Catégorie : Nouveauté

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Metallica en 2023, 72 Seasons. Soyons clair, l’album de metal le plus attendu de 2023 est un succès retentissant. La seule préoccupation de Metallica est de faire le meilleur album de Metallica possible, indépendamment de ce qui se passe autour d’eux… et ils ont réussi.

La sortie d’un nouvel album de Metallica est un événement majeur de nos jours, l’équivalent musical d’un nouveau film de Star Wars ou du lancement d’un produit Apple qui change la donne. Il s’accompagne d’une attente de la part d’une fanbase souvent exigeante, dont une partie semble perversement savourer la possibilité d’être déçue.

Y a quoi sous le capot de 72 Seasons le nouvel album de Metallica en 2023 ?

Le 11^ème album studio du groupe ne décevra personne, à l’exception des fans de Metalli les plus virulents. 72 Seasons s’inscrit dans la lignée des albums Death Magnetic (2008) et Hardwired… To Self-Destruct (2016) : un métal moderne plaqué de titane alimenté par une volonté implacable d’être meilleur, plus fort et plus tranchant que n’importe qui d’autre.

Sorti à la fin de l’année 2022, le premier single Lux Aeterna a été accueilli comme un fils perdu de vue par les fidèles. Avec son thrash turbocompressé à l’ancienne et ses paroles faisant référence à la NWOBHM (new wave of British heavy metal), il semble être un rappel délibéré du premier album du groupe, Kill ‘Em All, sorti en 1983, suggérant que 72 Seasons pourrait permettre à Metallica d’effectuer un voyage nostalgique dans son propre passé.

En réalité, c’est tout sauf ça. 72 Seasons est bien plus dense que ne l’indiquait « Lux Aeterna ». Le nouvel album de Metallica en 2023 est album intense, ne ménage pas ses efforts pendant pratiquement chaque seconde de ses 77 minutes. Le morceau-titre, qui ouvre l’album en dents de scie, donne d’emblée un coup d’accélérateur, James Hetfield lançant des paroles laconiques et percutantes : Wrath of man/Leaching through/Split in two ».

Les furieux « Shadows Follow » et « Screaming Suicide » font mentir les années du groupe (Hetfield et le batteur Lars Ulrich auront 60 ans cette année ; le guitariste Kirk Hammett a déjà franchi ce cap), tandis que « You Must Burn » arrive comme un juggernaut, s’appuyant sur un groove imposant qui sonne comme un « Sad But True » gonflé à bloc.

Cette intensité est renforcée par les paroles de Hetfield. Le chanteur a connu sa part de turbulences personnelles ces derniers temps, d’une « mise au point » en cure de désintoxication à un divorce, et il semble avoir débouché une bouteille d’agitation ici. Ses paroles, qui ne sont jamais vraiment joyeuses, sont tourmentées et sombres. « So tight/This crown of barbed wire », grogne-t-il sur « Crown Of Barbed Wire ». Ailleurs, il est encore plus direct. « Il n’y a pas de lumière », crie-t-il désespérément sur « Chasing Light ».

Le nouvel album de Metallica 72 Seasons n’est pas facile à écouter, il demande du travail. Les ballades sont absentes et même les grandes mélodies sont rares, mais elles sont d’autant plus frappantes lorsqu’elles arrivent. Le fait de placer « Inamorata », 11 minutes à combustion lente, à la fin d’un album qui a déjà dépassé les 60 minutes, est le travail d’un groupe qui cherche à savoir jusqu’où il peut pousser les choses. « Inamorata » est l’une des meilleures chansons de l’album (elle se termine également par une lueur d’espoir au niveau des paroles).

Chaque chanson apporte une saveur différente de ce sur quoi Metallica a travaillé ces dernières années, mais elles pointent toutes vers un fil conducteur : des guitares et une batterie lourdes guidant des paroles encore plus lourdes.

Et le reste de 72 Seasons ne fait que confirmer ce point commun, Metallica montrant pourquoi il est l’un des plus grands groupes de rock au monde. Un album qui ne demande qu’à être écouté à fond. Le nouvel album de Metallica en 2023 est peut-être l’une des collections de chansons les plus lourdes que Metallica ait jamais sorties en 40 ans de carrière.

Notre avis sur le nouvel album de Metallica, 72 Seasons ? L’époque où Metallica mettait la barre plus haut à chaque nouvelle sortie est révolue. C’est le travail de quelqu’un d’autre de nos jours. La seule préoccupation de Metallica est de faire le meilleur album de Metallica possible, indépendamment de ce qui se passe autour d’eux. Sur ce point, 72 Seasons est un succès retentissant qui en fait aujourd’hui l’un des meilleurs albums de 2023.

Ce que nous avons particulièrement aimé sur 72 Seasons.

• L’ouverture lourde 1-2-3 Punch de « 72 Seasons », « Shadows Follow » et « Screaming Suicide »

Le morceau-titre est l’un des moments les plus marquants de l’album, et avec 72 Seasons, nous l’avons avant tout le reste. Alors que la chanson culmine et se termine avec James Hetfield chantant  » Feeding on the wrath of man « , il ne vous laisse aucune chance de reprendre votre souffle ;  » Shadows Follow « , l’une des chansons les plus lourdes du nouvel album de Metallica 72 Seasons, arrive à pleine puissance.

• La voix de James Hetfield sur « Too Far Gone » ?

Il y a une colère et une intensité qui n’étaient pas présentes sur les derniers albums – une colère et une intensité que les fans reconnaîtront du Hetfield des années 90 qui a commencé à revenir tout au long de 2022. Bien que cette énergie soit présente sur chaque morceau, « Too Far Gone ? » est la chanson qui capture le mieux la nouvelle férocité d’Hetfield.

• Kirk Hammett + Rob Trujillo ont sept crédits d’écriture

Lorsque Metallica a sorti St. Anger, il n’y avait pas de crédits d’écriture individuels. Au lieu de cela, les notes de pochette indiquaient simplement que toutes les chansons avaient été « écrites par Hetfield/Ulrich/Hammett/Rock [le producteur Bob Rock] » Lorsque le nouvel album de Metallica 72 Seasons a été révélé, il a été surprenant de voir que Kirk Hammett et Trujillo étaient crédités sur plus de la moitié des titres de l’album.

