Catégorie : Rock

Découvrons maintenant notre classement des meilleurs albums des Beatles. Il est difficile d’exprimer avec des mots à quel point la figure des Beatles est imposante dans la musique populaire. Largement cités comme l’un des pères de la musique moderne, les Beatles ont produit un nombre impressionnant de disques au cours de la période relativement courte qu’ils ont passée ensemble, et ils sont à juste titre vénérés par tous. Pour dire les choses simplement, il n’y a pas beaucoup de musiciens sérieux qui contestent l’impact des Fab Four sur la musique dans son ensemble.

Cependant, comme dans tous les domaines de la vie, il convient d’établir un spectre de qualité pour leur discographie. Cela signifie que, malgré les protestations du contraire, il existe un « pire » album des Beatles et un « meilleur » album des Beatles. Nous vous proposons de revenir sur les albums studio du groupe et de les classer par ordre de qualité. Cela devrait permettre à tout fan des Beatles qui ne l’est pas de se familiariser avec le plus grand groupe que le monde ait jamais connu. Découvrez le meilleur de la discographie des Beatles.

Notre classement des meilleurs albums des Beatles

13 – Yellow Submarine

Oui, vous vous y attendiez tous et vous n’aviez pas tort : on place Yellow Submarine en bas de notre classement des meilleurs albums des Beatles. La bande originale des Beatles pour leur film Yellow Submarine est aussi enfantine et idiote que le film d’animation. Le groupe n’a pas prêté sa voix au film et la partition manque également d’engagement.

Ce n’est pas seulement parce qu’il s’agissait d’une bande originale de film que les Fab Four n’ont pas participé à l’album, ils ont fait du bon travail avec d’autres, mais à part les quelques nouvelles chansons qui feront le bonheur des fans purs et durs, l’album manque de punch et de direction. Si vous deviez désigner le « pire » album des Beatles, c’est certainement celui-là.

12 – Beatles For Sale

Beatles For Sale est entré dans l’histoire comme l’un des albums les moins appréciés des Beatles. Voila pourquoi on le trouve à cette 12^ème place dans notre liste des meilleurs albums des Beatles. Cela ne veut pas dire qu’il ne contient pas de grandes chansons, comme « I’m A Loser » et « Eight Days A Week », mais l’album montre le groupe en pleine transition.

On y trouve également John Lennon, qui donne pour la première fois son avis sur un disque : « That’s me completely » (c’est tout à fait moi). Y compris le coup de guitare avec le premier feedback jamais enregistré. Je défie quiconque de trouver un disque… à moins qu’il ne s’agisse d’un vieux disque de blues datant de 1922… qui utilise le feedback de cette manière. Je le revendique donc pour les Beatles. Avant Hendrix, avant les Who, avant tout le monde. Le premier feedback sur disque ».

Coincé entre le faste de leurs tubes et la nouvelle direction artistique qu’ils se donnaient, l’album passe entre les mailles du filet et n’est pas à la hauteur du reste de leur production. Un raté dans la discographie des Beatles.

11 – Magical Mystery Tour

On remonte notre classement des meilleurs albums des Beatles avec Magical Mystery Tour. Cet album n’est pas vraiment un grand classique des Beatles. Sorti uniquement en tant que EP au Royaume-Uni, il témoigne du peu d’engagement du groupe à l’égard de l’enregistrement. Cela dit, comme tous les albums des Beatles, il contient quelques classiques.

Le disque a permis aux Beatles de poursuivre leur virage psychédélique et « Blue Jay Way » et « I Am The Walrus » ont composé ce point sur Magical Mystery Tour. Ajoutez à cela le fait que l’album contient également « Strawberry Fields Forever » et vous avez un candidat sérieux pour figurer plus haut dans la liste.

Mais alors que les chansons individuelles de l’album peuvent être aimées et vénérées, il y a un fort sentiment que le LP a été bricolé, ce qui, comparé au reste de leurs sorties avec une composition si forte, semble peu enthousiaste.

10 – Help! – l’un des albums les plus connus de la discographie des Beatles.

Contenant l’une des chansons préférées de John Lennon, le titre de l’album, Help ! le LP est un grand succès. Outre cette chanson, il contient également des titres comme « You’ve Got To Hide Your Love Away » et le classique « Yesterday » (par coïncidence, l’une des chansons les plus détestées de Lennon).

L’album a marqué un grand changement dans les processus d’enregistrement du groupe : « Si vous écoutez nos premiers disques et les derniers – même si nous n’en avons pas fait beaucoup – il y a beaucoup de différences. Même la technique d’enregistrement. Si vous l’améliorez légèrement, votre son change, en gros ».

Help ! est arrivé à un moment important pour le groupe et a une fois de plus mis en évidence son désir d’aller de l’avant sur le plan créatif, tout en conservant les compétences qu’il avait acquises pour figurer dans les hit-parades. Malheureusement, en bas de notre liste des meilleurs albums des Beatles.

9 – With The Beatles

Si vous voulez savoir pourquoi les Beatles sont devenus des sensations mondiales, vous n’avez qu’à regarder l’album With The Beatles, sorti en 1963. L’album contient certains des premiers grands succès du groupe, notamment « All My Loving », « Please Mr. Postman » et la première incursion de George Harrison dans l’écriture de chansons, « Don’t Bother Me ».

L’album comporte également quelques reprises classiques, comme il est d’usage pour les groupes des sixties de l’époque. Ils ont ainsi rendu hommage à Chuck Berry avec leur reprise de « Roll Over Beethoven » et à Smokey Robinson avec « You Really Got A Hold On Me ».

En 2020, il est difficile de ne pas considérer cet album avec une forte dose de nostalgie. Il est plein du charme et du charisme qui ont fait des Beatles l’un des plus grands groupes de l’époque et ont déclenché la Beatlemania. Un album important dans la discographie des Beatles.

8 – Let It Be

Sans doute l’un des albums les plus controversés de tous les temps, plus de 50 ans se sont écoulés depuis la sortie du dernier album studio des Beatles, Let It Be. Sorti un mois après la séparation officielle du groupe, Lennon ayant quitté le groupe depuis un certain temps, l’album divise les critiques lors de sa sortie.

Let It Be sera toujours plus connu pour être le dernier album du groupe le plus célèbre du monde que pour les chansons qu’il contient. Cependant, négliger ce disque comme les braises d’un feu autrefois rugissant est une grave erreur.

Le disque contient plusieurs chansons dignes du panthéon ultime des Beatles, dont le rocker « Get Back », « I, Me, Mine », « Across the Universe » et, bien sûr, la chanson titre « Let It Be ». Cela signifie que cet album devrait certainement être considéré comme l’un de leurs meilleurs des Beatles.

7 – Please, Please Me

Les Beatles ont enregistré leur premier album en seulement 13 heures, mais ce rythme effréné n’a pas diminué l’impact de l’album. À bien des égards, il a redéfini le rock ‘n’ roll et l’a défini comme la nouvelle musique populaire.

Le groupe fait preuve d’une énergie effervescente comme aucun autre groupe ne l’avait fait auparavant et livre une série de chansons sensationnelles comprenant à la fois des compositions originales comme « I Saw Her Standing There » et des reprises redoutables comme « Twist and Shout ». C’est l’album qui a fait naître des millions de fans et qui a déclenché la Beatlemania.

En 1976, Lennon s’est souvenu de cet album : « Ce disque essayait de nous capturer en direct, et c’était la chose la plus proche de ce à quoi nous aurions pu ressembler pour les publics de Hambourg et de Liverpool. On ne retrouve pas l’atmosphère de la foule qui bat la mesure avec nous, mais c’est ce qui se rapproche le plus de ce à quoi nous ressemblions avant de devenir les Beatles « intelligents » ». L’un des meilleurs albums des Beatles.

6 – A Hard Day’s Night

On remonte notre liste des meilleurs opus de la discographie des Beatles avec A Hard Day’s Night. C’est la Beatlemania à l’état pur. L’album comprend des compositions originales poussées par la chanson titre, incroyablement accrocheuse. Sorti en 1964, c’est peut-être l’ultime distillation des Fab Four dans leur gloire pop, avant qu’ils ne se tournent vers l’art.

Cela ne veut pas dire que les chansons de la bande originale du film ne sont pas composées de manière experte, elles le sont certainement. L’album regorge d’immenses chansons telles que « Can’t Buy Me Love », « Tell Me Why » et « If I Fell », et il exploite pour la première fois le partenariat d’écriture de Lennon et McCartney dans toute sa force.

Comme McCartney l’a révélé à la presse à l’époque, « Parfois, il (John) écrit lui-même une chanson entière, ou je le fais, mais nous disons toujours que nous l’avons écrite tous les deux. Parfois, le texte vient en premier, parfois la mélodie – parfois les deux ensemble. Parfois, il fait une ligne, parfois je fais une ligne. C’est très varié.« 

5 – Rubber Soul – l’un des meilleurs albums des Beatles

Place maintenant au top 5 des meilleurs albums des Beatles. Rencontrer Bob Dylan est un événement pour tout le monde, et les Beatles étaient dans le même cas. Après avoir rencontré le troubadour free-wheelin’, les Fab Four ont été inspirés à poursuivre l’écriture de chansons comme un art plus raffiné qu’ils ne l’avaient jamais fait auparavant.

Désormais, au lieu de faire des chansons pour atteindre le sommet des hit-parades, ils voulaient faire de la musique pour s’exprimer et ils ont répondu en mettant leur propre vie dans la musique. Ce fut un moment qui allait changer le groupe pour toujours. Avec des titres comme « Norwegian Wood » et « Nowhere Man », l’album est considéré comme un moment de rupture et se trouve être le préféré de George Harrison.

« Rubber Soul était mon album préféré », a-t-il révélé un jour. « Même à l’époque, je pense que c’est le meilleur que nous ayons fait », a-t-il ajouté lorsqu’il s’est penché sur ce disque emblématique dans les années 90. « Le plus important, c’est que nous entendions soudain des sons que nous ne pouvions pas entendre auparavant. De plus, nous étions davantage influencés par la musique des autres et tout s’épanouissait à cette époque, y compris nous. »

4 – White Album

« Ce que nous essayons de faire, c’est du rock ‘n roll, ‘avec moins de philosophie’, c’est ce que nous nous disons. Et de continuer à faire du rock, parce que nous sommes vraiment des rockers », a déclaré John Lennon en 1968 lors de l’enregistrement de l’Album blanc, un double album gigantesque qui peut certainement être considéré comme tel.

À travers une myriade de titres, le groupe est revenu de l’œuvre conceptuelle de Sgt. Pepper pour revenir à ses racines. L’album a également permis à chaque membre du groupe d’ajouter ses propres chansons, ce qui signifie que George Harrison a eu l’occasion de briller.

Cela signifie que l’album est rempli de grands titres des Beatles tels que « Back in the U.S.S.R. », « Savoy Truffle », « Dear Prudence » et d’innombrables autres chefs-d’œuvre. À travers une pléthore de chansons, les Beatles ont une fois de plus prouvé qu’ils étaient au sommet du monde, malgré leurs troubles intérieurs. L’un des albums les plus connus de la discographie des Beatles.

Et le podium des meilleurs albums des Beatles est…

3 – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

S’il est un album qui témoigne de l’étendue du talent dont disposaient les Beatles, c’est bien Sgt Pepper. Sorti en 1967 dans le cadre de la nouvelle évolution du groupe, qui s’éloignait des Fab Four pour se diriger vers un travail plus conceptuel, l’album est largement, et à juste titre, considéré comme la meilleure œuvre de Paul McCartney.

Macca est devenu le moteur artistique du groupe à cette époque, alors que Lennon était distrait par la célébrité et que le manager du groupe, Brian Epstein, décédait. Avec ce nouvel élan de création, Macca a construit l’une des œuvres d’art les plus résolues que le groupe ait jamais composées.

