Catégorie : Nouveauté

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Queens Of The Stone Age en 2023, In Times New Roman…. La musique du groupe de Joshua Homme, Queens of the Stone Age, s’articule souvent autour d’une combinaison d’intensité sonore très spécifique et de jeux de mots astucieux destinés à bousculer les auditeurs.

Bien que la formation ait changé et que le son du groupe ait évolué au fil des ans, la désorientation a toujours été une ligne directrice. Sur leur huitième album, In Times New Roman…, elle est montée de plusieurs crans, Homme traitant les dernières années d’une manière qui lui est propre.

Une grande partie de l’album, le premier du groupe depuis Villains en 2017, sonne comme quelqu’un qui essaie de travailler sur une crise de panique en cours alors que les murs se rapprochent et que la pièce se retourne sur le côté.

Y a quoi sous le capot de In Times New Roman… le nouvel album de Queens Of The Stone Age en 2023 ?

“Oh atrocious! ferocious!/ Check the price, alibi bye buy by the slice/ Absolutely!” Homme hurle en même temps que de lourds chuggs et des cordes de guitare sinueuses et glissées sur le single « Emotion Sickness ».

Tout au long de l’album, les riffs déchiquetés des guitares se découpent comme une scie à bosse, tandis que les paroles sont lourdes de jeux de mots et portent autant sur ce qui n’est pas dit que sur ce qui l’est. Ce n’est peut-être pas Shakespeare, mais si l’on lit les paroles sans la musique, on a l’impression qu’elles sont tirées d’un soliloque de Hamlet ou de MacBeth.

Ces chansons sont également enragées et crues ; l’album ressemble plus à Rated R de 2000 qu’à …Like Clockwork de 2013. L’ouverture de l’album  » Obscenery « ,  » Paper Machete « ,  » What the Peephole Say  » et la fin de l’album  » Straight Jacket Fitting  » dégoulinent de dégoût et de sarcasme, l’une d’entre elles citant le titre de l’album. Il n’y a pas vraiment de structure traditionnelle, mais c’est le genre de voix déséquilibrée que les fans attendent d’Homme au sein de Queens of the Stone Age.

Ses coéquipiers, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita, Michael Shuman et Jon Theodore, posent d’une chanson à l’autre des grooves humides et puissants sur des sections rythmiques déséquilibrées (le groupe a produit l’album lui-même).

Un son de guitare menaçant, un peu comme une corne de bateau, donne le coup d’envoi de « Carnavoyeur », avant que de brèves explosions d’orgue ne se joignent au chant de Homme : “Every living thing will die/ From the king of the jungle to butterfly/ The only sin is waiting too long.” Les lignes de guitare ascendantes et descendantes qui arrivent plus tard dans la chanson sonnent presque comme une sirène. Cette chanson midtempo est l’une des plus douces du nouvel album de Queens Of The Stone Age, In Times New Roman…

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Cat Stevens en 2023, King Of A Land. Cat Stevens, qui a marqué le paysage radiophonique des années 70 avec des succès comme « Peace Train », « Moonshadow », « Wild World » et « The First Cut is the Deepest », a vécu ce qui semble être plusieurs vies depuis la fin de cette époque. Il s’est converti à l’islam, a changé son nom en Yusuf Islam et s’est concentré pendant de nombreuses années moins sur la musique que sur des activités humanitaires et caritatives.

Toutes ces années plus tard, au cours desquelles il est revenu dans le monde de la musique pop, le Cat Stevens qui a produit l’énorme succès de 1970 Tea for the Tillerman se fait désormais appeler Yusuf / Cat Stevens. C’est une métaphore appropriée pour un homme qui, à 74 ans, a combiné ses diverses expériences sur King of a Land, avec 12 chansons qui n’incluent peut-être pas un ver d’oreille comme « Moonshadow », mais qui font preuve d’une variété stylistique considérable et qui, dans presque tous les cas, le font avec le don de la mélodie qui a contribué à faire des hits des années 70 de Stevens des succès incontournables.

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Prenez le single « Take the World Apart », une déclaration acoustique joyeuse et discrète sur l’objectif d’un homme réfléchi.

C’est simple mais engageant, rappelant l’esprit de ces tubes des années 70. Il en va de même pour « King of a Land », la chanson-titre, qui philosophe et, selon la manière dont on la lit, devient un peu politique : “If I ran the schools of this world/ I’d teach every boy and girl /I’d let them learn the truth.”

Comme c’est le cas pour l’ensemble de l’œuvre de Stevens au XXIe siècle, il montre son côté spirituel à plusieurs reprises sur King of a Land. Mais il ne s’agit pas d’un prêche, ni, dans la plupart des cas, d’une référence spécifique à l’islam. Encore une fois, la chanson-titre nous dit du nouvel album de Cat Stevens nous dit « If I had the stairs to the sky/ I’d raise my voice on high/ I’d want the world to hear your perfect words/ Thank you ».

Dans la même veine, il parle de ce que Dieu a fait pour lui sur « Pagan’s Run », qui a un son beaucoup plus dur et plus marqué par les guitares électriques, et qui ne ressemble guère à ces anciens tubes. « L’avarice était ma route », chante-t-il avant de reconnaître que c’est Dieu qui a rendu ses chemins droits. Stevens fait même un clin d’œil à Jésus sur « Son of Mary ».