• Solo de Kirk sur « You Must Burn ! »

« You Must Burn ! » est l’un des trois morceaux qui dépasse les 7 minutes, et bien qu’il ne soit pas considéré comme l’un des morceaux les plus rapides ou les plus thrash de la carrière de Metallica, il se construit autour d’un solo mémorable de The Ripper lui-même. Le solo dure environ une minute et se distingue comme l’un de ses meilleurs sur 72 Seasons.

• Les paroles de Hetfield sont plus confidentielles que jamais auparavant

Au cours des deux dernières décennies, James Hetfield a été tout sauf timide. Il a parlé ouvertement de son combat permanent contre l’alcool et la toxicomanie et s’est montré plus vulnérable que jamais lors du tournage de Some Kind of Monster.

Il n’est pas rare que Hetfield insère sa vie et son histoire dans les paroles qu’il écrit, mais sur le nouvel album de Metallica 72 Seasons, sa volonté de se mettre en avant est d’un tout autre niveau.

Ecoutez ici le nouvel album de Metallica en 2023, 72 Seasons

« La mort, c’est la vie, c’est la mort ». Cette cadence déchirante ouvre Portals, le troisième album et nouvel album de Melanie Martinez en 2023. L’album de 13 titres s’appuie fortement sur une art-pop sombre et vibrante. En écoutant la musique de Martinez, on a l’impression qu’il y a une éternité, elle était une jeune femme qui auditionnait pour faire son entrée dans l’émission « The Voice ».

Y a quoi sous le capot de Portals le nouvel album de Melanie Martinez en 2023 ?

« Je reviens d’entre les morts », déclare Martinez sur « Death », un morceau d’ouverture explosif de cinq minutes qui contient un mélange d’instruments flous et un refrain harmonisé à plusieurs voix. Chaque morceau prend une forme différente et semble vivant. « Alive », par exemple, passe d’un groove R&B mid-tempo à un hymne alt-pop urgent.

Le début de « Tunnel Vision » aurait pu être tiré d’une bande originale de film. Une voix sinistre et superposée ouvre le morceau, qui devient une chanson pop plus traditionnelle. Mais alors que l’instrumentation devient plus conventionnelle, les mélodies du nouvel album de Mélanie Martinez sont nouvelles et différentes, ce qui donne à la chanson un caractère expérimental. De même, « Nymphology », dans le dernier tiers de l’album, commence de façon cinématographique avant d’exploser en un point culminant chaotique.

La ballade alt-pop complexe « Faerie Soiree » prend une direction différente, embrassant un son atmosphérique éthéré qui rappelle quelque peu l’auteur-compositeur-interprète canadien Lights. Le morceau se termine sur une note très différente, lorsque toute la musique s’éteint et que Martinez chante a cappella avec une voix superposée.

Ce qui est intéressant dans l’harmonisation du nouvel album de Mélanie Martinez Portals, c’est que chaque partie individuelle a un son tellement différent, allant de la voix claire à la distorsion, en passant par l’espace, créant ainsi un vaste paysage sonore.

Il n’y a que quelques ballades légères sur l’album, mais elles sont efficaces. « Light Shower » est encore plus simplifiée et dépouillée, Martinez chantant aux côtés d’une guitare électrique légèrement grattée.

Le dernier morceau du nouvel album de Melanie Martinez Portals, « Womb », est quant à lui léger et complexe.

« Spider Web » s’appuie sur un rythme lourd, mais prend des risques avec le reste des instruments. Plutôt que d’être remplie d’une symphonie de synthétiseurs, elle est plus calme et plus discrète. Cette dichotomie rend l’écoute intéressante et apporte une touche d’originalité à l’hymne pop mid-tempo traditionnel d’aujourd’hui. La chanson se transforme en douceur en « Leeches », une ode à ce qui est « visqueux et superficiel ». Bien qu’il s’agisse d’une ballade, elle insuffle une énergie lunatique grâce aux touches.

La ballade mid-tempo « Battle of the Larynx » est plus proche du rock avec son riff de guitare fuzz et son rythme emphatique. Elle s’efface finalement au profit des vagues de l’océan qui s’écrasent sur le rivage, offrant un bref espace et une énergie tranquille.

Plus loin dans l’album, « Evil », qui donne un coup de poing, apporte une énergie similaire. On y retrouve le sarcasme caractéristique de Martinez, et il est intégré dans une chanson amusante et engageante qui donne du pouvoir à l’individu.

« The Contortionist » prend une structure pop plus traditionnelle et la retourne, mélangeant le rythme avec un ensemble d’éléments orchestraux et créant une symphonie pop.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Depeche Mode en 2023, Memento Mori. Stimulé à la fois par des pandémies et par la mort du membre fondateur Andrew Fletcher, le nouvel album du duo Depeche Mode est une œuvre sombre et claustrophobe qui reflète non seulement l’époque mais aussi la façon dont le chanteur Dave Gahan et le guitariste Martin Gore y font face.

Y a quoi sous le capot de Memento Mori le nouvel album de Depeche Mode en 2023 ?

Pour ne rien oublier, le nouvel album de Depeche Mode Memento Mori signifie en latin « souviens-toi que tu dois mourir », c’est-à-dire que la mort nous guette tous. Si cela ne vous fait pas respirer, ces 12 arrangements aux sonorités industrielles vous rappelleront certainement que les murs se referment sur chacun d’entre nous. Ces rappels sont présents tout au long de l’album, mais certaines chansons sont plus évidentes que d’autres.

« First we stand up/ Then we fall down/ We have to move forward/ Before we drown … we drown , chantonne Dave Gahan sur « We Drow « , qui semble illustrer le cycle de croissance de l’enfance jusqu’à… la fin. Ce message est enrobé d’une multitude de synthés vaporeux, de grincements glacés et de percussions électroniques monotones.

Ce morceau se situe vers la fin de l’album, et il est suivi par un morceau encore plus pessimiste, « People Are Good », sur lequel Gahan essaie de se convaincre que les choses sont censées s’arranger pour le mieux, entre des synthés stridents qui sonnent comme une fraise de dentiste et des mélodrames classiques de Depeche Mode.

Bien que Gahan et Gore varient le rythme de ces chansons, peu d’entre elles peuvent être qualifiées de « uptempo » en raison de la façon dont elles sont délivrées, dans des progressions pleines d’accords mineurs.

« Never Let Me Go », l’un des titres les plus rapides et les plus pop de l’album, en est un excellent exemple. Il évoque des sentiments d’effroi, mais avec une augmentation du nombre de battements par minute. Le duo a travaillé avec les producteurs James Ford et Marta Salogni sur toutes ces chansons, tandis que Gore s’est associé à Richard Butler des Psychedelic Furs pour écrire quatre de ces chansons – à l’origine pour s’amuser avant de les coopter pour Depeche Mode.

