Nouvel album de Robert Plant en 2021 – Raise The Roof


Il n’y a rien d’écrit dans la pierre à propos des rockeurs classiques de l’âge d’or qui doivent continuer à suivre le même chemin lorsqu’ils arrivent à la fin de leur vie. Cela fonctionne pour certains : Mick Jagger, Paul McCartney et Neil Young ont réussi à ne pas trop s’écarter de leur trajectoire au fil des décennies. Mais d’autres ne combattent plus l’envie de refaire les mêmes mouvements qu’ils faisaient 50 ans plus tôt. Et c’est le cas avec ce nouvel album de Robert Plant.

Robert Plant a pratiquement fait une seconde carrière en réécrivant et en recâblant son passé. Depuis le début du siècle, l’ancien chanteur de Led Zeppelin s’est débarrassé de ses tendances hard-rock et a plongé plus profondément dans l’Americana, le blues et la musique du monde, atteignant son apogée avec l’album de collaboration avec la star du bluegrass Alison Krauss, Raising Sand, en 2007.

La suite tant attendue de Plant et Krauss, Raise the Roof, reprend là où Raising Sand s’est arrêté 14 ans plus tôt et trouve une fois de plus le juste milieu entre les goûts décalés du Britannique et de l’Américaine. Les deux artistes – qui ont 23 ans de différence d’âge – ont clairement indiqué que leurs origines et leurs discographie se croisent rarement ; c’est leur respect mutuel et leur ouverture musicale qui ont fait de leurs collaborations un mélange parfait de deux mondes apparemment disparates.

Y a quoi sous le capot de Raise The Roof, le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss en 2021

Reprendre Calexico semble être un choix audacieux pour Robert Plant et Alison Krauss, qui ouvrent le nouvel album de Robert Plant Raise the Roof avec la chanson « Quattro (World Drifts In) », composée en 2003 par le groupe indie-rock de l’Arizona. Ce n’est pas que Calexico soit d’une manière ou d’une autre à l’abri de toute interprétation, mais le groupe a un son très distinctif et subtil qui ne semblerait pas se prêter à une reprise. Pourtant, Plant et Krauss réussissent parfaitement la chanson, mêlant leurs voix dans des harmonies spectrales sur un arrangement qui remplace les guitares sinueuses de l’original par du piano et un rythme plus soutenu.

On continue le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss Raise the Roof qui reflète un large éventail de musique, avec des chansons américaines folk, country et R&B, ainsi que quelques morceaux de folk britannique que Plant connaissait depuis longtemps. Il y a même une chanson originale, « High and Lonesome », que Plant a écrite avec T Bone Burnett, qui a produit l’album. Avec un groupe ancré par le batteur Jay Bellerose et le guitariste Marc Ribot (avec des contributions de David Hidalgo, Bill Frisell et Buddy Miller, entre autres), Plant et Krauss couvrent beaucoup de terrain.

Avec des parties vocales qui fusionnent et s’entremêlent comme si Plant et Krauss étaient chacun la moitié d’une même âme, les chanteurs habitent pleinement ces chansons. Ils s’approprient même les morceaux les plus familiers de manière indélébile, même s’il faut parfois une minute pour s’en rendre compte. La chanson « Can’t Let Go » de Randy Weeks, par exemple, est assez fermement associée à la version abrupte et tranchante que Lucinda Williams a enregistrée en 1998, mais Plant et Krauss laissent le rythme se balancer un peu plus et chantent ensemble dans un murmure sensuel sur une guitare électrique aiguë.

Tous les morceaux ne sont pas aussi immédiatement reconnaissables. Plant prend la tête sur « Go Your Way », des chanteurs folk britanniques Anne Briggs et Bert Jansch, en chantant une mélodie calme et désespérée qui s’appuie sur la voix plus désolée de Briggs sur son enregistrement de 1971 de la chanson.

Notre avis sur le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss ? Bien que le choix des chansons soit de premier ordre, il s’agit d’un groupe assez disparate pour que Raise the Roof soit éclectique, si ce n’était de la façon dont Plant et Krauss (et le groupe) s’unissent comme s’ils avaient fait cela non-stop pendant les quinze dernières années. L’aspect le plus séduisant de l’album est peut-être le fait que, quels que soient le son, le style ou l’endroit d’où proviennent ces chansons – folk britannique, soul de la Nouvelle-Orléans, country de Bakersfield – elles semblent cohérentes et d’un seul tenant entre les mains de Plant et Krauss.

Ecoutez ici Raise The Roof de Robert Plant Ici

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Nouvel album de Sting en 2021 – The Bridge


Sting a été très occupé ces dernières années, avec la sortie de trois albums et la mise en scène d’une comédie musicale à Broadway ; pourtant, sa production musicale s’est surtout concentrée sur des réinterprétations de son répertoire (My Songs en 2019), des collaborations avec d’autres artistes ou une combinaison des deux (Duets sorti en mars de cette année). Avait-il quelque chose dans le réservoir pour de nouvelles chansons de son cru ? La question trouve une réponse affirmative sur The Bridge, le nouvel album de Sting enregistré à distance qui offre un peu de son œuvre rock, de ses ballades amoureuses sensuelles et quelques numéros jazzy, aussi.

Bien qu’il s’agisse d’un album fermé, avec ses thèmes de perte, de séparation et d’agitation, et que Sting et les membres de son groupe soient dispersés et ne se trouvent pas dans un studio commun, l’album parvient toujours à être si cohérent et la musicalité si soudée.

Y a quoi sous le capot de The Bridge, le nouvel album de Sting en 2021

Le nouvel album de Sting The Bridge s’ouvre sur son titre le plus rauque et le meilleur, « Rushing Water », qui rappelle Police. La batterie est ici la plus remarquable musicalement, ainsi que les riffs de guitare en sourdine, donnant un ton qui demeure pour la première partie de l’album. Avec des voix superposées, Sting chante « Jonah and the Whale » et une rivière déchaînée qui représente ses peurs. La chanson introduit le concept de l’album, le fleuve représentant la division de l’humanité et le « pont » étant la chose qui rapproche les gens les uns des autres, de leur passé et, pour Sting, entre la vie et la mort elle-même.

Il est suivi d’un autre single optimiste et poppy, « If It’s Love ». C’est une chanson joyeuse, qui démarre avec un riff sifflé avant que le reste du groupe ne le rejoigne. Il y a une courte section de cuivres funky qui n’est pas écrasante, ainsi qu’une section de cordes. La chanson est également optimiste, se concentrant sur un amour que Sting compare à une maladie.

