantes de toutes les chansons de Placebo (et probablement l’un des tatouages liés au groupe les plus populaires parmi les fans). Le numéro 8 de notre liste des 10 meilleures chansons de Placebo est centré sur l’idée que les fantômes de vos relations passées ne vous quittent jamais. C’est quelque chose que nous pouvons tous apprécier.

7 – The Bitter End

Le premier single de « Sleeping with ghosts » est l’une des chansons les plus jouées lors des concerts du groupe. Écrite par Jamie Alexander Hartman et John Frederik Fortis, la chanson est basée sur le roman « 1984 » de George Orwell.

6 – Every You Every Me

Il s’agit probablement de l’une de leurs chansons les plus connues, car elle figure au générique du film classique préféré de tout le monde, « Cruel Intentions ». Si vous êtes – ou avez été – un fan de Placebo, vous avez probablement entendu parler d’eux pour la première fois dans ce film, car cette chanson est devenue synonyme de Sebastian conduisant sa Jaguar 1956 sur l’autoroute. Mais le titre est surtout devenu l’un des meilleurs titres de Placebo.

5 – Teenage Angst

Placebo s’est toujours considéré comme un groupe de marginaux, faisant de la musique pour des marginaux comme eux. À bien des égards, « Teenage Angst », la prochaine chanson de notre liste des 10 meilleures chansons de Placebo, résume exactement ce sentiment.

Comme Molko l’a expliqué un jour, il s’agit d’une chanson authentique mais « pleine d’autodérision » sur le fait d’être un adulte piégé dans le corps d’un enfant, de vouloir s’en sortir mais d’être obligé de se fermer complètement.

4 – Pure Morning

Écrit par Brian Molko & co, le titre est initialement enregistré en tant que face B, mais le groupe l’aime tellement qu’il décide de le mettre sur son deuxième album « Without you I’m nothing ». Grand bien leur a pris, puique le titre deviendra l’un des préférés des fans et l’une des meilleures chansons de Placebo.

3 – Nancy Boy

C’est la chanson qui définit les débuts de la carrière de Placebo. Sexe, drogue et rock ‘n’ roll à l’extrême, avec une touche d’androgynie, c’est le morceau racoleur et controversé qui a mis en évidence l’ambiguïté sexuelle du groupe (avec l’aide de l’affinité de Brian Molko pour les robes). « Nancy Boy » caractérise le son inégalé du premier album de Placebo et marque le début de leur carrière musicale. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Placebo.

2 – Without you I’m nothing at all

Toute chanson comportant la voix de David Bowie (dans sa version remixée) mérite une place de choix dans cette liste, ne serait-ce que pour cette raison, même si « Without You I’m Nothing » est certainement digne d’intérêt en soi. C’est l’un des meilleurs moments du deuxième album du groupe, voire de toute sa carrière.

Comme la plupart des chansons, elle est ouverte à l’interprétation, et peu importe qui Molko chante, la phrase « Without you I’m nothing at all » est un sentiment que nous avons tous ressenti à un moment ou à un autre. Elle n’est pas trop mielleuse, mais elle va droit au but tout en tiraillant légèrement votre cœur fragile. L’un des meilleurs titres de Placebo

1 – My Sweet Prince

Enfin, Brian Molko a déclaré que cette chanson, numéro 1 de notre liste des 10 meilleures chansons de Placebo, parle de deux histoires d’amour : une avec une substance (l’héroïne) et une avec une personne. Les deux, dit-il, se sont terminées « très, très tragiquement ».

Bien qu’elle soit assez simpliste musicalement, cette chanson suinte d’une émotion brute stupéfiante, et c’est évident avec à peu près n’importe quelle performance live disponible sur YouTube (surtout celle-ci). Même si cette chanson est sortie il y a plus de dix ans, chaque écoute rappelle aux fans pourquoi ils sont tombés éperdument amoureux de ce groupe.

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Notre classement des 20 meilleures chansons de Genesis

Cela fait 30 ans que Genesis a sorti son dernier album studio avec le chanteur et batteur Phil Collins. Le groupe a contribué à l’invention du rock progressif, mais contrairement à ses pairs, il a su faire la transition vers un son rock plus épuré, dominant les radios rock au début des années 80. Ils sont ensuite devenus des superstars de la pop, sans pour autant abandonner totalement leurs racines progressives. Il nous semblait évident de proposer un classement des 20 meilleures chansons de Genesis.

En l’honneur de l’incroyable héritage du groupe, nous avons établi un classement de leurs plus grandes chansons, couvrant l’ensemble des périodes Peter Gabriel et Phil Collins.

Notre top 20 des meilleures chansons de Genesis

20 – Los EndosA Trick Of The Tail

On commence notre liste des meilleures chansons de Genesis avec « Los Endos ». A Trick Of The Tail est sans doute l’album le plus important de l’histoire de Genesis. À l’époque de sa création en 1976, Peter Gabriel venait de partir, et les doutes sur la capacité de Genesis à continuer le travail s’intensifiaient, mais le groupe n’était pas prêt à s’arrêter là.

Des chansons comme « Dance On A Volcano » ou « Squonk », aux accents Led Zeppelin, sont plus que suffisantes pour dissiper toute crainte concernant le Genesis post-Gabriel, mais le morceau qui relie le tout est « Los Endos ». « Los Endos » raconte l’histoire de A Trick Of The Tail sans fioritures ni voix (à l’exception d’un seul hommage à Peter Gabriel dans l’outro). Ils jouent à fond ce morceau de clôture, qui est devenu au fil des ans un véritable showstopper en concert.

19 – Dance On A VolcanoA Trick Of The Tail

Prouvant que le groupe pouvait survivre et prospérer sans Gabriel, « Dance On A Volcano » est né d’un jam entre Banks, Rutherford et Collins au début des sessions d’écriture de l’album, alors que Steve Hackett était encore occupé à terminer son disque solo, Voyage Of The Acolyte. Il reste encore à ce jour l’un des titres de Genesis les plus appréciés par les fans.

18 – Ripples – A Trick Of The Tail

« Ripples » est l’un des points forts du premier album du groupe avec Phil Collins au chant. Écrite par Tony Banks et Mike Rutherford, cette chanson folklorique montre que le groupe se dirige vers des chansons plus simples avec des refrains plus accrocheurs. Bien qu’il y ait une quantité folle de talent dans le groupe, ils ont réalisé qu’ils n’avaient pas besoin de montrer leurs talents sur chaque chanson. L’une des meilleures chansons de Genesis.

17 – Abacab (live)Three Sides Live

Les disques de Genesis étaient assez intacts dans les années 80, et le groupe n’était pas vraiment un groupe de musique improvisée, si bien que les versions live de leurs chansons avaient tendance à rester assez proches des versions studio.

Mais cette prise live de « Abacab » ajoute près de deux minutes d’intensité, ce qui lui donne l’avantage sur l’excellente version studio. C’était toujours un plaisir de voir Phil Collins et le batteur de tournée Chester Thompson enchaîner les temps forts à la fin de ce jam. Un des meilleurs titres de Genesis.

16 – The Musical BoxNursery Cryme

On continue notre liste des meilleures chansons de Genesis avec « The Musical Box ». La première chanson de leur premier album avec le guitariste Steve Hackett et le batteur Phil Collins, et quelle étrange introduction. Une épopée de dix minutes et demie dont les paroles sont inspirées d’un conte de fées victorien. Genesis a beaucoup de chansons bizarres (notamment sur ‘The Lamb Lies Down On Broadway’) mais celle-ci est peut-être la plus bizarre.

15 – Cinema Show – Selling England By The Pound

Du rock progressif à son meilleur. Voici une autre épopée de 11 minutes ! Celle-ci met en valeur la sublime guitare de Steve Hackett, les claviers de Banks, les harmonies de Peter Gabriel et de Phil Collins et le jeu de flûte et de hautbois de Gabriel. L’une des rares chansons optimistes de l’ère Gabriel, qui délaisse sa mélancolie habituelle en clé mineure pour une ambiance plus gaie.

14 – Tonight, Tonight, TonightInvisible Touch

D’une certaine manière, Invisible Touch semblait suivre le modèle de Genesis. Chaque album avait un morceau socialement conscient (le maladroit « Illegal Alien », « Land of Confusion »), un retour en arrière du rock progressif en deux parties (« Home By The Sea/Second Home By The Sea », « Domino ») et un morceau de soft rock au style reggae (« Taking It All Too Hard », « Throwing It All Away »).

Genesis avait également un jam bizarre et effrayant avec « Mama », et Invisible Touch avait « Tonight, Tonight, Tonight ». Bien que nous préférions « Mama », les charts pop ont clairement favorisé « Tonight, Tonight, Tonight ». Une bonne 14ème place dans notre liste des meilleures chansons de Genesis.

13 – In The CageThe Lamb Lies Down On Broadway

C’est l’un des morceaux de l’ère Gabriel que le Genesis de l’ère Collins a le plus interprété, et il est facile de comprendre pourquoi : le groupe a fait feu de tout bois sur ce morceau (et la batterie de Collins est particulièrement excellente). En 13ème place de notre classement des meilleurs titres de Genesis, « In The Cage » capture la panique croissante du protagoniste de l’album, Rael, piégé dans une prison formée de stalactites et de stalagmites. Soutenue par le battement de cœur des claviers de Banks, l’intensité musicale augmente en même temps que la claustrophobie croissante de Rael.

12 – Fading LightsWe Can’t Dance

La dernière chanson de ce qui est, en fait, le dernier album de Genesis (sans compter l’album post-Phil Collins, ‘Calling All Stations’). Tony Banks a écrit les paroles, et il semble qu’il savait que le groupe arrivait à une sorte de fin. La séparation de Genesis était un peu unique dans la mesure où il ne semblait pas y avoir de mauvaise volonté entre les membres. Mais c’était juste le temps – et franchement, Rutherford et Banks ont eu de la chance que Collins reste aussi longtemps, étant donné son énorme succès en tant qu’artiste solo.

Mais « Fading Lights » était un adieu parfait et une révérence finale émouvante : il contient beaucoup d’éléments de ce qui a fait la grandeur du groupe. Elle commence avec une boîte à rythmes, et sonne comme une autre ballade douce, avant de se transformer en une jam puissante qui voit Collins, Rutherford et Banks jouer ensemble une dernière fois.

11 – The Lamb Lies Down On Broadway The Lamb Lies Down On Broadway

A la 11ème place de notre top 20 des meilleures chansons de Genesis, on retrouve la chanson titre de l’album The Lamb Lies Down On Broadway. La chanson d’ouverture qui plante le décor du dernier album du groupe avec Peter Gabriel. Coécrite par Gabriel et Tony Banks, elle présente certains des meilleurs jeux de basse de Mike Rutherford. Ce type est tout simplement sous-estimé pour ses deux instruments : la guitare et la basse.