Cela aussi est dû à la pandémie, où tout était soudain sur la table en raison du temps supplémentaire dont on disposait.

On continue le nouvel album de Depeche Mode Memento Mori avec deux pièces cinématographiques inspirées par les travaux de Trent Reznor et d’Atticus Ross, qui ont bien sûr été inspirés en premier lieu par Depeche Mode. Loin de la synth pop ou de la new wave des années 80, ces morceaux entourent le reste de l’album d’une brume inquiétante.

« My Cosmos Is Mine », le morceau d’ouverture, mélange des grognements de power tool, des basses grasses et floues, des synthés rétro-futuristes et des coups de grosse caisse, tandis que Gahan vocalise presque à voix haute : « Don’t toy with my heart » et « don’t alter my headlines ». Puis Gore entre en scène et entonne : « No war …/ No more …/ No fear …/ Not here …/ No rain, no clouds/ No pain, no shrouds/ No final breaths, no senseless deaths ». La chanson évoque « Blade Runner » ou « Dune », tant par l’instrumentation que par le message, bien que le thème du contrôle de la narration s’inspire certainement des gros titres de ces dernières années.

« Speak to Me », qui clôt le nouvel album de Depeche Mode, contient un message qui ressemble à « Hurt » de Nine Inch Nails (« I will disappoint you/ I will let you down »), bien que Gahan fasse de son mieux pour s’accrocher à l’espoir qu’il peut rassembler en chantonnant sur le fait de suivre la voix de quelqu’un qui peut remettre les choses en ordre. « J’ai besoin de savoir que tu es là avec moi/ Que tout tourne autour de moi », chante-t-il. La conclusion de la chanson est ouverte, laissant les auditeurs décider eux-mêmes si elle est triste ou joyeuse.

Les chansons les plus susceptibles de faire bouger les auditeurs sont placées en tête de l’album. « Wagging Tongue » n’est pas une chanson joyeuse (« Everything seems hollow when you watch another angel die ») mais il y a juste assez d’accords majeurs pour taper du pied ou hocher la tête. Et le premier single de l’album, « Ghosts Again », est le Depeche Mode de l’ère 2023 dans sa version la plus optimiste.

C’est l’une des compositions de Butler, avec « Don’t Say You Love Me », « My Favourite Stranger » et « Caroline’s Monkey ». Alors que la mortalité reste au centre des préoccupations de Gahan : « Les lignes de guitare de Gore sont plus optimistes et il est facile d’imaginer que ces synthés auraient pu être joués par Fletcher.

Notre avis sur le nouvel album de Depeche Mode, Memento Mori? Gahan a décrit les chansons du groupe sur Memento Mori comme étant simplifiées. C’est peut-être le cas si on les compare à ce que Depeche Mode a fait auparavant. Il y a suffisamment d’éléments pour susciter l’intérêt des autres créateurs de musique et pour que les fans continuent à écouter. Ce n’est pas une écoute relaxante et il est probable qu’elle alimente votre anxiété existante. L’art qui suscite une réaction aussi forte est un accomplissement. Tout simplement l’un des meilleurs albums de 2023 !

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Lana Del Rey en 2023. Le neuvième album studio de Lana Del Rey, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd, est un exercice d’opposition. Il est à la fois intime et expansif, exploratoire et familier, luxuriant et spacieux.

Y a quoi sous le capot de Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd le nouvel album de Lana Del Rey en 2023 ?

L’auteur-compositeur-interprète new-yorkais s’entoure d’une équipe de collaborateurs de premier plan pour livrer une fois de plus une superproduction. Dès les premiers instants de « The Grants », l’album attire les auditeurs, nous permettant d’être une mouche sur le mur de cet ensemble de 16 titres.

La chanson s’ouvre sur un chant harmonisé calme et magnifique, suivi d’un piano tranquille et de la voix caractéristique de Lana Del Rey. Au cours des quatre minutes suivantes, la chanson prend de l’ampleur, incorporant des éléments orchestraux et le retour de la chorale. Il s’agit d’un morceau époustouflant et d’une véritable déclaration.

« There’s a girl who sings ‘Hotel California, », déclare Del Rey, laissant tomber la référence aux Eagles dans le titre « Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd ».

Le morceau est un slow burn, avec une montée en puissance similaire à celle du morceau d’ouverture, mais qui l’emmène dans un endroit bien différent. La complexité tranquille de l’instrumental est vraiment quelque chose à voir, le nombre de sons entrant dans ce qui semble d’abord être une chanson assez simple est impressionnant.

On continue le nouvel album de Lana Del Rey avec « Sweet » qui reste simple, juste un piano avec une légère superposition de cordes. Lana Del Rey livre une voix douce et verbeuse, sans vraiment suivre la structure traditionnelle couplet/refrain/verset. La production de cet album s’apparente à celle d’un film classique.

Certains morceaux sont davantage un voyage, comme l’opus de sept minutes « A&W ». La chanson est décomposée en trois actes, de l’intro chargée de piano à la fin chargée de rythmes sombres, en passant par le corps de synthétiseur. Enfilez une paire d’écouteurs pour un voyage sonore encore plus spectaculaire avec les différents sons et couches. Cette chanson est inhabituelle, dans le meilleur sens du terme.

L’album comprend également deux longs interludes : un morceau parlé au piano par Judah Smith, pasteur de la célèbre « Churchhome », et un autre apportant un soutien musical à la collaboration de Lana Del Rey avec Jon Batiste, musicien aux multiples talents et ancien chef d’orchestre du « Late Show with Stephen Colbert ».

D’une durée de plus de six minutes, « Kintsugi » est une autre ballade au piano qui permet à Lana Del Rey de faire un voyage lyrique. La chanson s’éloigne également de la structure traditionnelle. « Fingertips » offre une production différente de la plupart des autres chansons du nouvel album de Lana Del Rey. Les voix sont brillantes et chatoyantes plutôt qu’assourdies. Une fois de plus, on a l’impression d’entendre la bande originale d’un film classique.

« Paris, Texas » simplifie les choses : une guitare légèrement grattée et le scintillement d’un piano correspondent vaguement aux notes de la voix de Lana Del Rey.

