Catégorie : Métal

Place à notre liste des meilleures chansons de Gojira. Gojira est l’un des groupes de métal les plus importants du 21e siècle, le groupe français ayant produit une série d’albums acclamés au cours des 20 dernières années. Récemment, Gojira a attiré l’attention du monde entier avec une performance électrisante lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques à Paris.

Formé par les frères Joe Duplantier (chant, guitare) et Mario Duplantier (batterie), ainsi que le guitariste Christian Andreu, à l’adolescence en 1996, et avec le bassiste de longue date Jean-Michel Labadie (qui s’est joint au groupe en 1998), Gojira a sorti sept albums au cours de sa carrière.

Les chansons de Gojira sont non seulement extrêmement lourdes sur le plan musical, mais elles sont également très lourdes sur le plan des paroles, souvent centrées sur des questions environnementales, ainsi que sur des thèmes spirituels et philosophiques.

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Notre top 10 des meilleures chansons de Gojira

10 – « Stranded » – Magma

Sorti en tant que premier single de l’album Magma en 2016, « Stranded » a choqué les fans et a été accueilli avec hésitation lors de sa sortie. Maintenant que la poussière est retombée, la chanson peut recevoir son évaluation méritée en tant que moment impressionnant et transitoire dans la discographie de Gojira.

Marqué par des harmonies dissonantes, ce single n’est pas le tech-death expansif des trois derniers albums, mais un amalgame de prog-groove metal tranchant qui fait appel à la fois à l’habileté musicale et à un sens aigu de la brièveté de la composition.

Le fait qu’il s’agisse du premier titre publié par Gojira après leur déménagement en Amérique, où ils l’ont enregistré dans leur nouveau studio, le rend d’autant plus symbolique

9 – « Toxic Garbage Island » – The Way of All Flesh – l’une des meilleures chansons de Gojira

« Toxic Garbage Island » est l’un des meilleurs exemples d’écriture de Gojira sur la nature ; plus précisément, elle est inspirée par le “vortex de pollution dans le Pacifique, deux fois plus grand que la France” (comme l’a expliqué un jour Mario Duplantier). Des paroles telles que « Cities are burning / The trees are dying / My heart awake, but still » filtrent le message écologiste à travers les poésies pointues caractéristiques de Gojira.

Cependant, c’est l’instrumentation à la fois féroce, décousue et cathartique qui permet à « Toxic Garbage Island » d’être une manière captivante, brutale et mélodique de lancer le quatrième album studio du groupe, The Way of All Flesh.

8 – « New Found » – Fortitude

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Gojira avec « New Found ». « New Found » exploite la dualité de la guitare de Joe et de la batterie de Mario. Alors que ce dernier pose des rythmes et des syncopes difficiles, Joe opte pour des mélodies et des riffs a ccrocheurs – avec de temps en temps une note tordue pour donner de la saveur – et contrebalance les arrangements complexes de son frère par une accessibilité tangible.

Cela culmine lorsque la chanson se lance dans son refrain harmonieux, où toutes les arêtes tranchantes disparaissent. En guise de pont, le groupe reprend habilement le refrain sous la forme d’un passage semi-ambiant avant d’attaquer les riffs une fois de plus.

Alors que les chansons de Gojira sont de plus en plus courtes et compactes sur leurs derniers albums, « New Found » est une exception notable.

7 – « Liquid Fire » – L’Enfant Sauvage

Gojira n’a pas eu la tâche facile en essayant de suivre The Way of All Flesh, et bien que certains fans considèrent L’Enfant Sauvage comme un effort moindre, il s’agit tout de même d’un superbe voyage. L’une des raisons principales est « Liquid Fire », un morceau tonitruant, nuancé et émouvant qui démontre l’importance accordée par l’album aux portées épiques et aux textures ambiantes.

Les paroles et les mélodies de Joe Duplantier sont fascinantes, déchirantes et détaillées. L’effet robotique sur sa voix (pendant le refrain) rehausse également son agressivité obsédante.

6 – Universe – From Mars to Sirius – l’un des meilleurs titres de Gojira

A l’image de son titre, « The Heaviest Matter of the Universe » est l’un des morceaux les plus techniques et les plus extrêmes de Gojira – une séance de quatre minutes de mathématiques de la signature temporelle, de coups de poing harmoniques et d’une habileté à couper le souffle. Le batteur Mario Duplantier est une merveille sur la plupart des morceaux de Gojira, mais celui-ci pourrait bien être son plus grand accomplissement.

