Club des 27 – Découvrez la liste des principaux membres

Le chiffre 27 est peut-être le chiffre le plus infâme de l’histoire du rock. Ce chiffre a acquis un statut mythique en raison de la prédominance de nombreux musiciens emblématiques qui ont pour beaucoup d’entre eux révolutionné la musique et qui sont morts à l’âge de 27 ans, créant ainsi le club des 27. Il y a maintenant un côté mystique associé à cet âge.

Le terme est devenu largement connu après la mort de Kurt Cobain en 1994, les fans de rock reliant son âge à celui de Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones et Jimi Hendrix – bien qu’il ait été déjà dans la tête de beaucoup de fans au début des années 1970 lorsque ces quatre visionnaires sont morts à seulement deux ans d’intervalle. Le décès d’Amy Winehouse à l’âge de 27 ans en 2011 a attiré encore plus l’attention sur la signification de cet âge.

Si le club des 27 a été largement lié aux musiciens, il s’est élargi depuis, car de nombreux jeunes acteurs et artistes ont perdu la vie pour différentes raisons, de la dépendance aux drogues au suicide en passant par des accidents. Voici quelques-unes des pertes malheureuses et prématurées présentes dans ce club.

Notre top 10 des plus illustres membres du club des 27

Un des premiers membres du club des 27

10) Robert Johnson

Robert Johnson, l’un des talents les plus célèbres et les plus singuliers du Delta blues, a enregistré des chansons folkloriques et glaçantes sur le diable et le désespoir en général, le tout accompagné de lignes de guitare swing, dissonantes et parfois décalées, dont le rock & roll se fait l’écho depuis des décennies. Il a enregistré moins de 50 chansons – dont certaines ont été reprises plus tard par Cream (« Cross Road Blues »), Captain Beefheart (« Terraplane Blues ») et les Rolling Stones (« Love in Vain », « Stop Breaking Down »).

En août 1938, quelques mois seulement après son 27ème anniversaire, Johnson fait des avances à la femme du propriétaire d’un roadhouse où il joue, boit dans une bouteille de whisky ouverte qu’on lui offre, et meurt trois jours plus tard d’un empoisonnement à la strychnine et d’une pneumonie. Il est enterré dans une tombe non marquée dans le Mississippi. Robert Johnson devient l’un des premiers illustres membres du club des 27

Brian Jones

9) Brian Jones

La mort de Jones dans sa maison de campagne en Angleterre en 1969 semble être le résultat de son comportement insensé. Mélanger alcool et drogues puis plonger dans la piscine, c’était nager directement dans les bras de la mort. Aussi clair que cela puisse paraître, la mort de Brian Jones est devenue l’un des mystères les plus persistants du rock & roll, de nombreuses personnes remettant en question la version officielle de ce qui s’est passé.

Même des membres des Rolling Stones ont exprimé des doutes. « Et le mystère de sa mort n’a toujours pas été résolu », a déclaré Keith Richards. « Je ne sais pas ce qui s’est passé, mais il y avait de sales affaires en cours ». L’un des membres les plus illustres du club des 27.

L'artiste féminine la plus connue du club des 27

8) Janis Joplin

La « reine de la soul psychédélique » est morte 16 jours seulement après Jimi Hendrix, le 4 octobre 1970. La cause officielle du décès a été citée comme étant une overdose d’héroïne qui a pu être décuplé par l’abus d’alcool. Joplin avait dirigé le groupe de San Francisco Big Brother and the Holding Company avant de se lancer dans une carrière solo. Son style de chant bluesy caractéristique a fait d’elle l’une des chanteuses les plus emblématiques de l’époque. Elle est aussi largement considérée comme l’une des chanteuses les plus influentes de tous les temps.

Comme beaucoup de membres du 27 Club, c’était une artiste profondément troublée qui a eu une vie difficile. Joplin a lutté contre l’alcoolisme et la toxicomanie, et ces deux problèmes se sont aggravés lorsque sa carrière a commencé à décoller.

Jim Morrison des Doors

7) Jim Morrison

Le culte de Jim Morrison s’est développé à titre posthume, prenant son essor en 1979 lorsque Francis Ford Coppola a utilisé la chanson « The End » dans la bande-son du film Apocalypse Now. Une partie du culte de Jim est due à la coïncidence de sa mort au même âge que Brian, Jimi et Janis. Le lien de 27 ans a contribué à renforcer l’idée que Jim était spécial, que sa mort était un destin. Le fait que la petite amie de Jim soit morte au même âge accentue l’étrangeté de la coïncidence. Un des membres les plus connus du club des 27.

Comme Hendrix, Morrison et son groupe, les Doors, ont fait irruption sur la scène musicale en 1967, en présentant un mélange novateur de blues-rock et de psychédélisme. Morrison est devenu une icône de la contre-culture, connu pour ses textes poétiques et sa voix bluesy, mais il a lutté contre la toxicomanie et l’alcoolisme, ce qui a conduit les Doors à cesser de se produire en concert.

Morrison finit par quitter le pays et s’installe en France où il meurt à l’âge de 27 ans, le 3 juillet 1971. Morrison est mort deux ans après la mort de Brian Jones, le rejoignant dans le club des 27.

Le guitariste le plus célèbre du club des 27

6) Jimi Hendrix

On continue la découverte des membres du club des 27 avec l’illustre Jimi Hendrix. Hendrix est largement considéré comme le plus grand guitariste de tous les temps et est considéré comme l’un des musiciens les plus influents de l’histoire du rock. L’un des aspects remarquables de la carrière discographique de Hendrix est que son riche héritage a été principalement établi au cours d’une période de quatre ans, de 1966 à 1969. Jimi Hendrix est mort à l’âge de 27 ans, le 18 septembre 1970.

La cause officielle du décès a été citée comme étant une asphyxie causée par une surdose d’analgésiques. Cela dit, les théoriciens du complot ont également évoqué la possibilité d’un suicide ou d’un meurtre. Comme pour beaucoup de grandes victimes du rock & roll, les circonstances mystérieuses de sa mort ont ajouté à son héritage.

Ron McKernan

5) Ron McKernan

Ron « Pigpen » McKernan était un membre fondateur du groupe Grateful Dead. Le 3 mars 1973, il a été retrouvé mort d’une hémorragie gastro-intestinale, compliquée par l’abus d’alcool. À l’instar de Brian Jones, McKernan a été l’un des premiers leaders du groupe, qu’il a orienté très tôt dans une direction plus R&B. Il a également été l’un des premiers à jouer de la guitare. Finalement, les guitaristes Jerry Garcia et Bob Weir ont décidé d’orienter le groupe vers l’improvisation et le psychédélisme, un style pour lequel le groupe s’est fait connaître.

McKernan est alors relégué au second plan lors des concerts, et son rôle continue de diminuer jusqu’à ce qu’il soit contraint de se retirer du Grateful Dead en raison de l’aggravation de son état de santé. McKernan a également eu une brève relation avec Janis Joplin, autre membre du club des 27.

Le peintre le plus célèbre du club des 27

4) Jean-Michel Basquiat

L’année où Jean-Michel Basquiat a eu 20 ans, il est devenu une célébrité du monde de l’art sur la voie d’un tournant de la culture pop. Après avoir abandonné le lycée, cet artiste néo-expressionniste autodidacte, né à Brooklyn, a passé la fin des années 1970 à peindre des graffitis dans SoHo, étiquetés « SAMO », et en 1980, il a permis à ses peintures – qui présentaient des représentations colorées et déchiquetées de personnes souvent juxtaposées à des mots – d’être présentées dans une exposition collective.