On continue le nouvel album de Sting avec la chanson « The Book of Numbers » qui commence lentement mais comporte un refrain rock, faisant le lien entre le début de l’album et son cœur. Sting chante à nouveau les paraboles et les écritures de la Bible et « les fous dans les cours du pouvoir ». “If I storm the gate of heaven, I’ll find myself in hell,”, chante-t-il. Il y a beaucoup de choses à assimiler, mais l’essentiel porte sur les dangers du fanatisme.

En apparence, le titre suivant, « Loving You » traite de la séparation entre deux amoureux et de leur incapacité à communiquer, alimentée par la jalousie et la méfiance. Mais on peut aussi l’interpréter comme le clivage entre les gens dans leur ensemble et la façon dont les actions de certains ont pu faire perdre aux autres leur confiance en eux. « You say that I don’t listen/ That I don’t give you no respect », chante Sting dès la première ligne de ce slow sombre.

« Harmony Road », quant à lui, est un pont entre les intérêts pop et jazz de l’artiste. Cette chanson, ainsi que « The Book of Numbers » et « The Bells of St. Thomas », sont interprétées par son guitariste de longue date Dominic Miller. Ce dernier morceau est l’autre point fort jazzy du nouvel album de Sting, plus aérien, avec un travail de cymbales vif et une mélodie douce qui permet aux auditeurs de se concentrer sur une autre histoire teintée de gospel racontée par Sting.

Le recueil de chants influencés par la musique classique de « Fields of Gold » est repris sur des chansons comme la ballade mélancolique « For Her Love », et certains des points forts de The Bridge sont des airs folkloriques influencés par le synthé ou la guitare slide. « The Hills on the Border », avec ses violons, son accordéon et son ambiance, ressemble à un croisement entre Richard Thompson et le U2 de l’ère October.

La chanson titre de l’album et « Captain Bateman » se rapprochent davantage du folk, tandis que « Captain Bateman’s Basement », un titre bonus disponible sur l’édition deluxe de l’album, est tout autre chose, mêlant jazz et éléments de musique électronique. C’est loin d’être de la musique de club, mais c’est une face B intéressante.

Parmi les autres bonus de l’album de luxe, on trouve une reprise fidèle de la chanson désormais standard « (Sittin’ on) The Dock of the Bay », le standard de la folk anglaise « Waters of Tyne » – l’arrangement acoustique en fait le meilleur des bonus – et « I Guess the Lord Must Be in New York City », un air lounge, presque tropical, qui est une exclusivité de la version japonaise du nouvel album de Sting, The Bridge.

Notre avis sur le nouvel album de Sting, The Bridge ? C’est un album fort d’un auteur-compositeur-interprète qui voit des signes avant-coureurs. « C’est ma mission solitaire d’éveiller le monde à son destin », chante Sting. Sans être l’un des meilleurs albums de 2021, The Bridge reste une écoute agréable et un bon disque du chanteur.

Ecoutez ici The Bridge de Sting

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Nouvel album de Eagles Of Death Metal – Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas


La trame de fond d’Eagles Of Death Metal est jonchée d’anecdotes. Certains sont inattendus, comme le fait que le leader Jesse Hughes était autrefois un militant impliqué dans la campagne sénatoriale de Sonny Bono en 1992. Malheureusement, une page de leur histoire est tout à fait tragique. À la date parisienne de leur tournée de 2015, le 13 Novembre, une attaque terroristes a coûté la vie à 89 personnes. Mais, grâce à des groupes comme Eagles Of Death Metal, le rock et la liberté ne peuvent pas être tenus en cage. Voici le nouvel album des Eagles Of Death Metal sur le thème de Noël, intitulé Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas.

Eagles Of Death Metal est tout sauf un groupe de death metal, et le nouvel album du groupe Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas – un album de Noël véritablement émouvant et exaltant – a tout l’air de sonner comme un nouveau départ pour le groupe.

Cet EP de six titres est planant, sain et réconfortant. Ici, Hughes enfile le costume son alter-ego torride « Boots Electric ».

Notre avis sur le nouvel album d’Eagles Of Death Metal ? L’ensemble de l’EP est assez agréable, mais des morceaux comme « God Rest Ye Merry Gentlemen », « Little Drummer Boy » et « Little Town Of Bethlehem » sont nettement au-dessus. Le point culminant de l’album, une interprétation a cappella de « O Holy Night » avec la voix vraiment émouvante de Hughes et Homme, est un beau finish a ce (trop) court album

Ecoutez ici Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas

https://open.spotify.com/album/7twSRoql9nwCkgFiV14gTJ

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Nouvel album de Exodus – Persona Non Grata


Après, le bombardement ambitieux de plus de 70 minutes du Atrocity Exhibition enregistré en 2007, ou Blood In, Blood Out dernier album en date, sorti en 2014, qui a vu le retour triomphal de Steve « Zetro » Souza au poste de chanteur dans un mariage bien accueilli de l’esprit à l’ancienne du groupe et de l’écriture de chansons de l’ère moderne. En ce mois de novembre 2011, voici le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata, le 11ème du nom.

Y a quoi sous le capot de Persona Non Grata, le nouvel album d’Exodus en 2021

Les marqueurs standard de ce que tout le monde attend d’un disque d’Exodus sont toujours au premier plan, dans l’ensemble. Les grognements fulgurants de Souza se sont parfaitement intégrés dans le giron – à la fois en studio et en live – et reprennent rapidement de l’importance sur la chanson titre d’ouverture de l’album. Les riffs rythmiques et les solos saccadés qui ont personnifié le travail du groupe émergent rapidement et propulsent le morceau comme une forte salve d’ouverture, mais cela ne suffit finalement pas à maintenir la durée totale de 7 minutes.

Malheureusement, cette sensation de ballonnement imprègne d’autres pistes tout au long du disque qui auraient autrement bénéficié d’un montage plus judicieux. Quarante ans après le début de leur carrière, EXODUS reste l’un des meilleurs à intégrer des grooves, le prouvant ici avec « Slipping Into Madness ». Le riff mid-tempo qui alimente le refrain du morceau aurait fait palir Pantera il y a vingt-cinq ans, mais il perd en quelque sorte de son éclat la troisième fois qu’il apparaît à la fin de ses cinq minutes.

Le barrage de six minutes de « Antiseed » serait une fin furieuse pour de nombreux autres disques, mais ici, cela ne fait qu’ajouter au sentiment d’engourdissement que l’on trouve à la fin du disque.