Ce qu’il joue ici est à la limite du surhumain, et c’est aussi le squelette de l’arrangement de la chanson – un morceau sans compromis de death metal technique et un point culminant du meilleur travail de Gojira sur l’ensemble de son œuvre, From Mars to Sirius.

5- « The Art of Dying « – The Way of All Flesh

En 5ème place de notre top 10 des meilleures chansons de Gojira, on retrouve « The Art of Dying ». « The Art of Dying » fait référence au bouddhisme et préfigure intelligemment le succès de “Esoteric Surgery” vers la fin de l’album. C’est facilement l’un des morceaux les plus ambitieux de Gojira à ce stade, avec son ouverture tribale progressivement intensifiée (et très intrigante) évoluant vers un assaut saisissant de riffs et de rythmes maniaques, accompagné d’un chant implacable qui coupe la gorge.

Comme beaucoup de leurs chansons, cependant, ce sont les moments plus modestes et pleins de ressources – tels que les divers ralentissements qui précèdent les nouveaux débordements – qui en font une partie essentielle de leur catalogue.

4 – « Ocean Planet » – From Mars to Sirius

« Ocean Planet » est la pièce maîtresse conceptuelle de From Mars to Sirius, soulignant le spiritualisme et les thèmes écologistes présents tout au long de l’album. La dernière phrase de la chanson est peut-être la plus puissante de toute la discographie du groupe : « La planète océan est en feu ».

C’est une phrase poignardante – un drap blanc qui se drape sur les rêves de transcendance personnelle décrits avant elle (pour « nager jusqu’aux baleines dans le ciel »). Joe Duplantier s’assure que ses mots sont lisibles, délivrant son chant avec une franchise acérée tandis que le groupe fournit une toile de fond technique de death metal à la fois dure et majestueuse.

Et le podium est…

3 – « Silvera » – Magma

Le deuxième single de , « Silvera » a été nommé pour la meilleure performance metal aux Grammy Awards 2017 (où il a perdu face à « Dystopia » de Megadeth). Bien qu’il s’inscrive dans leur terrain artistique, son tempo sludgy, ses atmosphères post-métal et son utilisation réduite de l’hyperactivité tech-death signifient qu’il est plus accueillant et mélodique que la plupart des travaux antérieurs de Gojira.

Bien sûr, la technique de tapping caractéristique de Joe Duplantier pendant son solo de guitare élève le morceau encore plus haut, et dans l’ensemble, « Silvera » est un excellent point d’entrée pour les nouveaux venus de Gojira qui ne sacrifie rien de crucial à leur recette gagnante. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Gojira.

2 – « L’enfant Sauvage » – L’enfant Sauvage – L’une des meilleures chansons de Gojira.

Les rythmes grinçants et les répétitions de « L’enfant Sauvage » créent une atmosphère statique de mélancolie, qui trouve un écho dans les hurlements passionnés de Joe Duplantier.

Il y a une tension supplémentaire dans sa voix qui est franchement soulful – un descripteur qui semblerait habituellement obtus dans le contexte du metal extrême mais qui est constamment approprié en ce qui concerne Gojira.

L’auditeur peut être bercé dans un état de réflexion, avant d’être secoué encore plus intensément par la rupture en coup de fouet qui éclate vers la fin de la chanson.

1 – « Flying Whales » – From Mars to Sirius

LA meilleure chanson de Gojira est pour nous « Flying Whales ». Il est normal que la plus grande chanson de Gojira soit tirée de leur plus grand album. Alimentée par les sons et la majesté des baleines, sa position anti-violence est suggérée par son introduction instrumentale sombre et douce.

Comme pour de nombreux autres morceaux, le courant subtilement dévastateur devient de plus en plus évident à chaque écoute, se terminant par de multiples couches d’agitation et d’angoisse avant ce qui est probablement le meilleur morceau de Gojira. En bref, « Flying Whales » est la pure perfection de Gojira.

Nom complet : Lars Ulrich
Né : le 26 décembre 1963
Lieu de naissance : Gentofte, Danemark
Profession : batteur, auteur-compositeur, producteur de disques
Célèbre pour : Cofondateur et batteur de Metallica, l’un des groupes de heavy metal les plus influents de tous les temps

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Premières années de Lars Ulrich et initiation à la musique (1963-1980)

Lars Ulrich est né à Gentofte, au Danemark, dans une famille aisée et artistique. Son père, Torben Ulrich, était un joueur de tennis professionnel et un musicien de jazz réputé, tandis que son grand-père était également un joueur de tennis de renom.

Au départ, il semblait que Lars suivrait leurs traces et, à l’âge de 9 ans, il jouait déjà au tennis en compétition, avec l’ambition de devenir professionnel. Cependant, sa passion pour la musique a rapidement éclipsé son intérêt pour le tennis.