Place à notre top 10 des meilleurs titres de Genesis

10 – Throwing It All Away Invisible Touch

On commence notre top 10 des meilleurs titres de Genesis avec « Throwing It All Away ». Un jam aux accents reggae propulsé par un riff de guitare génial de Mike Rutherford. Rutherford a également écrit les paroles, mais on pourrait croire que c’est Phil Collins qui les a écrites.

Et même les fans de prog-rock grincheux du groupe pourraient s’identifier à cette chanson, à condition d’avoir déjà eu une petite amie ou un petit ami et de s’être séparé d’eux : “We cannot live together/We cannot live apart/And that’s the situation/I’ve known it from the start/Everytime that I look at you, I can see the future/Cause you know I know baby that I don’t wanna go.”

9 – Watcher Of The Skies (live) Genesis Live

Cette chanson ouvre le premier album live de Genesis. Elle commence dans un style très prog rock, avec la longue intro au mellotron de Tony Banks. Si ce n’est pas assez prog pour vous, le titre fait référence au poème de John Keats de 1817 « On First Looking into Chapman’s Homer ».

Les paroles, quant à elles, sont inspirées du roman de science-fiction d’Arthur C. Clarke « Childhood’s End » (qui a également inspiré la chanson de Pink Floyd « Childhood’s End » de Obscured By Clouds). Il s’agit peut-être du moment le plus progressif du groupe, et c’est l’une des deux chansons que Phish a interprétées lors de l’intronisation de Genesis au Rock and Roll Hall of Fame.

8 – MamaGenesis

L’une des chansons les plus intenses du groupe, et un rappel que Phil Collins pouvait être aussi bizarre que Peter Gabriel quand il le voulait. La chanson a été influencée par la nouvelle forme d’art connue sous le nom de hip-hop. Phil Collins a révélé dans une interview que « c’est juste l’histoire d’un jeune adolescent qui fait une fixation sur une prostituée qu’il a rencontrée par hasard en passant et il a un sentiment si fort pour elle et ne comprend pas pourquoi elle ne s’intéresse pas à lui ». Un indispensable dans notre top 10 des meilleures chansons de Genesis.

7 – I Know What I Like (In Your Wardrobe) Selling England By The Pound

Place maintenant à Selling England By The Pound, le meilleur album du groupe avec Peter Gabriel aux commandes. Le titre « I Know What I Like » est le premier véritable saut du groupe dans les charts pop. C’était un peu une aberration dans leur catalogue à ce moment-là, un morceau psychédélique.

Le refrain est certainement le plus accrocheur que Peter Gabriel ait jamais écrit avec le groupe. Elle est depuis devenue l’une des chansons préférées des fans et un incontournable des concerts. Une 7ème place bien méritée dans notre classement des meilleures chansons de Genesis.

6 – Land Of ConfusionInvisible Touch

On pourrait arguer que Genesis a simplifié à l’extrême la complexité des problèmes du monde dans cette chanson (et dans la vidéo), mais d’un autre côté, ces paroles ne sont pas un mauvais mantra à garder en tête : “This is the world we live in/And these are the hands we’re given/Use them and let’s start trying/To make it a place worth living in.”.

Le clip a remporté un Grammy et imaginez comment elle dominerait les actualités si elle sortait aujourd’hui : elle se moque du président américain en exercice (Ronald Reagan), ainsi que d’autres acteurs majeurs de la scène mondiale, dont l’ayatollah Khomeini, Mikhaïl Gorbatchev et Mouammar Kadhafi, et s’en prend à des célébrités comme Prince, Sting, Tammy Faye Bakker, Michael Jackson, Madonna, la princesse Diana et Hulk Hogan.

5 – Firth Of FifthSelling England By The Pound

En 5ème place de notre classement des meilleures chansons de Genesis, on retrouve « Firth Of Fifth ». L’intro au piano de « Firth Of Fifth » semble avoir été composée dans les années 1700. Tony Banks pourrait aussi bien porter une perruque poudrée. « Firth Of Fifth » se compresse et s’étend comme le font les meilleures chansons de rock progressif. La personne qui vole vraiment la vedette ici est Steve Hackett, qui livre le solo de guitare de sa carrière. Un bijou.

4 – The Carpet Crawlers The Lamb Lies Down On Broadway

Comme beaucoup de chansons de The Lamb Lies Down On Broadway, les paroles n’auront pas beaucoup de sens si l’on n’est pas familier avec l’histoire de Raël, mais « The Carpet Crawlers » a un son mélancolique doux-amer, et il est très entraînant.

Cette chanson a manifestement beaucoup d’importance pour Genesis : cette formation (Gabriel, Hackett, Rutherford, Banks, Collins) s’est réunie pour une nouvelle version de la chanson en 1999, avec les voix principales de Peter et Phil. Et c’était la chanson de clôture de la dernière tournée de Genesis.

3 – Supper’s Ready Seconds Out

Ce n’est pas seulement l’une des meilleures chansons de Genesis de l’ère Gabriel, mais aussi le sommet inégalé du prog. Sur 23 minutes, ses sept sections tissent merveilleusement des motifs en écho, fusionnant des éléments de symphonie classique et la vigueur du rock avec une ambition presque absurde. Chaque nouveau passage s’appuie sur ses prédécesseurs et, contre toute logique, cela fonctionne, atteignant un sommet d’émotion et de grandeur. Bienvenue sur le podium des meilleurs titres de Genesis.

2 – Dancing With The Moonlit KnightSelling England By The Pound

Apparemment en réponse aux critiques qui se plaignaient que Genesis essayait trop de plaire aux fans américains, Peter Gabriel a écrit des paroles très spécifiques au Royaume-Uni pour l’album Selling England By The Pound. Quelle que soit son inspiration, cette chanson donne le coup d’envoi du meilleur album de l’ère Gabriel (et selon ce que vous pensez de Phil Collins, peut-être le meilleur album de Genesis).

Le début est positivement pastoral, avec la voix plaintive de Gabriel sur le piano classique de Banks, avant que la douze-cordes de Rutherford ne reprenne la mélodie.

1 – Turn It On AgainThree Sides Live

Comme « Abacab », la version studio est géniale. Mais la version live ajoute plus d’une minute, y compris l’intro prolongée. Les guitares pulsées de Mike Rutherford et Daryl Stuermer donnent à la foule un bref échauffement avant que Tony Banks n’intervienne avec son meilleur riff de clavier.

L’une des grandes qualités de ce groupe, en particulier dans les années 80, est que malgré toute leur virtuosité, ils ont toujours su reconnaître la beauté de la simplicité. Ils pouvaient être très flexibles, mais ils savaient aussi rester en dehors de leur propre chemin. C’est un autre enregistrement live où le charisme de Phil en tant que frontman explose dans les enceintes.

En fin de compte, ce sont les capacités de Phil en tant que frontman et auteur-compositeur qui ont fait de ce groupe le mastodonte qu’il est devenu… et c’est pourquoi, 30 ans après leur dernier album ensemble, ils sont revenus pour faire salle comble dans les arènes américaines, une fois de plus. L’une des meilleures chansons de Genesis.

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Notre classement des 10 meilleures chansons de Queens Of The Stone Age

Au milieu des années 90, lorsque Josh Homme dirigeait l’obscur groupe de stoner-rock Kyuss et faisait des tournées avec le groupe culte de grunge de Seattle, Screaming Trees, peu de gens auraient pu imaginer qu’il était sur le point de lancer l’un des groupes de rock les plus puissants et les plus avant-gardistes du 21ème siècle. Pourtant, avec leur premier album sous label majeur, Rated R, en 2000, le nouveau projet d’Homme, Queens Of The Stone Age, a injecté au rock moderne un son qui des années plus tard s’est avéré essentiel. Après deux décennies et plusieurs autres albums, son groupe singulier, qui vit dans le désert, est toujours aussi prophétique. Découvrons ensemble les 10 meilleures chansons de Queens Of The Stone Age.

Notre top 10 des meilleures chansons de Queens Of The Stone Age

10 – In The Fade

On commence notre top 10 des meilleures chansons de Queens Of The Stone Age avec « In The Fade ». Mark Lanegan s’est associé à Nick Oliveri pour le premier album de QOTSA, Rated R, sorti chez Interscope Records en 2000, ajoutant une autre option vocale et augmentant considérablement la dynamique du groupe à trois.

Le puissant plaidoyer anti-suicide de « In The Fade » est sans doute sa plus grande contribution. Livrant ses lignes dans un baryton terreux qui contrastait fortement avec le falsetto plus hanté de Josh, ils ont donné vie à une réflexion sur le désespoir et la tragédie comme jamais auparavant.

9 – Regular John

Si vous demandez à Josh, il y a de fortes chances qu’il vous dise que le premier titre de Queens Of The Stone Age, paru en 1998, est la meilleure chanson qu’il ait jamais écrite. Nous ne sommes pas tout à fait d’accord, mais il y a une immédiateté et une étrange contagion dans Regular John qui semble tout aussi inspirée aujourd’hui qu’à la fin du 20e siècle.

« Open up your eyes / Open up your room / Open up your arms « , nous supplie le refrain étrangement loufoque, tandis qu’une vague après l’autre de riffs nous embarquent immédiatement. L’un des grands chefs-d’œuvre sous-estimés du stoner rock et l’une des meilleures chansons de Queens Of The Stone Age.

8 – In My Head

Bien que plus orienté vers le grand public que le colossal Songs For The Deaf, le quatrième album de Queens Of The Stone Age, Lullabies To Paralyze, reste un disque puissant. Sans doute son titre le plus accessible, « In My Head » avait déjà été enregistré pour la série Desert Sessions de Josh Homme (en l’occurrence, le Volume 10 : I Heart Disco de 2003), mais la version de Lullabies To Paralyze était plus serrée et plus dynamique, avec une voix émotive de Homme soutenue par des riffs déchiquetés.

La qualité intrinsèque de la chanson en tant que radio-friendly lui a permis de devenir un single indépendant, qui s’est retrouvé dans le Top 40 assez rapidement. L’un des meilleurs titres de Queens Of The Stone Age.

7 – Go With The Flow

Rocker urgent de Songs For The Deaf, « Go With The Flow » se déroule comme une promenade à grande vitesse dans le paysage désertique cher à Josh Homme. Entraîné par des guitares coruscantes et la batterie impitoyable de Dave Grohl des Foo Fighters, il passe à la cinquième vitesse et y reste pendant trois minutes extatiques avant de s’arrêter brusquement. Immédiate et indéniable, elle est l’une des chansons les plus parfaitement réalisées de Queens Of The Stone Age et a reçu plus tard une nomination bien méritée aux Grammy Awards.

6 – First It Giveth

Avec l’équipe de rêve composée de Josh Homme, Dave Grohl, Mark Lanegan et Nick Oliveri, le troisième album de Queens Of The Stone Age était rempli de bangers qui pouvaient facilement surpasser les catalogues de groupes moins importants.