Il semble qu’avec le temps, ce concept ait entravé son écoute. De nos jours, l’unicité et les particularités de l’album sont considérées comme indulgentes, mais cela n’a pas empêché McCartney d’en faire son album préféré. « Je choisirais Sgt. Pepper’s parce que j’y suis pour beaucoup », a-t-il répondu lorsqu’on lui a posé la question. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Beatles.

2 – Revolver

Sorti en 1966, Revolver est souvent considéré comme l’un des moments où les Fab Four ont fait preuve d’une créativité limpide. Portés par le succès de leur précédent album studio, Rubber Soul, et l’abandon de leur ancien nom de « groupe pop », John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr ont livré l’un des albums les plus influents de leur carrière.

Le septième album des Fab Four voit le groupe faire un grand saut dans l’inconnu et pousser plus loin son désir d’expérimentation musicale. George Harrison commence une fois de plus à établir sa propre carrière d’auteur-compositeur, tandis que Lennon et McCartney sont sans doute sur le point d’atteindre leur apogée créative. C’est sans doute l’un des meilleurs albums des Beatles de tous les temps.

Non seulement l’album est une tentative sérieuse de pureté artistique, mais il est également empreint de l’humour et de la candeur que les Beatles ont apportés à l’ensemble de leur travail. Des chansons hilarantes (« Doctor Robert »), nostalgiques (« Here, There and Everywhere »), hallucinées (« Tomorrow Never Knows ») ou nihilistes (« I’m Only Sleeping ») ont fait des Beatles bien plus qu’un simple groupe, des icônes.

1 – Abbey Road – le summum de la discographie des Beatles

En tête de notre classement des meilleurs albums des Beatles, on retrouve l’incontournable Abbey Road. L’album Abbey Road des Beatles, sorti en 1969, est devenu un moment déterminant dans l’illustre carrière de l’un des plus grands groupes à avoir jamais foulé le sol de la planète et, à ce jour, il continue d’être considéré comme l’un des meilleurs disques jamais réalisés. C’est l’un des disques les plus rock du groupe, mais à travers dix-sept titres individuels (oui, nous comptons « The Medley » comme des chansons individuelles), nous voyons une distillation de tout ce qui a fait la grandeur des Beatles.

Il s’agit du onzième album studio du groupe et les Fab Four y incorporent des genres tels que le blues, le rock et la pop, un disque qui fait également un usage proéminent du synthétiseur Moog, des sons filtrés par un haut-parleur Leslie et des tambours. Il montre un groupe toujours prêt à innover et à créer, qui ne se contente pas de s’asseoir sur ses mains créatives et de les laisser pourrir sans rien faire. À l’époque, le groupe était bien conscient qu’il s’agirait probablement de leur dernier album et ils ont sans doute gardé le meilleur pour la fin.

Une chose que les Beatles possèdent et que la plupart des autres groupes ne peuvent qu’espérer, c’est un groupe de musiciens de qualité ainsi que des auteurs-compositeurs experts et de merveilleux chanteurs. Un disque emblématique sur la feuille de route des Beatles, surtout en raison de sa pochette, un autre moment d’évolution créative où les quatre membres ont pris le volant du « Yellow Submarine » pour un tour ou deux et se sont ralliés contre les horribles sessions d’enregistrement de Let It Be.

Récemment, la clameur s’est accrue pour qualifier Abbey Road de LP de qualité inférieure, mais, à notre avis, il s’agit du meilleur single que le groupe ait jamais réalisé. Avec des chansons comme « I Want You », « Something », « Come Together » et « Here Comes The Sun » sur l’album, il est difficile de nous contredire.

Découvrez notre classement des meilleurs albums des Smashing Pumpkins. The Smashing Pumpkins est un groupe de rock américain, créé par leur leader charismatique Billy Corgan et originaire de Chicago, qui connu ses heures de gloire dans les années 90. Le groupe éclata au grand jour avec leur 2^ème album Siamese Dream et deviendra incontournable avec la sortie du cultissime double album Melon Collie And The Infinite Sadness. Le groupe propose des compositions raffinées, mélangeant rock progressif et gothique.

Suite à de nombreuses divergences internes, le groupe splittera en 2000 avant de se reformer quelques années plus tard, pour le plus grand bonheur des fans de la première heure. Si la magie opère moins bien, quel plaisir d’écouter encore ce groupe si particulier. Passons en revue le meilleur de la discographie des Smashing Pumpkins.

Notre classement des meilleurs albums des Smashing Pumpkins

Oceania (2012)

Michael Byrne n’avait que 19 ans lorsqu’il a battu des milliers d’autres batteurs qui auditionnaient pour rejoindre les Pumpkins en 2009. Au cours des cinq années passées au sein du groupe, Byrne a joué sur la majeure partie de Teargarden by Kaleidyscope, un opus tentaculaire qui s’étendait sur plusieurs EP et deux albums, bien que Billy Corgan ait mis un terme au projet après avoir sorti 34 des 44 chansons prévues.

Alors qu’Adore avait pallié l’absence du batteur Jimmy Chamberlin en proposant des ballades douces et des grooves de boîtes à rythmes, Oceania tente de restituer la puissance des Pumpkins du début des années 90, sans la formation classique. Byrne semble raisonnablement à la hauteur de la tâche par moments, déployant des fills puissants et des roulements de caisse claire sur l’ouverture « Quasar », mais il y a une qualité de vallée étrange que le groupe de jeunes embauchés de Corgan ne peut pas ébranler.

Lorsque l’album atteint un niveau éthéré qui inclut le méandreux morceau-titre de neuf minutes, Oceania devient une expérience d’écoute vraiment léthargique et ennuyeuse. En dernière place de notre liste des meilleurs albums des Smashing Pumpkins.

Cyr (2020)

Les expérimentations en matière de synthétiseurs et de boîtes à rythmes de groupes adorés par Billy Corgan, comme New Order et Siouxsie and the Banshees, ont souvent fait surface dans la musique des Smashing Pumpkins, parfois avec beaucoup d’effet sur « 1979 » et une grande partie d’Adore.

Cyr est un grand coup de pied dans la fourmilière de la synth-pop des Pumpkins, un monolithe de 72 minutes tristement ennuyeux où les guitares n’étouffent presque jamais les claviers. « Normalement, une telle volonté de transcender les frontières des genres serait louable, mais Cyr tombe à plat à bien des égards. Les textures luxuriantes abondent, mais il y a à peine une mélodie mémorable », écrit Phil Mongredien dans The Guardian. Un album oubliable dans la discographie des Smashing Pumpkins.

Shiny And Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. (2018)

On poursuit notre remontée des meilleurs albums des Smashing Pumpkins avec « Shiny And Oh So Bright, Vol. 1 / LP: No Past. No Future. No Sun. « . L’année 2018 a été capitale pour les Pumpkins, puisque James Iha a rejoint le groupe pour la première fois en 18 ans, pour une grande tournée et un nouveau projet produit par Rick Rubin. Les huit chansons enregistrées avec le gourou barbu étaient à l’origine prévues comme deux EP, mais elles ont finalement été publiées sous la forme d’un album atypique et rapide de 32 minutes au titre typiquement verbeux.

Quelques chansons lourdes au piano, « Knights of Malta » et « Alienation », ralentissent l’album, mais Shiny and Oh So Bright contient certains des retours les plus convaincants des Pumpkins à leur apogée des années 90.

ATUM: A Rock Opera in Three Acts (2023)

Bien qu’il ait abandonné Teargarden by Kaleidoscope et la série Shiny and Oh So Bright au cours de la dernière décennie, Billy Corgan n’a pas eu peur de se lancer dans un autre énorme projet multi-albums.

Cette fois-ci, il l’a même terminé. Sorti en trois parties sur une période de six mois, ATUM : A Rock Opera in Three Acts est un album conceptuel qui poursuit l’arc vaguement autobiographique de Mellon Collie et Machina, le protagoniste de l’histoire, Zero, prenant désormais le nom de Shiny.

ATUM reprend en grande partie le son synth pop tiède de Cyr, mais des rockers comme « Spellbinding » et « That Which Animates The Spirit » insufflent un peu de vie à un album encore trop long. Un Ovni dans la discographie des Smashing Pumpkins.

Zeitgeist (2007)

Pendant environ cinq ans, au début du millénaire, les Pumpkins ont été dissous et inactifs, et pour une fois, Corgan a concentré ses volumineuses énergies créatrices ailleurs. Le seul album du supergroupe éphémère Zwan et le premier album solo de Corgan, TheFutureEmbrace, n’étaient en aucun cas des chefs-d’œuvre, mais ils contenaient des moments prometteurs qui semblaient bénéficier de la respiration entre Billy Corgan l’humain et l’héritage épineux et compliqué des Pumpkins.

Il y a eu, inévitablement, de l’excitation lorsque Corgan et Chamberlin ont relancé la marque Pumpkins, suffisamment pour que Zeitgeist, sorti en 2007, se hisse à la deuxième place du Billboard 200. Cependant, cet album grandiloquent et vaguement politique ressemble à leur St. Anger – la tentative tendue d’un groupe vieillissant de prouver qu’il peut encore jouer vite et fort sans vraiment puiser dans ce que les fans aimaient chez lui.

Zeitgeist, le seul album des Pumpkins sorti sur Reprise Records, bien qu’il contienne quelques solos de guitare géniaux, vous pouvez probablement vous en passer.

Monuments to an Elegy (2014)

On remonte notre liste des meilleurs albums des Smashing Pumpkins avec Monuments to an Elegy. Plusieurs batteurs de renom ont remplacé les Pumpkins pendant leurs deux périodes sans Chamberlin, notamment Kenny Aronoff, le sideman de John Mellencamp, et Brad Wilk, de Rage Against the Machine.

Le batteur qui a le mieux réussi à remplacer Chamberlin est sans doute Tommy Lee, de Motley Crue, qui aurait été un choix impensable dans les années 90, lorsque le hair metal et le rock alternatif étaient considérés comme des tribus en guerre. Lee s’est avéré être une présence suffisamment puissante derrière le kit pour les chansons rapides et concises de Monuments to an Elegy, le seul album des Citrouilles sur lequel presque tous les morceaux se terminent en moins de quatre minutes.

Pourtant, l’album n’a pas bénéficié d’une promotion suffisante pendant une période délicate où le dernier volet de Teargarden by Kaleidyscope est sorti avant que Billy Corgan ne mette de côté le reste du projet et n’accueille Chamberlin à nouveau dans le groupe.

Machina/The Machines of God (2000)

Le quatuor classique des Smashing Pumpkins s’est reformé brièvement et pour la dernière fois avant le tournant du millénaire, se remettant de l’expérimentation d’Adore pour remonter les amplis. « The Everlasting Gaze » et « Heavy Metal Machine » sonnent comme l’un des grands groupes de l’ère grunge qui s’échauffe et tente de rivaliser avec la marée montante du nu-metal, et l’album aurait besoin d’un peu plus des mélodies grandioses de « This Time » et « Stand Inside Your Love ».

Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music (2000)

Alors que les ventes d’albums des Pumpkins diminuaient régulièrement à chaque nouvelle sortie, Virgin Records, prudent, s’est montré réticent à faire plaisir à Corgan, d’abord en rejetant une version double CD plus longue de Machina/The Machines of God, puis en refusant de sortir les chansons restantes sous la forme d’une suite de l’album.

En septembre 2000, quelques mois avant les premiers concerts d’adieu du groupe, Corgan a pressé indépendamment 25 copies vinyles de Machina II/The Friends & Enemies of Modern Music, qui ont été données à des amis du groupe avec la permission de redistribuer l’album sur Internet. En tant qu’exemple précoce d’un grand label utilisant Internet pour offrir de la musique à ses fans, Machina II est un artefact fascinant, et en tant qu’album, il est en fait meilleur et plus varié que son prédécesseur.