Elle reprend ensuite l’orchestration dramatique sur « Grandfather please stand on the shoulders of my father while he’s deep-sea fishing », un titre de chanson aussi verbeux que possible. Il commence simplement avant d’atteindre un puissant crescendo, puis de retomber comme une vague qui s’écrase sur le rivage.

Father John Misty se montre à son avantage sur la ballade Americana luxuriante de « Let the light in », une ballade magnifiquement spacieuse.

L’un des moments les plus forts de l’album est celui de la collaboration avec les Bleachers, « Margaret ». Le titre infuse une dose rapide de Jack Antonoff avant d’introduire un chœur harmonisé massif qui parvient à se sentir à la fois intime et plus grand que nature.

« Tu voulais que je sois plus triste », chante-t-elle sur la ballade introspective « Fishtail ». Le morceau oscille entre cette ambiance et un groove R&B mid-tempo. Le titre « Peppers » constitue le plus grand changement grâce au couplet du rappeur canadien Tommy Genesis. Mélangeant pop, musique alternative, hip-hop, blues et encore plus de poésie parlée, il couvre beaucoup de territoires. L’album s’achève sur la pop sombre de « Taco Truck », une autre excellente chanson et l’un des morceaux les plus entraînants de l’ensemble du set.

Notre avis sur le nouvel album de Lana Del Rey, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd ? Le 9^ème album de l’artiste est encore une fois une superbe réalisation qui exploite au maximum tous ses talents de chanteuse et d’autrice-compositrice. Sans doute l’un des meilleurs albums de 2023, déjà.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Fall Out Boy en 2023, So Much (for) Stardust. Si vous êtes comme nous, lorsque les pop-punkers de Chicago Fall Out Boy ont annoncé la sortie d’un nouvel album, So Much (For) Stardust, au début de l’année, vous étiez un peu sceptique. L’album de 2018 du groupe, M A N I A, était un peu mitigé et personne ne savait vraiment quoi en penser. Cependant, Patrick Stump, Pete Wentz, Joe Trohman et Andy Hurley nous ont agréablement surpris avec les deux premiers singles publiés pour cette sortie.

Y a quoi sous le capot de So Much (For) Stardust le nouvel album de Fall Out Boy en 2023 ?

Le premier single et la chanson phare ‘Love From The Other Side’ sont une excellente façon de démarrer l’album. C’est comme le retour des Fall Out Boy d’antan, le quatuor s’enfonçant fermement dans ses racines pop-punk. L’arrangement orchestral qui ouvre le bal avant que les guitares et la batterie n’entrent en scène est une excellente façon de se familiariser avec l’album, qui est un véritable banger du début à la fin.

Le deuxième single du nouvel album de Fall Out Boy So Much (For) Stardust, « Heartbreak Feels So Good », est accompagné d’un clip incroyablement divertissant dans lequel on retrouve Rivers Cuomo, de Weezer.

« Hold Me Like A Grudge »‘ » est le suivant et, bon sang, cette ligne de basse d’ouverture… C’est vraiment génial. Il y a aussi quelques unes de ces vieilles paroles rapides comme l’enfer que Patrick est si bon à livrer, et ça ressemble un peu à  » Smooth Criminal  » de Michael Jackson.

On continue le nouvel album de Fall Out Boy avec « Fake Out » qui commence beaucoup plus lentement que les titres précédents, avec une ambiance plus froide, mais la batterie d’Andy Hurley maintient un rythme un peu plus soutenu. C’est vraiment une bonne façon de calmer les auditeurs après l’apogée des trois premières chansons.

« Heaven, Iowa » démarre avec des maracas. C’est presque une ballade, mais c’est aussi assez rock. Instrumentalement, c’est un morceau absolument magnifique. La batterie d’Andy, bien qu’assez percutante, n’étouffe pas l’harmonie des guitares de Joe et Patrick, avec la basse de Pete parfaitement intégrée pour maintenir l’ensemble.

« So Good Right Now  » offre les sensations de fête qui s’étaient perdues dans la mélancolie de « Heaven, Iowa ». On peut dire que Green Day a toujours été une grande influence pour Fall Out Boy, la chanson ressemblant un peu à  » Meet Me On The Roof « , mais en 20 fois mieux. C’est aussi un morceau qui serait parfait pour un bal de fin d’année des années 1950, ou pour une scène de bal de fin d’année dans une comédie romantique pour adolescents des années 2020.

On poursuit le nouvel album de Fall out Boy avec « Flu Game », qui est un excellent nom pour une chanson, mais pas aussi bon que le suivant, « Baby Annihilation  » (nous y reviendrons dans une seconde). La guitare distordue donne le coup d’envoi avant que le chant n’arrive, et à partir de là, c’est du bon et du fun non-stop. Il y a une petite surprise au point culminant, alors assurez-vous d’écouter jusqu’au bout. « Baby Annihilation  » est un morceau parlé par Pete Wentz et ressemble beaucoup à un poème, avec des instruments bizarres qui comportent des sons distordus assez étranges.

« The Kintsugi Kid (10 Years) » entame le compte à rebours vers la fin. Cela nous a fait penser à « What A Catch, Donnie », sur Folie A Deux, une chanson que Pete a écrite sur sa lutte contre la dépression et sa tentative de suicide, presque comme une lettre à Patrick Stump. Le « Kintsugi » est l’art japonais qui consiste à remplir et à réparer les fissures de la poterie et d’autres objets avec de la laque, généralement avec de l’or.

Heureusement, « What A Time To Be Alive » nous réveille de notre stupeur emo et offre une ambiance beaucoup plus joyeuse et optimiste, avec un pied fermement ancré dans les éléments disco des années 1970. C’est optimiste, c’est dansant, c’est disco et c’est une fête totale du début à la fin. C’est un virage à 180 degrés par rapport au morceau précédent, et c’est ce genre de flux et de reflux dans le choix des chansons qui fait de Fall Out Boy un groupe de premier plan.

La fin de l’album reprend également des paroles de « Love From The Other Side » et c’est ce genre de retour en arrière qui rend un album cohérent, et bien que cela puisse être considéré comme ringard, ce n’est absolument pas le cas. « So Much (For) Stardust  » est un morceau épique à tous points de vue, et c’est une excellente façon de terminer ce qui est un excellent album.