Le troisième single « First It Giveth » correspond à cette définition. Jouant sur un extrait du livre de Job (« The Lord gave, and the Lord hath taken away »), ses paroles sont un examen doux-amer de la façon dont les drogues peuvent être une source d’inspiration pour les musiciens, mais comment elles finissent par annuler cette influence et laissent ces musiciens trop épuisés pour se produire.

Son clip – une compilation de clips live de l’époque – restera longtemps dans les mémoires pour ses images de Nick effrayant sur scène, nu. Un indispensable dans notre liste des 10 meilleures chansons de Queens Of The Stone Age.

5 – Little Sister

Place maintenant à notre top 5 des meilleurs titres de Queens Of The Stone Age. Après l’apogée de Songs For The Deaf et le recrutement de nouveaux collaborateurs, Troy Van Leeuwen et Joey Castillo, Lullabies To Paralyze a vu QOTSA s’efforcer de répondre à des attentes presque impossibles à satisfaire, mais le premier single

Little Sister était un excellent point de départ. Inspiré du single d’Elvis Presley de 1961 portant le même nom, mais chargé de sous-entendus bien plus XXIe siècle (« Hey little sister, can I come inside, dear ? »), ses riffs lancinants ont accroché les auditeurs dès le départ. Dans une démonstration de talent et d’alchimie brute, il a apparemment été enregistré en une seule prise.

4 – Feel Good Hit Of The Summer

« Nicotine, Valium, Vicodin, marijuana, ecstasy and alcool / Cuh-cuh-cuh-cuh-cocaine ! » Avec seulement huit mots, Queens Of The Stone Age a créé l’une des chansons rock les plus accrocheuses et les plus immédiatement reconnaissables de l’ère moderne.

Le deuxième single de Rated R a vu le groupe être accusé de glorifier l’utilisation de drogues illégales (en toute honnêteté, c’était le cas), la grande chaîne américaine Walmart refusant même de stocker l’album à moins que le titre ne soit retiré.

Propulsé par une section rythmique en dents de scie et le chant exalté de Josh, et avec des légions de nouveaux fans soudainement de leur côté, le « Feel Good Hit Of The Summer » est rapidement devenu l’un des meilleures chansons de QOTSA

3 – A Song For The Deaf

Place maintenant au podium des meilleures chansons de Queens Of The Stone Age. De notre côté, en 3ème place on a eu envie de placer l’excellent « A Song For The Deaf ». Sans aucun doute la plus grande offrande sonore de Queens Of The Stone Age à ce jour. Des riffs en veux-tu en voila tout au long des 6 minutes de la chanson. La collab entre les 4 fantastiques Homme, Oliveri, Lanegan et Grohl fonctionnent ici à merveille avec pour chacun son moment fort.

2 – The Lost Art Of Keeping A Secret

« No One Knows » a peut-être été le moment où Queens Of The Stone Age s’est imposé dans le grand public, mais nous pensons que leur single précédent, « The Lost Art Of Keeping A Secret », était une tout aussi belle preuve de leur dextérité sonore et de leur capacité inégalée à se situer entre le sinistre et le sensuel.

Arrivant à une époque où la musique lourde était encore dominée par le nu-metal, ils abordaient des thèmes familiers de trahison, de rage et de colère, mais leur discrétion noirâtre – plus de mordant que d’écorce – faisait de QOTSA un groupe d’une autre époque.

1 – No One Knows

Josh Homme a joué avec le tube phare de Queens, « No One Knows », pendant cinq ans avant que tout ne se mette en place pour l’album Songs For The Deaf de 2002. L’attente en valait la peine, car les riffs de Josh Homme, les lignes de basse de Nick Oliveri et la batterie de Dave Grohl s’imbriquent avec une précision presque surnaturelle sur ce morceau, qui est aussi sublime que le rock’n’roll à base de guitare puisse l’être.

La chanson qui a permis à QOTSA de s’imposer sur la scène internationale, « No One Knows » a, à juste titre, atteint la première place du classement Billboard Modern Rock, s’est hissée dans le Top 20 britannique et a été nominée aux Grammy Awards – même si, ironie du sort, elle a perdu cette dernière place au profit de « All My Life », du groupe principal de Dave Grohl, les Foo Fighters. LA meilleure chanson de Queens Of The Stone Age.

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Notre classement des 10 meilleures chansons de Depeche Mode

Au cours des 32 ans d’existence de Depeche Mode, le groupe de synthé-rock a abordé d’innombrables sujets, ordinaires ou tabous, comme le suicide, la politique, la romance, la cupidité, les droits des LGBT, la xénophobie, l’insécurité personnelle, le fanatisme religieux, la liberté sexuelle, la toxicomanie, etc. Avez-vous déjà été frustré et vivant ? Depeche Mode a une chanson pour vous. Martin Gore, Dave Gahan et Andy Fletcher auront formé l’un des meilleurs groupes de rock des années 80. Découvrons sans plus tarder notre classement des meilleures chansons de Depeche Mode.

Notre top 10 des meilleures chansons de Depeche Mode

10 – Sante

On commence notre classement des meilleures chansons de Depeche Mode avec « Shake The Disease ». Cette chanson de Depeche Mode puise dans les profondes racines synthpop et darkwave du groupe. Elle marque la fin des bizarreries du groupe, plus timides, enjouées et optimistes. Elle se situe carrément entre les compositions fantaisistes de Some Great Reward et le tournant sombre de Black Celebration.

9 – Just Can’t Get Enough

Cette quintessence de la chanson synth-pop des années 80 a été le dernier single écrit par Vince Clarke avant qu’il ne quitte le groupe en 1981. Elle est tirée de leur premier album, Speak and Spell, et diffère radicalement de la musique ultérieure de Depeche Mode, tout en restant un excellent morceau de danse et un des préférés des fans. LE titre a évidemment toute sa place dans notre classement des meilleurs morceaux de Depeche Mode. L’une des chansons les plus connues de Depeche Mode.

8 – Strangelove

Enregistré dans le studio des Kinks au nord de Londres, Konk, ce single aux paroles ambiguës aborde les thèmes de l’amour, du sexe et de la soumission. Mis à l’honneur lors d’une fête huppée – et convenablement hédoniste – dans un hôtel chic de Bloomsbury, c’est un morceau qui divise le groupe. Les critiques n’ont pas été impressionnés à sa sortie. La vision originale de Gore fut considérée comme un peu trop pop et fut finalement remixée par Daniel Miller pour l’album Music For The Masses. En 8ème place de notre top 10 des meilleures chansons de Depeche Mode.

7 – Condemnation

Avec son côté gospel presque hymnique et son côté sermonneur autoritaire, « Condemnation » est un morceau qui a fonctionné comme par magie, avec le puissant souffle lyrique de Martin Gore, qui a pris vie grâce à Dave Gahan dans le rôle du prêcheur désespéré à moitié possédé. Il s’agit d’un enregistrement de proximité, chaque membre jouant son rôle dans la même pièce, et l’orgue et les percussions renforcent parfaitement l’ambiance.

6 – It’s No Good

On continue notre liste des meilleurs titres de Depeche Mode avec « It’s No Good ». Voici une autre chanson d’amour honnête de Depeche Mode, et bien sûr, elle sonne comme une tournure sombre d’un voyage sous acide voué à l’échec. C’est comme si à chaque fois que Martin Gore tombait amoureux, il était torturé. Mais c’est ainsi que Depeche Mode se languit.

C’était le deuxième single de l’album Ultra de 1997, un album qui reflétait le son rock de son prédécesseur Songs of Faith and Devotion, mais qui revenait à la noirceur électronique et lugubre des moments les plus forts du groupe. L’une des chansons les plus connues de Depeche Mode.

5 – Everything Counts

Le premier signe de maturité de votre groupe de synthpop est une chanson comme « Everything Counts ». Ce single de l’album Construction Time Again de 1983 parle de la cupidité des entreprises, à la manière de « Have A Cigar » de Pink Floyd. Le xylophone et le mélodica donnent à la chanson un air de cirque amusant, mais les paroles expriment un mépris total pour la Grande-Bretagne, et le monde, des années 80, où l’argent prime sur l’humanité. Dans notre top 5 des meilleures chansons de Depeche Mode.

4 – Policy of Truth

On vous a toujours dit que l’honnêteté était la meilleure des choses. Cette chanson de Depeche Mode a un message différent. L’ode fatidique de Violator au maintien du secret est parfaite pour danser et ourdir des plans sournois. « Policy of Truth » est l’un des nombreux morceaux quasi parfaits de l’album Violator de 1990, véritable point culminant de la carrière du groupe sur le plan commercial et artistique. Ces mélodies synthpop sombres sont ce dont sont faits les rêves gothiques. L’un des meilleurs titres de Depeche Mode.

3 – People are People

C’est la quintessence du tube dance-pop de Depeche Mode. Ecoutez les paroles et vous trouverez un plaidoyer significatif pour toute l’humanité. L’ancien membre Wilder a écrit la musique, et Gore les paroles, une ode à la recherche d’un terrain d’entente face aux nombreuses formes de haine, et la conviction que les hommes et les femmes sont vraiment bons au fond d’eux-mêmes. Le Rock and Roll Hall of Fame l’a reconnue comme l’une des « 500 chansons qui ont fait le rock and roll ». Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Depeche Mode.

2 – Personal Jesus

Lorsqu’une chanson est reprise de manière aussi impitoyable, c’est une bonne indication du type de qualité qu’elle représente. « Personal Jesus » de Depeche Mode est, sans aucun doute, un morceau de grande qualité et représente un tournant pour le groupe. Né de l’amour de Martin Gore pour l’autobiographie de Priscilla Presley, ce titre est l’un des plus légendaires de Depeche Mode. Surtout, elle reste encore aujourd’hui l’une des chansons les plus connues de Depeche Mode

1 – Enjoy The Silence

Si l’on fait le décompte, nous serons tous d’accord pour dire que Violator est le meilleur album de Depeche Mode. « Enjoy The Silence » provient de cette collection de génie de 1990, et c’est vraiment la quintessence de la grandeur de Depeche Mode. La performance de Gahan est forte, les mélodies sont douloureuses. Le rythme est dur, implacable, et parfait pour la danse. Son message est ironique, dans la mesure où les mots peuvent si bien décrire la magie du silence. Quand l’amour est réel, on n’a pas besoin de mots. C’est quelque chose que l’on ressent. LA meilleure chanson de Depeche Mode.

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Led Zeppelin IV

Le quatrième album studio de Led Zeppelin, qui n’a pas de titre propre mais est communément appelé Led Zeppelin IV, pourrait bien être l’apogée du son des débuts du groupe. Au fil du temps, il est devenu de loin l’album le plus populaire du groupe, mais, ironiquement, c’est le seul album d’une série de six albums consécutifs (de Led Zeppelin II en 1969 à In Through the Out Door en 1979) qui n’a pas atteint la première place des hit-parades, puisqu’il s’est classé deuxième.