On y trouve notamment un réenregistrement de la chanson que Virgin voulait sortir en tant que single d’Adore, « Let Me Give the World to You », et l’une des meilleures mises en valeur de James Iha, « Go ». L’un des meilleurs albums des Smashing Pumpkins.

Adore (1998) – l’un des meilleurs albums des Smashing Pumpkins

Tragédies et bouleversements menaçaient le difficile quatrième album des Smashing Pumpkins. Chamberlin et le claviériste Jonathan Melvoin ont tous deux fait une overdose après un concert en 1996 ; Melvoin est décédé et Chamberlin a été renvoyé du groupe. Sans son puissant batteur, le groupe a enregistré un album sombre et morose, rempli de synthétiseurs et de pianos, inspiré en partie par la mort de la mère de Billy Corgan.

Adore a amorcé le déclin commercial brutal et irréversible du groupe, mais il a suscité un culte passionné au fil des ans. « Ce n’est pas seulement un album de transition, c’est une rupture totale avec le passé. Au lieu de la grandiloquence des stades, Adore réduit le volume au niveau d’une berceuse », a écrit Greg Kot dans la critique de Rolling Stone. Un album important dans la discographie des Smashing Pumpkins.

Et le podium du meilleur de la discographie des Smashing Pumpkins est…

Gish (1991)

Gish n’a pas eu un impact aussi important sur le monde que l’autre album enregistré par le producteur Butch Vig au début de l’année 1991 (Nevermind de Nirvana), ou que les œuvres marquantes de Pearl Jam et des Red Hot Chili Peppers, avec lesquels les Pumpkins ont tourné cette année-là.

Mais « Rhinoceros » et « I Am One » ont permis au groupe de s’implanter solidement sur les radios universitaires et dans la vitrine alt-rock de MTV, 120 Minutes, avec un psychédélisme tourbillonnant et des mélodies rêveuses qui distinguent leur style grunge de celui de leurs contemporains de Seattle.

Gish présente également certains des grooves les plus profonds du catalogue des Pumpkins, avec des lignes de basse plus proéminentes et une approche du hard rock qui doit beaucoup à Jane’s Addiction. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Smashing Pumpkins.

Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995)

À l’époque du vinyle, un « double album » de 80 minutes remplissant deux microsillons était considéré comme le summum de l’ambition en matière de musique rock. Mais lorsque les disques compacts avec des durées d’écoute plus longues sont devenus la norme de l’industrie musicale, un double CD avec plus de deux heures de nouvelle musique est devenu une barre beaucoup plus haute à franchir, et les artistes qui ont osé les sortir étaient souvent des stars du hip-hop comme 2Pac et le Notorious B.I.G.

Les Pumpkins étaient le seul groupe alternatif de premier plan de l’époque à relever le défi, et Mellon Collie and the Infinite Sadness a dépassé All Things Must Pass de George Harrison en tant qu’album rock le plus long de tous les temps (il a été nominé pour sept Grammys et s’est écoulé à plus de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis).

L’étendue de l’album, de la pop orchestrale de « Tonight, Tonight » au vicieux « Zero » en passant par l’épopée cinématographique « Porcelina of the Vast Oceans », est impressionnante, mais c’est surtout l’accroche et le savoir-faire de Mellon Collie qui l’élèvent au-dessus des autres doubles et triples albums du groupe. L’un des albums phares de la discographie des Smashing Pumpkins

Siamese Dream (1993) : le summum de la discographie des Smashing Pumpkins

À une époque où la plupart des grandes stars du rock étaient ambivalentes ou torturées par la célébrité et le succès, Billy Corgan est devenu une sorte d’archi-méchant pour avoir été un maniaque du contrôle carriériste. Il a été critiqué partout, dans les chansons de Pavement comme dans les colonnes des magazines musicaux.

Il est cependant difficile de contester l’ambition pure et les influences du rock classique, surtout lorsqu’elles aboutissent à un album aussi délirant, agréable et durable que Siamese Dream. Corgan et le producteur Vig ont superposé des dizaines de prises de guitares pour construire les cathédrales de bruits d’amplis de chansons comme « Soma » et « Cherub Rock ».

Alan Moulder, qui avait conçu Loveless de My Bloody Valentine, a été chargé de mixer Siamese Dream et d’apporter un peu de cette magie shoegaze à un album qui s’est rapidement avéré être une percée multi-platine. L’écriture de Corgan, de plus en plus personnelle, a gagné en résonance et en universalité, en transformant les traumatismes de l’enfance en « Disarm » et les pensées suicidaires en « Today ». LE meilleur album des Smashing Pumpkins

Découvrons dès maintenant notre classement des meilleurs albums de Jeff Buckley. Jeffrey Scott Buckley dit Jeff Buckley est né en 1966 en Californie, fils de Tim et de Mary. Au départ de son père dès sa naissance, c’est bien la mère de Jeff qui l’éveillera à la musique. S’ils n’avaient quasiment aucun lien de leur vivant, Jeff et son père seront néanmoins et malheureusement unis dans la mort : Tim décèdera d’une overdose à 28 ans, Jeff disparaitra à l’âge de 27 ans suite à une noyade.

Une disparition tragique qui n’aura donc permis à Jeff Buckley de n’enregistrer qu’un seul album de son vivant – le cultissime Grâce. Il aura eu une influence importante dans le milieu de la musique pendant la 2^ème moitié des années 90, inspirant notamment des groupes comme Radiohead, Coldplay ou Muse.

Top 5 des meilleurs albums de Jeff Buckley

Il peut paraitre pour certains un peu agaçant de voir tous ces albums posthumes fleurir alors que de son vivant, il n’aura sorti que un album studio (Grace) et un live officiel (Live at Sin-é). Il est effectivement un peu étrange de voir dan sun classement des meilleurs albums de Jeff Buckley qu’un seul véritable album… Néanmoins, ces albums nous permettent de découvrir des titres de Jeff Buckley inconnus ou des prestations live uniques et même s’il ne sont pas finis et encore moins parfaits, cela nous permet de continuer de découvrir son œuvre.

Place à notre classement des meilleurs albums des Foo Fighters. Depuis leurs débuts au milieu des années 90, les Foo Fighters sont l’un des groupes les plus importants et les plus fiables du rock. Leur palmarès parle de lui-même : Plus de 30 millions d’albums vendus, un titre de MTV Global Icon, une intronisation au Rock & Roll Hall of Fame, plus d’une douzaine de Grammy Awards et suffisamment de récompenses pour remplir la plus grande salle des trophées.

Formé en tant que projet solo de Dave Grohl après la dissolution de Nirvana, Foo Fighters est rapidement devenu l’un des plus grands groupes de rock de la planète. Les tournées mondiales ont permis de gagner des fans dans le monde entier, tandis que le groupe a connu une série de changements avant de s’établir sur un noyau stable.

En cours de route, les Foo Fighters ont trouvé le moyen de plier et d’étirer leur style musical, sans trop s’éloigner de leur son grunge-meets-arena-rock. Qu’ils s’aventurent plus loin dans le punk ou le métal, qu’ils se laissent aller à des morceaux acoustiques plus pop ou qu’ils marient des influences prog-rock à leur son de base, les Foo Fighters ont trouvé le moyen de rester frais et excitants pendant des décennies. Ils invitent aussi volontiers des collaborateurs en studio, ce qui ajoute encore à leur créativité. Découvrez le meilleur de la discographie des Foo Fighters.

Notre classement des meilleurs albums des Foo Fighters

11 – Concrete and Gold (2017)

Aucun album des Foo Fighters n’est dénué de qualité, comme en témoigne l’album le moins bien classé de notre liste des meilleurs albums des Foo Fighters. Concrete and Gold était bien plus un remplissage qu’une tuerie, mais deux titres se sont distingués comme des points forts. « Run » était un cheval de Troie, attirant les auditeurs avec une ouverture douce et contemplative avant d’exploser dans un blitzkrieg de heavy metal.

Quant à « The Sky Is a Neighborhood », les Foo Fighters y mêlent le blues et le psychédélisme à leur son aréna-rock, livrant l’une des chansons les plus complexes musicalement mais aussi les plus gratifiantes de leur catalogue. Malheureusement, le reste de Concrete and Gold n’a pas été à la hauteur de ces deux titres, ce qui l’a relégué à la 11e place de notre liste. Dispensable dans la discographie des Foo Fighters.

10 – Sonic Highways (2014)

Dave Grohl a concocté une idée nouvelle et amusante pour le huitième album studio des Foo Fighters. Plutôt que de rester au même endroit pour l’écriture et l’enregistrement, le groupe voyagerait à travers les États-Unis, visitant des villes à l’histoire musicale unique et collaborant avec divers artistes de chaque localité.

La liste des personnes impliquées dans le projet était impressionnante : Rick Nielsen de Cheap Trick, Joe Walsh des Eagles, la star de la country Zac Brown, le leader de Death Cab For Cutie Ben Gibbard et le blues-rocker Gary Clark Jr. Malheureusement, Sonic Highways a cédé à la pression d’attentes élevées. Avec autant de musiciens célèbres, les fans s’attendaient à un travail vraiment éclairant.

Au lieu de cela, ce qu’ils ont obtenu était largement insipide. Heureusement, l’histoire de Sonic Highways est bien plus intéressante que l’album lui-même. La série télévisée qui l’accompagnait, relatant les voyages des Foos et la collaboration autour du projet, était incontournable et a obtenu deux nominations aux Emmy Awards. Une 10ème place bien méritée dans notre liste des meilleurs albums des Foo Fighters.

9 – In Your Honor (2005)

Il est presque impossible de faire un double album qui soit suffisamment solide pour maintenir l’attention de l’auditeur. Inévitablement, la plupart des albums 2LP finissent par donner l’impression d’être gonflés et inutilement longs. Les Foo Fighters ont fait de leur mieux pour s’écarter de cette tendance en embrassant le yin et le yang musical du groupe, en faisant une moitié de In Your Honor électrique et l’autre acoustique.

D’une certaine manière, le plan a fonctionné. « Best of You », « DOA » et « No Way Back » de la partie électrique ont fourni le type de puissance frénétique que les fans attendaient des Foos, tandis que « Cold Day in the Sun » et « Friend of a Friend » de la partie acoustique ont montré la capacité du groupe à créer des chansons douces et vulnérables.

Pourtant, In Your Honor souffre en fin de compte de trop de remplissage, ce qui en fait un bon album plutôt qu’un grand. Si le groupe avait séparé le bon grain de l’ivraie et s’était contenté de faire un album avec les meilleurs morceaux de chaque album, celui-ci serait probablement bien meilleur. Voila pourquoi on le place en 9ème position de notre top des meilleurs albums des Foo Fighters.

8 – Medicine at Midnight (2021)

On poursuit notre remontée de la discographie des Foo Figthers avec Medecine at Midnight. Les Foo Fighters ont ajouté une nouvelle touche à ce 10e album studio, en se laissant aller à certaines de leurs qualités plus danciennes et pop.

Cela ne veut pas dire qu’ils sont soudainement devenus un boys band (heureusement), mais des morceaux comme le titre d’ouverture « Making a Fire » – avec son refrain « na-na-na » de la choriste – ont montré que les Foos pouvaient ajouter du groove sans sacrifier leur son rock habituel.

Parmi les autres points forts, citons l’envolée de « Waiting on a War » et l’inquiétant « Shame Shame ». L’album Medicine at Midnight est l’album le plus complet des Foo Fighters depuis une dizaine d’années.

7 – One By One (2002)

One by One est l’album le plus difficile à classer dans la discographie des Foo Fighters. Avec « All My Life » et « Times Like These », il contient deux des chansons les plus importantes et les plus appréciées du groupe. En revanche, les titres plus profonds « Low », « Have it All » et « Come Back » ont prouvé que l’album avait de la profondeur au-delà de ses succès.