Notre avis sur le nouvel album de Fall Out Boy, So Much (for) Stardust ? Dans l’ensemble, ce disque est un peu rock, un peu pop punk, un peu synthé et un peu disco ! Cependant, Fall Out Boy a toujours su utiliser ses albums pour raconter une histoire et So Much (For) Stardust ne fait pas exception à la règle. L’attente de cinq ans entre les deux albums en valait vraiment la peine…

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Katie Melua en 2023, Love & Money. L’auteure-compositrice-interprète Katie Melua se remettait d’un divorce sur l’album n° 8 de 2020. Son dernier album, Love & Money, la place dans une situation totalement différente. Avec un nouveau partenaire et un fils nouveau-né (elle était enceinte au moment de la création de l’album), elle a trouvé un nouveau contentement qui se reflète dans ces chansons folk de Laurel Canyon.

Love & Money est son neuvième album. Chacun des huit premiers a atteint le top 10 du classement des albums au Royaume-Uni, un exploit réalisé par seulement deux artistes britanniques, Kate Bush (12 fois) et Melua. Cet album diffère cependant de ses précédents travaux. Le produit final est moins complexe. Les arrangements (l’album a de nouveau été produit par un collaborateur de longue date, Leo Abrahams, qui a travaillé avec Brian Eno et Regina Spektor) sont moins serrés.

Y a quoi sous le capot de Love & Money le nouvel album de Katie Melua en 2023 ?

Il y a moins d’intonations jazzy ; il n’y a pas de chansons comme « Voices in the Night » ou « Maybe I Dreamt It ». Elle a déclaré avoir allégé son approche de la musique pour cet album afin de refléter sa situation dans la vie, sous un « ciel bleu ». C’est un élément thématique auquel elle revient dans plusieurs chansons.

Au lieu de cela, cette musique et le chant de Melua offrent une grande marge de manœuvre et peu de drame. Il s’agit d’une écoute facile, ou peut-être d’une vie facile. Les chansons parlent de tomber amoureux sans se presser, de trouver de la joie dans les choses de tous les jours, d’être en sécurité avec qui elle est et de laisser la vie venir à elle comme elle vient.

Katie Melua définit le cadre avec le nouveau single « Quiet Moves », un bop mid-tempo (et le morceau le plus pop de l’album) qui raconte qu’elle a réalisé qu’elle tombait amoureuse de son partenaire, qu’elle a appelé « Ollie », après avoir observé ses mouvements de danse insouciants. Des notes de piano scintillantes et des lignes de guitare floues dansent autour d’une batterie urgente.

Une grande partie du reste du nouvel album de Katie Melua Love & Money est encore plus douce, mettant l’accent sur ses paroles et son talent de chanteuse.

“It’s good to let a little peace inside you/ Otherwise the flame will freeze inside you,”, chante-t-elle sur « 14 Windows ». Hors contexte, cette chanson aurait pu parler d’une rupture et figurer sur l’album 2020. Mais ici, elle chante avec espoir plutôt qu’avec lassitude et tristesse. La chanson est imprégnée de réverbération d’orgue et de synthétiseurs, comme si elle avait été récemment découverte dans une capsule temporelle de la fin des années 70 ou du début des années 80.

Sur un rythme traînant, une guitare jazzy et de légers riffs de piano, Melua dépeint une journée d’été parfaite sur « Lie in the Heat ». Il est facile de l’imaginer en Blanche-Neige, se pavanant le long d’un ruisseau dans une clairière. Le single « Those Sweet Days » présente une image similaire, mais plus domestique. Cette chanson est construite sur un piano doux, des harmonies vocales et un rythme de batterie semblable à celui d’une valse. Cette chanson parle de s’asseoir et de prendre le temps de ne rien faire.

Le milieu du nouvel album de Katie Melua Love & Money propose des airs de bonheur et d’amour. « Darling Star » pourrait parler de son partenaire ou de son fils nouveau-né.

« Pick Me Up », la chanson la plus dense du nouvel album de Katie Melua sur le plan sonore (elle contient un peu de tout ce qu’offre Love & Money), poursuit la tendance de l’album à faire référence à l’imagerie du ciel bleu. La chanson la plus dramatique est la chanson-titre, qui clôt l’album. Elle ressemble à une histoire autobiographique de l’enfance dans une Géorgie politiquement instable, faisant référence à Kutaisi, la ville où Melua est née, et à un moment où son père semblait nerveux à propos de quelque chose avant de décider que « c’est une fausse alerte ». Cette chanson est teintée d’un sombre jeu de violon, ce qui lui donne un air de musique country.

Le premier extrait de l’album, « Golden Record », parle de la recherche d’un équilibre entre la personnalité de Melua, axée sur le travail, et sa place en tant que femme dans l’industrie de la musique, et la vie qu’elle a manquée – stabilité, enfant, amis ayant les mêmes objectifs et les mêmes événements de la vie. « Qu’est-ce qui te fait peur maintenant ? Tu as peur d’être enfin heureuse ? se demande-t-elle.

U2 a déjà publié des versions alternatives de ses chansons sur des collections, mais il s’agissait toujours de bonus sur des rééditions (Kindergarten Achtung Baby) ou de sorties réservées aux clubs de fans (Medium, Rare & Remastered, Artificial Horizon). Le dernier et nouvel album de U2, Songs of Surrender, est leur première tentative de réédition pour le grand public. Et il y a de quoi faire !

Ces 40 chansons n’offrent souvent qu’une infime partie de l’énergie rock and roll des originaux.

Alors, à quoi bon ? Si vous êtes un auditeur de longue date de U2, vous avez tout intérêt à découvrir des facettes de la musique du groupe que vous n’aviez jamais envisagées auparavant. Si vous êtes convaincu que les riffs de guitare de The Edge dans les années 80 doivent être accompagnés d’un délai de 400 millisecondes, vous serez peut-être déçu de les entendre remplacés par le son intense de ses doigts glissant le long des cordes.

Y a quoi sous le capot de Songs of Surrender le nouvel album de U2 en 2023 ?

Beaucoup de ces chansons durent cinq minutes, ce qui signifie qu’elles ne fonctionnent pas bien en tant que single. Elles sont réparties sur quatre disques de 10 titres, chacun représenté par un membre du groupe, mais on ne sait pas s’il y a une raison derrière la spécificité de leur emplacement dans ces listes de lecture. Les 40 chansons ont été enregistrées au cours des deux dernières années, mais il ne semble pas que les quatre membres aient toujours été impliqués.