Pour autant, on retrouve quand même de très bons titres sur le nouvel album d’Exodus Persona Non Grata qui viendront sans problèmes intégrer les sets live du groupe. On pense notamment à la chanson « R.E.M.F. », un thrasher qui serait un coup de chaos énergique à n’importe quelle époque du groupe, et à chaque instant où Souza crie « Mother Fuckers! » du haut de ses poumons pendant la chanson nous donne du baume au coeur, façon heavy metal.

Enfin, le titre « The Beatings Will Continue (Until Morale Improves) » est une explosion de fureur contagieuse de trois minutes alimentée par un refrain qui ne manquera pas d’être chanté bruyamment par une foule en concert.

Notre avis sur le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata ? Il y a de nombreuses indications que quelque part à l’intérieur de « Persona Non Grata » on aurait pu trouver un véritable chef-d’œuvre de thrash de 45 minutes. Exodus a réussi à rassembler les pièces du puzzle de leur production abondante dans le passé, mais le moment semble maintenant venu où une approche plus stricte de leur prochain album peut être bien justifiée.

Ecoutez ici Persona Non Grata d’Exodus

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Nouvel album de Adele en 2021 – 30


Chaque nouvel album d’Adele est un événement. À une époque de sursaturation, elle reste l’une des rares icônes mondiales vraiment reconnaissables : un nom en un seul mot, sa vie divisée en chapitres distincts, chacun étant lié à un âge ou à un tournant important de sa vie.

Pourtant, le nouvel album d’Adele en 2021 30 – même selon ses propres critères – a une importance personnelle et une résonance émotionnelle qui éclipse sans doute même les sommets de son travail précédent. Elle commence par évoquer son divorce avec Simon Konecki, puis aborde la maternité, son besoin d’indépendance et les sentiments d’échec personnel et d’engourdissement émotionnel qui peuvent en découler.

Sur le plan musical également, il s’agit de son album le plus diversifié à ce jour, qui passe de symphonies de rue soul-funk à un tube country-pop en passant par des cordes hollywoodiennes et – oui – des ballades déchirantes, comme seule Adele peut en offrir.

Y a quoi sous le capot de 30, le nouvel album d’Adele en 2021

Il est donc curieux que « le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur un moment de pur mélodrame : dans la chanson « Strangers By Nature », Adele, voilée de noir, « apporte des fleurs au cimetière de son cœur ». Aussi direct qu’il soit sur le plan émotionnel, le lyrisme franc d’Adele se retourne continuellement sur lui-même, présentant un labyrinthe de sentiments dans lequel il faut naviguer ; “I rebut all my rebuttals,” (« Je réfute toutes mes réfutations »), dit-elle, avant de demander pensivement : “Will I ever get there?”

Construit à travers les studios du monde entier, le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur une flopée de chansons pop californiennes clinquantes. Le titre « Easy On Me » est l’un des moments les plus ouvertement « Adele » de l’album – un premier single à succès, mais qui s’appuie stylistiquement sur son passé. On enchaine ensuite avec « My Little Love » offre un autre point de vue sur la musique de l’âme, une discussion franche sur l’anxiété et son impact. Vous auriez du mal à trouver un morceau de chanson plus nu et plus honnête qui sera absorbé par des millions de personnes dans le monde en 2021.

Le 4ème titre du nouvel album d’Adele 30 « Cry Your Heart Out » s’ouvre sur un chœur de voix angéliques profondément distordues, les effets numériques trippants vous éloignent complètement de la voie caractéristique d’Adele. Pourtant, le morceau change une fois de plus de registre, se dissolvant dans une sorte d’exercice de soul des années 60 qui démontre la maîtrise d’Adele des sons classiques. L’impact traditionnel de l’arrangement est cependant contrebalancé par les paroles – le couplet n’utilise aucune structure de rimes, simplement une série de déclarations directes qui viennent directement du cœur. Le tout est soutenu par la voix incroyable d’Adele.

« Oh My God » est un pur titre gospel, Adele trouvant la rédemption dans le célibat : “I am a grown woman,” déclare-t-elle, “and I do what I want to do…”. Cela nous amène à l’une des déviations les plus inattendues de l’album, le morceau country-pop « Can I Get It », dirigé par Max Martin. L’immédiateté de ces morceaux se dissipe cependant rapidement. Dans le nouvel album d’Adele, la liberté et l’introversion semblent être implicitement liées, jusqu’à la sombre ballade de fin de soirée « I Drink Wine ».

Comme dans les ballades de Tom Waits des années 70, Adele revient à ce style qui évite les rimes directes, laissant ses ruminations se répandre. Elle ne trouve aucune résolution, et très peu de joie aussi ; dans un monde où l’on nous apprend à « trouver l’équilibre dans le sacrifice », elle ne « connaît personne qui soit vraiment satisfait… » chante-t-elle. En levant le voile, nous sommes invités à nous pencher sur la solitude de la vie à Los Angeles, cette ville tentaculaire où même le plus simple des trajets peut vous bloquer – émotionnellement ou autre.

En effet, ce sentiment d’appartenance traverse « All Night Parking ». Le récit lyrique de la séduction, entre Los Angeles et ses racines londoniennes, fera sans doute jaser. Dans le contexte de l’album, cependant, il développe la solitude d’Adele – et son besoin de connexion.

On poursuit le nouvel album d’Adele 30 avec la chanson « Woman Like Me » qui s’articule autour d’un superbe riff de guitare acoustique, le « cliquetis » des notes constituant le moment le plus spartiate de l’album. C’est un morceau audacieux où Adele réfléchit à la dichotomie entre « complaisance » et « constance ». On se demande toutefois si elle s’adresse vraiment à son ancien partenaire ou si ces commentaires ne sont pas pour elle.

La chanson « Hold On », coécrite par Dean Josah Cover, est encore plus proche de la réalité, avec une voix accompagnée d’une chorale présentée comme « les amis fous d’Adele ». Lorsque le rythme est lancé pour la première fois, « Hold On » devient une expérience révélatrice – une pure symphonie de soul de rue, avec Inflo évoquant les fantômes de ces arrangements épiques d’Axelrod du début des années 70 avec une touche magistrale.