Malgré cela, One by One est un album très inégal, probablement en raison des circonstances étranges qui ont entouré sa création. Presque tous les enregistrements initiaux avec le producteur Adam Kasper ont été mis au rebut, bien que le groupe ait dépensé plus d’un million de dollars pour les réaliser. One by One était le premier album avec le guitariste Chris Shiflett, ce qui a donné lieu à une nouvelle dynamique créative au sein du groupe.

Les Foo Fighters ont également connu des bouleversements après que Taylor Hawkins a été victime d’une overdose d’héroïne en 2001 et que Dave Grohl a froissé quelques plumes en jouant au noir dans Queens of the Stone Age.

6 – Wasting Light (2011)

L’album Wasting Light des Foos, sorti en 2011, était une sorte de remise à zéro. Ils ont choisi d’éviter les techniques de session fantaisistes, enregistrant dans le garage de Dave Grohl avec uniquement du matériel analogique. Butch Vig, qui a produit le célèbre Nevermind de Nirvana, a dirigé l’album.

Le guitariste Pat Smear est également de retour en tant que membre officiel, après avoir quitté les Foo Fighters à la suite de The Colour and the Shape. En conséquence, Wasting Light semblait très familier, ce qui s’est avéré être à la fois une bénédiction et une malédiction. Les Foo Fighters n’ont pas innové avec cet album, mais se sont plutôt réapproprié le son qui était déjà le leur : Les riffs sont féroces, les refrains sont accrocheurs et l’énergie est au rendez-vous. Ce qui en fait tout simplement l’un des meilleurs albums des Foo Fighters.

Taylor Hawkins a pu s’adonner à sa passion pour Rush avec la structure unique de « Rope » (l’une des meilleures chansons des Foo Fighters), tandis que « White Limo » a permis à Grohl de libérer le métal qui sommeille en lui. (Lemmy de Motorhead est même apparu dans la vidéo). « Walk » s’est avéré être le single le plus commercial de l’album, atteignant la première place du classement rock alternatif du Billboard.

5 – There Is Nothing Left to Lose (1999)

Place à notre top 5 des meilleurs albums des Foo Fighters. Le troisième album des Foo Fighters a polarisé l’attention des fans. Avec There Is Nothing Left to Lose, le groupe s’est tourné vers des chansons plus pop et plus faciles à écouter à la radio que sur leurs précédents albums. L’album contient toujours quelques rockers percutants – comme le morceau d’ouverture « Stacked Actors » ou le puissant « Breakout » – mais ils sont éclipsés par des morceaux plus doux.

Le plus grand succès de l’album, « Learn to Fly », est une power ballade sautillante, tandis que « Next Year » est une chanson soft-rock. Ces titres et d’autres du même genre étaient accrocheurs et bien conçus, mais leur potentiel pop-crossover a conduit certains fans à lancer le redoutable mot « s » – comme dans « sellout » (vendu). Avec le recul, il est clair aujourd’hui que les Foo Fighters ne faisaient qu’embrasser une autre facette de leur son, mais à l’époque, les fans étaient vraiment divisés.

4 – Foo Fighters (1995)

Le premier album éponyme des Foos restera toujours un cas à part. Il est sorti sous le nom désormais célèbre du groupe, mais cet album était en réalité un effort solo de Dave Grohl. Il a joué de tous les instruments de l’album, à l’exception d’une seule partie de guitare de Greg Dulli, des Afghan Whigs.

Grohl n’avait pas prévu (ni attendu) que Foo Fighters soit accueilli comme il l’a été, avec des passages à la radio, des reportages sur MTV et un énorme buzz. C’était, bien sûr, mérité. Des titres comme « I’ll Stick Around », « Big Me » et « This Is a Call » ont prouvé que Grohl pouvait plus que tenir son rang en tant que leader, avec des talents d’auteur-compositeur en plus.

La popularité des Foo Fighters a conduit Grohl à monter un groupe, déclenchant ainsi l’une des plus grandes secondes parties de carrière du rock. Une place de choix dans le meilleur de la discographie des Foo Fighters.

Et le podium des meilleurs albums des Foo Fighters est…

3 – But Here We Are (2023)

Dans le sillage du moment le plus difficile de l’histoire des Foo Fighters, le groupe a réagi avec l’un de ses meilleurs efforts. Après la mort soudaine et tragique du batteur Taylor Hawkins, Dave Grohl et ses acolytes ont été pris au dépourvu, et beaucoup se sont demandés si le groupe allait continuer à exister.

Le chagrin d’amour s’est aggravé lorsque la mère de Grohl, qui l’a inspiré tout au long de sa vie, est décédée quelques mois plus tard. Mais Here We Are est un album où les Foos affrontent la mort de plein fouet, et bien qu’il y ait des moments calmes sur l’album, le groupe exprime son chagrin à travers une batterie palpitante, des riffs emphatiques et certaines des paroles les plus personnelles de la carrière de Grohl.

« Rescued », « Under You » et « Nothing at All » sont les titres phares de l’album, mais il n’y a pas vraiment de remplissage à trouver ici. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Foo Fighters.

2 – Echoes, Silence, Patience & Grace (2007)

Une version allégée de In Your Honor figurerait certainement parmi les meilleurs albums des Foo Fighters, et c’est essentiellement ce qu’a été Echoes, Silence, Patience & Grace en 2007. Après le double album de 2005, la tournée « afoostic » et l’album live Skin & Bones, les Foo Fighters maîtrisaient parfaitement leur son.

Peut-être plus qu’à tout autre moment de leur carrière, le groupe était parfaitement conscient de sa dynamique – quand il fallait être fort, quand il fallait être doux, quand il fallait aller crescendo, quand il fallait trembler devant un murmure. L’équilibre est devenu le mot d’ordre, et lorsqu’ils ont réinvité le producteur de The Colour and the Shape, Gil Norton, tout s’est mis en place. Pour un groupe qui a parfois été critiqué pour sonner trop semblable d’une chanson à l’autre, Echoes, Silence, Patience & Grace a fourni la quantité parfaite de variété.

« The Pretender » et « Let It Die » sont des rockers à toute épreuve, « Summer’s End » est un morceau de rock sudiste, tandis que la dernière chanson, « Home », reste sans doute la plus belle de leur répertoire. Echoes, Silence, Patience & Grace a valu aux Foos deux Grammys et reste le seul album du groupe à avoir été nominé pour l’album de l’année. Le top de la discographie des Foo Fighters.

1 – The Colour and the Shape (1997) – le summum de la discographie des Foo Fighters.

Comment ne pas placer The Colour and the Shape en tête de notre classement des meilleurs albums des Foo Fighters ? La simple qualité du contenu de The Colour and the Shape rend impossible de le classer plus bas que le numéro 1. Oui, tout le monde connaît les tubes : « Monkey Wrench », « My Hero » et l’emblématique « Everlong ».

Mais en y regardant de plus près, l’album comporte certains des meilleurs morceaux de la carrière des Foo Fighters. « Hey, Johnny Park ! » présente une dynamique digne des Pixies, tandis que « See You » est un ver d’oreille acoustique et sautillant. Ailleurs, « Enough Space » offre une énergie digne d’un mosh pit, tandis que « February Stars » est une lente montée en puissance jusqu’à un crescendo tonitruant.

Sorti à l’époque des CD, The Colour and the Shape ne comporte pas un seul morceau qui mérite d’être sauté. Il reste l’un des meilleurs albums des années 90.

Découvrons ensemble notre classement des meilleurs albums de Oasis. Oasis est un groupe de rock anglais, fondé en 1991 et dissout en 2009 suite à une énième embrouille entre les 2 membres fondateurs, les deux frères Gallagher (Liam au chant et Noel à la guitare).

Auto-proclamé « meilleur groupe du monde » (un peu d’arrogance ne fait pas de mal…), Oasis – qui aura remis au goût du jour la rouflaquette – sera le plus gros vendeur d’albums dans les années 90 et deviendra un des groupes phare du rock anglais, de la Britpop et de la musique en général.

Place maintenant au meilleur de la discographie d’Oasis.

Notre classement des meilleurs albums de Oasis

8 – Standing On The Shoulder Of Giants (2000)

Le point le plus bas de la carrière d’Oasis, Standing on the Shoulder of Giants est un album extrêmement bizarre pour un certain nombre de raisons. Tout d’abord, il commence très bien, avec l’instrumental d’ouverture Fuckin’ in the Bushes qui sert encore aujourd’hui de musique d’introduction à Liam Gallagher, et le single Go Let It Out qui comporte un refrain à faire pâlir les oreilles, mais la chute qui s’ensuit est tout à fait étonnante.

Deux chansons AOR bâclées, interprétées par Noel (Where Did It All Go Wrong et Sunday Morning Call) et le glam pédestre de I Can See a Liar sont mauvais, mais rien de ce que le groupe a jamais sorti n’approche l’horreur de l’infâme et saccharine Little James de Liam. L’inclusion de cette terrible chanson à elle seule cimente la place de SOTSOG au bas de la pile. En dernière place de notre liste des meilleurs albums de Oasis.

7 – Dig Out Your Soul (2008)

Le dernier album de la discographie de Oasis, sorti seulement 10 mois avant la fameuse altercation en coulisses entre Noel et Liam à Paris qui a conduit à la séparation du groupe, est une façon plutôt triste pour le groupe de s’éteindre. Comme tous leurs albums, Dig Out Your Soul contient quelques singles décents, The Shock of the Lightning est un point fort évident et le premier single Bag It Up place la barre raisonnablement haut.

Mais la chose la plus accablante que l’on puisse dire à propos de cet album est que la majeure partie passe inaperçue : pour un groupe qui avait l’habitude d’être une obsession nationale, c’est loin d’être suffisant.

6 – Heathen Chemistry (2002)

Ce n’est pas un grand éloge que de dire que Heathen Chemistry marque une nette amélioration par rapport au désastreux Standing on the Shoulder of Giants, et l’album a sa part de problèmes, les plus évidents étant que le groupe n’aurait jamais dû s’autoproduire, et qu’il y a au moins deux ballades de trop ici.

Little by Little, Songbird et l’excellent Stop Crying Your Heart Out sont peut-être un peu schmaltzy, mais ils parviennent à tirer sur la corde sensible de la manière voulue, et le côté garage de The Hindu Times fait penser à Oasis en passant par Black Rebel Motorcycle Club. Si l’on ajoute les agréables Hung in a Bad Place et Better Man, il s’agit d’un album décent dans l’ensemble. Une 6ème place bien méritée dansnotre liste des meilleurs albums de Oasis.

5 – Don’t Believe The Truth (2005)

Le meilleur album de la formation non classique d’Oasis, et de loin. Don’t Believe the Truth est l’album le plus proche de la cohérence des premiers titres de Noel et Liam.

Le premier single Lyla, un fantastique morceau qui piétine, est un bon point de départ pour ramener les gens à la raison, mais Noel se la joue Dylan sur Mucky Fingers, le punky The Meaning of Soul et la pop rêveuse de Keep the Dream Alive d’Andy Bell l’étayent brillamment.

Il y a aussi The Importance of Being Idle, une chanson que beaucoup considèrent comme le dernier grand moment du groupe. C’est indéniablement une grande chanson, et on peut dire qu’il s’agit de leur dernier hommage, mais il y a beaucoup d’autres moments ici qui l’égalent. L’un des meilleurs albums de Oasis.

4 – Be Here Now (1997)

Connu pour sa longueur, sa pompe, ses excès et ses dépenses, Be Here Now est devenu l’exemple classique d’un groupe qui a connu un grand succès et qui doit garder les pieds sur terre. C’est un message juste, car c’est un disque qui est souvent hilarant dans sa nature excessive, mais, en le réécoutant aujourd’hui, il a en fait plutôt bien vieilli.