Dans les années qui suivent, il collabore avec Andy Warhol sur une série de tableaux, sort avec Madonna, apparaît dans la vidéo « Rapture » de Blondie et cultive le mythe de l’artiste capricieux, détruisant certains tableaux. Dans les mois qui précèdent sa mort, en 1988, d’une « intoxication aiguë par un mélange de drogues », il prétend se shooter à une centaine de sachets d’héroïne par jour. Il est depuis devenu l’un des artistes les plus célèbres de ces trois dernières décennies, ayant fait l’objet d’un biopic et d’innombrables références dans les chansons de Jay Z. Un des artistes les plus connus du club des 27.

L'une des plus grandes légendes du club des 27

3) Kurt Cobain

C’est après la mort de Kurt Cobain, le 5 avril 1994, qu’a vraiment commencé à naitre l’intérêt pour le phénomène du Club des 27. Comme beaucoup des membres précédents du club des 27, le leader de Nirvana était profondément perturbé et luttait contre la toxicomanie et le fardeau d’être considéré comme la voix d’une génération. La cause officielle de sa mort est un suicide par blessure par balle, mais certains pensent qu’il a été assassiné. Il existe également des théories selon lesquelles Cobain aurait intentionnellement programmé sa mort afin de pouvoir rejoindre ses idoles musicales en tant que membre du club.

Richey Edwards

2) Richey Edwards

Le guitariste rythmique et principal parolier du groupe alternatif britannique Manic Street Preachers est l’un des ajouts les plus mystérieux du club des 27. Edwards a disparu le 1er février 1995 et a été présumé mort le 23 novembre 2008. Sa voiture ayant été retrouvée abandonnée le 17 février 1995 à proximité du Severn Bridge, on pense généralement qu’il s’est suicidé. Avant ces événements, Edwards était connu pour être profondément perturbé. Les circonstances mystérieuses entourant sa disparition ont contribué à renforcer son statut de groupe culte au Royaume-Uni. Le neuvième album enregistré par les Manic Street Preachers, Journal for Plague Lovers, est sorti le 18 mai 2009 et contient des paroles inédites écrites par Edwards.

La dernière grande chanteuse du club des 27

1) Amy Winehouse

On fini notre liste des membres du club des 27 avec la chanteuse Amy Winehouse. Lorsque Amy Winehouse est morte d’une intoxication alcoolique le 23 juillet 2011, elle est devenue le membre le plus médiatisé du 27 Club depuis la mort de Kurt Cobain. La mort de Winehouse a relancé l’intérêt pour la malédiction des 27. Tout comme les autres membres plus connus du Forever 27 Club, Winehouse était profondément troublée, et elle a mené une vie difficile qui a conduit à sa disparition prématurée.

Winehouse s’est battue contre la toxicomanie et a finalement succombé à un empoisonnement à l’alcool. Son style rétro est considéré comme une source d’inspiration pour de nombreuses artistes féminines qui connaîtront par la suite un succès considérable. Malgré sa brève carrière, Winehouse a connu un succès critique et commercial après la sortie de son album très influent Back to Black en 2006.

Les meilleures ventes d’albums de 2020

Nous avons déjà adoré Folklore de Taylor Swift était l’un des meilleurs album de 2020. Mais jusqu’à présent, nous n’avions pas encore les chiffres de vente. Maintenant, les chiffres ont parlé, les données ont été assemblées et la réponse est là : Folklore est aussi en tête du classement des meilleurs ventes d’albums en 2020.

Le huitième album studio de Taylor Swift, qui est l’un des deux nouveaux albums qu’elle a sortis en 2020 (avec Evermore), prend donc la première place du top des meilleurs ventes d’albums de 2020. Folklore a été vendu à près de 2,3 millions d’unités équivalentes à un album.

Swift a sorti Folklore en juillet par surprise – ce qui n’est pas du tout le genre de la chanteuse – et a ensuite battu de nombreux records dans les charts – ce qui est tout à fait le genre de Taylor Swift. Folklore a connu la plus grande semaine de ventes de 2020 – la plus grande, en fait, depuis son LP Lover de 2019 – et a ensuite battu le record pour le plus grand nombre de semaines consécutives au numéro un, avec six semaines consécutives au sommet des meilleurs ventes d’albums de 2020. Au-delà de ses 1,1 milliard de streaming audio à la demande, Folklore a été l’album le plus vendu de l’année, avec plus de 1,2 million de ventes physiques.

Les 10 meilleures ventes albums de 2020 – Ventes physiques

Le top 10 des meilleures ventes d’album en 2020 est très différent, bien sûr, si l’on considère uniquement les ventes d’albums physiques. Dans ce cas, Folklore de Taylor Swift mène une liste beaucoup plus pop. Après que son huitième album studio surprise ait connu la plus grosse semaine de ventes de l’année, il s’est vendu à 1,2 million d’exemplaires en 2020. C’est la deuxième année consécutive que Swift a l’album le plus vendu de l’année après Lover en 2019. Evermore se faufile également dans la liste, avec 270 000.

  • Folklore, Taylor Swift – 1,2 million de copies
  • After Hours, The Weeknd – 476 000
  • Map of the Soul: 7, BTS – 361 000
  • Legends Never Die, Juice Wrld – 342 000
  • Fine Line, Harry Styles – 333 000
  • Chromatica, Lady Gaga  – 312 000
  • Manic, Halsey – 279 000
  • Evermore, Taylor Swift – 270 000
  • Music to Be Murdered By, Eminem – 259 000
  • Here and Now, Kenny Chesney – 259 000

Les 10 meilleures ventes albums de 2020 – Nombres de streaming

Même si le hip-hop n’a pas connu les plus fortes hausses de flux, il est resté le genre le plus dominant. Il n’est donc pas surprenant que le top 10 des meilleures ventes d’albums en 2020 en termes de streaming audio à la demande soit beaucoup plus axé sur le hip-hop. My Turn est en tête de cette liste, et Blame It on Baby de DaBaby fait également partie du Top 10. Et si la bande originale d’Hamilton a toujours été un grand consommateur de streaming, elle a atteint de nouveaux sommets en 2020 après la sortie de la comédie musicale sur Disney+.

  1. My Turn, Lil Baby – 3 milliards
  2. Shoot for the Stars, Aim for the Moon, Pop Smoke – 2,6 milliards
  3. Legends Never Die, Juice Wrld – 2,3 milliards
  4. Please Excuse Me for Being Antisocial, Roddy Ricch – 2,3 milliards
  5. Hollywood’s Bleeding, Post Malone – 2.2 milliards
  6. After Hours, The Weeknd – 1,8 milliards
  7. Eternal Atake, Lil Uzi Vert – 1,7 milliards
  8. YHLQMDLG, Bad Bunny – 1,6 milliards
  9. Blame It on Baby, DaBaby – 1,6 milliards
  10. Hamilton, Various Artists – 1,5 milliards

Découvrez nos autres classements Pop

Notre classement des 20 meilleures chansons de Radiohead

Place à notre sélection des meilleures chansons de Radiohead. Peu de groupes inspirent le genre de succès critique et commercial dont jouit – et dont on se plaint souvent – Radiohead. Le groupe britannique s’est formé à Abingdon, dans le Oxfordshire, en 1985, avec Thom Yorke (voix, guitares, piano), Jonny Greenwood (guitares, claviers, tout le reste), Ed O’Brien (guitares, voix), Colin Greenwood (basse, synthétiseurs) et Phil Selway (batterie, percussions).