Cette dynamique se dissout ensuite sur le prochain titre du nouvel album d’Adele « To Be Loved », dont les notes du piano permettent à Adele d’exécuter des pirouettes vocales dignes de Whitney Houston dans toute sa grâce. “I’ll never learn,” dit-elle, “if I never leap” avec ces longues lignes vocales mélodieuses tirant chaque once de force de sa gorge. “I took some bad turns,” admet-elle, “that I am owning”. Écrite aux côtés de son précédent collaborateur Tobias Jesso Jr., la beauté manifeste de la mélodie et de la structure des accords contraste fortement avec l’audace et le caractère cathartique des paroles – elle n’a jamais été aussi ouverte, aussi franche auparavant.

Le dernier morceau du nouvel album d’Adele 30, « Love Is A Game », permet à la chanteuse de retourner à la table de roulette, jouant une fois de plus avec son cœur. Une autre production d’Inflo, la ligne de basse descendante et régulière fait un clin d’œil à la soul de la Nouvelle-Orléans, et la façon dont le rythme s’affirme tandis qu’Adele chante « self-inflict that pain » est absolument sublime. Le seul titre londonien de l’album – enregistré dans les somptueux Metropolis Studios de Chiswick – passe d’un Wurlitzer inquiétant à des cordes de style « Mad About The Boy ». C’est une chanson qui offre une conclusion, mais pas de résolution ; si l’album s’ouvre sur un mélodrame, il se termine sur une rédemption personnelle, Adele déclarant simplement « pas de compromis » avant le début du long fondu enchaîné.

Notre avis sur le nouvel album d’Adele, 30 ? Son dernier album est une œuvre de triomphe personnel et artistique, mais il n’est pas exempt de défauts. Malgré toute son ampleur stylistique et ses écarts audacieux, l’album s’attarde sur la pop californienne, tandis que certains éléments nouveaux, comme la musique country de Max Martin, ne s’intègrent pas à la palette globale. Mais ce n’est que chercher l apetite bête sur un très grand album de la chanteuse. L’équilibre est ici parfait, alliant le service aux fans (le glorieux premier single « Easy On Me ») à de nouvelles idées audacieuses. Un album à la profondeur romanesque, lorsque 30 se retourne une fois de plus pour sa conclusion londonienne, Adele semble atteindre un nouveau palier dans sa carrière stratosphérique. Un des meilleurs albums de 2021.

Ecoutez ici 30 de Adele

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Les 20 guitaristes célèbres les plus influents

La guitare est un instrument de musique immensément populaire et à maintes reprises, les guitaristes ont joui d’une grande renommée et d’une grande admiration de la part du grand public. D’innombrables magazines ont compilé les listes des plus grands guitaristes de l’histoire, notamment le magazine « Rolling Stone » et le magazine « Guitar World » avec des noms tels que Keith Richards et Stevie Ray Vaughan. Voici sans plus tarder notre top 20 des guitaristes célèbres les plus influents.

Notre top 20 des guitaristes célèbres

20 – Chuck Berry

On commence notre top 20 des guitaristes célèbres avec Chuck Berry. Chuck Berry était un auteur-compositeur-interprète américain. Considéré comme le père du rock and roll, Il est également crédité d’avoir influencé l’attitude à laquelle le style de vie de la musique rock est généralement associé. Également vénéré pour ses talents de guitariste, Berry est souvent inclus dans des listes comme les plus grands artistes de tous les temps.

De tous les premiers artistes rock & roll, aucun n’était plus important pour le développement de la musique que Chuck Berry. Il restera à jamais un guitariste hors pair, dont de nombreuses générations se sont inspirées.

19 – John Mayer

Après avoir fait son entrée en tant qu’auteur-compositeur sensible de style acoustique sur Room for Squares en 2001, John Mayer a progressivement élargi son approche au cours des années suivantes, englobant tout, et surtout du blues-rock. Mais qu’on l’aime ou qu’on le déteste, il est toujours l’un des plus grands guitaristes de cette génération. Mayer a également conservé suffisamment de fondations pop/rock pour continuer son règne des charts, faisant de lui l’un des auteurs-compositeurs les plus populaires de la décennie.

18 – Jeff Beck

Alors qu’il était aussi innovant que Jimmy Page, aussi raffiné que Eric Clapton, et presque aussi visionnaire que Jimi Hendrix, Jeff Beck n’a jamais obtenu le même succès commercial qu’aucun de ces contemporains, principalement en raison de la manière désordonnée dont il a abordé sa carrière.

Après avoir quitté le Jeff Beck Group en 1971, Beck n’a jamais travaillé avec un chanteur charismatique qui aurait pu aider à vendre sa musique à un large public. De plus, il était tout simplement trop idiosyncratique, passant du heavy metal au jazz fusion en un clin d’œil. Il n’en reste pas moins l’un des guitaristes connus les plus grands.

17 – Carlos Santana

Le guitariste Carlos Santana est devenu célèbre à la fin des années 1960 et dans les années 1970 avec son groupe de rock Santana. Il a introduit des éléments du jazz latino-américain dans sa musique rock pour créer des chansons uniques. Il a reçu dix Grammy Awards et trois Latin Grammy Awards. Santana était un pionnier du psychédélisme qui a introduit le rock latin dans le grand public avec leurs trois premiers albums : Santana, Abraxas et Santana III.

Grâce à leur apparition à Woodstock, leur album éponyme a été un succès retentissant dès sa sortie, avec le single « Evil Ways ». Ils sont restés au sommet des charts jusqu’en 1973, lorsque le leader et le guitariste homonyme a commencé à explorer par lui-même la fusion ésotérique, spirituelle et jazz de sa musique. L’un des guitaristes connus les plus célèbres de tous les temps.

16 – Slash

Slash est un auteur-compositeur, musicien et producteur de disques anglo-américain. Après avoir atteint la popularité en tant que guitariste principal de Guns N’ Roses, Slash a quitté le groupe pour former Velvet Revolver, un super groupe de hard rock. Largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du rock, Slash est souvent nommé dans des listes, telles que les guitaristes célèbres les plus talentueux de tous les temps.

15 – Keith Richards

On poursuit notre classement des guitaristes célèbres avec Keith Richards. Sans doute le meilleur et le plus influent guitariste rythmique de l’histoire du rock & roll, Keith Richards était le principal architecte du son qui allait faire des Rolling Stones l’un des groupes les plus emblématiques du rock. Richards aura co-écrit quasiment toutes les chansons des Rolling Stones avec Mick Jagger.

S’ils étaient largement perçus comme les mauvais garçons ultimes du rock à leur apogée, Richards était l’homme qui menait leur charge, et son style fanfaron, son attitude de hors-la-loi, ses démêlés avec la loi et sa consommation démesurée de drogues et d’alcool ont créé une légende.