De nombreux morceaux n’ont pas de basses ou de percussions perceptibles. The Edge a produit l’album et a déclaré que l’objectif était de remplacer l’urgence post-punk par l’intimité. En pratique, cela signifie que certaines chansons sont interprétées dans des tonalités différentes, à des rythmes plus lents et avec de nouvelles progressions d’accords, et que certaines comportent des paroles actualisées.

Beaucoup de ces chansons sont prêtes à être écoutées dans un café. D’autres ressemblent beaucoup aux concerts acoustiques de U2. Dans le meilleur des cas, le nouvel album de U2 Songs of Surrender présente des versions d’univers alternatifs du catalogue classique de U2.

Imaginez U2 avec Edge comme chanteur principal. Il chante sur « Peace On Earth », qui était déjà une chanson de type feu de camp, mais qui l’est encore plus avec une guitare acoustique qui fait le gros du travail. Il a également une voix plus proéminente sur d’autres chansons. « Stories For Boys » est l’une de ces premières chansons, avec des accords de piano scintillants, à la « MLK », où Bono et Edge s’harmonisent. On se rend compte ici que cette chanson rock, l’une des premières déclarations de U2, est devenue un funèbre chant funèbre.

Le nouvel album de U2 Songs of Surrender démarre avec l’une de ses chansons les plus fortes, « One ». Dans cette version, le batteur Larry Mullen Jr. joue du piano. La partie n’est pas compliquée, mais elle est magnifiquement réalisée. Parallèlement, Abe Laboriel Jr, mieux connu comme batteur de Paul McCartney, chante des chœurs.

D’autres chansons font un pas de côté, comme « 11 O’Clock Tick Tock », un autre rocker des débuts de l’album, qui devient un mid-tempo jazzy digne d’un salon ou même d’une salle de bal, rappelant « Save a Prayer » de Duran Duran. Encore plus inhabituel, « Out Of Control » est présenté dans un arrangement folky Americana ! Malgré l’instrumentation clairsemée (Bono, Edge, deux parties de guitare acoustique), elle reste énergique. Qui l’eût cru ? « Pride (In The Name Of Love), la dernière chanson du premier disque, introduit enfin la guitare électrique de Edge, mais sans attendre.

Sur le nouvel album de U2, on dirait le groupe des années 2000 jouant le U2 des années 1980, sans les retards caractéristiques de ce dernier. Elle comporte également un arrangement orchestral du joueur de tabla indien-américain Karsh Kale, ainsi qu’une chorale composée d’enfants de Mumbai, dirigée par l’auteur-compositeur-interprète de Delhi Kamakshi Khanna.

Le morceau « Red Hill Mining Town », favori des fans des années 80, sonne presque rétro-futuriste avec des synthétiseurs ou des guitares à chorus spatiaux. La caisse claire militariste caractéristique de Mullen est présente ici, ainsi qu’une section de cuivres de quatre musiciens dirigée par Trombone Shorty.

La chanson « Sometimes You Can’t Make It On Your Own », tirée de l’album How to Dismantle an Atomic Bomb (2004), présente une nouvelle progression d’accords, jouée au piano, qui la fait ressembler à « Sunday Bloody Sunday ». Il s’agit d’un autre morceau où le chant de Edge occupe une place prépondérante. Une harpe ou un clavecin fait son apparition aux deux tiers du morceau, ainsi que le jeu de batterie de Mullen, qui donne toujours l’impression de jouer une chanson de marche.

On poursuit l’écoute du nouvel album de U2 avec la nouvelle version du tube « Vertigo » qui met le paquet. Des cordes du Moyen-Orient ouvrent cet arrangement, rapidement rejointes par un violoncelle ou une basse à archet, une guitare et un vibrato en forme de serpent à sonnettes joué par Bono lui-même. Les cordes sonnent plus irlandais vers la fin. C’est différent et cela risque de faire naître des conversations, mais est-ce que cela atteint l’objectif d’un son plus intime ? Il semble qu’il faille au moins sept ou huit personnes sur scène pour jouer sans accompagnement.

« Desire », tirée de Rattle & Hum (1988), est la chanson la plus moderne de tout l’album. Elle est funky, avec des basses électroniques profondes. Elle se veut un hymne de club tout en conservant son côté bluesy. Les résultats varient. J’ai aimé. La personne assise derrière mon épaule a eu un haut-le-cœur.

Le nouvel album de U2 Songs of Surrender stagne sur des chansons qui offrent une ambiance similaire à celle des enregistrements originaux, ou sur des arrangements similaires à ce que U2 a joué en concert pendant des années. Il s’agit notamment de « Beautiful Day », « Stuck In A Moment You Can’t Get Out Of » (Ezra Mullen, le fils de Mullen, joue du tambourin), « Who’s Gonna Ride Your Wild Horses » et « Sunday Bloody Sunday » (sur laquelle Edge joue du ukulélé).

Si U2 n’avait pas déjà sorti un mix de « The Fly » (Achtung Baby, 1991) appelé « Lounge Fly » dans les années 90, cette nouvelle version serait un substitut acceptable. L’ancienne chanson est meilleure, et celle-ci devient plus bizarre avec un tas d’éléments intéressants qui ne s’accordent pas entre eux.

Et sur « I Still Haven’t Found What I’m Looking For », Bono a l’air d’un vieux lion fatigué qui tente d’échapper à son destin. Peut-être que sa carrière d’acteur a déteint sur cet arrangement. Il y a tout de même un avantage : La chanson est accompagnée de chœurs de Brian Eno et de Daniel Lanois. Il ne s’agit pas d’enregistrements d’archives, ce qui laisse présager de futures collaborations entre ces vieux amis. La basse est assurée par le technicien d’Adam Clayton, Stuart Morgan.

Malheureusement, il y a quelques chansons qui enlèvent à U2 ce qui fait d’eux des U2. L’original « Where The Streets Have No Name » et la version jouée par le groupe lors des concerts apportent une catharsis par le biais d’une poussée de dopamine. Mais la version que nous avons ici est plus axée sur la sérotonine. Bono chante en sourdine jusqu’à la fin sur un piano et des synthés brumeux. Elle ne décolle jamais. De même, « City Of Blinding Lights » et « Until The End Of The World » sont vidés de leur substance. Le premier sonne comme « Lullaby U2 ».

Notre avis sur le nouvel album de U2 Songs of Surrender en 2023 ? Que vous considériez Songs of Surrender comme un nouvel album de U2, comme un mélange de bonus sans pièce maîtresse ou comme un compagnon de la production théâtrale de Bono ou de ses mémoires, il devrait suffire à piquer votre intérêt. Il est toutefois peu probable qu’il remplace les originaux dans votre liste de lecture.