Dans un sens, « How Good it Feels » est une sorte de pont entre les chansons acoustiques folkloriques du nouvel album de Cat Stevens, King of a Land, avec leurs paroles sur les joies de l’amour et les plaisirs simples de la vie, et la transition vers une orchestration de plus en plus forte. Ce son plus large atteint sa pleine puissance sur « Highness », qui commence par un chant choral et progresse vers une orchestration complète. Il s’agit d’une autre chanson sur la beauté de Dieu, qui semble en effet provenir des plus hautes sphères.

Les paroles de « Highness » – « We know our hearts, and our heads, too » – résument parfaitement le point de vue de Stevens en 2023. Il n’a pas peur de chanter les louanges de son Dieu, mais il est également prêt à s’exprimer sur les préoccupations du monde. Et presque toutes les chansons du nouvel album offrent au moins une écoute agréable, et souvent plus.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Christine and the Queens en 2023, PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE. l’auteur-compositeur-interprète français Christine and the Queens n’est pas du genre à se laisser enfermer dans une case. L’artiste choisit plutôt de s’exprimer par la théâtralité, l’authenticité et l’expression de soi. L’année dernière, Redcar les adorables étoiles, opératique et fantastique, s’est avéré être le prélude à PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE.

Ce nouvel album est plutôt une recherche intensive de l’âme. C’est une lettre d’amour à la fois à un amant et à l’artiste (née Héloïse Letissier) dans le sens d’une révélation. Il a l’air d’un réveil dans une ancienne cathédrale d’un autre monde. La flamboyance des années 80, thème et inspiration récurrents dans la musique de Christine and the Queens, est toujours présente ici, mais elle est présentée d’une manière radicalement différente de celle de l’album précédent.

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Reprenant le personnage de Chris (et non plus de Christine), la voix de Letissier est tantôt céleste et douce, tantôt robotique et obsédante. Mais ce qui transparaît, c’est l’émotion incandescente, ce qu’il sait faire en tant qu’artiste. Cette émotion est d’autant plus forte que l’album est souvent dépouillé, comme sur « Flowery Days ». Sur cette chanson, les seuls instruments qui accompagnent le chant sont un simple piano et des percussions. Il laisse le chant de Chris prendre le devant de la scène, en superposant parfois plusieurs pistes vocales.

Le premier single du nouvel album de Christine and the Queens, « To be honest », ne fait pas exception à la règle. Chris utilise sa vulnérabilité pour raconter une histoire sur la recherche de puissance dans les moments d’insécurité, et sur la facilité avec laquelle on peut se perdre lorsqu’on se sent petit.

La chanson passe sans transition à l’avant-dernière chanson « I feel like an angel », un retour glacial, joyeux et triomphant au son des années 80 qui a fait la réputation de Chris.

Madonna apparaît sur trois titres : « Angels crying in my bed », « I met an angel » et « Lick the light out ». Sa forte présence contrebalance admirablement l’énergie de Chris, et c’est un doux clin d’œil à la vidéo virale où ils dansaient tous les deux sur scène à Paris en 2015. En fait, certaines chansons de cet album évoquent Madonna de l’ère Ray-of-Light avec leur légèreté et leurs synthés légers. Bjork semble être une autre influence.

L’artiste du New Jersey 070 Shake apparaît également sur deux chansons, dont le single « True Love », où elle et Chris explorent comment aimer à travers la musique elle-même, aux côtés d’une bande-son profonde de Mike Dean, qui a coproduit l’album avec Letissier.

« Tears can be so soft », également un single du nouvel album de Christine and the Queens, est une chanson downtempo sensuelle et addictive dans le style des années 90. La ballade évoque le manque et le souvenir des choses passées et futures, ainsi que le pouvoir curatif des larmes : « Les larmes sont si douces/Quand on s’y plonge/Qu’on les laisse voguer ».

Le plus souvent, Christine and the Queens a abordé la question de l’identité de genre et de la sexualité dans sa musique. Sur PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE, on voit Chris utiliser le processus artistique comme un moyen d’explorer l’identité en tant que construction, et devenir plus que son moi physique, sauter dans l’eau et se débarrasser de tout ce qui était pour son bien personnel – et pour l’art, bien sûr.

Notre avis sur le nouvel album de Christine and the Queens, PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE ? Cet album (tout comme Redcar) s’inspire de la pièce « Angels in America » de Tony Kushner, qui met l’accent sur la perte et les troubles politiques et sanitaires liés à l’épidémie de sida. Tout comme la pièce, l’album est divisé en trois parties distinctes, chacune composée de sept chansons (à l’exception de la dernière partie, qui en compte six). C’est un chapitre brut et dépouillé de l’histoire de Christine and the Queens, qui nous donne une représentation de l’expérience humaine – l’expérience de Chris.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Janelle Monae en 2023, The Age of Pleasure. Le clip du single « Lipstick Lover » de Janelle Monáe commence par un plan de la jeune femme allongée sur le sol au bord d’une piscine, tandis que son amant, vêtu d’un collier de cotte de mailles en or, se penche sur elle pour l’embrasser avec précaution. Monáe a à peine le temps de glisser un regard sournois à la caméra – comme pour dire « vous connaissez la suite » – qu’elle est entraînée par les pieds dans une luxueuse fête au bord de la piscine, remplie de gens séduisants qui veulent tous avoir une part d’elle et de chacun d’entre eux.