14 – Angus Young

Angus Young, co-fondateur d’AC/DC, guitariste principal et auteur-compositeur, a émigré en Australie à 13 ans. Après avoir abandonné l’école à 15 ans, il a commencé à jouer des instruments. Nommé meilleur guitariste australien de tous les temps par le magazine Australian Guitar, il est connu pour ses tenues d’uniforme et pour avoir fait revivre la « promenade du canard » de Chuck Berry.

Cette dans lui a permis d’être l’un des guitaristes les plus connus de sa génération. De plus, on ne compte plus les riffs qui sont devenus des classiques : de « You Shook Me All Night Long » à « Back In Black » en passant par « Let There Be Rock ». Un dieu vivant.

13 – Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan était un musicien américain. Stevie a tellement accompli au cours de sa carrière grand public, qui n’a duré que sept ans, qu’il est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes connus de tous les temps et l’un des musiciens les plus influents et les plus emblématiques de l’histoire de la musique blues.

Il est crédité d’avoir ravivé le blues-rock et son travail continue d’influencer plusieurs artistes. Il a permis de rendre le blues légèrement plus commercial et plus facile à comprendre pour le grand public.

12 – Paul Simon

La moitié du duo musical populaire Simon & Garfunkel, Paul Simon est un auteur-compositeur-interprète, musicien et acteur. Il est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes connus et auteurs-compositeurs de tous les temps. Sa carrière, qui a duré plus de 60 ans, a été si influente que Time l’a nommé parmi les 100 personnes qui ont façonné le monde en 2006. Paul Simon est l’un des auteurs-compositeurs les plus réussis et les plus respectés de l’ère du rock.

Dans les années 1970, il était à l’avant-garde du mouvement des auteurs-compositeurs, mariant des paroles intelligentes et réfléchies à une musique pop sophistiquée. Son album solo de 1975 Still Crazy After All These Years a dominé les charts, a remporté le Grammy de l’album de l’année et a inclus le hit « 50 Ways to Leave Your Lover. ».

11 – Frank Zappa

Frank Zappa était un compositeur, multi-instrumentiste, auteur-compositeur-interprète et chef d’orchestre américain. Largement considéré comme l’un des musiciens rock les plus diversifiés et innovants de sa génération sur le plan stylistique, Zappa est surtout l’un des guitaristes célèbres ayant le plus influencé la génération suivante.

Les œuvres de Zappa ont influencé d’autres musiciens comme Alice Cooper, Jimi Hendrix, Simon Phillips, Steve Vai et Warren DeMartini.

Les 20 meilleures chansons de Noël de tous les temps

Noël rime souvent avec un feu de cheminée blotti sous une couette avec un chocolat chaud et des pantoufles au pied. Et quoi de mieux pour accompagner ce moment qu’une bonne playlist de Noël. Si pour certains les chansons de Noël sont ce qu’il y a de pire sur Terre, d’autres y trouvent leur bonheur. Après notre classement des meilleurs albums de Noël, place maintenant à notre top 20 des meilleures chansons de Noël de tous les temps.

Que vous préfériez des versions originales de chansons de Noël ou des titres plus pop sur des classiques intemporels, il y en a pour tous les goûts dans ce classement.

Notre top 20 des meilleures chansons de Noël de tous les temps

20 – Jingle Bell Rock – Daryl Hall & John Oates

On commence notre top 20 des meilleures chansons de Noël de tous les temps avec le titre « Jingle Bell rock » de Daryl Hall & John Oates. Ce classique de Noël revu et corrigé par une version soul de Daryl Hall & John Oates surpasse clairement l’original, crée par Bobby Helms en 1957. Reprise maintes et maintes fois, cette version reste pour nous la meilleure.

 

 

19 – Underneath The Tree – Kelly Clarkson

Tiré de son album de Noël Wrapped in Red, ce single « Underneath The Tree » est rapidement devenu un hit des fêtes de Noël. Sans être l’une des toutes meilleures chansons de Noël, le titre n’en reste pas moins une excellente chanson.

Pourquoi ? En partie parce que l’écriture des chansons offre assez d’audace à la Spector, mais aussi parce que la superbe performance vocale de Clarkson dégage une sincérité complètement contagieuse.

18 – Step Into Christmas – Elton John

Sir Elton annonce « Welcome to my Christmas song » au sommet de ce banger au piano, nous signalant à tous qu’il s’agit d’une chanson de Noël sans arrière-pensée, sauf pour devenir un classique de Noël. Mission accomplie.

Elton John a sorti son single de Noël en 1973, et il a atteint le numéro 1 du palmarès des singles de Noël du Billboard. La personnalité démesurée d’Elton John et le côté entraînant de ce morceau font de « Step Into Christmas » l’une des meilleures chansons de Noël de tous les temps.

17 – Sleigh Ride – The Ronettes

La voix distinctive et sensuelle de Ronnie Spector pourrait facilement faire fondre n’importe quelle neige de Noël. Sur le titre phare de l’album de Noël classique de Phil Spector « Sleigh Ride », elle ronronne de se mettre à l’aise sous une couverture lors d’une promenade en traîneau pendant que ses camarades Ronettes chantent ring-a-ling-a-ling-a-ding-dong-ding en arrière-plan.

L’arrangement de Spector est peut-être plein de cloches et de sabots, mais la chaleur irrépressible de la mélodie fait allusion au fait que cette chanson a été composée pendant une vague de chaleur en juillet. Un indispensable des meilleures chansons de Noël de tous les temps.

16 – Happy Xmas (War Is Over) – John Lennon et Yoko Ono

On poursuit notre top 20 des meilleures chansons de Noël de tous les temps avec « Happy Xmas (War Is Over) » de John Lennon et Yoko Ono. Cette chanson de 1971 a été inspirée par la protestation de John Lennon et Yoko Ono contre l’implication de l’Amérique dans la guerre du Vietnam. Euphorique et cinglante, aussi optimiste que résignée, la chanson festive définitive de la paix sur terre des deux artistes a transcendé son objectif initial anti-guerre du Vietnam pour devenir un classique de Noël.

15 – Rockin’ Around the Christmas Tree – Brenda Lee

Il est difficile de croire que Brenda Lee n’était qu’une adolescente lorsqu’elle a enregistré cette chanson, et c’est toujours l’une des meilleures chansons de Noël encore aujourd’hui. Alors que la plupart des jeunes de 13 ans étaient occupés à ouvrir leurs cadeaux le matin de Noël 1958, Brenda Lee chantait un futur classique de Noël qui se vendrait à 25 millions d’exemplaires.