Kid a
  • New Store Stock
Promo
in Rainbows
  • Record Label: Xl Recordings
  • Catalog#: XLCD 324
  • Country Of Release: NLD
  • Year Of Release: 2007
  • Notes: Special Package
A Moon Shaped Pool
  • A Moon Shaped Pool

Il n’est pas facile de choisir une chanson préférée du groupe, et encore moins de créer une liste complète des meilleurs titres de Radiohead, mais on a essayé de le faire. Que vous soyez un fan inconditionnel, un auditeur occasionnel ou un néophyte de Radiohead cherchant un point de départ, ce classement vous donnera un aperçu de l’un des groupes les plus célèbres de l’industrie musicale. Voici une liste de nos 20 meilleures chansons de Radiohead.

Notre top 20 des meilleures chansons de Radiohead

20 – My Iron Lung

On commence notre top 20 des meilleures chansons de Radiohead avec l’excellent titre « My Iron Lung » qui apparait sur l’album The Bends, sorti en 1995. Un morceau classique de Radiohead. Pas de progressif ici, juste du rock alternatif strict, mais c’est du très bon rock alternatif inventif, créatif et unique. Un des titres forts de The Bends.

19 – Climbing Up The Wall

La subtilité de la section des cordes, les accords d’octave de la guitare acoustique. Le travail vocal étrange de Thom Yorke, le fracas de la batterie, la lente accumulation qui mène aux gémissements de la double guitare de Jonny et Ed conduits par la guitare basse déformée… cette chanson frôle la perfection et reste un des titres marquants de OK Computer. Un indispensable de tous classement des meilleures chansons de Radiohead.

18 – Airbag

Le riff de guitare pesant qui lance « Airbag », la salve d’ouverture du majestueux OK Computer, est magistral. Le rythme de batterie échantillonné de Phil Selway vous tire en avant plutôt que de vous arrêter, tandis que la ligne de basse de Colin Greenwood hoquete, communiquant beaucoup plus par ce qu’elle laisse de côté que par ce qu’elle garde. Cette section rythmique est excellente. Thom Yorke livre ici l’une de ses plus belles voix. Un des meilleurs titres de Radiohead.

17 – The National Anthem – l’une des meilleures chansons de Radiohead

« The National Anthem » est à bien des égards la pièce maîtresse de Kid A. L’une des meilleures chansons que Radiohead ait jamais faites. La ligne de basse facétieuse et groovy et l’écriture rythmique et bourdonnante fournissent l’atmosphère sinistre à cette chanson. Une énorme section de cuivres, et qui vient briser un peu le ton de l’album, qui jusqu’à présent, et par la suite, est très sombre et froid. Si vous n’êtes pas fan de rock expérimental un brin jazzy, « The National Anthem » vous reconcilliera certainement avec.

16 – True Love Waits

« Cette version live de merde » est la façon dont le producteur de longue date de Radiohead, Nigel Godrich, a fait référence à la seule sortie du groupe de « True Love Waits » dans une interview il y a quelques années. Il parlait, bien sûr, de la complainte acoustique qui clôturait l’album live de Radiohead en 2001 I Might Be Wrong. Les paroles de « True Love Waits » sont parmi les plus discrètement nuancées de Radiohead. Un bijou qui reste encore aujourd’hui l’une des meilleures chansons de Radiohead.

15 – Pyramid Song

La presse musicale s’attendait à ce que Amnesiac de 2001 soit la suite « rock » de l’album 2000 très expérimental de Radiohead, Kid A. Lorsque « Pyramid Song » est sorti en tant que premier single du disque, les fans s’attendant à une seconde venue de The Bends. Un chant funèbre triste et mineur, « Pyramid Song » n’a peut-être pas apporté beaucoup de guitares fortes, mais il a montré un côté étonnamment direct et organique du groupe, après les sons « extraterrestres » de Kid A. Jonny Greenwood a écrit l’arrangement orchestral de la chanson, ce qui lui confère une sensation largement cinématographique. Une des meilleures chansons de Radiohead, sans hésitation.

14 – A Wolf At The Door (It Girl. Rag Doll.)

« A Wolf At The Door (It Girl. Rag Doll.) » est une chanson de Radiohead qui apparaît sur leur album Hail To The Thief. S’ouvrant sur un rythme lent et hypnotisant, Yorke arrive avec une prestation vocale tout aussi hypnotisante et qui semble se fondre parfaitement dans la musique. « A Wolf At The Door (It Girl. Rag Doll.) » a toute sa place dans notre top 20 des meilleures chansons de Radiohead.

13 – Reckoner – l’un des meilleurs titres de Radiohead

Radiohead a passé une période inhabituellement longue à bricoler la chanson « Reckoner ». La chanson a été entendue pour la première fois en direct en 2001, bien qu’à l’époque elle s’appelait « Being Pulled Apart By Horses ». Une version allégée est apparue lors de spectacles ultérieurs, mais ce n’est qu’à la sortie de In Rainbows en 2008 qu’elle a finalement été enregistrée. Cela valait la peine d’attendre. C’est l’un des moments forts de l’album et encore mieux quand ils le jouent en live. Découvrez également la reprise de la chanson par Gnarls Barkley. Un des meilleurs titres de Radiohead.

12 – There There

On continue notre top 20 des meilleures chansons de Radiohead avec le premier single de Hail To The Thief, « There There » de 2003. La chanson est également devenu un favori des fans en live au cours de la dernière décennie. “Just ‘cause you feel it / Doesn’t mean it’s there” sont des mots de réconfort, dans la vision du monde de Thom Yorke. Dans « There There », Yorke se promène dans un paysage surréaliste de menaces sombres. Mais, comme il le rappelle à son auditeur, le danger pourrait être entièrement dans votre tête. « There There » est l’une des chansons rock les plus simples de Radiohead dans ses années post-Bends.

11 – No Surprises

La chanson « No Surprises » a été la 1ère chanson enregistrée de l’album OK Computer en 1997 et a donc placé la barre très haut pour ce qui devait suivre. La fragilité de la chanson et l’instrumentation discrète imprègnent le désespoir dans la chanson. Si OK Computer dépeint l’aliénation moderne de manière plus évocatrice que la plupart des albums, « No Surprises » l’aborde encore plus vivement que la plupart des morceaux qui l’entourent sur ce disque. La mélodie simple et chantante – doucement jouée à la guitare acoustique et au glockenspiel – reflète l’état émotionnel dépouillé du narrateur de la chanson. Un classique du groupe et une des meilleures chansons de Radiohead.

Place à notre top 10 des meilleurs titres de Radiohead

10 – Kid A

Poussé au désespoir par le succès fulgurant d’OK Computer, Yorke est confronté à un choix périlleux : sacrifier sa santé mentale en échange d’une gloire astronomique ou persuader Ed O’Brien de rejoindre l’univers de Autechre. Sur Kid A, c’est la seconde option qui l’a emporté : séquestré avec Greenwood, Yorke a produit beaucoup de choses qui hantent et un peu – comme la chanson titre – qui brillent. La chanson titre de l’album le plus expérimental du groupe “Kid A” est sûrement le titre le plus expérimental, voix et sonorités robotiques incluses. L’un des meilleurs titres de Radiohead.

9 – Let Down

« Let down and hanging around / Crushed like a bug in the ground ». Le refrain de « Let Down » parle de défaite, mais la musique ici est tout sauf cela. Majestueuse, cathartique, pleine de nostalgie, « Let Down » laisse ses auditeurs aussi essoufflés que Thom Yorke a dû l’être après l’époustouflant crescendo final de la chanson. En d’autres termes, lui et son groupe se déchaînent dans cette dernière minute et demie. L’effet est aussi euphorisant qu’une injection de dopamine pure.