Le parcours musical de Lars a commencé lorsqu’il a été initié au rock et au heavy metal à l’adolescence. En 1973, à l’âge de 9 ans, il assiste à un concert de Deep Purple à Copenhague, ce qui déclenche sa passion pour la musique et la batterie rock.

Peu après, il devient obsédé par la scène naissante de la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), en particulier par des groupes comme Iron Maiden, Diamond Head et Motörhead.

En 1980, à l’âge de 17 ans, Lars a pris une décision qui a changé sa vie. Sa famille déménage à Los Angeles, en Californie, pour permettre à Lars de poursuivre sa carrière de joueur de tennis, mais il se tourne alors vers la musique. Armé d’une batterie, de ses disques de NWOBHM et d’un désir ardent de monter un groupe, Lars commence à poser les bases de ce qui deviendra bientôt Metallica.

La formation de Metallica (1981-1983)

Après avoir déménagé à Los Angeles, Ulrich passe une annonce dans The Recycler, un journal local, en 1981, à la recherche de musiciens intéressés par la formation d’un groupe. Cette annonce attire l’attention de James Hetfield, guitariste rythmique et chanteur. Ensemble, ils ont formé le noyau de Metallica, un groupe qui allait dominer le monde du heavy metal.

Les débuts de Metallica sont marqués par la détermination et une éthique de travail implacable. Lars et James recrutent le guitariste Dave Mustaine et le bassiste Ron McGovney pour compléter la formation initiale du groupe. En 1982, le groupe enregistre sa première démo, No Life ‘Til Leather, qui attire rapidement l’attention de la scène metal underground.

En 1983, Metallica décide de remplacer Dave Mustaine par le guitariste Kirk Hammett et recrute le bassiste Cliff Burton, solidifiant ainsi ce qui deviendra leur formation classique. La même année, ils enregistrent leur premier album, Kill ‘Em All, un disque de thrash metal brut et rapide qui fait de Metallica un groupe à suivre.

Le style de batterie agressif et novateur de Lars Ulrich, caractérisé par une double grosse caisse rapide et des rythmes précis, est la clé du son du groupe.

L’ascension de Metallica (1984-1991)

Après Kill ‘Em All, Metallica sort Ride the Lightning (1984) et Master of Puppets (1986), deux albums qui mettent en valeur le jeu de batterie de plus en plus complexe de Lars Ulrich et l’évolution du son du groupe. Master of Puppets était particulièrement novateur, mêlant thrash metal et éléments progressifs, et est souvent considéré comme l’un des plus grands albums de metal jamais réalisés.

En 1986, le bassiste Cliff Burton se tue dans un accident de bus alors que le groupe est en tournée en Suède. Malgré cette perte dévastatrice, Ulrich et le reste de Metallica poursuivent leur chemin, recrutant le bassiste Jason Newsted et continuant leur ascension dans le monde du métal.

Leur album suivant, …And Justice for All (1988), voit Lars jouer un rôle prépondérant dans la direction du groupe. L’album présente des compositions complexes et longues, dont le titre emblématique « One », qui vaut à Metallica sa première nomination aux Grammy Awards.

En 1991, Metallica sort son album éponyme, souvent appelé « The Black Album ». Cet album marque un tournant vers un son plus accessible et plus grand public, tout en conservant ses racines métalliques. Des titres comme « Enter Sandman » et « Sad but True » sont devenus de grands succès.

Le jeu de batterie de Lars, bien que plus simple que dans les albums précédents, est parfaitement adapté à la production plus soignée et plus adaptée aux radios, et son sens des affaires aide Metallica à atteindre un succès commercial inégalé. L’album s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires dans le monde, consolidant la position de Metallica en tant qu’icône mondiale du rock.

Conflit et réinvention de Lars Ulrich (1992-2008)

Les années 1990 ont été marquées par des hauts et des bas pour Lars Ulrich et Metallica. Après la sortie du Black Album, le groupe est devenu l’un des plus grands groupes de rock au monde, avec des tournées massives et des stades pleins à craquer. Cependant, des divergences créatives sont apparues au sein du groupe.

Les albums Load (1996) et Reload (1997) ont permis à Metallica d’expérimenter un son plus alternatif et inspiré du blues, ce qui a aliéné certains fans de longue date mais a montré que le groupe était prêt à prendre des risques.

Lars, toujours aussi stratège, a défendu ces choix artistiques, positionnant Metallica comme un groupe qui n’a pas peur d’évoluer.