Janelle Monáe est l’artiste hip-hop, soul et R&B d’Atlanta dont les pronoms préférés sont « free-ass mother-, and they/them, her/she » (mère libre) et « they/them, her/she » (elle/elle). C’est presque un euphémisme de dire qu’elle est une artiste bien établie dans son domaine, en partie parce qu’on a l’impression qu’elle est le domaine. Trop bizarre et intéressante pour être du R&B grand public, sa marque de mélange afro-futuriste fait même des incursions dans le domaine du rock.

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Mais The Age of Pleasure se distingue par son exhaustivité en tant qu’album. Les thèmes sont cohérents dans toutes les chansons et les transitions sont comparables à celles de Dark Side of the Moon de Pink Floyd. C’est un album très facile à laisser jouer du début à la fin.

Mais sur ce nouvel album de Janelle Monáe , le présent revient pour ce qui pourrait être son œuvre la plus importante à ce jour : une célébration du genre, de la sexualité, de l’identité queer et du polyamour. Cet album rejoint les rangs de Planet Her de Doja Cat, de Good News de Megan Thee Stallion et de Nightmare Vacation de Rico Nasty en tant que déclaration sur les artistes féminins ou représentant des femmes qui se réapproprient la narration autour de leur sexualité. Ce sont des albums importants dans un espace dominé par les hommes, souvent misogyne et homophobe comme le hip-hop.

Il commence par « Float », avec Seun Kuti et Egypt 80, sur lequel Monáe s’élance avec toute la vantardise hip-hop que l’on peut attendre du genre.

La première moitié de l’album est remplie de rythmes étroitement produits, rapides, inspirés du jazz et du funk, qui complètent délicieusement le rap et le triplet de Monáe. La chanson « Champagne Shit » se distingue par le fait qu’elle prend un riff de piano d’abord clairsemé et le développe en une chanson magnifiquement complexe, prête à faire la fête pour l’été.

La seconde moitié de l’album passe à la vitesse supérieure et met en avant les influences reggae de Monáe. L’acier des guitares jamaïcaines forme l’épine dorsale de chansons comme « Lipstick Lover », « Water Slide » et « Paid in Pleasure ». La chanson la plus intéressante du nouvel album de Janelle Monae est sans conteste « Only Eyes 42 », dont le refrain fait allusion à son expérience de la polyamorie. Il s’agit d’un sujet qui n’a jamais été abordé sur un album aussi médiatisé depuis quelques années.

Seules trois des quatorze chansons de l’album dépassent les trois minutes. Il n’y a pas de remplissage ou de gras – il n’y a que du bon. La seule chose qui n’est pas évidente, c’est la façon dont ces chansons sont divisées et placées les unes à côté des autres. Par exemple, les interludes « Ooh La La » et « The French 75 » fonctionneraient comme une seule chanson s’ils étaient intégrés à la même piste.

Cet ensemble d’hymnes queer et sexospécifiques est particulièrement remarquable à une époque où, ces derniers mois, plusieurs États ont approuvé ou envisagé des lois restreignant les libertés des personnes queer et trans, y compris les soins et les spectacles de travestis, pour affirmer leur identité sexuelle. The Age of Pleasure (L’âge du plaisir) est une description de sa vie actuelle – fière et sans complexe de ce qu’elle est.

Notre avis sur le nouvel album de Janelle Monae ? Hanif Abdurraqib, l’un des auteurs musicaux les plus prolifiques de ces dix dernières années, dit souvent qu’il ne suffit pas de penser à la sonorité et aux sensations d’une chanson ou d’un album, mais qu’il faut aussi penser à ce qu’une chanson signifie. Dans cette optique, The Age of Pleasure est l’album le plus significatif de Janelle Monáe à ce jour.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Sophie Ellis-Bextor en 2023, Hana. Après la plus longue pause entre deux albums de sa carrière, Sophie Ellis-Bextor revient avec son très attendu septième album, ‘HANA’. La suite de « Familia », sorti en 2016, réunit l’auteure-compositrice-interprète et son collaborateur Ed Harcourt, avec qui elle a travaillé pour la première fois sur son cinquième album, « Wanderlust » (2014), et qu’elle a sollicité pour l’aider à concevoir ce troisième projet ensemble.

Y a quoi sous le capot de Hana le nouvel album de Sophie Ellis-Bextor en 2023 ?

Pendant ce temps, Sophie est devenue une sensation sur Instagram avec sa série « Kitchen Disco », qui a débouché sur un album de grands succès, une tournée au Royaume-Uni et en Europe et une série de concerts dans les arènes avec Steps.

Après avoir revisité le passé, elle se tourne vers l’avenir sur son dernier album original – dont le titre se traduit par « fleur » ou « blossom » – pour un album qui englobe les thèmes de la réflexion et des nouveaux départs à travers 12 chansons originales qui font avancer le son de Sophie.