D’ya Know What I Mean est une déclaration d’ouverture absolument monumentale, le refrain de Stand By Me reste emblématique, My Big Mouth et I Hope, I Think, I Know sont des chansons de rock and roll fantastiquement sous-estimées, et, bien qu’ils détesteraient la comparaison, Oasis sonne comme un Bon Jovi plus grand sur Fade In-Fade Out. Ce qui est d’ailleurs un compliment. Un des albums phares de la discographie de Oasis.

Et le podium des meilleurs albums de Oasis est…

3 – The Masterplan (1998)

Oui, oui, nous savons que The Masterplan n’est pas un album studio d’Oasis et que les faces B et les collections de raretés ne sont généralement pas prises en compte dans une liste comme celle-ci. Mais la nature prolifique des talents de compositeur de Noel Gallagher dans les premières années du groupe était telle qu’il semble insensé de ne pas inclure un ensemble de chansons de cette qualité dans cette liste.

Le fait que des titres comme Fade Away, Half the World Away, Talk Tonight et la chanson-titre soient aussi connus et appréciés que n’importe quelle autre chanson du catalogue d’Oasis en dit long. De plus, l’album s’ouvre sur le sublime Acquiesce, une chanson qui non seulement pourrait être la meilleure de toute la carrière du groupe, mais qui semble être l’encapsulation parfaite des forces individuelles de Liam et Noel ; la poussée créative entre les deux frères qui était si importante pour l’alchimie qui les a rendus essentiels, le tout résumé en quatre minutes et demie époustouflantes. Bienvenue sur l epodium des meilleurs albums de Oasis.

1 bis – (What’s The Story) Morning Glory (1995)

Lister les deux meilleurs albums d’Oasis est une sorte de cliché à ce stade, mais c’est un cliché pour une raison, ils sont vraiment, confortablement, à des lieues devant le reste de la discographie de Oasis… Morning Glory a été un véritable succès lorsqu’il est arrivé, battant des records de ventes et de positions dans les charts au Royaume-Uni et nous offrant un ensemble de chansons qui sont entrées dans le lexique de la culture britannique au point que l’on ne peut imaginer rencontrer quelqu’un qui ne connaisse pas toutes les paroles de Wonderwall.

Pour être honnête, presque chaque titre sonne comme un single, et des morceaux plus profonds comme Hello et Cast No Shadow sont tout aussi bons que Don’t Look Back in Anger ou Some Might Say. C’est la fin de l’album, Champagne Supernova (l’une des meilleures chansons de Oasis), qui est vraiment la superstar ici, une chanson dont l’ampleur et l’ambition dépassent de loin tout ce que le groupe avait tenté jusqu’alors, et dont ils ne se rapprocheraient plus jamais non plus. Un monolithe culturel, certes, mais un grand album avant tout.

1 – Definitely Maybe (1994) – le summum de la discographie de Oasis

Qu’est-ce qui pourrait bien dépasser l’un des albums les plus vendus de l’histoire des charts britanniques ? Seulement l’un des meilleurs premiers albums de l’histoire. Il paraissait évident de placer Definitely Maybe en tête de notre classement des meilleurs albums de Oasis.

Le débat sur le meilleur des deux premiers albums d’Oasis fait rage depuis des décennies, mais à notre avis, c’est une évidence. Là où … Morning Glory avait quelques chansons qui étaient bonnes mais pas géniales, le moment le plus faible de Definitely Maybe est toujours un minimum de 8/10, et la majorité de l’album est parfaite à 10/10.

Sérieusement, pouvez-vous citer un autre album avec une trilogie d’ouverture de Rock ‘n’ Roll Star, Shakermaker et Live Forever ? Il s’agit des trois premières chansons de votre premier album, ce qui vous permet de prétendre au titre d’introduction la plus stupéfiante de l’histoire du rock. Et ce, avant même de parler de Supersonic, Slide Away, Columbia, Up in the Sky, Cigarettes and Alcohol… Il y a des groupes qui ont eu des carrières de plusieurs décennies avec des recueils de grands succès qui paraissent minables, sans intérêt et pleins de remplissage lorsqu’ils sont mis à côté de ces chansons.

Definitely Maybe est un album classique, intemporel, composé uniquement d’airs de rock and roll énormes, de refrains de la taille de Godzilla et de paroles qui vous donnent l’impression d’être le centre de ce putain d’univers. Il a fait de ses créateurs le groupe le plus populaire de la planète et c’est le meilleur album qu’Oasis ait jamais enregistré.

Place à notre classement des meilleurs albums de Muse. Muse fera son entrée sur la scène rock anglaise et internationale en toute fin du 20^ème siècle avec un très bon album Showbiz. Le groupe aura depuis beaucoup avec quelques coups de génie et plus récemment des albums un peu décevants.

Portée notamment par leur chanteur Matthew Bellamy et sa voix si unique, à base d’envolées lyriques. Si les albums du groupe anglais n’ont pas encore leurs place dans notre classement des meilleurs albums de tous les temps, il n’en reste pas moins de très bon albums rock. On vous laisse découvrir sans plus tarder notre classement.

En regardant des images de Jimi Hendrix mettant le feu à sa guitare sur scène, Matt Bellamy, un écolier de 15 ans du Devon, a eu une révélation : « J’ai soudain réalisé que la musique n’avait pas besoin de suivre des règles, mais qu’elle pouvait être pleine de chaos », se souvient le leader de Muse. « Essentiellement, nous abordons la musique de la même manière que les Monty Python abordent la comédie.

Sept albums consécutifs de la discographie de Muse classés numéro un au Royaume-Uni témoignent de l’attrait de Muse pour le grand public, mais il n’y a pas eu, depuis Queen, de groupe de rock britannique de premier plan aussi peu attaché aux notions de goût et de retenue, une attitude que Brian May, un fan de longue date, approuve sans réserve. « J’aime la façon dont ils laissent transparaître leur folie », a déclaré le guitariste.

Notre classement des meilleurs albums de Muse

9 – Drones (2015)

En dernière place de notre classement des meilleurs albums de Muse, on retrouve Drones. Premier album conceptuel du trio du Devon, Drones est une méditation pas trop subtile sur la répression autoritaire, la manipulation politique, l’agression militariste et la lutte pour la liberté individuelle – des obsessions familières de Bellamy peu susceptibles de donner à Noam Chomsky une nouvelle matière à réflexion. Heureusement, l’énergie grandiloquente et joyeusement rauque de Reapers et The Handler, aux riffs lourds, l’emporte sur des paroles banales telles que « I’m just a pawn, and we’re all expendable » (Je ne suis qu’un pion, et nous sommes tous sacrifiables).

Ailleurs, sur le modèle de Brothers In Arms de Dire Straits et de One de U2, Aftermath est la ballade de stade la plus scintillante de l’album, tandis que Dead Inside est un morceau d’ouverture fougueux, avec des allusions évidentes à la rupture du mariage de Bellamy avec l’actrice Kate Hudson.

8 – Simulation Theory (2018)

Après le pesant Drones, Muse a introduit un peu de lumière et de légèreté dans sa vision pessimiste et implacable du monde sur Simulation Theory. De sa pochette inspirée de Tron/Stranger Things à son accent sur le synth-rock pulsé, le huitième album du groupe est un hommage sans complexe aux années 1980, un diorama de science-fiction préoccupé par la quête de connexion humaine dans un monde numérique de plus en plus froid.

Avec des productions rétro de Timbaland et du producteur pop suédois Shellback, entre autres, cette approche Giorgio Morodor – Black Mirror – est un peu trop pataude, et n’a qu’un succès éphémère. Les tentatives de Bellamy pour canaliser Prince (sur Propaganda) et Janelle Monae (sur Break It To Me) tombent à plat, mais l’AOR léché de Something Human et l’entraînant Pressure suggèrent que la décision du trio de remettre les compteurs à zéro et de s’éloigner du riff-rock n’est pas totalement dénuée de mérite. En 8^ème place de notre classement des meilleurs albums de Muse.

7 – The 2nd Law (2012)

On poursuit notre remontée des meilleurs albums de Muse avec The 2nd Law. Alors que Muse entamait l’enregistrement de son sixième album studio, Matt Bellamy a taquiné les fans en déclarant que le trio avait l’intention de faire une « odyssée gangsta rap jazz chrétienne, un dubstep ambiant rebelle et un psychédélisme de cow-boy flamenco métallique à faire fondre les visages ». En vérité, s’ils l’avaient fait, à ce stade de leur carrière, personne n’aurait sourcillé.

Avec la chanson officielle des Jeux olympiques de 2012 (Survival), deux chansons discrètes sur la sobriété retrouvée du bassiste Chris Wolstenholme (Save Me et Liquid State), du dubstep à la Skrillex, des coups d’éclat à la U2, du psyché à la Madonna et du psyché à l’américaine, Avec un dubstep à la Skrillex, une imitation de U2 à la Madness et une douce berceuse pour le nouveau-né de Matt Bellamy, Bingham (Follow Me), l’autoproduit The 2nd Law est, respectueusement, un peu partout, un jaillissement d’idées désinhibé à la Jackson Pollock qui aurait bénéficié d’un montage plus judicieux et d’un contrôle de qualité plus serré.

6 – Will Of The People (2022)

Place maintenant au petit dernier de la discographie de Muse. L’anticipation d’un retour de Muse à ses racines guitaristiques sur le neuvième album a été aiguisée lorsque Matt Bellamy a posté un extrait du premier single Won’t Stand Down sur Instagram, montrant son fils Bingham, âgé de 10 ans, en train de headbanger sur la chanson dans la voiture de son père.

Et si Will Of The People n’est pas tout à fait à la hauteur de ce titre enivrant, il contient indéniablement certaines des chansons les plus lourdes de la carrière du trio du Devon, dont le favori des fans, Kill Or Be Killed, et le morceau-titre glam rock, que Bellamy a décrit comme une « histoire fictive se déroulant dans un métavers fictif sur une planète fictive gouvernée par un État autoritaire fictif ».

Il y a aussi des moments plus subtils – la ballade au piano Ghosts (How Can I Move On), l’ambiance sinistre à la Danny Elfman de You Make Me Feel Like It’s Halloween – mais les fans de la première heure n’avaient qu’à regarder le titre de la dernière chanson de l’album – We Are Fucking Fucked – pour savoir qu’ils avaient retrouvé le « vieux » Muse.

5 – The Resistance (2009)

Extrapolant les avertissements funestes contenus dans Invincible de Black Holes And Revelations – paroles clés : « During the struggle they will pull us down » – The Resistance est émaillé d’exhortations à résister à la tyrannie et à la répression sous toutes leurs formes sanctionnées par l’État, et de sombres prophéties sur ce qu' »ils », bâtards connus et encore inconnus, nous réservent. « Trouveront-ils notre cachette ? Matt Bellamy s’inquiète sur la chanson titre, apparemment pas entièrement convaincu par sa propre insistance sur le fait que l’amour vaincra tout.

Le dernier album de Muse, Will Of The People, se termine par un titre intitulé We Are Fucking Fucked, mais pour être honnête, c’est une évaluation à laquelle ils étaient déjà parvenus ici, avec le chef-d’œuvre orchestral en trois parties de 12 minutes de Bellamy, Exogenesis : Symphony de Bellamy, dans lequel nos audacieux protagonistes décident que notre temps sur terre doit, par nécessité, prendre fin, et que nous devons « percer la sphère extérieure » afin de prendre un nouveau départ. L’un des meilleurs albums de Muse.

4 – Showbiz (1999)

Fortement redevable à Radiohead et Jeff Buckley, et de loin l’album le plus sobre et le plus « conventionnel » du catalogue de Muse, Showbiz mérite plus d’amour qu’il n’en a reçu lors de sa sortie en septembre 1999. Choisissant consciemment de jouer la sécurité en mettant de côté leurs premiers titres plus expérimentaux pour les utiliser comme faces B de single, Muse n’a pas dérangé grand monde avec son premier album, mais l’excentrique et accrocheur Muscle Museum, le magnifique Unintended et l’envoûtant et riffy Cave restent les favoris des fans.