L’album lui-même était aussi une sorte de déclaration philosophique, puisque le groupe et son manager Peter Grant avaient décidé d’éviter la presse rock et les canaux de promotion traditionnels et de s’adresser « directement aux fans » avec un produit de type société presque secrète qui ne contenait aucun titre officiel ou autre langage descriptif, à l’exception des quatre symboles originaux situés sur la pochette intérieure et l’étiquette du vinyle.

Photo du groupe Led Zeppelin en concert

L’album lui-même était aussi une sorte de déclaration philosophique, puisque le groupe et son manager Peter Grant avaient décidé d’éviter la presse rock et les canaux de promotion traditionnels et de s’adresser « directement aux fans ». L’album ne contenait aucun titre officiel ou autre langage descriptif, à l’exception des quatre symboles originaux situés sur la pochette intérieure et l’étiquette du vinyle.

Led Zeppelin IV : caractéristiques

Date de sortie : 8 novembre 1971
Produit par : Jimmy Page
Enregistrement : Island Studios, London & Headley Grange, East Hampshire
Décembre 1970 – Février 1971

FACE A

Black Dog
Rock and Roll
The Battle of Evermore
Stairway to Heaven

FACE B

Misty Mountain Hop
Four Sticks
Going to California
When the Levee Breaks

Robert Plant : Voix, Harmonica
Jimmy Page : Guitares, Mandoline
John Paul Jones : Basse, Piano, Synthétiseur, Guitare
John Bonham : Batterie, Percussions

L’avant Led Zeppelin IV

Ce nouvel album, le quatrième, est le point de convergence des différents thèmes et styles que Zeppelin a explorés au cours de ses trois premières années et de ses trois premiers albums, ainsi que de nombreux accidents heureux. Le résultat est un album qui contient des moments qui resteront à jamais gravés dans l’histoire du rock.

Leur album précédent, Led Zeppelin III, sorti en 1970, a été une déception critique et commerciale à l’époque (bien qu’il ait gagné beaucoup d’appréciation et d’estime des années plus tard). Cette déception était principalement due à la confusion des fans et des critiques, en raison de la forte teneur en chansons folk acoustiques, qui s’écartait largement de l’approche plus lourde et basée sur le blues des deux premiers albums du groupe.

Rétrospectivement, cette tentative du groupe de s’ouvrir à d’autres styles et genres s’est avérée plutôt ingénieuse, car elle est devenue assez populaire dans les années 70. Avec la diversité continue des styles sur ce quatrième album Led Zeppelin IV, le groupe s’est assuré un succès toujours plus grand pour les générations à venir.

La génèse de Led Zeppelin IV

Au fil du temps, Led Zeppelin est devenu l’un des groupes de rock les plus diversifiés de tous les temps, incorporant des éléments de blues, de jazz, de folk, de country, de funk, de reggae, tout en développant leurs propres styles distincts qui seront repris dans le heavy metal, l’arena rock et les jam bands pour les décennies à venir.

Mais à la fin de l’année 1970, Jimmy Page, le guitariste principal et unique producteur du groupe, est particulièrement piqué par la critique sévère et les faibles ventes de leur dernier album et souhaite sortir un nouvel album (Led Zeppelin IV) au plus vite, car il déborde d’idées.

Il se réunit avec Robert Plant pour travailler sur certains de ces nouveaux concepts, dont le premier est un long morceau destiné à remplacer le spectacle live du groupe, « Dazed and Confused », qui remonte au premier album du groupe.

L’album de « Stairway to Heaven »

Composée à partir de quelques morceaux instrumentaux, écrits sur plusieurs guitares à 6 et 12 cordes, la chanson « Stairway to Heaven » allait devenir non seulement la chanson la plus célèbre du groupe, mais aussi la chanson la plus demandée à la radio FM. La chanson puise son influence lyrique dans le folklore gallois, et son influence musicale dans de multiples domaines, selon la partie de la chanson, qui en compte trois distinctes, placées dos à dos en séquence. La pièce maitresse des chansons de Led Zeppelin IV.

Elle commence par l’acoustique folk de Page, jouée au doigt, accompagnée de flûtes à bec jouées par le bassiste et claviériste John Paul Jones. Après quelques couplets poétiques, la chanson entre dans la seconde partie, un madrigal joué sur une 12-cordes électrique, avec des couplets et des refrains toujours plus intenses.

La chanson culte de Led Zeppelin IV

L’un des meilleurs moments de l’histoire du rock est l’entrée en scène du batteur John Bonham, à environ 4 ½ minutes de la durée de la chanson, qui ajoute l’élément rythmique qui brise enfin la tension et nous rappelle que, bien qu’elle ait été massivement surjouée au fil des ans, cette chanson EST la signature définitive de Led Zeppelin IV et du groupe en général.

Le final de la chanson est un jam lourd et électrique avec des guitares surajoutées et un chant haut-majesté, amenant la chanson vers les sommets avant de se conclure par un refrain calme avec un chant a capella.

L’enregistrement de Led Zeppelin IV

L’enregistrement du quatrième album commence aux Island Studios à Londres en décembre 1970. Jethro Tull est en studio au même moment pour enregistrer Aqualung, et Led Zeppelin veut un peu plus d’espace pour être créatif. Ils ont donc trouvé un vieux domaine dans la campagne anglaise appelé Headley Grange et s’y sont installés pour une meilleure ambiance.

Ici, ils pouvaient chasser dans la forêt le jour, boire du thé à l’heure dite et se réunir autour du feu de camp la nuit, avec des moments d’inspiration pour l’enregistrement entre les deux. Cela a été possible grâce à la dernière innovation technique, le studio mobile des Rolling Stones, une unité d’enregistrement professionnelle portable, qui a été utilisée pour certains des albums classiques du début des années 70.

Il a été apporté à Headley Grange par le road manager du groupe, Ian Stewart, qui était également un virtuose du piano et qui a finalement contribué aux chansons « Rock and Roll » et « Boogie With Stu » pendant ces sessions.

À l’exception de « Stairway to Heaven », le groupe n’avait pas de chansons complètement développées avant ces sessions d’enregistrement, ce qui laissait la porte ouverte aux nombreux « accidents créatifs » qui allaient constituer Led Zeppelin IV, dont plusieurs impliquaient Bonham.

Rock And Roll

Le batteur a des difficultés avec les timings bizarres de la chanson qui deviendra « Four Sticks » (en fait, la chanson a reçu son titre lorsque Bonham, frustré, a fait une prise avec quatre baguettes dans les mains), et fait une pause en se lançant dans le rythme 4/4 direct de « Good Golly, Miss Molly ». Page se joint à lui avec un riff improvisé, et la chanson « Rock and Roll » est née. Cette signature, le rythme d’ouverture joué par Bonham, deviendra l’une des intros les plus reconnaissables de l’histoire du rock et l’une des chansons phares de Led Zeppelin IV.

The Battle of Evermore

Une autre composition non planifiée de Led Zeppelin IV est « The Battle of Evermore », qui résulte du fait que Page a pris une mandoline apportée par Jones et a composé un morceau distinct, qui devait à l’origine être un court instrumental, mais qui s’est transformé en une chanson folk médiévale lorsque Jones a ajouté un instrument acoustique et Plant a ajouté des voix et des paroles et a même écrit une partie vocale séparée pour un « crieur public », qui a été plus tard interprétée par le chanteur folk Sandy Denny, le seul chanteur invité à apparaître dans une chanson de Led Zeppelin.

Photo du groupe Led Zeppelin

C’est à Headley Grange que le groupe a écrit et enregistré la majeure partie du reste de l’album, y compris les chansons de Led Zeppelin IV les plus lourdes comme « Misty Mountain Hop », « When the Levee Breaks » et « Black Dog », qui doit son nom à un labrador noir errant qui ne cessait de venir dans la maison. Le groupe enregistre également de nombreuses chansons qui ne figureront pas sur Led Zeppelin IV, comme « Down By the Seaside », « Night Flight », « Black Country Woman » et « Boogie With Stu ».

Jimmy Page caresse l’idée de sortir un double album, mais ne souhaite pas le retard nécessaire à une telle entreprise. Malheureusement, l’album sera quand même retardé de plusieurs mois en raison de problèmes de mixage et du départ soudain d’un ingénieur du son. Bien que tous les enregistrements soient terminés à la fin du mois de février 1971, le quatrième album de Led Zeppelin, Led Zeppelin IV ne sortira pas avant le 8 novembre de la même année.

Les disputes entourant Led Zeppelin IV

Au-delà des problèmes de production de Led Zeppelin IV, Page a également été confronté à des critiques sévères de la part d’Atlantic Records sur plusieurs fronts. Non seulement la pochette de l’album pose problème, mais le projet de Page de ne pas inclure le nom du groupe sur la pochette extérieure et de ne pas donner de titre à l’album pose également problème.

Les cadres et les « spécialistes » du marketing de la maison de disques qualifient cette stratégie de « suicide de carrière », mais Page reste inflexible dans sa volonté de « laisser la musique parler ». Cette stratégie consistait également à éviter toute la publicité normale associée à la sortie d’un nouvel album, en particulier les communiqués de presse et l’accès.

Zoso ?

Les seules marques définitives de cet album sont les symboles personnels que chaque membre a construit de sa propre conception. La signification exacte de ces « quatre symboles » n’a jamais été révélée par les membres du groupe, en particulier par Page, qui a eu l’idée du concept et dont le propre symbole, une étrange écriture qui semble épeler le mot « Zoso », est le plus mystérieux de tous. Après avoir accepté à contrecœur ce concept particulier, Atlantic distribue des graphiques des quatre symboles aux magazines spécialisés.

La dernière dispute avec la maison de disques concerne la chanson « Stairway to Heaven », qu’Atlantic voulait absolument sortir en single, mais que Page refusait parce que cela signifiait qu’il faudrait la modifier par rapport à sa durée de 7:50, ce qui était totalement inacceptable. Il s’avère que ce refus et la sortie non planifiée et retardée de Led Zeppelin IV ont suscité une telle attente chez les fans qu’ils ont contribué à des milliers et des milliers de ventes sur une longue période.

En résumé

Le véritable génie de Led Zeppelin IV réside dans le caractère unique, non conventionnel et inconscient de la création de cet album. Il n’y a pratiquement rien de fabriqué, c’est du pur rock n roll. John Bonham fait preuve d’une efficacité étonnante, ne jouant que sur environ 5 1/2 des 8 pistes de l’album, mais faisant une impression indélébile pendant qu’il est là, avec certains des battements de batterie les plus mémorables de l’histoire.

John Paul Jones, bassiste virtuose, contribue au piano, aux synthés, aux flûtes à bec, à la guitare acoustique et même au chant. Robert Plant, un chanteur au sommet de sa gloire en raison de sa signature, des gémissements aigus, atténue son chant lorsque cela est approprié, en particulier sur les chansons plus légères, d’influence folk, comme « Going to California ».