Peu de titres sont aussi immédiatement mémorables que le dernier tube de Miley Cyrus, « Flowers », un groove lent qui véhicule un message d’indépendance et d’amour de soi. Le titre fait déjà partie des titres les plus streamés de l’histoire. Cette chanson hymnique donne le coup d’envoi du huitième et nouvel album de Miley Cyrus en 2023, qui est resté largement confidentiel jusqu’à sa sortie.

Dans l’ensemble, Endless Summer Vacation semble être le successeur naturel de Plastic Hearts de 2020. Mais cette fois-ci, il est moins question de Joan Jett et de Stevie Nicks que de Miley Cyrus. Cette douzaine de titres s’inspire moins du rock classique que d’une ambiance d’auteur-compositeur-interprète à l’envers.

Y a quoi sous le capot de Endless Summer Vacation le nouvel album de Miley Cyrus en 2023 ?

Le deuxième titre, « Jaded », est calme et froid, une jam acoustique mid-tempo, la voix de Cyrus passant d’une intimité tranquille sur les couplets à une puissance fulgurante sur le refrain.

Les grooves lents se poursuivent sur « Rose Colored Lenses », un morceau au piano lourd et rythmé, avec une mélodie bluesy discrète. Ce trio d’ouverture est un peu différent pour Cyrus. La majeure partie d’Endless Summer Vacation se situe davantage dans une esthétique de tonalité mineure, avec des paroles et une maturité vocale.

On continue le nouvel album de Miley Cyrus en compagnie de la country rockeuse Brandi Carlile pour la ballade acoustique chatoyante « Thousand Miles ». Cette ballade fusionne harmonieusement la pop, l’Americana et la country dans un morceau bien arrangé et bien interprété. La voix de Carlile n’est utilisée que pour l’harmonisation, mais elle ajoute de la luxuriance et se marie bien avec le chant de Cyrus. La chanson se termine même par ce qui semble être un riff d’accordéon ou d’harmonica.

La ballade bluesy « You » est encore plus douce, avec un arrangement clairsemé de touches et de percussions, et prépare le terrain pour que la star brille avec une autre voix de tueur.

Endless Summer Vacation est une œuvre plus discrète. Elle n’est pas remplie de pop entraînante et de chansons estivales. Le titre est donc un peu ironique. Miley Cyrus laisse généralement ses fans dans l’expectative quant à l’évolution de son style, et cet album ne déroge pas à la règle.

« Handstand » est un tournant sonore qui fait prendre à l’album une direction très différente. S’ouvrant sur des synthés lourds et une intro parlée, elle se transforme en une combinaison de boucles spatiales, de sons électroniques et d’un rythme substantiel. On a l’impression qu’il s’agit d’un interlude, bien qu’il dure toute la durée du nouvel album de Miley Cyrus. Il prépare avec succès les sons synthétiques entraînants de « River ». Ce dernier a un rythme pulsé et des accroches pop, mais se restreint juste assez pour s’intégrer dans le paysage de cet album.

L’hymne mid-tempo « Violet Chemistry » ramène les choses à un niveau sonore intermédiaire, tout en infusant de l’électronique, ce qui marque la seconde moitié de Endless Summer Vacation. Le refrain mélange la sensibilité pop avec le funk et le R&B. Il a une personnalité rétro. Il a la personnalité d’un retour en arrière.

L’un des moments forts du nouvel album de Miley Cyrus arrive et repart rapidement, mais il fait une déclaration en cours de route. « Muddy Feet » est une collaboration avec Sia, qui joue à nouveau le rôle de caméraman. La chanson mélange un stomp bluesy brut avec l’énergie vocale du rock classique de Plastic Hearts. Il y a un groove pop serré qui offre un ton imposant. Elle dure un peu plus de deux minutes, mais c’est du temps bien utilisé.

Une partie du style vocal est conservé sur  » Wildcard « , qui est par ailleurs plus discret et plus riche en groove. Le titre de « Island » est tout à fait approprié : il s’agit d’une ballade aux accents tropicaux. Il est facile de s’imaginer allongé sur une plage et de l’écouter avec une paire d’écouteurs.

Notre avis sur le nouvel album de Miley Cyrus Endless Summer Vacation en 2023 ? L’album se termine par « Wonder Woman », une ballade au piano sur la résilience, le voyage et la capacité à surmonter les hauts et les bas de la vie. C’est une note magnifique et sombre qui clôt l’album.

Dans des siècles, les historiens chercheront désespérément un artefact qui traduise ce qu’était la vie au crépuscule de la civilisation occidentale. Les gens du futur auront besoin d’aide pour comprendre l’ennui anxieux de notre époque. Cracker Island, le nouvel album de Gorillaz en 2023 – la collaboration musicale entre Damon Albarn, le chanteur de Blur, et l’artiste visuel Jamie Hewlett – contribuera largement à donner aux humains du futur une idée de ce qu’était la vie en 2023.

Les paroles de l’album sont axées sur l’isolement et la marchandisation de nos vies essentiellement virtuelles. Sur le plan musical, il brille d’un éclat de science-fiction, avec les jouets numériques qui, selon les paroles, nous rendent fous.

Y a quoi sous le capot de Cracker Island le nouvel album de Gorillaz en 2023 ?

Les synthétiseurs somptueux de « Silent Running » se verrouillent avec une guitare funk fendue, groovant dans la grande tradition du funk britannique maniéré qui va de David Bowie à Jamiroquai en passant par Daft Punk. Un sifflet humain solitaire délivre la mélodie de l’intro au milieu d’un déluge de sons synthétiques.

Si le titre de la chanson est une référence au film spatial de 1972 sur le thème de l’écologie, le voyage décrit dans les paroles d’Albarn n’est pas un voyage à la recherche d’une planète sur laquelle planter un bouquet d’arbres, mais une retraite dans les recoins noirs et sombres de nous-mêmes.

Comme on pouvait s’y attendre, Albarn et sa compagnie ont rassemblé une brochette d’invités pour le nouvel album de Gorillaz Cracker Island, dont Stevie Nicks, Thundercat, Bad Bunny, Beck, Tame Impala et le rappeur de Pharcyde, Booty Brown.