En 2000, Lars est devenu une figure centrale de la lutte contre la plateforme de partage de musique en ligne Napster. Metallica a porté plainte contre Napster pour violation des droits d’auteur, accusant la plateforme de permettre la distribution non autorisée de leur musique.

Cette bataille juridique a fait de Lars l’une des figures les plus polarisées de l’industrie musicale, de nombreux fans considérant cette action comme une attaque contre la liberté de partage de la musique. Malgré les réactions négatives, le procès a marqué un tournant dans le débat sur les droits de la musique numérique.

Les tensions au sein du groupe ont atteint leur paroxysme au début des années 2000 lors de l’enregistrement de St. Anger (2003). Le documentaire Some Kind of Monster (2004) relate les luttes internes du groupe, Lars s’opposant souvent à Hetfield. Malgré cette période chaotique, la détermination et la persévérance de Lars ont permis à Metallica d’aller de l’avant, et St. Anger, bien que controversé, a introduit un son brut et non poli qui reflétait l’état turbulent du groupe.

En 2008, Metallica est revenu à ses racines thrash metal avec Death Magnetic, un album qui a réaffirmé sa domination sur le monde du metal. Le jeu de batterie de Lars sur cet album marque un retour au style plus technique et plus agressif qui a défini le début de sa carrière, et l’album a été largement salué comme un retour à la forme.

Années récentes et continuité de l’héritage (2009-aujourd’hui)

En 2009, Metallica a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, ce qui témoigne de son influence et de son impact sur l’histoire de la musique. Les contributions de Lars, non seulement en tant que batteur mais aussi en tant que cofondateur et leader stratégique, ont été essentielles au succès du groupe.

En 2016, Metallica a sorti Hardwired… to Self-Destruct, qui a encore renforcé son héritage en tant que l’un des plus grands groupes de heavy metal de tous les temps. Le jeu de batterie de Lars, toujours aussi puissant et précis, continue d’être un élément déterminant du son de Metallica.

Les tournées mondiales du groupe, y compris les concerts en tête d’affiche de certains des plus grands festivals du monde, ont démontré que le groupe était toujours au sommet de son art.

En dehors de Metallica, Lars s’est essayé à divers projets parallèles, notamment la production de films et le métier d’acteur, apparaissant dans plusieurs documentaires et même dans un petit rôle dans le film Get Him to the Greek (2010). Sa passion pour l’art contemporain l’a également amené à devenir collectionneur et à participer activement au monde de l’art.

Vie privée de Lars Ulrich

Lars Ulrich a été marié trois fois et a trois fils. Il est actuellement marié au mannequin Jessica Miller. Connu pour sa personnalité affable et franche, Lars a toujours assumé son rôle de membre le plus controversé et le plus public de Metallica.

Un aspect important de la personnalité de Lars est son sens des affaires. Tout au long de la carrière de Metallica, il a joué un rôle clé dans la gestion des affaires financières et juridiques du groupe, veillant à ce qu’il conserve le contrôle de sa musique et de son image de marque.

Ses actions lors du procès Napster, bien que controversées, ont mis en lumière sa compréhension du paysage changeant de l’industrie musicale et de l’importance de protéger les droits des artistes.

Héritage et influence

L’héritage de Lars Ulrich en tant que batteur est multiple. Bien que certains critiques aient souligné la simplicité de son jeu de batterie dans les dernières années, sa contribution au son de Metallica, en particulier dans les premiers albums, est indéniable. Son utilisation pionnière de la double grosse caisse sur des morceaux comme « Dyers Eve » et « One » a influencé d’innombrables batteurs du genre métal.

Plus qu’un simple batteur, Lars est considéré comme l’un des principaux architectes de l’ascension de Metallica vers la célébrité mondiale. Sa ténacité, son sens des affaires et sa vision créative ont contribué à transformer Metallica d’un groupe underground de thrash metal en l’un des groupes de rock les plus prospères et les plus durables de l’histoire.

La capacité de Lars à repousser les limites, tant sur le plan musical que professionnel, a fait de lui une figure emblématique non seulement du heavy metal, mais aussi du monde de la musique en général.

Quelques faits

Kit de batterie signature : Batterie Tama, cymbales Zildjian, peaux de tambour Remo
Principales influences : Deep Purple, Black Sabbath, Diamond Head, Motörhead
Moments marquants de la batterie : One, Dyers Eve, Master of Puppets
Récompenses : Plusieurs Grammy Awards avec Metallica, intronisé au Rock and Roll Hall of Fame (2009)

L’histoire de Lars Ulrich est celle de la persévérance et de l’ambition. Son parcours, d’un prodige du tennis au Danemark à une icône du métal aux États-Unis, reflète son engagement envers son métier et sa volonté inébranlable de propulser Metallica vers des sommets toujours plus élevés.