8 – Idioteque – l’une des meilleures chansons de Radiohead

L’incantation musicale de l’effroi pur. La fusion sans faille d’un rythme endiablé et d’un désespoir qui fait battre le cœur. Le zénith artistique des efforts de Radiohead pour embrasser la musique électronique tout en restant aussi immédiat et émotionnellement captivant que les groupes de guitare classiques avec lesquels il a grandi. « Idioteque » est tout cela, mais par-dessus tout, cette chanson est l’un des morceaux les plus émouvants du groupe. « Idioteque » a toute sa place dans notre top 10 des meilleures chansons de Radiohead.

7 – Street Spirit (Fade Out)

Ce titre phare de The Bends était un signe clair que Radiohead mûrissait à un rythme très rapide. C’est l’une des rares chansons de la première période du groupe qu’ils jouent régulièrement en concert, et l’un des morceaux les plus sombres de leur catalogue. Toutes nos chansons les plus tristes ont quelque part en elles au moins une lueur de résolution », a déclaré Thom Yorke. Sauf pour « Street Spirit ».

6 – How To Disappear Completely

Probablement le meilleur morceau de Kid A. Tout le monde l’adore maintenant, mais lorsque Kid A est sorti en 2000, certains n’ont pas été époustouflés. Les gens s’attendaient à un autre album de guitare comme leurs disques des années 1990, mais Radiohead était clairement sur une voie différente. La chanson la plus triste du disque est « How To Disappear Completely », qui a été inspirée par un commentaire de Michael Stipe, l’ami de Thom Yorke. Le leader de R.E.M. lui a dit que la meilleure façon de gérer la pression des tournées est de se dire « Je ne suis pas là, ce n’est pas en train d’arriver… ». Un magnifique tour de force de la part du groupe et l’une des meilleures chansons de Radiohead à ce jour.

5 – Exit Music (for a film)

Il est tout de même surprenant que Radiohead ait composé cette monstrueuse ballade pour le film Roméo + Juliette de Baz Luhrmann en 1996, en partie parce qu’il s’agit d’une superproduction à fort enjeu. Yorke n’a jamais eu l’air aussi sombre. Tragique et surtout incroyablement poignant, « Exit Music (for a film) » reste encore aujourd’hui l’une des meilleures chansons de Radiohead.

4 – Karma Police

Place maintenant à l’une des chansons de Radiohead les plus connues, « Karma Police« . « Karma Police » est né d’une blague interne à Radiohead à l’époque de leur tournée avec Alanis Morissette à l’été 1996. Lorsque quelqu’un du groupe se comportait comme un con, quelqu’un l’avertissait que la police du karma s’en prendrait à lui. Aboutissement logique du chemin tracé par The Bends, « Karma Police » reprend les bases pop-rock standard – guitare acoustique et piano – que Radiohead avait si bien utilisées sur cet album et les transforme en quelque chose d’à la fois familier pour ses fans et exquis à un tout autre niveau. Magistralement rythmé, le morceau prend son temps pour se déployer pleinement. L’une des toutes meilleures chansons de Radiohead.

3 – Fake Plastic Trees

Place maintenant à notre podium des meilleurs titres de Radiohead. Il est difficile de ne pas être ému par la voix envolée de Thom Yorke et la mélodie fragile de « Fake Plastic Trees ». Pour beaucoup, c’est la chanson qui a marqué la transition de Radiohead, des nouveaux venus au statut de prééminence du rock qu’ils occupent encore aujourd’hui. Les premières notes de cette chanson sont la garantie d’une hystérie absolue dans n’importe quelle salle de concert de Radiohead. Un des chansons de Radiohead les plus connues et les plus appréciées par les fans.

2 – Creep

La chanson la plus connue de Radiohead et son plus grand succès. L’un des rares tubes des années 90 teintés de grunge à rester frais trois décennies plus tard. Le groupe n’aimait pas du tout cette chanson dès le début. Après le succès d’OK Computer, ils ont pratiquement cessé de la jouer, bien qu’elle ait commencé à apparaître sur les listes de concerts au cours des cinq dernières années environ. Le plus grand succès de Radiohead est tellement beau. Le magistral lâcher de voix de Yorke dans le pont, ce crunch de guitare caractéristique (vous savez lequel), toute cette angoisse adolescente condensée en quatre minutes – intemporel, c’est le mot.

1 – Paranoid Android

Comment ne pas placer « Paranoid Android » en tête da notre classement des meilleures chansons de Radiohead ? Probablement le morceau le plus ambitieux de la discographie de Radiohead, « Paranoid Android » passe d’un segment à l’autre dans sa structure avec une facilité et une cohésion déconcertante. Si vous deviez faire écouter à quelqu’un une chanson de Radiohead pour le convaincre de l’excellence du groupe, ce serait probablement « Paranoid Android ».

En l’espace de six minutes, elle met en valeur les magnifiques textures calmes et les bombardements d’arena-rock dont le groupe est capable. Au départ, il s’agissait de trois chansons distinctes, mais en s’inspirant de « Happiness Is A Warm Gun » des Beatles, ils les ont simplement combinées ensemble. Grand bien leur a pris, « Paranoid Android » reste aujourd’hui l’une des meilleures chansons rock de tous les temps.

Nouvel album de Orelsan en 2021 – Civilisation


En seulement quelques albums studios au compteur, Orelsan est devenu un pilier de la scène musicale française et l’un des meilleurs représentant du rap français. Alors forcément, un nouvel album d’Orelsan est un évènement.

Fait assez dingue, le nouvel album d’Orelsan Civilisation est devenu disque d’or avant même sa sortie, uniquement en précommandes ! Aussi, l’album se retrouvera disponible en 15 éditions physiques différentes (certaines limitées à 30 000 exemplaires, d’autres seulement à 300).

Côté contenu, l’album est long de quinze titres et comprendra des featurings avec Gringe, Skread et le groupe The Neptunes (Pharrell Williams et Chad Hugo). 

Un 1er extrait du nouvel album d’Orelsan a vu le jour il y a quelques jours, le sulfureux titre « L’odeur de l’essence ». Un titre politique clairement explosif dans lequel le rappeur caennais offre sa vision, plutôt sombre, de la société qui va tout droit au « crash » selon lui. Il s’en prend ouvertement aux extrêmes, responsables selon lui d’alimenter la peur, la nostalgie, la haine et la méfiance envers les autres.

Y a quoi sous le capot de Civilisation, le nouvel album d’Orelsan en 2021

Le titre « L’odeur de l’essence » fait suite au magnifique titre « Manifeste », de plus de 7 minutes dans lequel Orelsan est plongé à l’intérieur d’une manifestation. Il s’en prend à certains médias ainsi qu’aux réseaux sociaux tout en prenant de plus en plus conscience de la colère issue de la manif. Pas de refrain, du pur ORelsan, l’un des meilleurs morceaux de l’album.

Auparavant, le nouvel album d’Orelsan débute avec « Shonen », un titre introspectif, mélancolique qui pose les bases de l’album. « J’aurais pas changé si vous m’aviez pas dit de le faire »: merci aux ex d’Orelsan de l’avoir changé !

Comme souvent beaucoup de thèmes abordés sur le nouvel album d’Orelsan : la famille et l’enfance sur la chanson « La Quête » sur un rythme très posé (« ce qui compte ce n’est pas l’arrivée, c’est la quête »), l’alcoolisme sur « Bébéboa », la dépression « Jour meilleur » ou encore la mondialisation sur la chanson « Baise le monde« .