Étant juif, l’auteur-compositeur Johnny Marks n’a pas célébré Noël, mais dans les années 40 et 50, il a écrit certaines des plus grandes chansons de Noël de tous les temps. Parmi eux se trouvent « Rudolph, The Red-Nosed Reindee », « I Heard The Bells of Christmas Day » et donc « Rockin’ Around the Christmas Tree ».

14 – Christmas Wrapping – The Waitresses

Si vous aimez les groupes new wave comme Blondie et Talking Heads, c’est sûrement la chanson de Noël pour vous. Cela commence cyniquement avec la chanteuse Patty Donahue déclarant « I think I’ll miss this one this year », avant qu’une romance inattendue ne s’épanouisse dans les dernières moments de la chanson.

Les rencontres fortuites avec des mecs mignons au supermarché sont ce dont sont faits les contes de fées de Noël, surtout lorsqu’ils sont réglés sur une nouvelle vague pétillante et alimentée par des saxophones. Une des meilleures chansons de Noël de tous les temps. A noter également la reprise plutôt réussie des Spice Girls.

13 – Just Like Christmas – Low

On continue notre top 20 des meilleures chansons de Noël de tous les temps avec le titre « Just Like Christmas » de Low. L’EP de Noël sorti en 1999 de Low – sorti en tant que « cadeau » pour les fans – était l’un des délices saisonniers les plus inattendus de cette année là : un groupe indie embrassant la saison sans ironie. Rempli de cloches de traîneau, uniquement deux couplets et un refrain répété… les rockers indépendants de Low ont réussi à faire l’impensable en 1999 : créer une chanson de Noël vraiment cool.

12 – Fairytale of New York – The Pogues

Si vous pouviez imaginer le résultat d’un groupe de punk celtique britannique qui souhaite sortir une chanson de Noël, ce sera probablement « Fairytale of New York ». Ce qui commence comme un slow jam se transforme en une ambiance irlandaise complète en seulement une minute.

Bien que la chanson ait fait l’objet de controverses tout au long de sa vie, la chanson de Noël du groupe de punk celtique anglais est toujours un succès incontournable pour beaucoup. Qu’un groupe folk-punk décoiffé ait produit quelque chose qui durera aussi longtemps que Noël lui-même est un véritable miracle de Noël. Un indispensable de Noël et l’un des meilleurs titres de Noël.

11 – River – Joni Mitchell

Vous pensez que vous avez passé un mauvais Noël l’année dernière lorsque vous avez brûlé la dinde ? Ayez une pensée pour Joni Mitchell, qui a le cœur brisé et veut échapper à la gaieté de Noël tout autour d’elle.

Dès l’ouverture du piano de « Jingle Bells » trempée de mélancolie, il est clair que ce ne sera pas une chanson joyeuse, mais 50 ans après sa sortie en 1971, c’est toujours beau et délicat. C’est peut-être pourquoi c’est l’une de ses chansons les plus reprises, ayant été reprise par plus de 500 artistes. La chanson folk de Noël de l’auteur-compositeur-interprète canadienne est devenue l’une des meilleures chansons de Noël au fil des années.

Top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey

Place à notre liste des meilleurs albums de Mariah Carey. L’interprète féminine la plus vendue de tous les temps, Mariah Carey est devenue une superstar grâce à sa superbe voix de cinq octaves. Un talent élastique qui est passé facilement des ballades brillantes à la dance-pop inspirée du hip-hop tout au long de sa carrière. Souvent comparée à Whitney Houston ou Céline Dion.

Merry Christmas Deluxe Anniversary Édition
  • Merry Christmas Deluxe Anniversary Edition
  • Product type: ABIS MUSIC
  • Brand: COLUMBIA/LEGACY
The Essential Mariah Carey
  • Record Label: Sony
  • Catalog#: 88697 832672
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2011
#1 to Infinity
  • CAREY MARIAH
  • R&P International
  • INTERNATIONAL
  • Musique

Les quatre singles de son premier album multi-platine, Mariah Carey (1990), ont dominé le Billboard Hot 100, à commencer par « Vision of Love », qui l’a également conduit aux Grammy Awards du meilleur nouvel artiste et de la meilleure performance vocale pop féminine. Avec près de 15 albums studios et plus de 200 millions albums vendus dans le monde, Mariah Carey est une icone de la musique Pop / R&B. Découvrons sans plus tarder notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey.

Notre classement des 10 meilleurs albums de Mariah Carey

En dernière place de notre top 10 des meilleurs disques de Mariah Carey

10) Caution (2018)

On commence notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey avec Caution, sorti en 2018. Mariah Carey s’appuie judicieusement sur les sons R&B teintés de rap qui sont son pain quotidien depuis Butterfly, tout en faisant appel à des collaborateurs inattendus comme Skrillex et Blood Orange. Elle change également le message : à la suite d’une rupture très publique, un sentiment de chagrin d’amour inévitable plane sur l’ensemble, du single délicieusement salé « GTFO » (“I ain’t tryna be rude, but you’re lucky I ain’t kick your ass out last weekend,”) jusqu’au titre “A No No”.

En 9ème place de notre classement des meilleurs albums de Mariah Carey

9) E=MC2 (2008)

Cet album a été un peu mal perçu à sa sortie en 2008 pour sonner un peu trop similaire à l’opus précédent de Mariah, The Emancipation of Mimi. Il ne faut pas être Einstein pour calculer le secret du succès de Mariah Carey. Une voix avec une telle capacité fait très souvent des ravages. Quelque part au début du millénaire, cette équation n’a pas réussi à produire les résultats voulus. L’ère Glitter et Charmbracelet de la carrière de Carey représente une période difficile.

Pourtant, quelques temps après, Mariah Carey aura sorti The Emancipation Of Mimi avec notamment des feats avec Snopp Dogg, Nelly et Tusta. Bien que vous ayez l’impression que sa célèbre gamme vocale de huit octaves ne s’étire jamais totalement, le disque E=MC2 est toujours une vitrine pour une voix remarquable adaptée à toutes les occasions. On place néanmoins E=MC2 en bas de notre classement des meilleurs albums de Mariah Carey.

En bas de notre top 10

8) Merry Christmas (1994)

Cet album a prouvé que Mariah Carey et Noël fut un mariage parfait. La chanson « All I Want for Christmas Is You » est devenu un culte et reste encore aujourd’hui l’une des meilleures chansons de Noël. Si cette chanson est devenu la chanson référence de cet album (voir de la carrière de Mariah Carey), le reste de cet album ne doit pas non plus être négligé. « Joy to the World » est un fantastique numéro de gospel.