Nom complet : Kirk Lee Hammett
Né le : 18 novembre 1962
Lieu de naissance : San Francisco, Californie, États-Unis
Profession : Guitariste principal, auteur-compositeur
Célèbre pour : Metallica, l’un des groupes de heavy metal les plus influents de tous les temps

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Petite enfance de Kirk Hammett et débuts musicaux (1962-1983)

Kirk Hammett est né à San Francisco dans une famille métisse, son père étant d’origine anglaise, allemande, irlandaise et écossaise et sa mère d’origine philippine. Il grandit à El Sobrante, en Californie, et ses premières années sont marquées par une passion pour la musique, influencée par une grande variété de sons issus du rock, du blues et des débuts du metal.

À 15 ans, il achète sa première guitare, une Montgomery Ward spéciale catalogue, et développe rapidement un appétit insatiable pour apprendre à jouer.

L’intérêt de Hammett pour la musique lourde s’est développé en écoutant des groupes comme Led Zeppelin, Black Sabbath et UFO. Cette passion l’a amené à former son premier groupe, Exodus, en 1979, qui a fait partie de la scène thrash metal naissante dans la région de la baie de San Francisco.

Alors qu’Exodus gagne du terrain au niveau local, le monde de Hammett va bientôt changer lorsqu’il reçoit un appel téléphonique de Lars Ulrich, le batteur de Metallica, en 1983.

Rejoindre Metallica et l’ascension vers la gloire (1983-1991)

En avril 1983, Metallica est en pleine transition. Après s’être séparé de son guitariste principal Dave Mustaine, le groupe invite Hammett à passer une audition. Bien que jeune et nouveau dans le groupe, Hammett impressionne immédiatement par ses capacités techniques et son style fluide. Il rejoint officiellement Metallica juste avant que le groupe ne commence à enregistrer son premier album, Kill ‘Em All.

À partir de là, le rôle de Hammett dans Metallica a été crucial pour façonner le son du groupe. Ses solos mélodiques, son expertise technique et son utilisation de la pédale wah-wah sont devenus des éléments caractéristiques de la musique du groupe.

Après Kill ‘Em All viennent Ride the Lightning (1984) et Master of Puppets (1986), tous deux considérés comme des albums fondateurs dans l’histoire du heavy metal. La contribution de Hammett est particulièrement notable dans des morceaux comme « Fade to Black » et « Creeping Death ».

En 1986, Metallica a vécu une tragédie lorsque le bassiste Cliff Burton a été tué dans un accident de bus pendant la partie européenne de leur tournée. Malgré cela, le groupe va de l’avant, et la résilience de Hammett l’aide à rester uni et à faire évoluer son son.

Metallica a atteint de nouveaux sommets avec son album de 1988 …And Justice for All et, en 1991, son album éponyme, souvent appelé « The Black Album ». Cet album, avec des succès comme « Enter Sandman » et « The Unforgiven », a propulsé Metallica vers le succès général, et le travail de Hammett à la guitare a joué un rôle important dans cette popularité.

L’évolution du style de Kirk Hammett et ses expérimentations (1991-2008)

Tout au long des années 1990, Hammett a continué à développer son style de jeu, en incorporant des influences blues et en expérimentant différents sons et techniques. Il est connu pour son intérêt pour les films d’horreur et l’imagerie horrifique, ce qui influence son approche de l’écriture et sa présence sur scène.

Au milieu des années 90, Metallica a pris un tournant créatif controversé avec les albums Load (1996) et Reload (1997), expérimentant un son plus bluesy et hard rock, qui a mis en valeur la polyvalence de Hammett en tant que guitariste.

Durant cette période, Hammett a également commencé à élargir ses horizons en tant que compositeur, contribuant à des riffs et des solos qui s’aventurent au-delà du thrash metal. Des titres comme « The Memory Remains » et « Fuel » révèlent un guitariste plus raffiné et plus polyvalent.

Son engagement à explorer de nouveaux styles a contribué à l’évolution du son de Metallica, ce qui a aidé le groupe à conserver son énorme base de fans tout en attirant de nouveaux auditeurs.

Les difficultés des années 2000 et le retour aux sources (2008-aujourd’hui)

Le début des années 2000 a été une période difficile pour Metallica, marquée par des tensions internes et des luttes créatives. Cette période est relatée dans le documentaire Some Kind of Monster (2004), qui jette un regard cru sur les conflits internes du groupe lors de l’élaboration de l’album St Anger (2003).