Jimmy Page, peut-être le plus grand producteur depuis George Martin, est encore assez ambitieux pour faire quelque chose de vraiment unique, tout en n’ayant pas peur d' »emprunter » à certains des grands genres du passé.

C’est tellement rafraîchissant qu’un groupe à ce stade, qui se lance dans son quatrième album avec déjà beaucoup de succès, fasse un album qui atteint les limites du rock sans avoir conscience de le faire.

Le top 10 des meilleurs albums de Stereophonics

Stereophonics est un groupe de rock britannique qui s’est formé en 1992 dans le village de Cwmaman, dans la vallée de Cynon, au Pays de Galles. Le groupe est composé de Kelly Jones (chant principal, guitare principale, claviers), Richard Jones (guitare basse, harmonica, chœurs), Adam Zindani (guitare rythmique, chœurs), Jamie Morrison (batterie, percussions), et Tony Kirkham (claviers), membre de tournée. Le groupe comprenait auparavant Stuart Cable (1992-2003), puis Javier Weyler (2004-2012) à la batterie. Stereophonics a sorti plus d’une dizaine d’albums studio, dont sept albums numéro un au Royaume-Uni. Découvrons ensemble notre classement des meilleurs albums des Stereophonics.

Notre classement des 10 meilleurs albums de Stereophonics

10) Keep Calm And Carry On – 2009

En dernière place de notre classement des meilleurs albums de Stereophonics

Encore des chansons accrocheuses et mélodieuses du groupe de rock gallois préféré des millionnaires de la classe ouvrière. Chanté, joué et produit de manière excellente. Il n’y a pas vraiment de limites, mais on s’en fout, il faut continuer ! Tous les fans de Stereophonics seront heureux, nous y compris. On place quand même Keep Calm And Carry On en dernier place de notre top 10 des meilleurs albums des Stereophonics.

9) Scream Above The Sounds – 2017

Scream Above The Sounds

Stereophonics a sorti une quantité non négligeable d’albums, mais reste l’un des groupes de rock les plus cohérents en réussissant à faire de la bonne musique en permanence avec une saupoudrage de grandes chansons sur chacun. Ce n’est pas la musique la plus vivante ou la plus accrocheuse, mais les paroles brutes de Kelly en font l’un des meilleurs alt-rock relaxants qui soient.

8) Keep The Village Alive – 2015

En bas de notre top 10 des meilleurs albums de Stereophonics

Un autre album solide des Stereophonics, qui s’inscrit dans la lignée de leur dernier « come-back », Graffiti On A Train. L’ensemble de l’album se balance assez bien, avec beaucoup de tapes du pied et de hochements de tête pour garder l’auditeur intéressé. En fait, la seule mauvaise chose à propos de ce disque est la couverture ! En 8ème place de notre classement des meilleurs albums des Stereophonics.

7) You Gotta Go There To Come Back – 2003

You Gotta Go There To Come Back

Après trois albums, la musique a mûri d’un album à l’autre. Stereophonics a introduit un mélange de morceaux aux riffs puissants comme « Help Me (She’s out of her Mind) » et de morceaux plus calmes comme « I Miss You Now ». L’album comprend l’un de leur plus grand succès, et le morceau phare du groupe, « Maybe Tomorrow ».

6) Decade In The Sun – 2008

En 6ème place de notre classement des meilleurs albums de Stereophonics

Stereophonics est très décrié par les éléments snobs de la presse musicale ainsi que par le grand public consommateur de musique. Leurs ventes ne semblent pas en souffrir et c’est peut-être en partie pour cela qu’on leur accorde rarement du crédit. Si vous souhaitez commencer Stereophincs par un album, on ne peut que vous conseiller celui-ci.

5) Graffiti On The Train – 2013

Graffiti On The Train

Graffiti On The Train montre que les Stereophonics sont prêts à sortir de leur impasse créative et à faire de la place pour une résurgence musicale dont on avait besoin depuis un certain temps déjà. Plus de la moitié du disque est intéressante et montre un groupe qui se réveille d’un profond sommeil.

4) Language. Sex. Violence. Other? – 2005

 Language. Sex. Violence. Other?

C’est l’heure d’un autre succès commercial remarqué par Stereophonics. Avec le single « Dakota », qui est d’ailleurs devenu une autre vitrine du groupe à côté de « Have A Nice Day » et « Maybe Tommorow », le groupe a fait la promotion de l’album, un peu moins bon que le précédent, mais très égal musicalement. Toutes les chansons du disque maintiennent un bon niveau.

3) Just Enough Education To Perform – 2001

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Stereophonics

Comment ne pas être touché par une telle histoire ? Ou par celle du type qui conduit « un camion qui transporte de l’argent » et qui aime sa famille ? Ou par celle sur les vacances en caravane ? Kelly Jones est un grand conteur, et les mélodies sont si détendues qu’elles nous rendent heureux. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Stereophonics.

2) Performance And Cocktails – 1999

Performance And Cocktails

Après la Britpop (Blur, Oasis…), nous avons eu la marque Stereophonics de Brit Rock qui a atteint son apogée avec cet album. Il n’y a pas que de bons singles, mais l’album est très complet et très cohérent, et il est bien produit et bien assemblé. Les riffs et les accroches restent dans la tête pour la plupart, mais les paroles ne sont pas le point fort de cet album. Quelques belles histoires dans quelques chansons, mais beaucoup de paroles banales. Un ou deux titres que vous sauterez, mais dans l’ensemble beaucoup de choses à apprécier.

1) Word Gets Around – 1997

LE meilleur album de Stereophonics

L’album est, dans les termes les plus simples, une collection de chansons indie-rock fortes. Il est mélodiquement fort, avec des refrains envolés et des accroches accrocheuses, sans jamais recourir aux clichés. Les paroles de Kelly Jones dépeignent la vie des petites villes du sud du Pays de Galles – le sans-abri qui ressemble étrangement à Charlie Chaplin, la fille d’une célébrité mineure qui s’est suicidée en bordure de la ville, les scandales impliquant des joueurs de football – et sont chaleureuses et incroyablement évocatrices.

La musique joue occasionnellement vers le rock (‘Too Many Sandwiches’) ou l’acoustique (‘Billy Daveys Daughter’), mais la plupart du temps, il s’agit d’un indie-rock croustillant et mélodique. LE Meilleur album des Stereophonics.

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Notre classement des 10 meilleures chansons de Deep Purple

Formé en 1968, Deep Purple est considéré comme l’un des pionniers du heavy metal. Aux côtés de Led Zeppelin et Black Sabbath, ce groupe anglais constitue un tiers de la « trinité impie du hard rock et du heavy metal britanniques ». En 1975, il a été inscrit dans le livre Guinness comme le groupe le plus bruyant du monde. C’est le duel entre le travail sinistre de Ritchie Blackmore à la guitare et l’approche néo-classique de Jon Lord aux claviers qui a donné au groupe son son distinct.

Les voix criardes de Ian Gillian se superposent tandis que Roger Glover et Ian Paice assurent le rythme à la basse et à la batterie respectivement. Il y a eu un certain nombre de changements de composition au fil des ans, mais cette formation est généralement considérée comme la plus originale et la plus populaire. Découvrons ensemble le top 10 des meilleures chansons de Deep Purple.

Notre top 10 des meilleures chansons de Deep Purple

10 – Perfect Strangers – 1984

Dix ans après le départ de Ian Gillan et de Roger Glover, la formation classique « Mark II » s’est effondrée. Perfect Strangers a été un retour surprenant de vieux amis. Reprenant là où ils s’étaient arrêtés, les retrouvailles du groupe ont été accueillies par des critiques généralement favorables. Leurs fans les ont certainement accueillis de tout cœur, et le groupe a remporté des albums d’or et de platine dans le monde entier.

Leur marque de fabrique est intacte sur le morceau titre, qui donne le coup d’envoi de notre liste des 10 meilleures chansons de Deep Purple. Même si la fête n’a pas duré longtemps, au moins la magie était de retour pour un petit moment.

9 – Hush – 1968

Les racines du rock and roll de Ritchie Blackmore remontent au début des années 60 en tant que guitariste de session et membre du groupe instrumental The Outlaws. Il part avec les siens pour former Deep Purple en 1968. Souvent désignée comme la formation « Mark I », cette version du groupe navigue dans des eaux similaires à celles de Vanilla Fudge, prenant les chansons des autres et les transformant en leur propre nom.

Cela n’a jamais été aussi efficace que sur le seul tube américain de cette formation, une reprise de « Hush » de Joe South. Ce bijou de trois minutes a connu un succès international, et son groove à base d’orgue reste un classique.

8 – Child In Time – 1970

Épique est un mot qui pourrait facilement être utilisé pour décrire cette chanson monstrueuse de Deep Purple tirée de l’album classique In Rock. D’une durée de plus de 10 minutes, cette chanson permet au groupe de s’étirer, c’est le moins que l’on puisse dire. Tout le monde, surtout Blackmore et le chanteur Ian Gillan, s’envole ici. C’est un morceau dynamique et puissant de la deuxième ère de Purple. L’une des meilleures chansons de Deep Purple.

7 – Burn – 1974

Entrez dans l’incarnation « Mark III » du groupe. Avec le départ de Gillan et Roger Glover, qu’allait-il advenir de Deep Purple ? Réponse : faire appel à deux types nommés David Coverdale et Glenn Hughes et créer cet éternel barnburner. Un riff qui tue et une performance qui met la pédale douce sur le métal font de cet album le meilleur de l’ère « Mark III ». La folie de la batterie de Ian Paice est ici à l’honneur, ainsi qu’un excellent travail de guitare de Blackmore.

6 – Woman From Tokyo – 1973

On continue notre top 10 des meilleures chansons de Deep Purple avec « Woman From Tokyo ». Deep Purple nous offre une grande chanson pop enveloppée dans un cadre rock direct et lourd avec ce classique de l’album Who Do We Think We Are ? de 1973. Le groupe était au sommet de son art avec Machine Head, sorti l’année précédente.

Bien que le groupe ait commencé à s’effilocher pendant l’enregistrement de cet album (qui s’avérera être le dernier avec la formation « classique » pendant 10 ans), « Woman From Tokyo » est un exemple parfait des gars qui se déchaînent sur du rock and roll pur et dur, avec un autre riff dynamique en son centre.

5 – Into The Fire – 1970

Un riff percutant et inquiétant et une autre chanson qui tue atterrit à la cinquième place de notre liste des dix meilleures chansons de Deep Purple. La chanson est un monstre qui avance lentement, propulsé par un travail d’orgue solide comme le roc de Jon Lord et un solo compact de Blackmore qui s’enflamme. Elle est là et disparaît en un peu plus de trois minutes. L’une des plus compactes chansons de Deep Purple.