Choisi comme deuxième single de l’album, Cave a séduit le leader de Type O Negative, Pete Steele, qui a déclaré à cet auteur : « Cette fille a une voix formidable »… Ce n’est peut-être pas l’impact que Muse espérait avoir, mais la prudence dont ils ont fait preuve leur a permis de poser des fondations solides à partir desquelles ils ont pu s’élever vers le ciel avec les albums suivants.

Et le podium est…

3 – Absolution (2003)

Quelques mois avant la sortie de leur troisième album, Muse a décrit son travail en cours comme étant « fat as fuck ». Enhardi par le succès international d’Origin Of Symmetry, le trio du Devon a saisi l’opportunité d’assouvir ses pulsions les plus expérimentales lors de la création de l’album, enregistrant la batterie de Dom Howard dans une piscine et les parties de guitare de Bellamy dans un champ, puis saccageant un château pour réutiliser des roues de charrette et des aiguillons à bétail en tant qu' »instruments ». Le résultat est l’album le plus sombre, le plus lourd et le plus audacieux de leur début de carrière.

Du groove-rock apocalyptique de Time Is Running Out à l’art-métal extraordinaire de Stockholm Syndrome, Absolution, le premier album du trio à être numéro un au Royaume-Uni, est le son d’un groupe inspiré, intrépide et ultra-confiant qui savait que son heure était arrivée et que le monde l’écoutait. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Muse.

2 – Origin Of Symmetry (2001) – l’un des meilleurs albums de Muse

Qui l’a vu venir ? Pour ceux qui considéraient Muse comme des copistes timides et maniérés de Radiohead sur la base de Showbiz, et soyons honnêtes, c’était le cas de la plupart d’entre nous, la seconde venue du groupe, annoncée par l’étonnant coup de tonnerre alt.prog Plug In Baby et son tout aussi surprenant successeur New Born, n’était rien de moins qu’une révélation.

Le frein à main étant desserré et Matt Bellamy ayant toute latitude pour laisser libre cours à ses fantasmes les plus fous (Queen, Rage Against The Machine, King Crimson), Origin Of Symmetry a été une véritable décharge d’adrénaline au cœur de la scène musicale britannique. Mieux encore, Bellamy parle désormais comme une véritable rock star, déclarant à cet auteur : « Ce qui est important en Angleterre, ce sont surtout des conneries simplistes ». L’assurance du chanteur était telle qu’il a joyeusement dit au label américain du groupe, Maverick Records de Madonna, d’aller se faire foutre lorsqu’ils ont exigé qu’il réenregistre ses voix avec moins de falsetto. Une place de choix dans la discographie de Muse.

1 – Black Holes And Revelations (2006)

Comment ne pas placer Black Holes and Revelations en tête de notre classement des meilleurs albums de Muse ? Après s’être débarrassé de toute inhibition créative persistante avec le brillant Absolution de 2003, le quatrième album de Muse se devait d’être plus bruyant, plus grandiloquent, plus effronté, plus fou.

Et lorsque la sortie de Black Holes And Revelations a été précédée par Supermassive Black Hole – un eroto-funk slinky et claquant, comme si Prince était aux côtés de Queens Of The Stone Age – toute crainte que le trio ne se dérobe à ses responsabilités s’est évanouie. Plus tard, Matt Bellamy a révélé que son groupe avait en fait abandonné leur premier essai de nouveaux morceaux car « c’était trop mental, même selon nos critères ». C’est à n’y rien comprendre.

 

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Sans plus tarder, découvrez notre classement des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers. Les Red Hot Chili Peppers (RHCP) est un groupe de rock californien, formé par Anthony Kiedis (au chant) et Michael Balzary (alias « Flea »). Le groupe se caractérise par un mélange de funk, rock et rap et deviendra l’un des meilleurs groupes de rock des années 90. Après des débuts discrets, le groupe explosa au grand jour dans les années 90 avec un album Blood Sugar Sex Magik qui reste encore à ce jour le meilleur album du groupe.

Notre liste des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers

13 – The Red Hot Chili Peppers (1984)

Les groupes doivent bien commencer quelque part, et à moins d’être l’un des rares à sortir un chef-d’œuvre du premier coup, le premier album sera probablement sous-développé et musicalement immature. C’est le cas de l’album éponyme de 1984 des Red Hot Chili Peppers. L’influence funk du groupe est clairement présente, mais le son général est plus punk que bruyant qu’un style pleinement développé.

À l’époque, les RHCP étaient composés d’Anthony Kiedis, de Flea, du guitariste Jack Sherman et du batteur Cliff Martinez. Sherman sera écarté du groupe en 1985, tandis que Martinez restera assez longtemps pour jouer sur le deuxième album, Freaky Styley. En dernière place de notre classement des meilleurs albums des Red Hot chili Peppers.

12 – Freaky Styley (1985)

Nous ne sommes pas en train de critiquer les premières années des Red Hot Chili Peppers. C’est vrai. Il se trouve simplement que leurs deux premiers albums sont les plus faibles. Freaky Styley est le son d’un groupe encore à la recherche de son identité, mais avec un peu plus d’assurance dans le travail.

La légende du funk George Clinton a produit l’album et a même fait vivre le groupe avec lui pendant un mois, aidant les RHCP à embrasser pleinement leurs tendances funk. Freaky Styley se caractérise par de nombreuses expérimentations, avec des éléments punk, psychédéliques et métalliques. Certains fonctionnent mieux que d’autres.

Dans les notes de pochette de la réédition de l’album en 2003, Flea décrit Freaky Styley comme « trop funky pour les radios blanches, trop punk rock pour les radios noires ». Il s’agit peut-être là d’une évaluation à l’eau de rose. En vérité, l’album sonne plus comme des douleurs de croissance nécessaires pour que les Red Hot Chili Peppers trouvent leur équilibre.

11 – Return of the Dream Canteen (2022)

Les RHCP ont surpris les fans avec un deuxième album en 2022, mais Return of the Dream Canteen n’a pas réussi à poursuivre sur la lancée d’Unlimited Love (voir le numéro 7 de notre liste des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers). L’album démarre assez fort, avec « Tippa My Tongue » qui offre le genre de funk entraînant et de linguistique tordue qui ont fait des Chili Peppers l’un des groupes les plus populaires de leur génération.

Cependant, une grande partie de Return of the Dream Canteen manque d’intérêt ou, pire encore, d’inspiration. « Eddie », un hommage à Eddie Van Halen, semble assez sérieux, mais il manque de profondeur pour s’inscrire comme une ode profonde à l’un des plus grands dieux de la guitare du rock. Il y a des perles cachées ici – « Peace and Love » roule sur un groove doux, et « The Drummer » offre la mélodie la plus forte de l’album – mais dans l’ensemble, The Dream Canteen est un vrai snooze-fest.

10 – The Getaway (2016)

Le 11e album des Red Hot Chili Peppers est parfaitement réussi. Le premier single « Dark Necessities » est incontestablement le morceau le plus marquant, avec une ligne de basse palpitante et une partie de piano obsédante ancrant une chanson légèrement mélancolique, mais incroyablement entraînante.

Bien que The Getaway comprenne quelques autres titres phares, dont « Go Robot » et « The Hunter », il s’agit dans l’ensemble d’un album solide mais oubliable. La plupart des territoires musicaux sont des terrains sur lesquels le groupe s’est déjà aventuré.

L’album est surtout connu pour le guitariste Josh Klinghoffer, qui semble avoir trouvé sa place au sein du groupe lors de son deuxième – et dernier – album avec les RHCP. Un eplace méritée dans le to p10 des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers.

9 – ‘The Uplift Mofo Party Plan’ (1987)

Étrangement, le troisième album des Red Hot Chili Peppers est le premier à réunir les quatre membres fondateurs du groupe : Anthony Kiedis, Flea, le batteur Jack Irons et le guitariste Hillel Slovak. C’est ici que le groupe commence à trouver sa zone de confort. « Fight Like a Brave » est un cri de ralliement emphatique, « Behind the Sun » trouve le groupe en train d’infuser juste ce qu’il faut de sons psychédéliques et « Love Trilogy » offre quelques-unes des paroles les plus fortes du groupe à ce jour.

The Uplift Mofo Party Plan a été le premier album à vraiment faire tilt pour les RHCP, et cela s’est vu dans les réactions des fans. Mais la tragédie n’était pas loin. Après la tournée de promotion de l’album, Slovak a fait une overdose mortelle en 1988. Un tournant dans la discographie des Red Hot Chili Peppers.

8 – ‘I’m With You’ (2011)

On poursiuit notre remontée des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers avec I’m With You. Après le second départ de John Frusciante, Red Hot Chili Peppers a intégré le guitariste Josh Klinghoffer dans le groupe. Son premier album avec le groupe, I’m With You (2011), a souffert des réactions spontanées des critiques et des fans, qui étaient mécontents que le nouveau guitariste n’apporte pas au groupe le même style et le même son que Frusciante.

Mais il est facile d’apprécier I’m With You pour ce qu’il est : une solide introduction à un nouveau chapitre de l’histoire des RHCP. La prestation de Klinghoffer est moins tape-à-l’œil que celle de son prédécesseur mais n’en est pas moins importante. « Brendan’s Death Song » est un hommage poignant à Brendan Mullen, propriétaire de boîte de nuit décédé, qui a joué un rôle déterminant dans l’obtention par le groupe de certains de ses premiers concerts à Los Angeles.

« Look Around » est un commentaire social caché dans une structure de chanson festive typique des Red Hot Chili Peppers, avec des riffs scintillants de Klinghoffer. Mais le point culminant de l’album – et son plus grand succès – est le funky et flottant « The Adventures of Rain Dance Maggie ».

7 – Unlimited Love (2022)

Avec le retour de Frusciante pour son troisième tour de service, Unlimited Love de 2022 voit les Red Hot Chili Peppers revenir à leur zone de confort. Ce n’est en aucun cas une critique. Avec le retour de leur guitariste de la période classique, les RHCP retrouvent la chaleur et l’âme sud-californienne qui ont fait la grandeur d’albums comme Blood Sugar Sex Magik et Californication.

Le premier single « Black Summer » brûle lentement avant de s’ouvrir sur des harmonies euphoriques et des guitares flamboyantes. « Veronica » et « The Heavy Wing » offrent de véritables refrains à écouter. Et « Poster Child » peut être polarisé – vous adorerez les hommages rapides à de nombreuses influences du groupe ou vous le considérerez comme une imitation ennuyeuse de « We Didn’t Start the Fire ». Dans l’ensemble, l’album est plus rêveur qu’agressif, mais c’est un style que les Chili Peppers, désormais aînés du rock alternatif, portent bien.

6 – Mother’s Milk (1989)

On continue notre liste des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers avec un album charnière. C’est ici que les RHCP placent la barre plus haut. Avec Mother’s Milk, le groupe concrétise enfin les promesses entrevues sur ses trois premiers albums. Avec les nouveaux membres John Frusciante et Chad Smith, la formation classique du groupe est formée.

Et bien que Mother’s Milk ait certainement quelques défauts, l’album est plus cohérent et plus mélodique que tout ce que le groupe avait sorti auparavant. Le morceau le plus célèbre de l’album n’est même pas un original des Chili Peppers, mais une reprise de « Higher Ground » de Stevie Wonder. Entre les mains du groupe, un morceau auparavant funky sur la spiritualité est devenu un hymne rock frénétique. C’est toujours l’une des chansons préférées des fans des Chili Peppers.

5 – By the Way (2002) – l’un des meilleurs albums des Red Hot chili Peppers

Après l’énorme succès de Californication en 1999, les attentes étaient élevées pour By the Way. Le fait que l’album ait réussi à les dépasser est remarquable, mais la façon dont il l’a fait est encore plus impressionnante.