Kirk Hammett a notamment été une force stabilisatrice au sein du groupe pendant cette période turbulente, prenant souvent le pas sur le drame mais jouant un rôle vital en gardant le groupe concentré sur sa musique.

En 2008, Metallica est revenu à ses racines thrash metal avec l’album Death Magnetic, un succès critique et commercial qui a vu les solos agressifs et rapides de Hammett occuper à nouveau le devant de la scène. Cet album a marqué une résurgence créative pour Metallica, et le jeu de Hammett a été salué pour son retour à la férocité technique de leurs premiers travaux.

Depuis, Kirk Hammett continue de tourner et d’enregistrer avec Metallica. Le groupe a sorti Hardwired… to Self-Destruct en 2016, qui met une fois de plus en valeur le jeu de guitare complexe et émotif de Hammett.

Kirk Hammett est également partisan de rester à la page, expliquant souvent comment il continue à s’entraîner et à explorer de nouvelles techniques de guitare, même après des décennies de jeu.

Vie privée et autres activités

En dehors de Metallica, Kirk Hammett a gardé une vie personnelle relativement privée. Il a épousé sa seconde femme, Lani, en 1998, et le couple a deux enfants. Hammett est également un collectionneur passionné de souvenirs de films d’horreur, une passion qui a influencé sa musique et son esthétique.

Il a organisé des expositions pour présenter sa collection, notamment des guitares ornées d’œuvres d’art sur le thème de l’horreur.

En 2012, Kirk Hammett a publié un livre intitulé Too Much Horror Business, qui décrit sa fascination pour les films d’horreur et les souvenirs. Ce hobby et son implication dans les actions caritatives de Metallica, comme la fondation All Within My Hands, illustrent la personnalité à multiples facettes de Hammett, qui combine son amour pour la musique avec ses passions personnelles et la philanthropie.

Héritage et influence de Kirk Hammett

L’influence de Kirk Hammett en tant que guitariste s’étend bien au-delà de Metallica. Il a inspiré d’innombrables guitaristes par ses prouesses techniques, son utilisation emblématique de la pédale wah-wah et sa capacité à mêler mélodie et agressivité.

Hammett a été régulièrement classé parmi les plus grands guitaristes de tous les temps par des organismes tels que Rolling Stone et Guitar World.

Tout au long de sa carrière, Hammett a conservé la réputation d’un musicien humble et dévoué. Alors que de nombreux guitaristes de sa trempe se sont lancés dans des projets solo ou ont diversifié leur carrière, Hammett est resté fidèle à Metallica, contribuant à leur succès depuis des décennies.

Son jeu continue d’évoluer et son héritage comme l’un des plus grands de l’histoire du rock et du metal reste assuré.

Quelques faits

Guitare fétiche : ESP KH-2 (son modèle personnalisé)
Influences : Jimi Hendrix, Michael Schenker, Eddie Van Halen
Solos notables : Fade to Black, One, Enter Sandman, The Unforgiven
Récompenses : Plusieurs Grammy Awards avec Metallica, intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2009

L’histoire de Kirk Hammett est celle d’une évolution constante : un artiste qui n’a jamais cessé d’apprendre, d’expérimenter et de repousser les limites du possible dans la musique métal.

Son dévouement à son métier et son rôle dans l’un des plus grands groupes du monde font de lui une véritable légende de la guitare rock.

Place à notre liste des meilleures chansons de System of a Down. Oui, ils n’ont produit que cinq albums studio en l’espace de sept ans et quelques, entre juin 1998 et novembre 2005, mais le niveau de qualité, d’excentricité et d’innovation du quatuor de Los Angeles System Of A Down est tel qu’il est vraiment difficile de réduire leur catalogue à seulement 20 chansons.

Du premier album éponyme de 1998, qui a fait l’effet d’un tremblement de terre, au chef-d’œuvre Toxicity de 2001, qui a marqué son époque, en passant par Steal This Album ! de 2002, qui a été détourné par des pirates, et par Mezmerize et Hypnotize, les deux autres albums du groupe, sortis en 2005, ont connu une évolution constante et avant-gardiste, mais aussi une singularité sonore que même leurs pairs les plus estimés n’ont jamais pu espérer égaler.

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Notre top 10 des meilleures chansons de System of a Down

10 – I-E-A-I-A-I-O

Avec un titre qui reprend les voyelles de « idéalisation “, ” illégalisation “, ” libéralisation “ et ” internalisation », le huitième morceau de Steal This Album ! aurait pu être un réquisitoire relativement simple contre les structures systémiques qui nous maintiennent dans l’oppression, mais il s’agit en fait des trois minutes les plus hallucinantes de SOAD.