Tandis que des classiques comme « O Holy Night » et « Hark! The Herald Angels Sing / Gloria » sont portés à des niveaux complètement nouveaux grâce aux performances vocales exceptionnelles de Carey. Un des meilleurs albums de Noël de tous les temps et l’un des meilleurs albums de Mariah Carey.

En 7ème place de notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey

7) Rainbow (1999)

C’était le premier album sur lequel Mariah Carey avait achevé son évolution en une diva pop r&b/hip hop. Les chansons ici ne sont pas aussi intemporelles que sur son album précédent, Butterfly, mais l’album parvient toujours à être assez accrocheur sur la plupart des titres les plus populaires tels que « Heartbreaker » et « How Much », ainsi qu’à convaincre sur des ballades comme « Can’ t Take That Away (Mariah’s Theme) » et surtout « Petals ».

Malheureusement, rien sur cet album n’est vraiment à la hauteur des plus grands singles de Carey des années précédentes et l’album restera une déception. On place Rainbow en 7ème place de notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey.

On a adoré The Emancipation Of Mimi

6) The Emancipation Of Mimi (2005)

The Emancipation Of Mimi est un titre particulier pour de nombreuses raisons : en 2005, elle était depuis longtemps divorcée de son premier mari et de son label. Ses deux albums précédents n’ont pas été des succès donc à bien des égards, elle était libre. Les meilleurs morceaux de l’album, « Your Gir » et « Stay the Night », se penchent sur les tons chauds et doux de la Motown, mais l’énorme « We Belong Together » épouse habilement la ballade puissante qui a rendu Mariah célèbre avec les éléments hip-hop avec lesquels elle a grandi.

Le trait le plus remarquable de l’album, cependant, est la voix de Mariah, qui, bien que moins agile qu’elle ne l’était à son apogée, s’installe dans un milieu de gamme confortable tout au long de l’album. Malgré ses 14 titres, The Emancipation of Mimi se déroule en moins d’une heure, ce qui témoigne de la simplicité des chansons. Une très bonne 6ème place dans notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey.

Emotions a toute sa place dans notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey

5) Emotions (1991)

Le deuxième album de Mariah Carey – Emotions, sorti en 1991 – a donné le ton de sa domination des années 90 –: des singles massifs, des ballades à succès et des voix impeccables. Emotions a permis à Mariah de s’éloigner un peu de ses origines pop et d’embrasser ses racines gospel avec grand succès. Cet album a prouvé qu’elle pouvait vraiment tout faire. On notera la chanson titre ainsi que « You’re So Cold », deux fabuleuses vitrines des célèbres cinq octaves de Mariah.

Son deuxième single de l’album, « Can’t Let Go », est l’un de ses tubes les plus discrets. Tandis que « Till the End of Time » trouve Mariah prenant son temps à construire la chanson d’un murmure à peine audible à une poussée tonitruante en l’espace de cinq minutes. Un album qui a toute sa place dans le top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey.

On a adoré le 1er album de Mariah Carey

4) Mariah Carey (1990)

Avec des accents rock comme « You Need Me » se heurtant à des hymnes socialement conscients comme « There’s Got to Be a Way », le premier album éponyme de Mariah est en grande partie un produit de son époque : lisse, éclectique et facilement interchangeable. avec des albums de la même époque de Whitney Houston ou Céline Dion.

On retiendra les titres « Prisoner » ou encore « Someday ». Mariah Carey a également servi de pont entre les années 80 et les années 90, avec ses ballades – « Vision of Love » en particulier – servant de modèle à presque toutes les chanteuses de R&B jusqu’au 21e siècle.

Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Mariah Carey

3) Music Box (1993)

Place maintenant au podium des meilleurs albums de Mariah Carey. Et on commence avec Music Box sorti en 1993. Music Box est probablement son album le plus terre-à-terre, riche d’airs apaisants et poignants tels que la chanson titre et « Anytime You Need a Friend », ainsi que d’excellents titres pop uptempo comme « Dreamlover » et « Now That I Know ».

Mais l’album est surtout mémorable pour la présence de très gros titres dans la carrière de la chanteuse : la chanson « Hero » qui sera absolument partout sur les ondes en 1993 et la reprise « Without You ». Ces deux chansons font parti des meilleures chansons de Mariah Carey encore aujourd’hui. Music Box reste l’un des albums les plus vendus de tous les temps avec plus de 32 millions de copies vendues.

Une 2ème place bien méritée pour Daydream

2) Daydream (1995)

1995 restera une année exceptionnelle pour les chanteuses pop :Janet Jackson sortira son Runaway, Madonna sort de deux excellents albums avec Erotica et Bedtime Stories et et LA référence en cette année 1995 et les nouvelles venues Alanis Morisette et Bjork rafleront tout sur leur passage. Mariah a sans doute atteint un nouveau sommet dans sa carrière la même année avec Daydream.

Daydream est parfaitement équilibré, alternant le boogie du début des années 80 de « Fantasy », la ballade de la fin des années 80 de « Open Arms » et la touche très 1995 avec « Always Be My Baby ». C’est un juke-box qui crache toutes les humeurs dont vous avez besoin. Daydream reste un des tout meilleurs albums de Mariah Carey.

LE meilleur album de Mariah Carey, tout simplement

1) Butterfly (1997)

Pour finir, on place Butterfly en tête de notre top 10 des meilleurs albums de Mariah Carey. Décider entre Butterfly et Daydream pour la première place s’est presque réduit à un tirage au sort – les deux albums sont presque sans faille dans leur exécution.

Mais Butterfly obtient une légère avance à cause de son héritage durable. « Honey », « My All », « The Roof », « Breakdown », le remake de « The Beautiful Ones » de Prince – et presque chacun des 12 morceaux de l’album change la donne à lui seul. C’est Mariah à son meilleur. Un indispensable dans la carrière de la chanteuse.

Les meilleurs albums d’Orelsan

Plus qu’un simple rappeur, Orelsan s’est transformé ces dernières années en un artiste à part entière, curieux du monde et désireux de s’essayer à tout, que ce soit la musique, la TV ou le cinéma. Ainsi, l’artiste d’origine normande a passé les six dernières années à devenir réalisateur, acteur et designer – tout en gardant un pied dans le rap. Remarqué par des titres sulfureux comme « Saint-Valentoin » puis « Sale Pute », Orelsan est aujourd’hui devenu une référence de la musique rap francophone. Découvrons sans plus tarder notre classement des meilleurs albums d’Orelsan.