4 – Fireball – 1971

Le premier titre de l’album Fireball, sorti en 1971, est, comme son nom l’indique, complètement cuit ! La puissance et le dynamisme du groupe sont ici stupéfiants. Nous devons mentionner, pour mémoire, que Ian Paice est l’un des plus grands batteurs de rock and roll de tous les temps – un monstre absolu sur le kit.

Les autres membres du groupe ne se retiennent pas non plus. C’est un train incontrôlable – le rock and roll le plus rapide qui soit – et le mieux est de s’accrocher et de profiter du voyage.

3 – Speed King – 1970

« Speed King » donne le coup d’envoi du puissant album In Rock avec un mur de chaos sonore avant de se lancer dans cet hommage au rock and roll vintage. Les références à Little Richard, Elvis Presley et d’autres de la première vague sont au premier plan, mais avec un traitement Deep Purple complet. Une performance de rock’n’roll maximale, cette chanson accro à la vitesse est à fond pendant plus de cinq minutes, et ne s’arrête jamais. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Deep Purple.

2 – Highway Star – 1972

Titre d’ouverture de l’album Machine Head du groupe, « Highway Star » est probablement le meilleur résumé de tout ce qui était génial dans les meilleures chansons de Deep Purple. Chaque membre est au sommet de son art ici, avec des performances fantastiques. C’est l’ouverture parfaite de l’album, et peut-être la chanson idéale pour conduire, car le groove déferlant propulse ce morceau de zéro à soixante – et même plus.

1 – Smoke On The Water – 1972

Que peut-on dire de cet indéniable hit de rock classique qui n’a pas été dit ? Comme c’est souvent le cas dans le rock and roll, tout est dans le riff et y a-t-il un riff plus emblématique dans l’histoire du rock ?

Pièce maîtresse de l’album Machine Head, « Smoke On The Water » est passé du statut de classique instantané à celui d’incontournable de la radio, puis à celui de chanson à succès, avant de redevenir classique à plusieurs reprises au cours de sa vie.

Il a permis à l’album d’atteindre la première place au Royaume-Uni et d’entrer dans le Top 10 aux États-Unis. C’est un classique emblématique du rock, tout simplement, et il est en tête de notre liste des 10 meilleures chansons de Deep Purple.

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Notre classement des 10 meilleures chansons de Maneskin

Avant leur montée en puissance et leur victoire au concours de l’Eurovision 2021, Maneskin était un adolescent normal qui se produisait dans les rues de Rome. Aujourd’hui, le groupe a le vent en poupe, et la plupart de ses morceaux sont bien classés dans les charts de Spotify. Le groupe italien est composé de Damiano David, le chanteur, Victoria de Angelis, la bassiste, Thomas Raggi, le guitariste, et Ethan Torchio, le batteur du groupe. Il nous paraissait évidemment d’établi un classement des meilleures chansons de Maneskin.

Le groupe a sorti deux albums studio et compte 28 disques certifiés platine par la FIMI (Fédération de l’industrie musicale italienne). En outre, Maneskin a sorti son EP en décembre 2017, principalement composé de reprises qu’ils avaient déjà faites lors de l’émission X-Factor. Les chansons du groupe comportent souvent des paroles de colère et sont également célèbres pour leurs costumes qui défient parfois les stéréotypes de genre. Le son et la musique du groupe ont souvent été comparés au rock des années 70. Voici les dix meilleures chansons de Maneskin.

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10 – Coraline

On commence notre top 10 des meilleures chansons de Maneskin avec « Coraline ». Cette ballade rock présente des voix fantastiques et une guitare acoustique au début, qui fusionnent ensuite avec des airs de guitare électrique et une batterie. Cette chanson certifiée platine a été écrite dans une chambre d’hôtel par Damiano David et Thomas Raggi. Si vous voulez une introduction à la musique rock italienne, écoutez « Coraline ».

9 – Vengo Dalla Luna

En arrivant à la neuvième place, on trouve la chanson « Vengo Dalla Luna », que l’on trouve être l’une des chansons les plus sous-estimées du groupe et l’une de nos préférées. Le morceau se trouve sur l’EP 2017 du groupe, Chosen.

8 – Torna a casa

Beaucoup de chansons du groupe reposent sur des rythmes discordants et de nombreux éléments techno. Cependant, cette chanson a un côté opératique. Les paroles traitent d’un problème moderne répandu, comme le fait de savoir jusqu’où la dépression peut vous mener. Au milieu de la chanson, on s’éloigne brièvement des chants chantants et de l’orchestration pour ajouter un solo qui ressemble à du rock d’arène.

La fin de la chanson s’éteint avec une outro plus douce. La voix de Damiano est assez sensuelle, et on peut sentir sa passion, son désir, sa colère et sa peur. L’une des meilleures chansons de Maneskin.

7 – Vent’ Anni

« Vent’ Anni » est l’une des chansons les plus mémorables de Maneskin, écrite pendant les confinements du Covid-19 alors que le groupe était à Londres en 2020. Les paroles écrites par Damiano David sont assez accrocheuses, et vous pourriez écouter cette chanson toute la journée sans vous en lasser. La chanson comporte des mélodies émotionnelles et une grande poésie que nous avons appris à associer au groupe.

6 – Are You Ready ?

La chanson numéro six de notre liste des dix meilleures chansons de Maneskin est une autre chanson de l’album 2018 du groupe, Il ballo della vita. Cette chanson est un peu différente de la plupart de leurs chansons, et les mélodies qu’elle contient sonnent un peu indiennes ou arabes. Cependant, « Are You Ready ? » est une chanson unique qui vous fera sûrement taper du pied.

5 – Somebody Told Me

« Somebody Told Me » est une chanson publiée par The Killers en 2004 mais qui a ensuite été reprise par Maneskin lors de leur passage au X-Factor italien. La chanson est contenue dans leur EP de 2017, Chosen. Il faut voir leur performance de cette chanson pour réaliser à quel point ils sont bons. Leurs tenues sont fantastiques, et le bassiste et le chanteur comprennent comment contrôler efficacement la scène.

4 – Moriro Da Re

On enchaine notre classement des meilleures chansons de Maneskin avec « Moriro Da Re ». C’est une autre chanson qui sonne différemment de beaucoup d’autres dans le catalogue du groupe. Les paroles sont une chanson d’amour sinistre sur quelqu’un qui veut emmener sa moitié avec lui parce qu’il ne peut pas vivre sans elle et le convaincre de l’accompagner dans son sombre voyage.

3 – Zitto E Buon

« Zitto E Buon » est une chanson pour louer la capacité de quelqu’un à être fidèle à ce qu’il est vraiment et à faire son chemin à travers les larmes et le temps, même lorsque les autres personnes vous critiquent. Cette chanson est assez significative puisqu’elle a été la percée commerciale du groupe et est la chanson qui leur a fait gagner le concours Eurovision de la chanson de 2021 ainsi que le festival de musique de Sanremo.

Même si vous ne comprenez pas les paroles de la chanson, vous devez admettre qu’elle est assez géniale. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Maneskin.

2 – Beggin

La version originale de cette chanson a été composée par Bob Gaudio et Peggy Farina et était populaire en Angleterre dans les années 1970. Le groupe Madcon aura remis au goût du jour la chanson en 2007 avec un grand succès. Maneskin a fait une reprise de cette chanson en 2017 après l’avoir interprétée à X-Factor Italia et l’a ensuite incluse dans leur EP, Chosen. La voix de Damiano David est assez impressionnante, et l’écoute de la chanson vous donnera de l’énergie pour toute la journée.

1 – I Wanna Be Your Slave

Parfois, il faut aller plus loin pour conquérir la personne spéciale que l’on veut avoir dans sa vie, ce qui est le message de cette chanson. « I Wanna Be You Slave » est sans aucun doute le plus grand succès du groupe, atteignant la 12e place du UK Singles Chart et dépassant ainsi Zitto E Buoni, qui avait atteint la 17e place. Le titre a toute sa place en tête de notre classement des meilleures chansons de Maneskin.

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Notre classement des 20 meilleures chansons de David Bowie

Au cours d’une carrière qui s’est étalée sur cinq décennies et demie et 25 albums studio, David Bowie a non seulement prouvé que les musiciens n’avaient pas à se limiter à un seul style de musique, mais il a également ouvert la voie aux artistes désireux de réinventer leur personnalité quand bon leur semble. Ouvrant la voie à tout le monde, de Prince à Lady Gaga, du punk à la new wave et au-delà, les meilleures chansons de David Bowie ont changé le visage du rock à jamais, tout en restant l’œuvre inimitable de la vision unique d’un homme.

Notre top 20 des meilleures chansons de David Bowie

20 – The Jean Genie

On commence notre classement des meilleurs chansons de David Bowie avec « The Jean Genie ». L’un des blues rockers les plus directs de Bowie met en scène un personnage inspiré d’Iggy Pop, le leader des Stooges, qui a eu une grande influence sur Bowie (et un futur collaborateur). Comme une grande partie de l’album « Aladdin Sane », l’influence des Rolling Stones est énorme.

19 – Golden Years

C’était le premier single de l’album Station to Station de Bowie en 1975. Le titre aurait été écrit pour être repris par Elvis Presley, qui l’a refusé. Bowie a déclaré qu’il avait « adoré » Presley et qu’il aurait aimé travailler avec lui. Bien que les bureaux des artistes se soient contactés, rien n’a abouti.

Presley a envoyé un mot à Bowie lui disant : « Tous mes vœux et bonne tournée ». Bowie a gardé cette note pour le reste de sa vie. « Golden Years » associe parfaitement son optimisme lyrique à un funk scintillant et chatoyant. L’un des meilleurs titres de David Bowie.

18 – Young Americans

En 1975, la dévotion continue de David Bowie à l’évolution artistique l’a poussé à retourner une fois de plus en Amérique pour trouver son inspiration. Le pays, et la ville de New York, ont peut-être inspiré la culture de rue de Ziggy Stardust, mais il n’y a pas eu d’adaptation plus claire des traditions américaines que la propre version de la soul music de Bowie – ou blue-eyed soul, comme il l’appelait.

Le meilleur moment du flirt du chanteur avec la scène soul et disco du grand public est sans aucun doute « Young Americans ». Une chanson qui est sûre de faire taper du pied et de faire bouger les hanches.

17 – The Next Day

En 2013, Bowie a fait quelque chose que nous ne savions pas qu’il pouvait encore faire : il nous a époustouflé. Après un hiatus très long, il a sorti une longue collection de chansons qui a agi comme un successeur spirituel de la trilogie Berlin. (La pochette de l’album est un clin d’œil à cette trilogie.)

L’album est un disque de rock entraînant, avec des chansons accrocheuses, des rêveries jazzy et certaines des images les plus sombres de David Bowie Song. La chanson titre est particulièrement sombre. C’est aussi un hymne qui affirme la pertinence inébranlable de Bowie au 20ème siècle. L’une des meilleures chansons de David Bowie.