Se démarquant des projets précédents, le titre d’ouverture du nouvel album de Sophie Ellis-Bextor A Thousand Orchids est différent de tout ce qu’elle a fait auparavant, juxtaposant des synthés pulsés à un piano acoustique tandis que Sophie chante : « Vous ne trouverez pas de sorcières qui attendent ici / Pas de fantômes cachés dans l’obscurité / Cherchez les balises qui montrent le chemin ».

Ce morceau mid-tempo va crescendo avec des paroles qui parlent de laisser tomber le passé et de vivre le moment présent – un sujet présent sur tout l’album, notamment dans les singles Breaking The Circle et Lost In The Sunshine.

En tant qu’album, ‘HANA’ est unique par rapport au reste du catalogue de Sophie et bien qu’il y ait des moments pop évidents, elle résiste à la chasse aux hits et laisse la musique mener le jeu pour un son qui est à la fois charmant et enchanteur.

Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas d’échos de Sophie par le passé : Until The Wheels Fall Off est un hymne entraînant à l’amour « à travers tous les moments fous, à travers tous les bas et les hauts », les harmonies vocales superposées reflètent les synthés planants sur le bondissant Beyond The Universe, et la bombastique Reflections est un futur point fort du concert.

Pendant ce temps, Tokyo, le premier titre du nouvel album de Sophie Ellis-Bextor, offre un moment de répit qui constitue la pièce maîtresse de l’album, rassemblant ses thèmes et plaçant la voix pure de Sophie au centre de l’attention.

Plongez dans « HANA » en vous attendant à des classiques de la danse tels que Get Over You, Heartbreak (Make Me A Dancer) et Bittersweet à vos risques et périls ; 25 ans après la sortie de son premier album avec le public, Sophie fait table rase du passé et s’avance vers un avenir radieux – exactement ce que nous attendons de l’une des meilleures artistes de la pop britannique !

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Rancid en 2023, Tomorrow Never Comes. RANCID est une figure incontournable du punk rock depuis si longtemps (plus de trente ans en fait) que la sortie d’un nouvel album est toujours un événement. Depuis les débuts du groupe et du punk de la Bay Area avec leur premier album éponyme, jusqu’au succès de Let’s Go et à l’explosion de la stratosphère avec …And Out Come The Wolves, RANCID a toujours été un groupe important et les six albums qui ont suivi l’ont confirmé.

Maintenant qu’ils en sont à leur dixième album, les RANCID reviennent en force après une longue période d’absence avec Tomorrow Never Comes. Ils y présentent fièrement seize titres de pur chaos punk rock, dans leur propre style inimitable, empreint de passion et délivré directement du cœur. En vrai RANCID et en vrai punk, les chansons de Tomorrow Never Comes durent toutes moins de trois minutes et sont des chocs courts et tranchants de pur punk rock énergique, le type de punk que le groupe a toujours fait et qu’il fait si bien.

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Avec la chanson-titre du nouvel album de Rancids, un punk rock teinté de hardcore, qui démarre les débats en fanfare, RANCID ne se relâche jamais jusqu’aux dernières notes de When The Smoke Clears, qui clôt l’album.

Du stomp à la POGUES de Devil In Disguise et du rauque New American à l’hymne Live Forever, au triomphant Prisoners Song et à la folie punk ultra entraînante d’Eddie The Butcher (avec une intro de basse incroyable), c’est du RANCID de première qualité, avec l’accroche et la pureté des chansons en tête de pile, et vous savez que ces chansons seront excellentes lorsqu’elles seront jouées en live lors des prochaines tournées du groupe.

Tim Armstrong et Lars Fredriksen sont toujours aussi bons au chant et à la guitare, et prouvent une fois de plus qu’ils sont d’excellents auteurs-compositeurs avec leurs paroles pleines d’esprit et leur capacité à raconter des histoires.

Si l’on ajoute à cela la section rythmique du bassiste Matt Freeman (dont les lignes de basse soutiennent constamment les chansons du nouvel album de Rancid Tomorrow Never Comes et prouvent exactement pourquoi il est probablement le bassiste le plus sous-estimé au monde) et le batteur Branden Steineckert en pleine forme, on obtient le genre d’album totalement joyeux que vous avez appris à aimer de RANCID.

Avec une production impeccable, une fois de plus assurée par Brett Gurewitz, l’homme de BAD RELIGION/Epitaph Records et allié de longue date, le groupe sonne grand, audacieux et bashy avec cet album et, pour reprendre le titre d’un précédent album de RANCID, le groupe sonne toujours Indestructible. Le nouvel album de Rancid Tomorrow Never Comes est un album rempli d’énergie et d’hymnes punk rock enflammés qui ont fait la réputation de RANCID. Du début à la fin, c’est une célébration ininterrompue de tout ce qui les rend si géniaux.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Noel Gallagher ’s High Flying Birds en 2023, Council Skies. Renouant avec ses racines indie-rock ‘n’ roll, ‘Council Skies’ est le premier album complet de l’auteur-compositeur en six ans. Nommé d’après le livre de l’illustrateur Pete McKee, Council Skies est le quatrième album studio très attendu de Noel et son premier album complet depuis 2017, Who Built the Moon ?

Noel a retrouvé Paul Stacey, un collaborateur de longue date des frères Gallagher, qui a joué de la basse sur une sélection de titres de l’album d’Oasis « Standing On The Shoulder Of Giants » en 2000 et a également joué le rôle d’ingénieur du son sur l’album susmentionné.