Mais le gros de l’album reste sur sa copine et sur la société dans son ensemble. Et c’est bien là que l’album pêche un peu : un peu répétitif au final à l’écoute des 15 titres.

Un autre reproche qui pourrait être fait sur le nouvel album d’Orelsan Civilisation est sur son flow : trop monotone (hormis sur quelques titres comme « Ensemble » en duo avec Skread).

« Dernier verre » sans être le meilleur morceau du nouvel album d’Orelsan est plutôt agréable et marque la collaboration avec le duo The Neptunes (Pharell Williams et Chad Hugo. Des bases légèrement agréables, un rythme sympa.

Orelsan reste plutôt touchant quand il parle des problèmes de et avec sa nana notamment sur le titre « Athéna » en toute fin de l’album.

Notre avis sur le nouvel album d’Orelsan ? Un album en demi-teinte, du bon voire très bon mais aussi des morceaux dispensables. La production est impeccable, les musiques léchées mais au final on ressort de l’écoute de Civilisation avec un sentiment mitigé. Du dejà écouté ? Des coups pieds dans des portes ouvertes sur ces textes traitant de la société ? A vous de juger. Pour nous, sans être le meilleur album d’Orelsan, Civilisation dans son ensemble reste quand même un bon cru.

En attendant l’écoute du nouvel album d’Orelsan, vous pouvez dès à présent prendre vos billets pour la prochaine tournée du rappeur en 2022. L’OrelsanTour se produira aux quatre coins de la France, dont notamment 4 dates à L’Accor Hotel Arena à Paris. Dépêchez-vous, il n’y en aura pas pour tout le monde. Pour prendre vos billets, c’est par ici

Ecoutez ici Civilisation d’Orelsan

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Nouvel album de Robert Plant en 2021 – Raise The Roof


Il n’y a rien d’écrit dans la pierre à propos des rockeurs classiques de l’âge d’or qui doivent continuer à suivre le même chemin lorsqu’ils arrivent à la fin de leur vie. Cela fonctionne pour certains : Mick Jagger, Paul McCartney et Neil Young ont réussi à ne pas trop s’écarter de leur trajectoire au fil des décennies. Mais d’autres ne combattent plus l’envie de refaire les mêmes mouvements qu’ils faisaient 50 ans plus tôt. Et c’est le cas avec ce nouvel album de Robert Plant.

Robert Plant a pratiquement fait une seconde carrière en réécrivant et en recâblant son passé. Depuis le début du siècle, l’ancien chanteur de Led Zeppelin s’est débarrassé de ses tendances hard-rock et a plongé plus profondément dans l’Americana, le blues et la musique du monde, atteignant son apogée avec l’album de collaboration avec la star du bluegrass Alison Krauss, Raising Sand, en 2007.

La suite tant attendue de Plant et Krauss, Raise the Roof, reprend là où Raising Sand s’est arrêté 14 ans plus tôt et trouve une fois de plus le juste milieu entre les goûts décalés du Britannique et de l’Américaine. Les deux artistes – qui ont 23 ans de différence d’âge – ont clairement indiqué que leurs origines et leurs discographie se croisent rarement ; c’est leur respect mutuel et leur ouverture musicale qui ont fait de leurs collaborations un mélange parfait de deux mondes apparemment disparates.

Y a quoi sous le capot de Raise The Roof, le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss en 2021

Reprendre Calexico semble être un choix audacieux pour Robert Plant et Alison Krauss, qui ouvrent le nouvel album de Robert Plant Raise the Roof avec la chanson « Quattro (World Drifts In) », composée en 2003 par le groupe indie-rock de l’Arizona. Ce n’est pas que Calexico soit d’une manière ou d’une autre à l’abri de toute interprétation, mais le groupe a un son très distinctif et subtil qui ne semblerait pas se prêter à une reprise. Pourtant, Plant et Krauss réussissent parfaitement la chanson, mêlant leurs voix dans des harmonies spectrales sur un arrangement qui remplace les guitares sinueuses de l’original par du piano et un rythme plus soutenu.

On continue le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss Raise the Roof qui reflète un large éventail de musique, avec des chansons américaines folk, country et R&B, ainsi que quelques morceaux de folk britannique que Plant connaissait depuis longtemps. Il y a même une chanson originale, « High and Lonesome », que Plant a écrite avec T Bone Burnett, qui a produit l’album. Avec un groupe ancré par le batteur Jay Bellerose et le guitariste Marc Ribot (avec des contributions de David Hidalgo, Bill Frisell et Buddy Miller, entre autres), Plant et Krauss couvrent beaucoup de terrain.

Avec des parties vocales qui fusionnent et s’entremêlent comme si Plant et Krauss étaient chacun la moitié d’une même âme, les chanteurs habitent pleinement ces chansons. Ils s’approprient même les morceaux les plus familiers de manière indélébile, même s’il faut parfois une minute pour s’en rendre compte. La chanson « Can’t Let Go » de Randy Weeks, par exemple, est assez fermement associée à la version abrupte et tranchante que Lucinda Williams a enregistrée en 1998, mais Plant et Krauss laissent le rythme se balancer un peu plus et chantent ensemble dans un murmure sensuel sur une guitare électrique aiguë.

Tous les morceaux ne sont pas aussi immédiatement reconnaissables. Plant prend la tête sur « Go Your Way », des chanteurs folk britanniques Anne Briggs et Bert Jansch, en chantant une mélodie calme et désespérée qui s’appuie sur la voix plus désolée de Briggs sur son enregistrement de 1971 de la chanson.

Notre avis sur le nouvel album de Robert Plant et Alison Krauss ? Bien que le choix des chansons soit de premier ordre, il s’agit d’un groupe assez disparate pour que Raise the Roof soit éclectique, si ce n’était de la façon dont Plant et Krauss (et le groupe) s’unissent comme s’ils avaient fait cela non-stop pendant les quinze dernières années. L’aspect le plus séduisant de l’album est peut-être le fait que, quels que soient le son, le style ou l’endroit d’où proviennent ces chansons – folk britannique, soul de la Nouvelle-Orléans, country de Bakersfield – elles semblent cohérentes et d’un seul tenant entre les mains de Plant et Krauss.

Ecoutez ici Raise The Roof de Robert Plant Ici

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Nouvel album de Sting en 2021 – The Bridge


Sting a été très occupé ces dernières années, avec la sortie de trois albums et la mise en scène d’une comédie musicale à Broadway ; pourtant, sa production musicale s’est surtout concentrée sur des réinterprétations de son répertoire (My Songs en 2019), des collaborations avec d’autres artistes ou une combinaison des deux (Duets sorti en mars de cette année). Avait-il quelque chose dans le réservoir pour de nouvelles chansons de son cru ? La question trouve une réponse affirmative sur The Bridge, le nouvel album de Sting enregistré à distance qui offre un peu de son œuvre rock, de ses ballades amoureuses sensuelles et quelques numéros jazzy, aussi.

Bien qu’il s’agisse d’un album fermé, avec ses thèmes de perte, de séparation et d’agitation, et que Sting et les membres de son groupe soient dispersés et ne se trouvent pas dans un studio commun, l’album parvient toujours à être si cohérent et la musicalité si soudée.

Y a quoi sous le capot de The Bridge, le nouvel album de Sting en 2021

Le nouvel album de Sting The Bridge s’ouvre sur son titre le plus rauque et le meilleur, « Rushing Water », qui rappelle Police. La batterie est ici la plus remarquable musicalement, ainsi que les riffs de guitare en sourdine, donnant un ton qui demeure pour la première partie de l’album. Avec des voix superposées, Sting chante « Jonah and the Whale » et une rivière déchaînée qui représente ses peurs. La chanson introduit le concept de l’album, le fleuve représentant la division de l’humanité et le « pont » étant la chose qui rapproche les gens les uns des autres, de leur passé et, pour Sting, entre la vie et la mort elle-même.