16 – China Girl

Écrite par Bowie avec Iggy Pop, elle a été enregistrée par ce dernier en 1977, mais c’est la version de Bowie de 1983 qui est devenue plus célèbre. Produite par Nile Rodgers, la chanson a été inspirée par l’engouement d’Iggy Pop pour Kuelan Nguyen, une Vietnamienne, comme une métaphore de sa carrière chez les Stooges. Probablement l’une des chansons les plus connues de David Bowie.

15 – Station to Station

On continue notre classement des meilleures chansons de David Bowie avec « Station to Station ». L’album Station To Station marque l’un des tournants stylistiques de Bowie : après les sons soul/R&B de « Young Americans », il est ici davantage influencé par la musique électronique des groupes allemands Kraftwerk et Can. « Station To Station » est l’une de ses chansons les plus expérimentales et la plus longue, puisqu’elle dure plus de 10 minutes.

14 – Rebel Rebel

C’est le dernier tube glam-rock de Bowie avant de prendre une direction plus soul lors de la tournée suivante (enregistrée sur l’album « David Live » de 1974) et de l’album « Young Americans » de 1975, et il contient l’un des meilleurs riffs d’un morceau de Bowie. Tiré de l’album Diamond Dogs de 1974, le single principal présente toute la crasse scintillante et le gore clinquant qui ont fait de Bowie une star au cours des années précédentes.

Si, au début de l’année 1970, Bowie n’était pas connu, quatre ans plus tard, il était une superstar mondiale, et ce sont des chansons comme celle-ci qui l’ont propulsé dans la stratosphère.

13 – Lazarus

Le dernier single sorti du vivant de David Bowie est l’un de ses meilleurs ; la vidéo, comme l’album « Blackstar », est sortie quelques jours avant sa mort et la chanson semble avoir été écrite en pensant à sa mort imminente. La chanson était envoûtante la première fois que nous l’avons entendue, et elle est encore plus effrayante aujourd’hui. « Lazarus » est un adieu, un chant du cygne. « Regarde là-haut, je suis au paradis », chantonne-t-il sur un paysage sonore particulièrement jazzy.

12 – Fame

En 12ème place de notre liste des meilleures chansons de David Bowie, on retrouve « Fame ». L’homme qui a réalisé The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars quelques années plus tôt était clairement un homme qui recherchait la célébrité, même si c’était sous le pseudonyme de Ziggy.

Mais en 1975, Bowie est fatigué des tribulations de la célébrité. John Lennon, à qui Bowie et le guitariste Carlos Almoar ont coécrit la chanson, en sait quelque chose. L’un des morceaux les plus funky enregistrés par Bowie ou (surtout) Lennon, c’est le premier succès américain de Bowie.

11 – The Man Who Sold The World

Relativement négligée lors de sa parution initiale, la chanson titre de The Man Who Sold The World a été fréquemment revisitée par Bowie et d’autres artistes, ce qui a permis de la réévaluer en profondeur et de la hisser au rang des meilleures chansons de David Bowie.

Lulu a eu un succès avec cette chanson en 1974, mais l’interprétation acoustique dépouillée de Nirvana, jouée en direct sur MTV Unplugged, a permis à la chanson de trouver une toute nouvelle génération de fans, à une époque où Bowie lui-même était sur le point de lui donner sa propre transformation radicale, bien que dans une direction différente, dans le cadre de ses concerts électro-lourds du milieu des années 90.

Place à notre top 10 des meilleurs titres de David Bowie

10 – Sound and Vision

Apparaissant sur Low, l’album phare de Bowie en 1977, « Sound and Vision » reste l’une des chansons les plus marquantes de Bowie. Figurant en permanence dans les listes des dix meilleurs titres de certains, cette chanson est un archétype du Thin White Duke, qui utilise des constructions lyriques abstraites façonnées par des instruments au groove incessant pour embobiner et séduire.

La chanson avait été composée à l’origine comme un morceau instrumental, ce dont Visconti et Bowie avaient convenu lors de la création du LP de la trilogie berlinoise, mais elle s’est vite épanouie grâce aux paroles plus abstraites du chanteur.

9 – Ziggy Stardust

Tirée de l’album conceptuel de Bowie, Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, cette chanson raconte l’histoire de Ziggy Stardust, une rock star extraterrestre bisexuelle qui sert de messager à des êtres extraterrestres. Cette chanson est la pièce maîtresse de l’album, présentant l’ascension et la chute de Ziggy. Classique du glam rock, elle est basée sur un riff de guitare de Mick Ronson. La voix de Bowie est proche de la perfection et Mick Ronson a la main sur l’un des plus grands riffs du rock. L’une des toutes meilleures chansons de David Bowie.

8 – Starman

Comment ne pas placer « Starman » dans notre top 10 des meilleures chansons de David Bowie ? C’est le premier single de l’album Ziggy Stardust de Bowie, un ajout de dernière minute au disque. Les paroles décrivent Ziggy qui apporte un message d’espoir aux jeunes de la Terre par le biais de la radio. L’histoire est racontée du point de vue de l’un des jeunes qui entend Ziggy pour la première fois.

Selon Bowie, Ziggy n’est pas le Starman, mais simplement son messager terrestre. L’interprétation légendaire de cette chanson par Bowie lors de l’émission britannique « Top of the Pops » a apparemment eu un impact énorme sur les futures stars du rock et de la pop, notamment Bono de U2, Robert Smith des Cure et Boy George.

7 – Under Pressure

Bien que la collaboration soit une constante tout au long de la carrière de Bowie, il partage rarement le crédit d’un titre avec un autre artiste. « Under Pressure », cependant, est né d’un jam avec Queen dans le studio de ce dernier à Montreux. Bowie et Freddie Mercury se sont mutuellement encouragés à livrer les meilleures performances vocales de leur carrière, et le titre qui en a résulté est devenu non seulement l’une des meilleures chansons de David Bowie de tous les temps, mais aussi l’une des meilleures chansons de Queen, offrant à ce dernier son premier numéro 1 au Royaume-Uni depuis sa première place dans les charts avec « Bohemian Rhapsody », six ans auparavant.

6 – Changes

Ouvrant le quatrième album de Bowie, Hunky Dory, « Changes » se présente comme un hymne de rébellion pour les jeunes générations qui se battent contre les idées dépassées de leurs parents, mais il expose en fait tout le modus operandi de Bowie : se tournant pour « faire face à l’étrange » et devenir « un homme différent », sa prise de conscience que la réinvention serait sa seule façon d’avancer est apparue sur un album dans lequel Bowie a vraiment trouvé sa voix. Ce faisant, il a encouragé ceux qui l’ont suivi à trouver la leur. L’un des tout meilleurs titres de David Bowie.

5 – Let’s Dance

En 1982, Nile Rodgers a rencontré David Bowie dans le club new-yorkais Continental, où les deux hommes ont échangé une conversation sur leurs intérêts musicaux. Bowie a ensuite invité Rodgers dans sa maison en Suisse, ce que Rodgers a pris pour une audition. Les deux hommes ont ensuite travaillé ensemble sur ce titre et sur l’album du même nom, offrant à Bowie l’un des plus grands succès de sa carrière.

4 – Ashes To Ashes

Avec une méta-narration qui remonte à son premier succès, « Space Oddity », un style new wave/pop crossover qui a marqué les années 80, et l’un de ses refrains les plus accrocheurs associé à certaines de ses paroles les plus cryptiques, « Ashes To Ashes » se situe à la jonction entre le talent de Bowie pour écrire des mélodies pop parfaites et sa compulsion pour l’avant-garde. Premier single de l’album Scary Monsters (And Super Creeps), il est également devenu son premier numéro 1 des années 80 et est très bonne place de notre liste des meilleures chansons de David Bowie.

3 – Space Oddity

Bowie a réussi avec « Space Oddity » à prouver que les meilleures chansons de David Bowie pouvaient capter l’esprit du temps comme aucune autre. Sorti à quelques semaines de l’alunissage de 1969, il s’est hissé à la cinquième place au Royaume-Uni.

Transmettant toute l’excitation et l’angoisse existentielle de la course à l’espace de la fin des années 60, ainsi que les propres obsessions de Bowie pour le cosmos et les aléas de la célébrité, Space Oddity a défini les thèmes qu’il allait explorer tout au long de sa carrière, tout en donnant à la musique rock l’une de ses figures les plus durables. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de David Bowie.

2 – Life On Mars ?

Il est étonnant de penser que « Life On Mars ? » n’a pas été retenu pour une sortie en single en 1971. Il a fallu attendre deux ans de plus pour que la renommée de l’ère Ziggy de Bowie la propulse à la troisième place au Royaume-Uni et la place parmi les meilleures chansons de David Bowie.

« Life On Mars ? » est aujourd’hui, pour beaucoup, le meilleur exemple de Bowie en tant qu’auteur-compositeur : une ballade épique dont les paroles impressionnistes sont portées par le piano magistral de Rick Wakeman et les arrangements de cordes cinématographiques de Mick Ronson. Probablement l’une des chansons les plus connues de David Bowie.

1 – Heroes

Bowie, Brian Eno et Tony Visconti ont produit des morceaux à la fois plus audacieux et plus accrocheurs pendant leur séjour aux studios Hansa de Berlin, mais pour ce qui est de l’expression émotionnelle pure associée à la perfection sonore, « Heroes » marque l’apogée de leurs réalisations.

« Heroes » déborde de tout le désir du monde, propulsé par la ligne de guitare pénétrante de Robert Fripp et une voix qui permet à Bowie – toujours à la recherche d’un nouveau souffle après ses excès du milieu des années 70 – de s’élever véritablement au panthéon des dieux. Pour nous, LA meilleure chanson de David Bowie.

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Notre classement des 15 meilleures chansons de Daft Punk

En matière de musique électronique et de danse, Daft Punk a réécrit les règles du jeu. Formé en 1993, le célèbre duo français s’est immortalisé par son esthétique rétrofuturiste classique et ses innombrables disques intemporels. Depuis leurs humbles débuts de production en chambre (Homework), les Daft Punk sont devenus l’un des groupes les plus demandés de tous les temps, collaborant avec tout le monde, de Kanye West à The Weeknd, en passant par Nile Rodgers, Julian Casablancas, le leader des Strokes, et de nombreux autres grands noms de la musique. Avec une telle collection de hits inspirants, choisir les meilleures chansons de Daft Punk n’est pas une tâche facile – mais voici 15 chansons qui, selon nous, font l’affaire.

Notre top 15 des meilleures chansons de Daft Punk

15 – Lose Yourself To Dance

On commence notre classement des meilleures chansons de Daft Punk avec « Lose Yourself To Dance ». Les Daft Punk n’ont fait équipe avec Pharrell Williams qu’à deux reprises sur Random Access Memories, mais le lauréat de 13 Grammy Awards a su tirer parti de ces collaborations en prêtant sa voix à deux des plus grands succès de l’album.