Élévateur et transformateur, Noel n’hésite pas à défier et à repousser les limites de son approche sonore, comme en témoignent ses précédents EP. Avec « Council Skies », Noel se souvient des rêves qu’il a eus en grandissant sous les « cieux municipaux ». Il y a un vrai sens du contraste – Noel a un pied dans le passé, mais aussi un pied dans l’avenir. C’est à la fois exaltant et mélancolique. Si l’album est entièrement tourné vers la réflexion, il ne s’agit certainement pas d’un voyage nostalgique.

Y a quoi sous le capot de Council Skies le nouvel album de Noel Gallagher ’s High Flying Birds en 2023 ?

Noel a longtemps exprimé son admiration pour The Cure et des clins d’œil ont été faits sur ‘Who Built The Moon’ et l’enivrant ‘Pretty Boy’ qui, avec son énergie post-punk agitée, a attiré des comparaisons avec ‘A Forest’ du magnifique ‘Seventeen Seconds’. Avec sa mélodie mystérieuse et hypnotique et ses guitares néo-psych étincelantes, à la fois raffinées et grinçantes, le single est l’un des titres les plus marquants de l’album. Avec une ligne de basse énigmatique qui conduit le morceau couplée à un rythme presque Krautrock, il comporte également un travail de guitare de l’ami de Noel et collaborateur de longue date, Johnny Marr.

Avec des références au ciel nocturne « Beneath the starry sky / Of a distant moon / At the magic moment / That’s gonna come too soon », l’urgence du phrasé des paroles est rehaussée par le jeu de guitare épique de Marr et les progressions d’accords sombres et inquiétantes. Robert Smith fait même une apparition dans un remix de « Pretty Boy » sur l’édition limitée de luxe de l’album. Non seulement il a remixé le morceau, mais il joue également de la guitare aux côtés de Gallagher et Marr, ajoutant des solos de guitare assez épiques ainsi qu’une sérieuse réverbération qui a donné au morceau remixé une véritable ambiance spatiale.

Le thème céleste se poursuit avec le morceau éponyme « Council Skies » : « Catch a falling star and we / Might drink to better days / Hiding what we find behind the sun / Thinking of what might have been… »

« Council Skies », avec son rythme ensoleillé de Mariachi, est profondément personnel et nous donne un aperçu plus approfondi des années les plus formatrices de Noel. Ce magnifique morceau du nouvel album de Noel Gallagher à l’instrumentation superposée est nostalgique et évocateur, superbement rehaussé par les superbes cordes qui ont été enregistrées aux célèbres studios Abbey Road. Noel Gallagher se réapproprie son passé et rend hommage à ses racines, tout en démontrant que le pouvoir de la musique est un atout.

Les cordes rêveuses font également leur apparition sur  » Dead To The World « , qui est presque cinématographique et chargé d’émotion. Tendre, sincère, avec de vraies vibrations noires, ce morceau sonne comme quelque chose que l’on pourrait trouver sur une future bande originale de James Bond. « Dead To The World  » présente également des structures d’accords complexes et dynamiques, renforcées par le caractère poignant des paroles.

Ce titre ainsi que « Trying To Find A World That’s Been And Gone  » portent la marque des ballades classiques de Gallagher, cette dernière étant une quintessence du solo de Noel, pleine d’émotion. Bien qu’il y ait des clins d’œil à son premier son, ce morceau a une approche encore plus sophistiquée et raffinée qui démontre son sublime talent de musicien.

Le psychédélique ‘Easy Now’ est émouvant et compatissant et avec son accroche emphatique et provocante, ce morceau séduisant agit presque comme un livre de recettes sur la façon de naviguer dans la vie quand les temps sont durs. Noel change les choses avec le morceau d’ouverture « I’m Not Giving Up Tonight » qui a de vraies vibrations ambiantes de style Ibiza avec une bonne dose de Northern Soul et un peu de gospel édifiant dans le mélange aussi.

There She Blows, avec ses guitares à la George Harrison, est un autre point fort, tout comme Love Is A Rich Man, dont l’intro à la batterie éblouissante rend hommage aux premières secondes de I Am The Resurrection des Stone Roses. Les sonorités du saxophone et le riff entraînant contribuent à en faire un véritable standard de Gallagher. Tandis que « We’re Gonna Get There In The End » est une conclusion euphorique de l’album, qui est le disque solo le plus varié, le plus accompli et le plus captivant de Noel à ce jour.

Notre avis sur le nouvel album de Noel Gallagher, Council Skies ? Noel Gallagher affirme avoir écrit trois albums de chansons et, d’après ce que nous entendons sur « Council Skies », les prochaines années vont être très excitantes pour les fans. Sûr de lui, révélateur, bien équilibré et émotionnellement profond, « Council Skies » confirme sa réputation de l’un des meilleurs auteurs-compositeurs que le Royaume-Uni ait jamais produit. Cette collection de chansons est l’une de ses meilleures réalisations après Oasis, et c’est l’album que Noel et ses High Flying Birds avaient envie de faire.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album des Foo Fighters en 2023, But Here We Are. Le monde a été bouleversé l’année dernière par le décès du batteur des Foo Fighters, Taylor Hawkins, lors d’une tournée au Brésil en mars. Une semaine à peine après avoir enchanté les fans australiens lors de leur unique concert à Victoria, la communauté musicale a été endeuillée, tandis que le groupe lui-même a dû recoller les morceaux.