Il est suivi d’un autre single optimiste et poppy, « If It’s Love ». C’est une chanson joyeuse, qui démarre avec un riff sifflé avant que le reste du groupe ne le rejoigne. Il y a une courte section de cuivres funky qui n’est pas écrasante, ainsi qu’une section de cordes. La chanson est également optimiste, se concentrant sur un amour que Sting compare à une maladie.

On continue le nouvel album de Sting avec la chanson « The Book of Numbers » qui commence lentement mais comporte un refrain rock, faisant le lien entre le début de l’album et son cœur. Sting chante à nouveau les paraboles et les écritures de la Bible et « les fous dans les cours du pouvoir ». “If I storm the gate of heaven, I’ll find myself in hell,”, chante-t-il. Il y a beaucoup de choses à assimiler, mais l’essentiel porte sur les dangers du fanatisme.

En apparence, le titre suivant, « Loving You » traite de la séparation entre deux amoureux et de leur incapacité à communiquer, alimentée par la jalousie et la méfiance. Mais on peut aussi l’interpréter comme le clivage entre les gens dans leur ensemble et la façon dont les actions de certains ont pu faire perdre aux autres leur confiance en eux. « You say that I don’t listen/ That I don’t give you no respect », chante Sting dès la première ligne de ce slow sombre.

« Harmony Road », quant à lui, est un pont entre les intérêts pop et jazz de l’artiste. Cette chanson, ainsi que « The Book of Numbers » et « The Bells of St. Thomas », sont interprétées par son guitariste de longue date Dominic Miller. Ce dernier morceau est l’autre point fort jazzy du nouvel album de Sting, plus aérien, avec un travail de cymbales vif et une mélodie douce qui permet aux auditeurs de se concentrer sur une autre histoire teintée de gospel racontée par Sting.

Le recueil de chants influencés par la musique classique de « Fields of Gold » est repris sur des chansons comme la ballade mélancolique « For Her Love », et certains des points forts de The Bridge sont des airs folkloriques influencés par le synthé ou la guitare slide. « The Hills on the Border », avec ses violons, son accordéon et son ambiance, ressemble à un croisement entre Richard Thompson et le U2 de l’ère October.

La chanson titre de l’album et « Captain Bateman » se rapprochent davantage du folk, tandis que « Captain Bateman’s Basement », un titre bonus disponible sur l’édition deluxe de l’album, est tout autre chose, mêlant jazz et éléments de musique électronique. C’est loin d’être de la musique de club, mais c’est une face B intéressante.

Parmi les autres bonus de l’album de luxe, on trouve une reprise fidèle de la chanson désormais standard « (Sittin’ on) The Dock of the Bay », le standard de la folk anglaise « Waters of Tyne » – l’arrangement acoustique en fait le meilleur des bonus – et « I Guess the Lord Must Be in New York City », un air lounge, presque tropical, qui est une exclusivité de la version japonaise du nouvel album de Sting, The Bridge.

Notre avis sur le nouvel album de Sting, The Bridge ? C’est un album fort d’un auteur-compositeur-interprète qui voit des signes avant-coureurs. « C’est ma mission solitaire d’éveiller le monde à son destin », chante Sting. Sans être l’un des meilleurs albums de 2021, The Bridge reste une écoute agréable et un bon disque du chanteur.

Ecoutez ici The Bridge de Sting

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Nouvel album de Eagles Of Death Metal – Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas


La trame de fond d’Eagles Of Death Metal est jonchée d’anecdotes. Certains sont inattendus, comme le fait que le leader Jesse Hughes était autrefois un militant impliqué dans la campagne sénatoriale de Sonny Bono en 1992. Malheureusement, une page de leur histoire est tout à fait tragique. À la date parisienne de leur tournée de 2015, le 13 Novembre, une attaque terroristes a coûté la vie à 89 personnes. Mais, grâce à des groupes comme Eagles Of Death Metal, le rock et la liberté ne peuvent pas être tenus en cage. Voici le nouvel album des Eagles Of Death Metal sur le thème de Noël, intitulé Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas.

Eagles Of Death Metal est tout sauf un groupe de death metal, et le nouvel album du groupe Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas – un album de Noël véritablement émouvant et exaltant – a tout l’air de sonner comme un nouveau départ pour le groupe.

Cet EP de six titres est planant, sain et réconfortant. Ici, Hughes enfile le costume son alter-ego torride « Boots Electric ».

Notre avis sur le nouvel album d’Eagles Of Death Metal ? L’ensemble de l’EP est assez agréable, mais des morceaux comme « God Rest Ye Merry Gentlemen », « Little Drummer Boy » et « Little Town Of Bethlehem » sont nettement au-dessus. Le point culminant de l’album, une interprétation a cappella de « O Holy Night » avec la voix vraiment émouvante de Hughes et Homme, est un beau finish a ce (trop) court album

Ecoutez ici Eagles of Death Metal Presents A Boots Electric Christmas

https://open.spotify.com/album/7twSRoql9nwCkgFiV14gTJ

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Nouvel album de Exodus – Persona Non Grata


Après, le bombardement ambitieux de plus de 70 minutes du Atrocity Exhibition enregistré en 2007, ou Blood In, Blood Out dernier album en date, sorti en 2014, qui a vu le retour triomphal de Steve « Zetro » Souza au poste de chanteur dans un mariage bien accueilli de l’esprit à l’ancienne du groupe et de l’écriture de chansons de l’ère moderne. En ce mois de novembre 2011, voici le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata, le 11ème du nom.

Y a quoi sous le capot de Persona Non Grata, le nouvel album d’Exodus en 2021

Les marqueurs standard de ce que tout le monde attend d’un disque d’Exodus sont toujours au premier plan, dans l’ensemble. Les grognements fulgurants de Souza se sont parfaitement intégrés dans le giron – à la fois en studio et en live – et reprennent rapidement de l’importance sur la chanson titre d’ouverture de l’album. Les riffs rythmiques et les solos saccadés qui ont personnifié le travail du groupe émergent rapidement et propulsent le morceau comme une forte salve d’ouverture, mais cela ne suffit finalement pas à maintenir la durée totale de 7 minutes.

Malheureusement, cette sensation de ballonnement imprègne d’autres pistes tout au long du disque qui auraient autrement bénéficié d’un montage plus judicieux. Quarante ans après le début de leur carrière, EXODUS reste l’un des meilleurs à intégrer des grooves, le prouvant ici avec « Slipping Into Madness ». Le riff mid-tempo qui alimente le refrain du morceau aurait fait palir Pantera il y a vingt-cinq ans, mais il perd en quelque sorte de son éclat la troisième fois qu’il apparaît à la fin de ses cinq minutes.

Le barrage de six minutes de « Antiseed » serait une fin furieuse pour de nombreux autres disques, mais ici, cela ne fait qu’ajouter au sentiment d’engourdissement que l’on trouve à la fin du disque.

Pour autant, on retrouve quand même de très bons titres sur le nouvel album d’Exodus Persona Non Grata qui viendront sans problèmes intégrer les sets live du groupe. On pense notamment à la chanson « R.E.M.F. », un thrasher qui serait un coup de chaos énergique à n’importe quelle époque du groupe, et à chaque instant où Souza crie « Mother Fuckers! » du haut de ses poumons pendant la chanson nous donne du baume au coeur, façon heavy metal.