Peter’s pecker picked another / Pickle bearing pussy pepper, Why / Meeting John at Dale’s Jr / Winked an eye and point a finger … A former cop, undercover / Just got shot, now recovered, Why / Fighting crime, with a partner / Lois Lane, Jimmy Carter !

Les fans et les critiques y ont trouvé des allusions à la figure de proue occulte Aleister Crowley, au Ku Klux Klan et à Kitt de Knight Rider, mais la chanson est mieux appréciée comme le chef-d’œuvre abstrait le plus explosif de System.

9 – Holy Mountains – l’une des meilleures chansons de System of a Down

La deuxième véritable réflexion de System sur le génocide arménien (après P.L.U.C.K. en 1998) marque leur maturité à la fois en tant qu’auteurs-compositeurs et en tant qu’esprits politiques.

Les montagnes sacrées du titre font référence aux hauts plateaux arméniens, qui bordent l’Arménie et la Turquie. Le mont Ararat, du côté turc, est considéré comme la « montagne sacrée » et constitue pour de nombreux Arméniens un rappel brutal du génocide.

La tonalité sombre de l’album évoque un peuple qui aspire encore à la justice. Lorsque System a pris la route pour la tournée Wake Up The Souls de 2015, qui marquait le centenaire du massacre, c’est cette chanson qui a ouvert tous les soirs.

8 – Sugar

Le tout premier single de System Of A Down reste l’une de leurs œuvres les plus jubilatoires.

I’m not there all the time you know,’ Serj sings. ‘Some people, some people, some people / Call it insane, yeah they call it insane (sugar) / I play Russian roulette everyday, a man’s sport / With a bullet called life, yeah, mama, called life (sugar).’

Mariée à un riff monté sur ressorts et interprétée par des marginaux au visage maquillé, la chanson a inévitablement été cataloguée dans le sous-genre rampant du nu-metal, mais de l’interprétation unique en son genre au message de gauche (« L’aspartame tue ! ») en passant par la vidéo musicale sauvagement politisée de Nathan Cox, il était évident pour quiconque avait la tête sur les épaules que ces gars-là étaient quelque chose d’autre.

7 – ATWA- l’un des meilleurs titres de System of a Down

Si ATWA avait figuré sur un autre album que Toxicity, il aurait certainement été un hit single. Distillant tout ce qu’il y a de bien chez SOAD en deux minutes et 56 secondes de son turbulent, nous avons droit à l’une de leurs plus belles intros ( « Hey you, see me, pictures crazy / All the world I’ve seen before me passing by… “) qui débouche sur un refrain massue (” You don’t care about how I feel / I don’t feel it anymore ! ») avant que la composition n’atteigne son crescendo grandiose.

Il y a même un peu de mystique là-dedans, le titre étant un acronyme pour le mouvement environnemental Air, Trees, Water, Animals dirigé par le leader de la secte et meurtrier condamné Charles Manson.

6 – Lost in Hollywood

On poursuit notre remontée de notre top 10 des meilleures chansons de System of a Down avec Los In Hollywood. Empruntant le titre d’une chanson de l’album Down To Earth (1979) de Rainbow, Lost In Hollywood est une lettre d’amour et de haine à la ville natale du groupe. Écrite (et interprétée en grande partie) par le guitariste Daron Malakian, elle imagine une conversation avec un nouvel arrivant à La La Land, le mettant en garde contre les « gens bidons » et les « magots usés qui fument des clopes sur Sunset Boulevard ».

Ses guitares doucement piquées et les chants de Serj en font l’un des morceaux les plus obsédants du groupe. D’un point de vue stylistique, il a également indiqué la direction que Daron allait prendre avec son excellent projet suivant, Scars On Broadway.

La preuve que même ceux qui ont réussi ont des histoires poignantes à raconter sur la Cité des Anges.

5 – Toxicity – l’une des meilleures chansons de System of a Down

À bien des égards, la musique de System Of A Down a souvent été ressentie comme l’équivalent auditif du TDAH. Le morceau-titre de Toxicity en est l’exemple ultime : une réaction impulsive, sur-énergisée et dispersée à « la toxicité de notre ville, de notre ville ».

La ligne de guitare circonspecte de Daron est détonée par la section rythmique maniaque de John et Shavo, le chant virtuose de Serj nous emmène à travers des accalmies douces et des passages carrément maniaques.

Les riffs du dernier mouvement sont parmi les plus intransigeants de tout leur catalogue, et la déclaration finale « When I became the sun / I shone life into the man’s heart » ressemble à un baiser audacieux de la part d’artistes d’avant-garde qui s’apprêtent à se retrouver sous les feux de la rampe.