Personne ne sait ce que Dave Grohl, la force créatrice du groupe, a traversé, mais un an plus tard, le nouvel album des Foo Fighters But Here We Are, qui sort vendredi, en est la meilleure indication. Au cours d’une année où Dave a également perdu sa mère Virginia en juillet, on peut s’attendre à un album des Foo Fighters plutôt introspectif et émotionnel.

Y a quoi sous le capot de But Here We Are le nouvel album des Foo Fighters en 2023 ?

L’album s’ouvre sur le premier single Rescued, qui est un banger radio traditionnel des Foo Fighters. Les notes d’écoute suggèrent que l’album fait référence, sur le plan sonore, aux premiers albums des Foo Fighters, comme le premier album éponyme. Loin d’être aussi intense que ce premier album, Rescued possède néanmoins des caractéristiques qui satisferont les fans de titres comme Monkey Wrench et My Hero de The Color and the Shape.

L’album se poursuit avec le titre Under You, aux riffs lourds, qui a également été dévoilé au monde entier et dont l’ambiance est similaire à celle des radios. Les paroles sont simples, voire enjouées, mais prennent un ton légèrement plus sombre lorsqu’elles sont prises dans le contexte des pertes de Dave, mais elles satisferont tous ceux qui se languissent des bangers commerciaux de There Is Nothing Left To Lose.

Le troisième titre, Hear Voices, prend une direction légèrement différente avec des choix mélodiques intéressants, mais l’écriture commerciale de Dave continue de régner en maître. La chanson se termine par un solo de Dave à la guitare et marque une pause intéressante dans l’album. C’est comme s’il signalait que le quotient de succès n’avait plus lieu d’être et que le reste de l’album était pour lui.

Ensuite, le titre But Here We Are est celui d’un homme qui essaie de faire face à la perte qu’il a subie. Que ce soit pour Taylor ou pour Virginia n’a pas d’importance. Les paroles sont presque confuses, car on l’entend lutter contre la colère et la tristesse tout en essayant d’aller de l’avant. D’une manière ou d’une autre, tout cela est enveloppé dans une chanson qui réussit à sonner comme un banger de stade, avec le genre de riffs auxquels nous sommes habitués dans un tube des Foo Fighters.

But Here We Are, le nouvel opus des Foos est l’un des meilleurs de 2023.

On poursuit la découverte du nouvel album des Foo Fighters avec The Glass, qui parle de l’attente de la fin de la tempête, alors qu’il fait face aux relations qu’il a perdues. C’est une chanson pop simple qui ne va pas trop en profondeur, mais une fois de plus, la simplicité des paroles dément les sentiments qui se cachent derrière le sentiment de base. Nothing At All suit comme un sentiment plus complexe, mais encore une fois enveloppé dans une chanson pop.

Show Me How est un autre titre qui a été diffusé avant la sortie de l’album, présenté en duo avec Violet, la fille de Grohl. Il s’agit d’un morceau dream pop pétillant qui rappelle la période In Your Honour du groupe. Que ce soit délibéré ou par accident, l’album emmène les fans dans un voyage à travers l’histoire du groupe, offrant des chansons qui pourraient toutes s’inscrire dans différentes époques de l’histoire des Foo Fighters, et celle-ci est un ajout bienvenu.

Si le nouvel album des Foo Fighters But Here We Are devait être divisé en trois actes, ce serait la fin de la partie centrale. C’est ici que nous disons au revoir aux bangers pop rock qui parlent à la douleur de Dave et que nous entrons dans la section finale où son cœur est bel et bien laissé sur sa manche. Prenez les mouchoirs.

À partir de maintenant, les paroles ne sont plus ambiguës : elles parlent peut-être d’une petite amie, mais est-ce vraiment à propos de sa relation avec Taylor ? Pour le reste de l’album, nous parlons directement de la perte. Beyond Me sonne comme une ode à sa mère, où il réconcilie l’inévitabilité du vieillissement avec l’injustice de perdre quelqu’un qui compte tant. Le morceau est presque Britpop dans son approche (une touche de Champagne Supernova peut-être ?) et s’appuie une fois de plus sur des paroles simples pour faire passer le message.

La dixième piste du nouvel album des Foo Fighters But Here We Are est un moment épique de dix minutes où Grohl semble essayer d’accepter sa perte de façon épique. « Dépêchez-vous maintenant, le temps n’attendra pas / Ici et maintenant nous nous séparerons / Il y a des choses que vous ne pouvez pas choisir / L’âme et l’esprit se déplacent à travers ». Les paroles sont prononcées comme un train de marchandises descendant à toute allure sur une voie ferrée. « Hey kid, What’s the plan for tomorrow / Where will I wake up ». Les paroles répétées de « Who’s At The Door Now » sont presque inquiétantes alors que la chanson peint une image d’inévitabilité.