« Lose Yourself to Dance » est évidemment le plus petit des deux, mais c’est aussi l’un des morceaux les plus funky que Daft Punk ait jamais produit, avec l’aide précieuse de Nile Rodgers de Chic à la guitare.

14 – Human After All

Bien sûr, le titre de l’album est le plus pertinent du point de vue thématique. Des voix robotiques chantent un message simple sur les points communs universels de l’humanité. Rien ne semble organique. Chaque bruit est irrégulier et électrique, même s’ils jouent le rôle d’une guitare rock. Les cerveaux humains fonctionnent comme une technologie informatique très avancée.

Les cerveaux humains utilisent la technologie informatique pour créer des sons synthétiques et pleins d’âme. Brillant. C’est le seul single de « Human After All » à ne pas avoir de véritable clip

13 – Technologic

« Technologic » est un morceau phare de la deuxième partie de Human After All, qui se situe quelque part entre « Robot Rock » et « Harder, Better, Faster, Stronger ». Il met l’accent sur des accords de guitare fortement filtrés et des paroles impératives répétées, les deux éléments se combinant pour créer un groove particulièrement hypnotique.

Ces paroles ne sont pas prononcées par les voix autotunées typiques de Daft Punk, mais par une voix plus aiguë, presque enfantine, comme une machine externe ou un monologue intérieur qui donne des ordres (« Buy it, use it, break it, fix it »). En 13ème place de notre classement des meilleurs morceaux de Daft Punk.

12 – Face to Face

On continue notre liste des meilleures chansons de Daft Punk avec « Face To Face ». L’avant-dernier morceau de Discovery est l’un des plus beaux, une collaboration avec le producteur et chanteur Todd Edwards (qui participera plus tard au chant de « Fragments of Time », extrait de Random Access Memories).

Les Daft Punk utilisent un sample de la chanson « Evil Woman » d’ELO pour construire un morceau de danse qui semble bien plus décalé que son rythme 4/4 ne le suggère. Le timbre de voix d’Edwards ne saute pas vraiment aux yeux, mais sa mélodie et ses paroles apportent un élément humain à « Face to Face », car il cherche à établir une connexion, à « s’impliquer, face à face ».

11 – Something About Us

Le retour au calme après l’euphorie de « High Life » sur Discovery, « Something About Us » est mené par des touches calmes et des guitares et basses funky, le rare rappel que Daft Punk peut orchestrer une danse lente aussi bien qu’une danse sauvage quand ils le veulent.

Les robots deviennent intimes et font un plaidoyer romantique via le vocodeur, reconnaissant le risque d’un amour non partagé avant de jouer cartes sur table (« I need you more than anything in my life / I want you more than anything in my life »). Un solo de guitare en sourdine, mais jazzy, attise un peu plus la flamme romantique du morceau. L’une des meilleures chansons de Daft Punk.

Place à notre top 10 des meilleurs titres de Daft Punk

10 – Robot Rock

Premier single de Human After All, « Robot Rock » est exactement ce qu’il semble être. Un sample de « Release the Beast » de Breakwater constitue la base de la chanson, gagnant la moitié de la bataille à lui seul, mais Homem-Christo et Bangalter y apportent leur propre touche, transformant subtilement l’allure funk du morceau de 1980 en une marche mécanique coupée, digne d’un automate.

Le refrain vocodé ajoute à l’ambiance bourdonnante et hypnotique du morceau, mais la décision la plus sage prise par les Daft Punk est de laisser le riff de Breakwater suivre son cours, de le découper pour le rendre plus complexe, mais de ne jamais lui faire perdre son groove.

9 – Rollin’ & Scratchin’

On enchaîne notre top 10 des meilleures chansons de Daft Punk avec « Rollin’ & Scratchin' » est nerveux, voire dangereux, d’une manière peu commune dans le catalogue des Daft Punk, comme s’ils utilisaient leurs pouvoirs musicaux non pas pour vous soulager de vos problèmes, mais pour vous attraper et vous garder sous leur emprise jusqu’à ce que vous dansiez jusqu’à la mort. Ce morceau de Homework est le plus minimaliste des Daft Punk, une rave-up squelettique et glitchée qui est d’autant plus dérangeante qu’elle suit immédiatement « Around the World ».

Des tambours sombres et insistants rencontrent une série de synthés distordus et angoissants, les deux côtés se heurtant parfois, d’autres fois s’effaçant pour faire place à l’autre. « Rollin’ & Scratchin' » est nerveux, voire dangereux, d’une manière peu commune dans le catalogue des Daft Punk, comme s’ils utilisaient leurs pouvoirs musicaux non pas pour vous soulager de vos problèmes, mais pour vous attraper et vous garder sous leur emprise jusqu’à ce que vous dansiez jusqu’à la mort

8 – Revolution 909

Nommé d’après la boîte à rythmes Roland TR-909 – utilisée en grande partie sur Homework – « Revolution 909 » voit Daft Punk créer le groove house instrumental ultime pour le dernier single de l’album. La chanson commence par un sketch où l’on entend des bruits de foule, des klaxons de voitures, des sirènes de police et un officier qui déclare dans un mégaphone : « Arrêtez la musique et rentrez chez vous », avant que le rythme n’explose, à la manière typique des Daft Punk. Le clip est censé être une réflexion sur l’attitude du gouvernement français à l’égard des rave parties, que Bangalter résume comme un manque de compréhension de la musique et de la culture house.

7 – Aerodynamic

Commençant par des sons de cloches inquiétants, le groove inoubliable d’Aerodynamic mêle house, disco, électro et rock, et comporte un somptueux solo de guitare qui conviendrait mieux à un morceau de rock progressif des années 70. Intégrant même des éléments de musique baroque (comme en témoigne la dernière minute du morceau), Guy Manuel De Homem-Christo a décrit Aerodynamic comme « un mélange entre le passé et le futur, peut-être le présent ». Sans aucun doute l’un des meilleurs titres de Daft Punk.

6 – Da Funk, l’une des meilleures chansons de Daft Punk

Répugnante dans le meilleur sens du terme, la frénésie électronique de « Da Funk » est construite sur un groove de type G-funk, des samples de la vie nocturne urbaine et un rythme hip-hop inspiré du classique de 1994 de Warren G, « Regulate ».

Il est fou de penser que « Da Funk » n’a pas reçu beaucoup d’attention après sa sortie, en mai 1995, mais lorsque les Chemical Brothers ont commencé à l’inclure dans leurs performances live, la chanson a reçu l’attention plus large qu’elle méritait.

Le clip réalisé par Spike Jonze, qui met en scène un chien anthropomorphe porteur de béquilles errant dans les rues de New York, a confirmé son statut de chanson emblématique des Daft Punk. L’une des meilleures chansons de Daft Punk.

5 – Get Lucky

Si vous n’avez pas encore entendu « Get Lucky », alors sortez de votre coquille. Le premier extrait du quatrième album tant attendu des Daft Punk, Random Access Memories, a bouleversé les règles du jeu des Daft Punk en rendant hommage aux influences funk et disco des années 70 et 80. Mettant au rebut leur son électronique granuleux pour enregistrer des grooves soul et funk avec le disco-master Nile Rodgers, le tout agrémenté de la voix de l’icône hip-hop et pop Pharrell Williams, le groupe a réalisé un succès mondial qui a immédiatement pris place parmi les meilleures chansons de Daft Punk.

Au moment de sa sortie, « Get Lucky » a battu des records de streaming en devenant la chanson la plus jouée en une seule journée sur Spotify. Elle a également permis aux Daft Punk de remporter les Grammys du disque de l’année et de la meilleure performance de duo/groupe pop, Random Access Memories remportant également les prix de l’album de l’année et du meilleur album de danse/électronique lors de la 56e cérémonie des Grammys.

4 – Digital Love

L’un des titres les plus romantiques parmi les meilleures chansons de Daft Punk, « Digital Love » est mis en valeur par les paroles de DJ Sneak, qui parlent de sentiments d’amour non résolus et de nostalgie. Chantée par les Daft Punk dans un style vocoder typique, la chanson évoque des images d’amours perdues à travers une mer de temps et d’espace et, dans le cas du film Interstella 5555, de rêves solitaires au dessus de son lit dans un vaisseau spatial en forme de Gibson Flying V.

Un sample tout à fait contagieux de « I Love You More »de George Duke induit des sentiments de nostalgie, mais au fur et à mesure que le morceau se poursuit, le rythme devient plus lourd et plus house.

Place maintenant au podium des meilleures chansons de Daft Punk

3 – Around the world

Plus de 20 ans après sa sortie, « Around The World » continue de changer la donne dans le domaine de la musique électronique et de la musique de danse. Simple mais efficace, le duo répète 144 fois le titre de la chanson sur fond de synthétiseurs, de batterie et de ce qui devient rapidement l’une des lignes de basse les plus emblématiques de la dance des années 90.

Sans surprise, le single a tenu la promesse de son titre et est devenu un grand succès dans les clubs du monde entier, atteignant la première place des classements dance au Royaume-Uni, aux États-Unis, en Italie, en Islande et au Canada.

Michael Gondry a également exploité l’utilisation experte de la répétition par les Daft Punk pour la vidéo de promotion du titre, qui met en scène quatre groupes distincts de danseurs dans un mouvement circulaire. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Daft Punk.

2 – Harder Better Faster Stronger

Probablement la chanson la plus reconnaissable des Daft Punk, « Harder Better Faster Stronger » offre un instrumental brut, élastique et disco, soutenu par une basse synthé-funk, des cymbales trash et le sample remarquable d’Edwin Birdsong (Cola Bottle Baby).

Pour Alive 2007, le duo a remixé le morceau avec « Around The World » et « Steam Machine » de Human After All pour une performance live légendaire – et nominée aux Grammy Awards – qui peut encore faire trembler les auditeurs. N’oublions pas non plus « Stronger » de Kanye West, qui a popularisé encore davantage le tube déjà planétaire des Daft Punk après l’avoir samplé pour le deuxième single de son album Graduation en 2007.

1 – One More Time

Peu de morceaux ont autant d’attrait universel que « One More Time ». En tête de notre liste des meilleures chansons de Daft Punk, il reste instantanément reconnaissable et s’impose comme l’un des plus grands hymnes de fête de tous les temps. Le morceau lui-même se résume à un échantillonnage intelligent, à des effets de traitement futuristes et à une voix autotunée du DJ et chanteur américain Romanthony.

« One More Time » s’est propulsé dans les charts, ouvrant la voie à Discovery, qui est devenu l’album le plus célèbre du duo et le mieux accueilli par la critique. En 2013, la chanson s’est vendue à plus d’un million d’exemplaires – une première pour Daft Punk – et s’est imposée comme le disque le plus célèbre et le plus inspirant du duo.

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