4- B.Y.O.B.

Après le succès mondial de Toxicity, le premier single de Mezmerize a prouvé que System pouvait aller plus loin que ce que ses fans les plus ardents avaient imaginé. L’hymne ouvertement politisé B.Y.O.B. (Bring Your Own Bombs) confirme que le groupe n’hésitera pas à poser de grandes questions (« Why don’t presidents fight the war ? / Why do they always send the poor ? ») alors même qu’il est en passe de devenir une superstar.

Plus important encore, il a puisé dans des mélanges d’influences plus disparates – pop, punk, R&B et métal extrême – et les a combinés pour créer ce qui est sans doute leur morceau le plus commercialisable (et le plus réussi).

Pas mal pour un banger dont le couplet d’ouverture est aussi étrange que « Barbarisms by Barbaras / With pointed heels / Victorious victorious kneel / For brand new spankin’ deals ! ». Le GRAMMY 2005 de la meilleure performance hard rock a suivi.

Et le podium est…

3 – Aerials

Le troisième et dernier single de Toxicity (qui clôt l’album) est un chef-d’œuvre extraordinaire et discret, rempli de complexité philosophique et d’insidiosité rampante, qui est devenu le premier numéro un du Mainstream Rock aux États-Unis.

Les observations existentielles du chanteur Serj se déploient sur une composition relativement minimaliste et largement ambiante, qui a souvent été comparée à « The Unforgiven » de Metallica pour ses vagues d’émotion. « La vie est une chute d’eau, chante-t-il. Nous sommes un dans la rivière et de nouveau un après la chute« .

Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de System of a Down.

2 – Spiders – l’une des meilleures chansons de System of a Down

Le deuxième single de System Of A Down était la preuve que, dès le début, le groupe était capable de faire plus que le schizo-métal chaotique qui avait attiré tant de fans à sa cause.

Une version plus douce mais bien plus perfide de leur vision, les mélodies obsédantes et les motifs rampants de Spiders ont fait passer les auditeurs de l’agitprop incompréhensiblement chargé de ressorts de Sugar à un paysage sonore plus cérébral et troublant.

Les paroles poétiques et séduisantes de Serj (« The piercing radiant moon / The storming of poor June / All the life running through her hair / Approaching guiding light / Our shallow years in fright / Dreams are made winding through my head… ») ont fait leur chemin dans votre peau avant que leur sujet (troubles intérieurs, contrôle de l’esprit) ne devienne apparent.

La sélection du morceau pour la bande originale de Scream 3 était un signe précoce de leur capacité à infiltrer le grand public avec les sons les plus sombres et les plus difficiles.

1 – Chop Suey!

En tête de notre classement des meilleures chansons de System of a Down, on retrouve « Chop Suey! ». Le génie absolu ressemble souvent à du charabia. À la première écoute, les paroles de la chanson emblématique de System pourraient sembler complètement farfelues. Si ce n’était, bien sûr, de l’élan qui la fait ressembler à une version post-millénaire plus lourde de Bohemian Rhapsody de Queen ou de n’importe quel autre morceau des Beatles.

Intitulée à l’origine « Self-Righteous Suicide », la chanson a tout de même réussi à faire passer ses références à l’autodestruction en tant que single à succès, alors que le monde sombrait dans la tourmente immédiatement après le 11 septembre 2001.

Daron a depuis expliqué que la chanson était un examen trépidant de l’évolution de l’opinion sur les personnalités publiques lorsqu’elles décèdent (la mort « méritée » d’un toxicomane comparée aux actes « héroïques » d’un martyr), mais cela a bien moins d’importance que l’attrait qu’elle a suscité auprès du grand public et du public.

Approchant rapidement le milliard de vues sur YouTube, cette chanson reste l’hymne du métal crossover du 21e siècle, toujours aussi influent aujourd’hui qu’à l’époque.

Peu de noms de groupes suscitent des réactions plus mitigées comme Limp Bizkit. Le groupe allait incarner le nu-metal pour le meilleur ou pour le pire. Avec son leader et chanteur charismatique Fred Durst et son guitariste Wes Borland, Limp Bizkit aura développé un son unique et sera une des référence du nu-métal à la fin des années 90 au même titre que Korn, Linkin Park ou Deftones.

6 albums studio et 40 millions de copies vendues au compteur, on attend toujours le prochain album du groupe (plus de 10 ans d’attente, ça commence à faire long…). Pour patienter, découvrons ensemble le classement des meilleurs albums de Limp Bizkit.

Notre classement des meilleurs albums de Limp Bizkit