L’épopée émotionnelle se développe jusqu’à un bilan sonore, la seconde moitié de la chanson traitant de la perte. Tu m’as montré comment respirer, maintenant tu me montres comment dire au revoir. Ces paroles ont sans doute été douloureuses à écrire et elles sont effectivement difficiles à écouter. La simplicité lyrique de Grohl, qui aurait pu paraître banale, est l’arme qui frappe le plus fort. Compter chaque minute de vie, souffle après souffle, est une phrase assez évidente, mais elle est utilisée ici avec une efficacité dévastatrice.

Les trente dernières secondes de la chanson se contentent de répéter « Goodbye » en boucle jusqu’à ce que le morceau soit envahi par des bruits parasites. Ces dix minutes sont la meilleure façon pour Grohl de décrire la dernière année de sa vie. C’est chaotique, douloureux, colérique, mais en fin de compte musical. La musique l’a amené à cette étape et la musique l’amènera à la suivante.

Enfin, l’album se termine par Rest. Moment cathartique, cette épopée de cinq minutes laisse tomber l’angoisse des dix chansons précédentes et fait l’effet d’une respiration calme dans un album qui a passé la majeure partie de son temps à la retenir. C’est une envolée, c’est glorieux et c’est emblématique du lâcher-prise. La confusion a disparu et à sa place, c’est une chanson assurée et calme. C’est la chanson qui soulève le poids inévitable que le reste de l’album a accumulé pour le faire tomber de l’ombre.

Notre avis sur le nouvel album des Foo Fighters, But Here We Are ? Si vous vous retrouvez en larmes pendant les quinze dernières minutes épiques de cet album, vous ne serez pas le seul. C’est une montagne russe d’émotions qui atteint l’équilibre parfait entre l’écriture d’un journal intime douloureux et un album de rock de stade. Dave Grohl et ses coéquipiers ont quelque chose à dire, mais pas au détriment de la promesse d’un album des Foo Fighters. L’un des meilleurs albums de 2023.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Avenged Sevenfold en 2023, Life Is But A Dream… Le groupe de métal de Californie du Sud AVENGED SEVENFOLD a évolué au fil des ans, et cette progression est amplifiée sur leur dernier album, « Life Is But A Dream… » Le groupe est sorti du lot avec « Sounding the Seventh Trumpet » en 2001 et « Waking the Fallen » en 2003, qui l’ont consacré comme un des premiers titans du metalcore, mais il a ensuite évolué vers un heavy metal plus direct et un hard rock classique avec « City of Evil » en 2005 et son album éponyme en 2007.

Les deux albums suivants d’AVENGED SEVENFOLD, « Nightmare » en 2010 et « Hail to the King » en 2013, les ont fait passer du statut de groupe underground à celui de groupe vénéré, grâce à des singles qui se sont hissés au sommet des hit-parades comme « Hail to the King », « Nightmare » et « Welcome to the Family ». Puis, AVENGED SEVENFOLD a encore changé de son avec la sortie surprise de 2016,  » The Stage « , qui a introduit une touche de prog dans leur son heavy metal à base de viande et de pommes de terre.

Y a quoi sous le capot de Life Is But A Dream… le nouvel album de Avenged Sevenfold en 2023 ?

Aujourd’hui, avec « Life Is But A Dream… « , le groupe s’est à nouveau métamorphosé. le groupe s’est à nouveau transformé. Cette fois, ils ont sorti une collection de chansons qui rassemblent tellement de sons différents que c’en est presque écrasant, du jazz au grunge en passant par l’électronique et le psychédélisme. Peut-être que les comparaisons avec Metallica vont enfin s’arrêter avec cet album ?

« Life Is But A Dream… » démarre comme un album de métal traditionnel, sans laisser entrevoir la surprise qui nous attend. « Game Over » commence par un passage de guitare classique et se transforme en un morceau classique d’AVENGED SEVENFOLD, avec le chant agressif de M. Shadows et les riffs acérés de Synyster Gates.

Le morceau suivant du nouvel album de Avenged Sevenfold est  » Mattel « , du nom de la société de poupées Barbie. Il se passe beaucoup de choses dans ce joyau, des murs de guitares épais aux synthés grinçants. Shadows y chante un monde artificiel avec un chant dramatique à la Freddie Mercury. « We Love You » est une chanson chaotique, tourbillonnante et psychédélique qui met la batterie au premier plan et ouvre la voie à la voix croustillante de Shadows, semblable à celle d’un monstre de biscuits.

« Beautiful Morning » est un morceau grunge, avec des harmonies dissonantes, qui pourrait figurer sur un album d’ALICE IN CHAINS. Si  » Beautiful Morning  » n’est pas assez dérangeant, passez à  » (D)eath  » pour un véritable choc. C’est une chanson de jazz à part entière, où les Shadows canalisent Frank Sinatra et Tony Bennett sur des instrumentaux jazzy et glissants. À l’origine, Gates a écrit cette chanson pour sa femme, ce qui est très romantique.

Quant à « G », il s’agit d’une chanson prog rock avec les chœurs de Taura Stinson et Brianna Mazzola, tandis que « (O)rdinary » sonne comme une chanson alt-pop à bulles. Dans cette dernière, la voix de Shadows est presque méconnaissable grâce à l’auto-tuning et aux effets. Le titre de l’album est une magnifique ballade instrumentale au piano, totalement différente de tout ce qu’AVENGED a pu mettre sur un album.