Enfin, le titre « The Beatings Will Continue (Until Morale Improves) » est une explosion de fureur contagieuse de trois minutes alimentée par un refrain qui ne manquera pas d’être chanté bruyamment par une foule en concert.

Notre avis sur le nouvel album d’Exodus, Persona Non Grata ? Il y a de nombreuses indications que quelque part à l’intérieur de « Persona Non Grata » on aurait pu trouver un véritable chef-d’œuvre de thrash de 45 minutes. Exodus a réussi à rassembler les pièces du puzzle de leur production abondante dans le passé, mais le moment semble maintenant venu où une approche plus stricte de leur prochain album peut être bien justifiée.

Ecoutez ici Persona Non Grata d’Exodus

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Nouvel album de Adele en 2021 – 30


Chaque nouvel album d’Adele est un événement. À une époque de sursaturation, elle reste l’une des rares icônes mondiales vraiment reconnaissables : un nom en un seul mot, sa vie divisée en chapitres distincts, chacun étant lié à un âge ou à un tournant important de sa vie.

Pourtant, le nouvel album d’Adele en 2021 30 – même selon ses propres critères – a une importance personnelle et une résonance émotionnelle qui éclipse sans doute même les sommets de son travail précédent. Elle commence par évoquer son divorce avec Simon Konecki, puis aborde la maternité, son besoin d’indépendance et les sentiments d’échec personnel et d’engourdissement émotionnel qui peuvent en découler.

Sur le plan musical également, il s’agit de son album le plus diversifié à ce jour, qui passe de symphonies de rue soul-funk à un tube country-pop en passant par des cordes hollywoodiennes et – oui – des ballades déchirantes, comme seule Adele peut en offrir.

Y a quoi sous le capot de 30, le nouvel album d’Adele en 2021

Il est donc curieux que « le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur un moment de pur mélodrame : dans la chanson « Strangers By Nature », Adele, voilée de noir, « apporte des fleurs au cimetière de son cœur ». Aussi direct qu’il soit sur le plan émotionnel, le lyrisme franc d’Adele se retourne continuellement sur lui-même, présentant un labyrinthe de sentiments dans lequel il faut naviguer ; “I rebut all my rebuttals,” (« Je réfute toutes mes réfutations »), dit-elle, avant de demander pensivement : “Will I ever get there?”

Construit à travers les studios du monde entier, le nouvel album d’Adele 30 s’ouvre sur une flopée de chansons pop californiennes clinquantes. Le titre « Easy On Me » est l’un des moments les plus ouvertement « Adele » de l’album – un premier single à succès, mais qui s’appuie stylistiquement sur son passé. On enchaine ensuite avec « My Little Love » offre un autre point de vue sur la musique de l’âme, une discussion franche sur l’anxiété et son impact. Vous auriez du mal à trouver un morceau de chanson plus nu et plus honnête qui sera absorbé par des millions de personnes dans le monde en 2021.

Le 4ème titre du nouvel album d’Adele 30 « Cry Your Heart Out » s’ouvre sur un chœur de voix angéliques profondément distordues, les effets numériques trippants vous éloignent complètement de la voie caractéristique d’Adele. Pourtant, le morceau change une fois de plus de registre, se dissolvant dans une sorte d’exercice de soul des années 60 qui démontre la maîtrise d’Adele des sons classiques. L’impact traditionnel de l’arrangement est cependant contrebalancé par les paroles – le couplet n’utilise aucune structure de rimes, simplement une série de déclarations directes qui viennent directement du cœur. Le tout est soutenu par la voix incroyable d’Adele.

« Oh My God » est un pur titre gospel, Adele trouvant la rédemption dans le célibat : “I am a grown woman,” déclare-t-elle, “and I do what I want to do…”. Cela nous amène à l’une des déviations les plus inattendues de l’album, le morceau country-pop « Can I Get It », dirigé par Max Martin. L’immédiateté de ces morceaux se dissipe cependant rapidement. Dans le nouvel album d’Adele, la liberté et l’introversion semblent être implicitement liées, jusqu’à la sombre ballade de fin de soirée « I Drink Wine ».

Comme dans les ballades de Tom Waits des années 70, Adele revient à ce style qui évite les rimes directes, laissant ses ruminations se répandre. Elle ne trouve aucune résolution, et très peu de joie aussi ; dans un monde où l’on nous apprend à « trouver l’équilibre dans le sacrifice », elle ne « connaît personne qui soit vraiment satisfait… » chante-t-elle. En levant le voile, nous sommes invités à nous pencher sur la solitude de la vie à Los Angeles, cette ville tentaculaire où même le plus simple des trajets peut vous bloquer – émotionnellement ou autre.

En effet, ce sentiment d’appartenance traverse « All Night Parking ». Le récit lyrique de la séduction, entre Los Angeles et ses racines londoniennes, fera sans doute jaser. Dans le contexte de l’album, cependant, il développe la solitude d’Adele – et son besoin de connexion.

On poursuit le nouvel album d’Adele 30 avec la chanson « Woman Like Me » qui s’articule autour d’un superbe riff de guitare acoustique, le « cliquetis » des notes constituant le moment le plus spartiate de l’album. C’est un morceau audacieux où Adele réfléchit à la dichotomie entre « complaisance » et « constance ». On se demande toutefois si elle s’adresse vraiment à son ancien partenaire ou si ces commentaires ne sont pas pour elle.

La chanson « Hold On », coécrite par Dean Josah Cover, est encore plus proche de la réalité, avec une voix accompagnée d’une chorale présentée comme « les amis fous d’Adele ». Lorsque le rythme est lancé pour la première fois, « Hold On » devient une expérience révélatrice – une pure symphonie de soul de rue, avec Inflo évoquant les fantômes de ces arrangements épiques d’Axelrod du début des années 70 avec une touche magistrale.

Cette dynamique se dissout ensuite sur le prochain titre du nouvel album d’Adele « To Be Loved », dont les notes du piano permettent à Adele d’exécuter des pirouettes vocales dignes de Whitney Houston dans toute sa grâce. “I’ll never learn,” dit-elle, “if I never leap” avec ces longues lignes vocales mélodieuses tirant chaque once de force de sa gorge. “I took some bad turns,” admet-elle, “that I am owning”. Écrite aux côtés de son précédent collaborateur Tobias Jesso Jr., la beauté manifeste de la mélodie et de la structure des accords contraste fortement avec l’audace et le caractère cathartique des paroles – elle n’a jamais été aussi ouverte, aussi franche auparavant.

Le dernier morceau du nouvel album d’Adele 30, « Love Is A Game », permet à la chanteuse de retourner à la table de roulette, jouant une fois de plus avec son cœur. Une autre production d’Inflo, la ligne de basse descendante et régulière fait un clin d’œil à la soul de la Nouvelle-Orléans, et la façon dont le rythme s’affirme tandis qu’Adele chante « self-inflict that pain » est absolument sublime. Le seul titre londonien de l’album – enregistré dans les somptueux Metropolis Studios de Chiswick – passe d’un Wurlitzer inquiétant à des cordes de style « Mad About The Boy ». C’est une chanson qui offre une conclusion, mais pas de résolution ; si l’album s’ouvre sur un mélodrame, il se termine sur une rédemption personnelle, Adele déclarant simplement « pas de compromis » avant le début du long fondu enchaîné.