Les RHCP sont allés à l’encontre de leur propre formule sur By the Way, s’éloignant des influences funk-punk pour adopter un son plus mélodique, émotionnel et introspectif. L’album comprend toujours de nombreux succès – la chanson titre, « Can’t Stop » et « The Zephyr Song » – mais il y a plus de ballades qu’auparavant, notamment l’envoûtante « Dosed ». By the Way n’est pas aussi fort que son prédécesseur, mais il se classe parmi les meilleures œuvres de la discographie des Red Hot Chili Peppers.

4 – One Hot Minute (1995)

One Hot Minute sera probablement toujours l’album le plus polarisé du catalogue des Red Hot Chili Peppers. Seul album enregistré avec Dave Navarro – qui est devenu le guitariste du groupe après le premier départ de John Frusciante – One Hot Minute est résolument différent de tous les autres albums du groupe.

Grâce à l’implication de Navarro, on y retrouve des influences hard rock, metal et psychédéliques, tandis que le funk est relégué à l’arrière-plan. Une telle démarche était une hérésie pour les fans fidèles des RHCP, mais il fallait aussi du courage pour l’entreprendre.

« Aeroplane » et « My Friends » figurent toujours parmi les plus grands succès du groupe, tandis que le morceau plus profond « Warped » reste l’un des joyaux cachés du groupe, criminellement sous-estimé. Bien que One Hot Minute ait été en grande partie rejeté par les critiques à sa sortie, il a été soutenu au fil des ans comme un détour audacieux dans le parcours plus large du groupe.

Et le podium du meilleur de la discographie des Red Hot Chili Peppers est…

3 – Stadium Arcadium (2006)

Réduit à ses meilleures chansons, Stadium Arcadium est peut-être le meilleur album des Red Hot Chili Peppers. Il a en tout cas de solides arguments à faire valoir : Il s’agit du premier album du groupe classé numéro 1, qui a remporté cinq Grammys et s’est vendu à plus de 4 millions d’exemplaires aux États-Unis. Mais le double album dure plus de deux heures, ce qui fait qu’il y a beaucoup de remplissage entre les moments en or.

Pour chaque « Snow (Hey Oh) » et « Dani California », il y a un oubliable « Warlocks » ou « 21st Century » qui ramène les choses sur terre. Les meilleurs moments sont si extraordinaires qu’ils compensent largement les moins bons. Pourtant, il est difficile de ne pas se demander comment une version épurée de l’album serait perçue. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers.

2 – Californication (1999) – l’un des tout meilleurs albums des Red Hot chili Peppers

À la fin des années 90, certains critiques et fans avaient fait une croix sur les Chili Peppers. Californication les a fait taire et a cimenté la place du groupe parmi l’élite du rock. Avec John Frusciante de retour au bercail – et plus sobre et concentré que jamais – le groupe a créé quelques-uns des meilleurs morceaux de sa carrière.

L’album contient toujours beaucoup de basses funky (« Around the World »), mais aussi des ballades poignantes (« Otherside », « Scar Tissue »), des rockers distordus (« Parallel Universe ») et même un morceau folklorique (« Road Trippin' »). Et puis il y a la chanson titre, un regard sans filtre sur le côté sombre d’Hollywood, qui reste l’une des chansons les plus populaires du groupe. Californiacation est un triomphe. Une place de choix dans la discographie des Red Hot Chili Peppers.

1 – Blood Sugar Sex Magik (1991)

Comment ne pas placer Blood Sugar Sex Magik en tête de notre classement des meilleurs albums des Red Hot Chili Peppers ? L’album est à la fois l’album de la percée des RHCP et leur chef-d’œuvre. En faisant équipe avec le producteur Rick Rubin et en enregistrant dans un manoir d’Hollywood, le groupe a pu puiser dans quelque chose de brut, d’énergique et d’entièrement nouveau.

« Give It Away » est un titre puissant, sur lequel Anthony Keidis perfectionne son style frénétique. « Breaking the Girl », avec sa signature temporelle 6/8 et ses percussions emphatiques, est l’une des chansons les plus originales du groupe. Et puis, il y a « Under the Bridge », un aperçu de la lutte de Keidis contre la toxicomanie, qui reste le morceau phare des Red Hot Chili Peppers.

Nos coups de cœurs : le titre « Blood Sugar Sex Magik » et « Sir Psycho Sexy » (8 minutes de pur funk et l’une des meilleures chansons des Red Hot Chili Peppers), 2 purs condensés de RHCP. 30 ans après sa sortie, cet album n’a pas pris une ride et restera à jamais comme le meilleur album des Red Hot Chili Peppers.

Les albums vraiment transcendants fonctionnent dans une sorte de bulle temporelle, avec un matériel si fort que l’œuvre continue de résonner des décennies après sa sortie. Blood Sugar Sex Magik est un tel album.

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Quel est le top 3 des meilleurs albums de Radiohead ? Difficile de répondre à cette question tant le groupe aura sorti de superbes opus depuis près de 30 ans.Radiohead, groupe de rock britannique qui était sans doute le groupe d’art-rock le plus accompli de ces dernières décennies. Le groupe comprend le chanteur Thom Yorke, les guitaristes Jonny Greenwood et Ed O’Brien, le bassiste Colin Greenwood et le batteur Phil Selway.

Un rock band qui, tel Pink Floyd dans les années 1970, a été pionnier dans bien des domaines, notamment dans la création d’un univers imagé et poétique tout en fusionnant le rock et l’électronique. Voici notre classement des meilleurs albums de Radiohead.

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Notre classement des meilleurs albums de Radiohead

9) Pablo Honey – 1993

1^er album de Radiohead sorti en 1993, Pablo Honey restera dans les mémoires pour son titre phare « Creep », une des meilleurs chansons rock qui existe. Mais, le reste de l’album n’est pas au niveau. Si des titres comme « Blow Out », « RipCord » et « You » restent toujours agréables, les autres titres – très grunges – ne resteront pas dans la mémoire des fans.

Bon en même temps, il ne faudra pas attendre bien longtemps avant de toucher au sublime… On classe sans hésitation Pablo Honey en dernière place de notre classement des meilleurs albums de Radiohead.

8) The King of Limbs – 2011

Avec une durée de 37 minutes et 34 secondes, The King of Limbs est l’album de Radiohead le plus court, et l’on pourrait raisonnablement suggérer que cette brièveté est la preuve que Radiohead est en manque d’inspiration. The King of Limbs est loin d’être mauvais, mais il n’a pas la singularité avant-gardiste ou le poids émotionnel de la majorité de la production du groupe.

C’est un disque très joli, plutôt léger, parsemé de quelques moments vraiment excellents – les rythmes brisés qui ouvrent Bloom, la marche funèbre de Codex – mais qui n’est pas à la hauteur des normes très élevées que Radiohead s’est fixées. Loin d’être l’un des meilleurs albums de Radiohead.

7) Amnesiac – 2001

On poursuit notre liste des meilleurs albums de Radiohead avec Amnesiac. Compagnon jumeau de Kid A, Amnesiac souffre légèrement de la comparaison, en raison de la prise de conscience des fans et de leur nouvelle familiarité avec le changement de style opéré par le groupe. Ce qui ne l’empêche pas d’être un ensemble de chansons phénoménal.

Avec le désormais emblématique « Pyramid Song » et ses accords de piano qui glacent encore le sang et hérissent les poils, le cinquième album du groupe est rempli de rythmes brisés, de basses électroniques lancinantes, de touches hantées et de la voix hypnotique de Yorke.

Enregistré dans les mêmes sessions de studio que son prédécesseur plus acclamé, il est la preuve du puits débordant d’idées qui jaillissaient du groupe dans cette phase libératrice, richement créative et désinhibée de leur carrière.

6) Hail to the Thief – 2003

On continue notre revue de la discographie de Radiohead avec Hail To The Thief. Un changement évident de direction après les deux albums précédents Kid A et Amnesiac, plus axés sur l’électronique. “2+2=5” et “Sit Down. Stand Up” sont deux premiers titres très rock, qui lancent parfaitement cet album. Le titre « Sail To The Moon » est magnifique et onirique.

« Backdrifts » nous annonce les prémices de In Rainbows. « Go To Sleep » est un superbe titre avec un Jonny Greenwood en grande forme. On retiendra aussi « There, There », une des meilleurs chansons du groupe tout simplement. bref, vous avez là avec Hail To Thief, un des meilleurs albums de Radiohead. Il aurait mérité d’être un poil plus court…

5) A Moon Shaped Pool – 2016 – l’un des meilleurs albums de Radiohead

Après 5 ans d’absence, Radiohead avec un hypnotique A Moon Shaped Pool. On y retrouve en fil rouge la mélancolie caractéristique du groupe. Comme avec Ok Computer et Kid A en leur temps, Radiohead se réenchantera avec cet album, emmenant son public dans des sphères encore plus personnelles.

A Moon Shaped Pool est une réussite de part une production parfaite, par des compositions d’une architecture encore jamais atteint par le groupe et par une harmonie enjouée et envoûtante à la fois. Un ajout important dans la discographie de Radiohead.

4) In Rainbows – 2007

Toujours en perpétuelle recherche de créativité, Radiohead proposa son 7^ème album studio In Rainbows en téléchargement libre, en échange d’un don laissé à l’appréciation de l’auditeur.

Tout en subtilité, l’album est d’une rare beauté, les textes sont beaux et la voix de Thom Yorke tutoie les sommets sur des titres comme « Nude » ou Reckoner ». Comme un bon vin, In Rainbows s’embellit avec le temps et devient aujourd’hui l’un des meilleurs albums de Radiohead

Et le podium des meilleurs albums de Radiohead est…

3) Kid A – 2000

Véritable virage électro pour commencé ce nouveau millénaire, Radiohead sort un ovni avec Kid A qui s’affranchit de tout genre musical. Si The Bends fut une tuerie pop-rock, OK Computer un album électro-rock des plus innovants, Kid A reste inclassable.

Si les textes sont simplistes, les musiques sont de véritables œuvre d’exploration et de déstructuration, comme sur « Everything in Its Right Place » ou « The National Anthem ». « How to Disappear Completely » reste à ce jour l’une des plus belles et des plus mélancoliques chansons du groupe. Bienvenue sur le podium de la discographie de Radiohead.

2) The Bends – 1995 – l’un des meilleurs albums de Radiohead

Après l’écrasant succès de « Creep » issu de leur 1e^r album Pablo Honey, Radiohead sort en 1995 ce qui restera encore aujourd’hui comme un monument de la pop-rock : The Bends.

Des titres explosifs et parfaitement construits comme « The Bends », « Bones » ou « Just », des ballades bucoliques comme « High & Dry » ou « Nice Dream » ou encore des mélodies déchirantes que sont « Fake Plastic Trees » ou « Street Spirit (Fade Out) ». The Bends est le meilleur album de 1995, l’un des meilleurs albums de Radiohead et certainement de tous les temps.

1) OK Computer – 1997

OK Computer est une bombe dans le paysage pop rock des années 90 : le mélange pop, rock et électro touche au sublime tout au long de l’album. La voix de Thom Yorke associé à la recherche magistrale de ligne de guitare de Johnny Greenwood aborde à cet opus un côté magique…

Du nerveux avec des titres comme « Airbag » ou « Electioneering », du planant avec « Lucky » ou « The Tourist », des tubes en puissance comme « Karma Police » ou l’ovni « Paranoid Android ». Cet album est parfait ; OK Computer est sans conteste LE meilleur album de Radiohead.

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Place à notre classement des meilleurs albums de Nirvana. Avec seulement quatre accords et des paroles inintelligibles, Nirvana a déclenché un raz-de-marée de grunge qui a déferlé sur le grand public – un raz-de-marée qui a laissé une marque indélébile sur le paysage musical et la conscience collective de la pop.

Le grunge existait avant l’arrivée de Kurt Cobain, mais il a fallu sa poésie autodestructrice et son charisme débridé pour que cet amalgame unique de boue inspirée de Black Sabbath, de dynamique à la Pixies et d’accroches dignes d’une arène soit révélé aux masses au-delà du nord-ouest du Pacifique.