Notre classement des meilleurs albums de Orelsan

En dernière place de notre classement des meilleurs albums d'Orelsan

3 – Perdu d’Avance (2009)
Orelsan

Le 1er album d’Orelsan sort en 2009 et est intitulé Perdu d’Avance. Souvent considéré comme le Eminem français, une ressemblance entre les deux est évidente : la création de leur propre personnage. Si Slim Shady façonnera la carrière d’Eminem, celle du loser provincial qui raconte les petites galères de la vie définira celle d’Orelsan. Il dresse dans Perdu d’Avance un portrait drôle et plutôt juste de toute une génération de jeunes plus ou moins paumés comme dans les titres « Différent », « No Life », « Changement » ou encore « Soirée Ratée » et « Pour le pire ». On y retrouve également deux titres un peu plus introspectifs avec « Courez Courez » et la chanson-titre « Perdu d’Avance ». A noter également deux magnifiques titres avec « Etoiles Invisibles » et « Peur de l’échec ». Si tout n’est pas parfait, Perdu d’Avance reste un excellent album de rap. On le place en 3ème place de notre classement des meilleurs albums d’Orelsan.

Une 2ème place bien méritée

2 – Le Chant des Sirènes (2011)
Orelsan

Deux ans après le succès de son premier album Perdu d’Avance, Orelsan sort le petit frère avec une attente monstre. Le Chant des Sirènes calmera très vite tout le monde. Avec toujours son sens unique de la formule, des productions bien meilleures que sur l’opus précédent, et de nombreux clins d’œil à toute une génération qui a grandi fin 80 début des années 90 et élevé aux sons de IAM et Mc Solaar entre autre. « Ils sont cools », « Raelsan », « Finir mal », « 2010 », « Plus rien ne m’étonne »…autant d’excellents titres qui font de ce Chant des Sirènes l’un des tout meilleurs albums d’Orelsan.

Le meilleur album d'Orelsan, tout simplement

1 – La Fête est Finie (2017)
Orelsan

6 ans. Il aura fallu attendre 6 ans pour écouter enfin le successeur de Le Chant des Sirènes. C’est long mais l’attente en valait la peine. Orelsan a grandi, a muri et si les thèmes abordés sont les mêmes, ils le sont dorénavant avec un regard d’adulte. Hormis un ou deux titres dispensables (on pense notamment à « Christophe » en feat avec Maitre Gims, ou encore « Bonne Meuf »), le reste est de très haut niveau et est très cohérent. « San » est peut-être l’une des meilleures chansons d’Orelsan ; « Quand est-ce que ça s’arrête » et « Zone » nous dépeignet les problèmes d’aujorud’hui. Enfin les titres « Paradis » et « Notes pour trop tard » terminent l’album en toute beauté. La Fête est Finie est sans conteste LE meilleur album d’Orelsan.

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Nouvel album de Bruno Mars et Anderson .Paak – An Evening with Silk Sonic


Bruno Mars et Anderson .Paak ont ​​sorti leur premier album Silk Sonic, An Evening With Silk Sonic fin novembre 2021. Les musiciens ont teasés le disque avec les titres « Silk Sonic Intro », « Leave the Door Open », « Skate » et, plus récemment, « Smokin Out the Window ». Bruno Mars joue avec le funk depuis le succès mondial de 2015, « Uptown Funk », tout comme le musicien et rappeur de la .Paak, qui a expérimenté les sons funk sur l’album 2018 Oxnard.

En 2017, lorsque les deux ont tourné ensemble lors du 24K Magic Tour de Mars, une jam session de fin de soirée a dévoilé leur amour commun pour le funk. Quatre ans plus tard, après des mois en studio, Silk Sonic est né. Notre avis sur le nouvel album de Bruno Mars ? Une explosion de soul du début des années 70 chargée de clins d’œil à des groupes comme Kool & The Gang, O’Jays ou encore The Stylistics.

La légende de la musique Bootsy Collins sert en quelque sorte de MC de l’album, guidant les auditeurs à travers ce monde fluide et sexy. La voix remarquable de Bruno Mars élève l’album de divertissant à magistral, et bien que sa puissante voix de fausset orne chaque chanson sous une forme ou une autre, il laisse également de la place à .Paak pour montrer ses propres capacités vocales impressionnantes. L’album regorge d’harmonies élégantes et de multiples octaves. Pour la plupart, cet album de neuf pistes contient des chansons qui couvrent de nombreux styles de funk. Découvrons ensemble le contenu de ce nouvel album de Bruno Mars et Silk Sonic.

Y a quoi sous le capot de An Evening With Silk Sonic le nouvel album de Bruno Mars en 2021

Après une chanson d’ouverture qui se lit comme la musique derrière une introduction de Soul Train, Silk Sonic ouvre le voyage le plus branché d’Amérique avec son premier single, « Leave the Door Open ». Même si Mars et .Paak sont nés une décennie après que cette musique ait dominé la radio FM, c’est clairement dans leur sang et ce premier single et titre de l’album en dit long sur le suite du nouvel album de Bruno Mars.

Tout comme « Blast Off », il y a des chansons sur l’album qui relèvent de la catégorie accrocheuse et sexy, avec des voix en écho et un synthé lent et oscillant. « After Last Night », avec l’artiste lauréat d’un Grammy Thundercat et Collins, rappelle également un morceau velouté et séduisant de James Brown.

Alors que des chansons comme « Fly As Me » ou « Skate » (sorti l’été dernier avec une vidéo très estivale sur le thème du patinage à roulettes) sont aussi des chansons romantiques, elles ont toutes deux une sensation plus rebondissante, cette dernière étant une piste énergique.

Enfin, « 777 » est plus une version adulte du célèbre « Uptown Funk » de Mars, car c’est un jeu groovy avec une âme authentique et amusante avec un peu de thème Vegas.

Notre avis sur le nouvel album de Bruno Mars et .Paak, An Evening With Silk Sonic ? La sélection de chansons n’est pas très variée et les chansons les plus sensuelles ont tendance à se ressembler dans leur structure. Mais que c’est bon. En plus des sons funk par excellence, les paroles amusantes de Bruno Mars et Anderson .Paak éloignent An Evening With Silk Sonic d’une aventure trop sérieuse. Une réussite et un concurrent séreiux pour une place dans notre top albums de 2021.

Ecoutez ici An Evening With Silk Sonic de Bruno Mars et Anderson . Paak (Silk Sonic)

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