Notre avis sur le nouvel album d’Adele, 30 ? Son dernier album est une œuvre de triomphe personnel et artistique, mais il n’est pas exempt de défauts. Malgré toute son ampleur stylistique et ses écarts audacieux, l’album s’attarde sur la pop californienne, tandis que certains éléments nouveaux, comme la musique country de Max Martin, ne s’intègrent pas à la palette globale. Mais ce n’est que chercher l apetite bête sur un très grand album de la chanteuse. L’équilibre est ici parfait, alliant le service aux fans (le glorieux premier single « Easy On Me ») à de nouvelles idées audacieuses. Un album à la profondeur romanesque, lorsque 30 se retourne une fois de plus pour sa conclusion londonienne, Adele semble atteindre un nouveau palier dans sa carrière stratosphérique. Un des meilleurs albums de 2021.

Ecoutez ici 30 de Adele

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Les 20 guitaristes célèbres les plus influents

La guitare est un instrument de musique immensément populaire et à maintes reprises, les guitaristes ont joui d’une grande renommée et d’une grande admiration de la part du grand public. D’innombrables magazines ont compilé les listes des plus grands guitaristes de l’histoire, notamment le magazine « Rolling Stone » et le magazine « Guitar World » avec des noms tels que Keith Richards et Stevie Ray Vaughan. Voici sans plus tarder notre top 20 des guitaristes célèbres les plus influents.

Notre top 20 des guitaristes célèbres

20 – Chuck Berry

On commence notre top 20 des guitaristes célèbres avec Chuck Berry. Chuck Berry était un auteur-compositeur-interprète américain. Considéré comme le père du rock and roll, Il est également crédité d’avoir influencé l’attitude à laquelle le style de vie de la musique rock est généralement associé. Également vénéré pour ses talents de guitariste, Berry est souvent inclus dans des listes comme les plus grands artistes de tous les temps.

De tous les premiers artistes rock & roll, aucun n’était plus important pour le développement de la musique que Chuck Berry. Il restera à jamais un guitariste hors pair, dont de nombreuses générations se sont inspirées.

19 – John Mayer

Après avoir fait son entrée en tant qu’auteur-compositeur sensible de style acoustique sur Room for Squares en 2001, John Mayer a progressivement élargi son approche au cours des années suivantes, englobant tout, et surtout du blues-rock. Mais qu’on l’aime ou qu’on le déteste, il est toujours l’un des plus grands guitaristes de cette génération. Mayer a également conservé suffisamment de fondations pop/rock pour continuer son règne des charts, faisant de lui l’un des auteurs-compositeurs les plus populaires de la décennie.

18 – Jeff Beck

Alors qu’il était aussi innovant que Jimmy Page, aussi raffiné que Eric Clapton, et presque aussi visionnaire que Jimi Hendrix, Jeff Beck n’a jamais obtenu le même succès commercial qu’aucun de ces contemporains, principalement en raison de la manière désordonnée dont il a abordé sa carrière.

Après avoir quitté le Jeff Beck Group en 1971, Beck n’a jamais travaillé avec un chanteur charismatique qui aurait pu aider à vendre sa musique à un large public. De plus, il était tout simplement trop idiosyncratique, passant du heavy metal au jazz fusion en un clin d’œil. Il n’en reste pas moins l’un des guitaristes connus les plus grands.

17 – Carlos Santana

Le guitariste Carlos Santana est devenu célèbre à la fin des années 1960 et dans les années 1970 avec son groupe de rock Santana. Il a introduit des éléments du jazz latino-américain dans sa musique rock pour créer des chansons uniques. Il a reçu dix Grammy Awards et trois Latin Grammy Awards. Santana était un pionnier du psychédélisme qui a introduit le rock latin dans le grand public avec leurs trois premiers albums : Santana, Abraxas et Santana III.

Grâce à leur apparition à Woodstock, leur album éponyme a été un succès retentissant dès sa sortie, avec le single « Evil Ways ». Ils sont restés au sommet des charts jusqu’en 1973, lorsque le leader et le guitariste homonyme a commencé à explorer par lui-même la fusion ésotérique, spirituelle et jazz de sa musique. L’un des guitaristes connus les plus célèbres de tous les temps.

16 – Slash

Slash est un auteur-compositeur, musicien et producteur de disques anglo-américain. Après avoir atteint la popularité en tant que guitariste principal de Guns N’ Roses, Slash a quitté le groupe pour former Velvet Revolver, un super groupe de hard rock. Largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes de l’histoire du rock, Slash est souvent nommé dans des listes, telles que les guitaristes célèbres les plus talentueux de tous les temps.

15 – Keith Richards

On poursuit notre classement des guitaristes célèbres avec Keith Richards. Sans doute le meilleur et le plus influent guitariste rythmique de l’histoire du rock & roll, Keith Richards était le principal architecte du son qui allait faire des Rolling Stones l’un des groupes les plus emblématiques du rock. Richards aura co-écrit quasiment toutes les chansons des Rolling Stones avec Mick Jagger.

S’ils étaient largement perçus comme les mauvais garçons ultimes du rock à leur apogée, Richards était l’homme qui menait leur charge, et son style fanfaron, son attitude de hors-la-loi, ses démêlés avec la loi et sa consommation démesurée de drogues et d’alcool ont créé une légende.

14 – Angus Young

Angus Young, co-fondateur d’AC/DC, guitariste principal et auteur-compositeur, a émigré en Australie à 13 ans. Après avoir abandonné l’école à 15 ans, il a commencé à jouer des instruments. Nommé meilleur guitariste australien de tous les temps par le magazine Australian Guitar, il est connu pour ses tenues d’uniforme et pour avoir fait revivre la « promenade du canard » de Chuck Berry.

Cette dans lui a permis d’être l’un des guitaristes les plus connus de sa génération. De plus, on ne compte plus les riffs qui sont devenus des classiques : de « You Shook Me All Night Long » à « Back In Black » en passant par « Let There Be Rock ». Un dieu vivant.

13 – Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan était un musicien américain. Stevie a tellement accompli au cours de sa carrière grand public, qui n’a duré que sept ans, qu’il est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes connus de tous les temps et l’un des musiciens les plus influents et les plus emblématiques de l’histoire de la musique blues.

Il est crédité d’avoir ravivé le blues-rock et son travail continue d’influencer plusieurs artistes. Il a permis de rendre le blues légèrement plus commercial et plus facile à comprendre pour le grand public.

12 – Paul Simon

La moitié du duo musical populaire Simon & Garfunkel, Paul Simon est un auteur-compositeur-interprète, musicien et acteur. Il est largement considéré comme l’un des plus grands guitaristes connus et auteurs-compositeurs de tous les temps. Sa carrière, qui a duré plus de 60 ans, a été si influente que Time l’a nommé parmi les 100 personnes qui ont façonné le monde en 2006. Paul Simon est l’un des auteurs-compositeurs les plus réussis et les plus respectés de l’ère du rock.

Dans les années 1970, il était à l’avant-garde du mouvement des auteurs-compositeurs, mariant des paroles intelligentes et réfléchies à une musique pop sophistiquée. Son album solo de 1975 Still Crazy After All These Years a dominé les charts, a remporté le Grammy de l’album de l’année et a inclus le hit « 50 Ways to Leave Your Lover. ».

11 – Frank Zappa

Frank Zappa était un compositeur, multi-instrumentiste, auteur-compositeur-interprète et chef d’orchestre américain. Largement considéré comme l’un des musiciens rock les plus diversifiés et innovants de sa génération sur le plan stylistique, Zappa est surtout l’un des guitaristes célèbres ayant le plus influencé la génération suivante.

Les œuvres de Zappa ont influencé d’autres musiciens comme Alice Cooper, Jimi Hendrix, Simon Phillips, Steve Vai et Warren DeMartini.