Avec le bassiste Krist Novoselic et le batteur Dave Grohl, le trio a été une révélation en 1991, à une époque où la radio était dominée par le rock corporatif (Bryan Adams) et le rap inoffensif (MC Hammer). Leur succès inattendu a peut-être déclenché une série d’événements qui ont finalement conduit au suicide de Cobain en 1994, mais l’héritage de Nirvana n’est pas entouré d’obscurité – l’énergie et l’originalité de leur musique (sortie en seulement quatre ans) signifieront à jamais un monde de possibilités.

Notre classement des meilleurs albums de Nirvana

10 – Icon (2010)

Des deux albums officiels de Nirvana, celui-ci, compilé par Universal, est peut-être le plus concis, avec seulement 41 minutes (contre les mêmes chansons et trois de plus sur l’album Nirvana de 2002). Mais si vous êtes à la recherche d’une collection des meilleures chansons d’un groupe, la brièveté n’est pas vraiment un argument de vente.

Pourtant, c’est comme comparer une pomme à une autre pomme légèrement plus grosse et les deux sont toujours aussi délicieuses. Tous les hits sont là : « Smells Like Teen Spirit, Heart-Shaped Box et même All Apologies, extrait de Unplugged in New York.

Mais si vous devez classer toutes les chansons par ordre chronologique, il est un peu étrange de commencer par la dernière « nouvelle » chanson de Nirvana, « You Know You’re Right ». En dernière place de notre liste des meilleurs albums de Nirvana.

9 – Sliver : The Best of the Box (2005)

En 2004, DGC a sorti un coffret de trois disques intitulé With the Lights Out qui se voulait un catalogue encyclopédique de tous les titres rares et inédits de Nirvana. Bien qu’une grande partie du matériel ait été enregistrée grossièrement et/ou n’ait pas été jugée digne d’être publiée, le coffret a battu un record de vente en une semaine.

Un an plus tard, DGC a dévoilé cette version abrégée, sur un seul disque, contenant 22 chansons – dont trois ne figuraient pas sur With the Lights Out : une démo de 1985 de « Spank Thru », un enregistrement studio de 1990 de « Sappy » (qui s’est avéré être « Verse Chorus Verse » de la compilation No Alternative de 1993) et une répétition enregistrée de « Come as You Are ».

Pris isolément, Sliver est un regard intriguant sur l’évolution de Nirvana dans ses moments les plus faillibles, mais la qualité du son et le choix des chansons rendent l’écoute difficile pour les fans occasionnels – et toute personne ayant l’esprit d’écouter une démo personnelle de « All Apologies » ferait mieux de se contenter d’acheter le coffret. Tout comme Icon, un album de Nirvana largement dispensable.

8 – From the Muddy Banks of the Wishkah (1996) – l’un des meilleurs albums de Nirvana

C’est un exploit rare lorsqu’un album live débute à la première place du Billboard 200, mais ce n’est pas si surprenant dans le cas de From the Muddy Banks of the Wishkah. Issu d’un large éventail de concerts entre 1989 et 1994, c’est ce qui se rapproche le plus d’un nouvel album de Nirvana, compte tenu des circonstances.

Certains enregistrements proviennent de concerts massifs en plein air (« Smells Like Teen Spirit » et « Drain You » proviennent d’un concert donné en 1991 au Del Mar Fairgrounds en Californie) et d’autres proviennent de concerts plus intimes dans des clubs (« Polly » et « Breed » ont été enregistrés à l’Astoria de Londres en 1989), ce qui donne une cacophonie un peu chaotique.

Mais cela n’est pas sans rappeler le son actuel de Nirvana et l’album les capture à leur meilleur niveau, si ce n’est le plus distinct.

7 – Nirvana (2002)

Il s’agit de la compilation des plus grands succès entre Courtney Love et les membres restants de Nirvana, et tout se résume à une seule chanson : la susmentionnée « You Know You’re Right », qui a été enregistrée lors de la dernière session de studio du groupe en janvier 1994.

Novoselic et Grohl voulaient la sortir sur l’album With the Lights Out, longtemps retardé, mais Love pensait qu’il s’agissait d’un « tube potentiel d’une valeur artistique et commerciale extraordinaire » et qu’elle serait « gaspillée » sur un coffret.

Elle a intenté un procès à Novoselic et Grohl pour obtenir le contrôle de l’héritage du groupe, a bloqué la sortie de la chanson et l’a incluse dans cette compilation – qu’elle a modelée sur la collection des Beatles de 2000, 1.

Plus ou moins identique à la compilation Icon, Nirvana inclut également « About a Girl » de Bleach ; « Been a Son » de l’EP Blew ; et la reprise de « The Man Who Sold the World » de David Bowie, tirée de Unplugged in New York. (Cette collection place également « You Know You’re Right » en premier, bien qu’elle suive un ordre chronologique différent).

6 – Live at Reading (2009) est l’un des meilleurs disques de Nirvana

Contrairement à From the Muddy Banks of the Wishkah, Live at Reading est la chronique d’un concert enregistré du début à la fin – et ce concert est peut-être le plus important de la carrière de Nirvana. Frances Bean est née 12 jours seulement avant que le groupe ne se produise en tête d’affiche du festival de Reading, en Angleterre, en 1992, et que les rumeurs sur l’état physique et mental de Cobain n’atteignent leur paroxysme.

Il réagit de manière atypique en se faisant transporter dans un fauteuil roulant et en gémissant une ligne de « The Rose » de Bette Midler avant de s’effondrer sur scène. Mais il s’est rapidement relevé et s’est lancé dans une interprétation bouillonnante de « Breed ».

Ce n’est que le début d’une performance totalement transcendante – qui a été largement piratée jusqu’à ce qu’elle soit publiée officiellement

5 – Bleach (1989)

Enregistré pour environ 600 dollars en quelques jours avec le producteur de Seattle Jack Endino, le premier album de Nirvana, Bleach, est plus une capsule temporelle de leur incarnation embryonnaire qu’autre chose. En fait, le deuxième guitariste sur la pochette de l’album est l’éphémère Jason Everman – qui a financé le disque mais n’a joué sur aucune des chansons – et Bleach comprend des chansons jouées par deux batteurs différents (Chad Channing et Dale Crover).

Cobain a subi la pression de leur label indépendant, Sub Pop, pour rester proche de l’esthétique grunge naissante et éviter ses indulgences artistiques. Il a également déclaré avoir écrit la plupart des paroles la nuit précédant l’enregistrement, ce qui a conduit à un album dont il n’était que partiellement fier.

Il n’en reste pas moins qu’une électricité indéniable parcourt des titres comme « Negative Creep » et « Love Buzz », tandis que le talent de Cobain pour les chansons pop transparaît dans la ballade « About a Girl ».

Bien qu’il ne se soit vendu qu’à 40 000 exemplaires lors de sa sortie en 1989, la réédition que Geffen a réalisée dans le sillage de Nevermind s’est vendue à plus de 1,5 million d’exemplaires et reste à ce jour l’album le plus vendu de Sub Pop.

4 – Incesticide est l’un des meilleurs albums de Nirvana

Incesticide n’est pas un album officiel de Nirvana : Il s’agit d’une collection de raretés et de faces B rassemblées par Geffen dans la foulée lucrative de Nevermind. Mais nombreux sont ceux qui affirment que c’est l’album de Nirvana qui représente le mieux le son du groupe.

Il contient un peu de tout : quelques singles d’avant la gloire et des morceaux de compilation (« Sliver » et « Beeswax »), un trio de reprises (« Molly’s Lips » et « Son of a Gun » des Vaselines et « Turnaround » de Devo) et des versions inédites de morceaux (« Been a Son » et « Aneurysm »).

Bien qu’il soit un peu inégal (quatre des cinq batteurs de Nirvana y figurent), il ne fait qu’ajouter au charme d’un album qui oscille entre le sludge metal et la pop bubblegum. Cobain aurait voulu offrir aux fans une version de meilleure qualité, mais il a accepté de la publier après avoir eu le contrôle total de la pochette.

Et le podium est…

3 – Unplugged in New York (1994)

Enregistré en novembre 1993 pour la populaire série acoustique de MTV, Unplugged in New York est sorti en tant qu’album à la fin de l’année 1994, ce qui en fait le premier disque de Nirvana à sortir après la mort de Cobain.

Mais contrairement aux autres albums de la série, Nirvana a largement délaissé ses succès au profit d’interprétations dépouillées (mais pas entièrement acoustiques) de morceaux plus profonds comme « Pennyroyal Tea » et « Something in the Way », ainsi que de reprises de « The Man Who Sold the World » de David Bowie et du standard folklorique « Where Did You Sleep Last Night ».

Cobain est également fier de présenter quelques-uns de ses musiciens préférés (bien qu’inconnus pour la plupart), les Meat Puppets, et joue trois de leurs chansons (« Plateu », « Oh, Me » et « Lake of Fire »).

Outre la démonstration de l’étendue surprenante des talents de Nirvana, Unplugged in New York offre également un rare aperçu sincère et presque nu de Cobain, qui semble à l’aise et même enjoué tout au long de l’album. Pour beaucoup, il s’agit d’un adieu mélancolique mais poignant. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums de Nirvana.

2 – In Utero (1993) est l’un des meilleurs albums de Nirvana

Après que Nevermind ait fait de Nirvana le plus grand groupe de rock du monde et de Cobain le sauveur d’une scène dont il a toujours affirmé qu’il ne voulait rien avoir à faire avec, ils ont semblé faire tout ce qu’ils pouvaient pour aliéner (ou au moins contrarier) le plus grand nombre possible de fans de la première heure avec une suite délibérément abrasive.

Ils se sont tournés vers la légende de l’underground Steve Albini (Pixies, The Breeders) et se sont retranchés dans un studio isolé du Minnesota pour créer In Utero, un album qui, rétrospectivement, ressemble un peu à une lettre de suicide de Cobain.

Influencé en grande partie par une relation ténue avec sa nouvelle célébrité et beaucoup plus brut et grinçant que le relativement lisse Nevermind, l’album est considéré par certains puristes comme l’apogée artistique du groupe.

« Heart-Shaped Box » et “Rape Me” sont parmi les morceaux les plus mordants et les plus acerbes que le groupe ait jamais enregistrés, tandis que “Dumb”, aux accents de violoncelle, et “All Apologies”, presque exubérant, sont parmi les plus éclectiques, faisant de l’album une entreprise sombre mais ravissante qui reste l’un des albums les plus évocateurs des années 90.

1 – Nevermind

Comment ne pas placer Nevermind en tête de notre liste des meilleurs albums de Nirvana ? Peu d’albums dans l’histoire de la musique enregistrée ont eu un impact musical et culturel comparable à celui de Nevermind – un album dont personne ne s’attendait à ce qu’il change le monde.

Après des débuts relativement décevants chez Sub Pop, Nirvana (dont le batteur Dave Grohl pour la première fois) a signé un contrat avec DGC pour seulement 287 000 dollars et a enregistré son deuxième album avec Butch Vig aux Sound City Studios en Californie dans l’espoir d’en vendre environ 200 000 exemplaires.

Bien que Nevermind ait débuté à la 144e place du Billboard 200, tout a changé une fois que le single principal, « Smells Like Teen Spirit », et sa vidéo anarchique ont atteint les masses. La production soignée de Nevermind donne un éclat pop au lyrisme post-moderne de Cobain et l’album se délecte de son attrait anti-tout.

Des féroces « In Bloom » et « Lithium » aux plus pensifs « On a Plain » et « Something in the Way », Nevermind est un chef-d’œuvre du début à la fin et une véritable collection de grands succès des années 90. Il n’a pas seulement défini Nirvana, il a aussi défini toute une génération.

Ecouter Nirvana ici :