Le titre phare du nouvel album de Gorillaz, « New Gold », suggère que février n’est pas trop tôt pour commencer à penser à la chanson de l’été 2023. Ce banger absolu a été coécrit par Kevin Parker de Tame Impala et Brown. Comme tous les plus grands succès de Gorillaz, le morceau passe sans effort d’un mode musical à l’autre : des synthés nuageux et des voix rêveuses à une batterie hip-hop grinçante et à des lignes de claviers envolées.

La voix rauque caractéristique de Stevie Nicks double la mélodie vocale avec Albarn sur « Oil ». Le duo appelle les auditeurs à l’action à la fin de la chanson, en chantant à l’unisson : « Les actions individuelles changent le monde ». Bad Bunny se joint à Albarn sur « Tormenta », ajoutant une touche d’auto-accordage et d’inspiration reggaeton au piano et à la harpe délicats de la chanson.

Fidèle aux personnages animés et à l’ambiance visuelle créés par Jamie Hewlett, une grande partie de la musique ressemble à une bande dessinée : frappante, dramatique, austère et engageante. Des chansons comme « The Tired Influencer », « Tarantula » et « Baby Queen » évoquent le psychédélisme carnavalesque des Flaming Lips.

« Skinny Ape « , une chanson qu’Albarn a lancée lors de la dernière apparition du groupe à San Francisco, commence par une délicate guitare acoustique avant d’être submergée par un groove synthétique. La dynamique musicale semble récapituler notre expérience de primates numériques, qui ne sont pas à leur place dans un monde où nos créations informatisées menacent de nous remplacer alors que nous passons de plus en plus de temps à dépenser des émotions réelles dans un monde virtuel.

Notre avis sur le nouvel album de Gorillaz Cracker Island en 2023 ? Plus que tout autre album que l’on a entendu récemment, Cracker Island capture notre sentiment actuel d’irréalité : cette impression que nos vies deviennent moins substantielles, comme si nous ne faisions que des rêves lucides devant une série d’écrans.

Sur « Possession Island », Albarn et Beck chantent :  » Where things they don’t exist/ And we’re all in this together ’til the end/ ‘Til the end « . C’est comme si la seule chose que nous ayons apprise de nos connexions câblées pendant le Covid était à quel point nous nous sentons profondément seuls, tous ensemble.

Place à notre avis sur le nouvel album de Godsmack, Ligtning Up The Sky. Si le huitième album de Godsmack est, comme le suggère le chanteur Sully Erna, le dernier du groupe, alors le quatuor de Boston a choisi une sacrée façon de partir. Bien que le groupe ne prenne pas sa retraite, Erna a déclaré qu’il quittait définitivement le studio pour faire plus de choses que les membres voulaient faire depuis longtemps, tandis que le groupe est satisfait des succès qu’il obtient déjà lors des concerts.

Bien que l’on puisse débattre du bien-fondé de cette décision, le groupe livre un chant du cygne puissant sur Lighting Up the Sky, si tant est qu’il s’agisse de la fin des nouveaux enregistrements.

Y a quoi sous le capot de Lighting Up the Sky le nouvel album de Godsmack en 2023 ?

En près de trois décennies, Godsmack a bâti sa réputation sur un son de base. À l’instar de leurs contemporains Disturbed ou Nickelback, les hard rockers ont prospéré grâce à des hymnes machistes à forte teneur en riffs. Si Lighting Up the Sky ne s’écarte pas radicalement de ce modèle, l’album le présente d’une manière différente. Pour commencer, le disque a un son beaucoup plus organique. Les guitares sont brutes et mordantes, la batterie puissante mais spacieuse et la basse réchauffe la section rythmique. On dirait que ce sont des musiciens qui jouent ensemble.

La plupart des morceaux du nouvel album de Godsmack dépassent les quatre ou cinq minutes, ce qui permet aux musiciens de déployer leurs muscles. Par exemple, le hard rock bluesy de l’ouverture « You and I » est construit autour d’un riff lourd, mais le guitariste Tony Rombola a tout le temps de livrer un solo lyrique et convaincant.

« Red, White, and Blue » est peut-être le morceau qui ressemble le plus à Godsmack sur le disque, construit sur la bravade américaine et l’esprit de combat.

D’un autre côté, le single « Surrender » s’envole, peut-être le meilleur titre du groupe depuis des années. Mélangeant une sensibilité rock classique avec une urgence nerveuse, Erna complète le tout avec une voix tranchante et agressive qui explose lorsque la chanson passe à son refrain mélodique qui fait sauter les poings. Le dynamique « What About Me » maintient le rythme, passant d’un murmure à un cri.

Le nouvel album de Godsmack Lighting Up the Sky est un album conceptuel en quelque sorte, qui documente un voyage à travers une variété de relations interpersonnelles, de l’amour à la perte en passant par la politique.

Bien que Godsmack soit connu pour sa lourdeur, les ballades du groupe sont tout aussi impressionnantes. La première de l’album arrive avec « Truth », une histoire de cœur brisé et de trahison menée au piano. Le refrain mélange des harmonies dignes d’Alice in Chains avec une forte dose de cordes et autres touches orchestrales.

« Hell’s Not Dead » parvient à faire la part des choses entre le son authentique de Godsmack et l’esthétique rock classique de l’album. Rombola brille à nouveau avec un solo bluesy foudroyant qui fait tout ce qu’il faut. « Soul On Fire » est un morceau punk/thrash avec une mélodie infectieuse. « Let’s Go ! » creuse encore plus profondément dans un son qui mélange le blues rock avec Black Sabbath.

L’hymne « Best Of Times » est une sorte de carte de remerciement aux fans et à tous ceux qui ont aidé le groupe au fil du temps. Enra remercie les fans pour leur patience et s’excuse pour son comportement au début, lorsqu’il n’était pas facile de travailler avec lui.

« Growing Old » est le moment le plus brillant d’Erna sur l’album. La chanson s’envole avec certaines de ses voix les plus convaincantes sur le disque. La chanson s’appuie sur le piano au début, mais elle se développe pour remplir un paysage sonore massif.

Godsmack termine ensuite avec une chanson-titre endiablée, Erna mêlant même des paroles de certains des anciens succès du groupe, comme « Stay Away » et « Voodoo », alors que l’album s’éteint.

Notre avis sur le nouvel album de Godsmack Lightning Up The Sky en 2023 ? S’agit-il du dernier nouvel album de Godsmack ? Seul le temps nous le dira, mais pour l’instant, il y a beaucoup de choses pour les fans qui gravitent autour de ce dernier (potentiellement) final.