Notre avis sur le nouvel album de Avenged Sevenfold ? Si  » Life Is But A Dream…  » est un exemple triomphant du talent des membres d’AVENGED SEVENFOLD, c’est aussi un casse-tête. De nombreux groupes s’essayent à différents styles de musique et intègrent de nouvelles voix à leur son, mais cet album est à cent lieues de ce que beaucoup considèrent comme AVENGED SEVENFOLD.

C’est un album conquérant, mais l’avenir nous dira s’il est à la hauteur du reste du célèbre catalogue du groupe. Quoi qu’il en soit, il y a quelque chose à respecter chez un groupe qui adhère manifestement à sa vision singulière, sans influences extérieures, même si cela implique de dérouter certains fans en cours de route.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Ben Harper en 2023, Wide Open Light. Et pourquoi pas ? Du mainstream au blues du Mississippi, il a apparemment tout joué avec tout le monde, d’un ancien Beatle à Charlie Musselwhite, Harry Styles et sa propre mère. Depuis des décennies, Ben Harper est adulé par les musiciens roots, les étudiants et les vieux bluesmen orthodoxes et ridés. Et il écrit toujours de la musique fraîche et parvient à offrir quelques légères surprises.

Il n’y a rien que le triple lauréat du Grammy ne puisse faire musicalement. Alors pourquoi son nouvel album, essentiellement solo et introspectif, Wide Open Light, ne serait-il pas un ensemble merveilleux qui touche toutes les bonnes notes à une époque où l’introspection se fait rare ?

Y a quoi sous le capot de Wide Open Light le nouvel album de Ben Harper en 2023 ?

Si vous attendez que quelqu’un vous surprenne, vous n’avez qu’à attendre. Car avec son approche minimaliste et sa production dépouillée, le nouvel album de Ben Harper Wide Open Light (qui fait suite à Bloodline Maintenance de l’année dernière) est un disque merveilleux.

Harper se fait le chantre de Cat Stevens et de Paul Simon, s’épanchant tout en mêlant sa voix à beaucoup de guitare slide, de piano et d’arrangements sincères. C’est une musique brute et mélancolique qui évoque parfois des souvenirs de feux de camp et de nuages s’écartant au-dessus de collines verdoyantes. C’est un homme qui a connu l’amour, l’a quitté et l’a retrouvé, et il a des réflexions et de la sagesse à partager.

Ce n’est pas un disque révolutionnaire, et il ne figurera peut-être pas dans la liste des dix meilleurs albums de quelqu’un. Mais c’est le genre de qualité que les fans attendent d’un nouvel album de Ben Harper, qui est à peu près aussi versé dans l’Americana moderne et la musique roots qu’on peut l’être au cours de ce siècle. C’est le genre d’album que les amateurs de musique roots américaine écouteront à plusieurs reprises. Certains pourraient même le mettre au moment où leurs amis arrivent, pour les impressionner. C’est charmant et déchirant, suffisamment vague et familier pour que tout le monde puisse s’y retrouver.

Ce n’est pas l’album d’un seul type de mélomane, mais plutôt celui de tout le monde lorsqu’ils sont d’humeur à dire à quelqu’un ce qu’ils ressentent, à se souvenir d’eux, à faire face à leurs émotions et à se laisser émouvoir.

Après la guitare acoustique de « Heart and Crown », qui donne le ton instrumental, « Giving Ghosts » montre un peu de soul en direct, avec une guitare à coulisse et un joli crochet à l’intérieur.

La chanson « Masterpiece », dans laquelle Ben Harper chante l’amour de quelqu’un pour ce qu’il est « et pour ce qu’il ne sera peut-être jamais », s’inspire du picking et de la chaleur de Cat Stevens. C’est une histoire d’amour douce et assez magnifique qui ne tombe pas dans le larmoyant.

Il en va de même pour « 8 Minutes », avec un ton folk du début des années 70 qui, s’il n’est peut-être pas excitant pour les oreilles, est tout de même assez plaisant.

« Yard Sale » est le premier single du nouvel album de Ben Harper, avec de jolies harmonies de Jack Johnson racontant pourquoi traverser une rupture (ou chercher l’amour par la suite) est comme un vide-grenier, une comparaison que je n’avais jamais entendue mais qui fonctionne sans aucun doute.

La ballade au piano « Trying Not to Fall in Love with You » est le premier virage à gauche de l’album, avec une pop et une personnalité que l’on pourrait facilement imaginer comme une chanson centrale d’un spectacle de Broadway.

Le titre « Wide Open Light » montre une grande profondeur et une réelle émotion. Elle n’est pas sans rappeler une chanson que Paul Simon aurait pu écrire à la fin des années 60. « One More Change » fait un peu de surplace avant la bien meilleure « Growing Growing Gone », qui est aussi dépouillée et racontable que n’importe quelle autre chanson de l’album, et qui a une accroche surprenante qui n’est peut-être pas voulue, mais qui fonctionne bien. Comme sur la chanson suivante, « Love After Love ».

Le dernier morceau du nouvel album de Ben Harper Wide Open Light, « Thank You Par Brayer », est un instrumental magnifique qui passe d’un son dérivant, presque choral, à des images de nuages s’écartant au-dessus des collines alors qu’une brise lente fait passer l’herbe par différentes teintes de vert. C’est une belle conclusion pour un grand disque lunatique.