Catégorie : Pop

Plave à notre liste des chansons les plus connues de Lana Del Rey. Lana Del Rey, l’énigmatique reine de la pop mélancolique, a captivé les auditeurs du monde entier avec sa voix envoûtante, ses paysages sonores cinématographiques et ses paroles poétiques. Des tons sulfureux de Born to Die aux mélodies nostalgiques de Norman Fucking Rockwell, la musique de Lana est un kaléidoscope de profondeur émotionnelle, d’allure nostalgique et de beauté intemporelle. Ses chansons sont souvent imprégnées de glamour vintage, de romantisme sombre et des échos doux-amers de l’Americana, ce qui fait d’elle une voix vraiment unique dans la musique moderne.

Mais parmi ses hymnes et ses ballades déchirantes, quels sont les titres les plus emblématiques ? Dans cet article, nous allons nous plonger dans les 10 chansons les plus populaires de Lana Del Rey de tous les temps, celles qui ont défini sa carrière, ont trouvé un écho auprès des fans du monde entier et ont consolidé son héritage en tant qu’une des artistes les plus convaincantes de sa génération. Que vous soyez un fan inconditionnel ou que vous découvriez son son éthéré, ces chansons sont l’incarnation parfaite de la vision artistique de Lana. Préparez-vous donc à revisiter la mélancolie, le désir et la beauté que seule Lana Del Rey peut offrir. Décompte de ses tubes les plus connues !

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Notre top 7 des chansons les plus connues de Lana Del Rey

1 – Video Games (2011)

« Video Games » est la chanson qui a permis à Lana Del Rey d’accéder à la célébrité mondiale, en capturant le cœur des auditeurs avec sa mélodie envoûtante et ses paroles pleines de nostalgie. Sortie le 5 septembre 2011, cette chanson a permis au monde de découvrir l’esthétique unique de Lana – une ambiance rêveuse et vintage qui mêle nostalgie et chagrin d’amour moderne. « Video Games » s’est immédiatement distinguée par son rythme lent et cinématographique et par sa voix profonde et sulfureuse, qui évoque une intensité émotionnelle rarement rencontrée dans la musique pop. La voix de Lana dérive presque langoureusement à travers les paroles, créant une atmosphère hypnotique qui résonne avec la mélancolie de l’amour non partagé et de la nostalgie. Elle est aujourd’hui la chanson la plus connue de Lana Rel Rey.

Les paroles brossent un tableau poignant de l’amour, à la fois intime et distant. Lana chante les petits moments, apparemment banals, d’une relation, le genre de moments qui semblent monumentaux quand on est amoureux, mais qui peuvent sembler obsédants et vides quand on ne l’est pas. Avec des paroles comme « Heaven is a place on earth with you » (le paradis est un endroit sur terre avec toi), elle capture l’ivresse de l’amour qui existe dans ses souvenirs mais qui semble inaccessible dans le présent. L’arrangement orchestral, agrémenté de délicates notes de harpe et de piano, crée un paysage sonore à la fois grandiose et mélancolique, qui touche une corde sensible chez les auditeurs.

2 – Summertime Sadness (2012) est l’une des chansons les plus connues de Lana Del Rey.

« Summertime Sadness » est l’une des chansons les plus emblématiques de Lana Del Rey, une ballade morose qui capture la beauté douce-amère de l’été et la mélancolie qui persiste dans son sillage. Sortie le 22 juin 2012, la chanson est rapidement devenue un hymne pour ceux qui ont connu la nature éphémère du bonheur. La production luxuriante de la chanson, remplie de cordes et d’un rythme régulier, crée une qualité dramatique et cinématographique qui complète parfaitement la voix obsédante de Lana. « Summertime Sadness » fait appel aux émotions intenses de l’amour et de la perte, des thèmes que Lana explore souvent avec un sens unique du fatalisme romantique.

La chanson est devenue l’une des chansons les plus connues de Lana del Rey lorsqu’elle a été remixée par Cédric Gervais, la transformant en un tube dance mondial qui a fait connaître le son de Lana dans les clubs et les stations de radio du monde entier. Malgré le succès du remix, la version originale reste appréciée pour sa profondeur émotionnelle brute et l’ambiance sombre unique qui caractérise Lana Del Rey. Depuis, « Summertime Sadness » est devenue une référence culturelle, symbolisant l’intersection de l’amour, de la perte et de la nostalgie que la musique de Lana incarne si magnifiquement.

3 – Born to Die

« Born to Die » est un titre phare du premier album de Lana Del Rey, sorti le 30 décembre 2011. La chanson plonge les auditeurs dans un monde de romance tragique, où la beauté et la tristesse s’entremêlent, définissant l’esthétique de Lana dès le début. Avec une production orchestrale et la voix envoûtante de Lana, « Born to Die » crée un paysage sonore luxuriant, presque surréaliste, qui résonne avec les thèmes de l’amour, de la perte et des réflexions existentielles. La mélodie lancinante et la portée cinématographique du morceau transmettent un sentiment de fatalité, capturant l’idée que chaque romance contient en elle les graines du chagrin d’amour.

Les paroles de « Born to Die » reflètent la difficulté de naviguer entre les hauts et les bas de l’amour. Des lignes comme « Sometimes love is not enough and the road gets tough » (Parfois l’amour n’est pas suffisant et la route devient difficile) capturent le ton fataliste pour lequel Lana est connue, suggérant que l’amour, aussi beau soit-il, est souvent fragile. Sa voix est à la fois douce et perçante, imprégnant chaque ligne d’un sentiment de désespoir et de nostalgie à la fois personnel et universel. L’orchestration de la chanson, qui comprend des cordes luxuriantes et des voix de fond obsédantes, renforce l’effet général, créant une expérience aussi obsédante qu’envoûtante. Bienvenue sur le podium des chansons les plus connues de Lana Del Rey.

4 – Young and Beautiful (2013)

Sorti le 23 avril 2013, « Young and Beautiful » s’est imposé sur la bande originale de The Great Gatsby, capturant parfaitement les thèmes du film sur l’amour, la richesse et la nature éphémère de la jeunesse. La chanson est une méditation obsédante sur la beauté et le vieillissement, la voix mélodieuse de Lana délivrant des lignes qui questionnent la permanence de l’amour au-delà de l’attrait fugace de la jeunesse. L’orchestration de la chanson, marquée par des cordes luxuriantes et des accords de piano délicats, apporte un sentiment à la fois grandiose et intime, ce qui en fait l’une des ballades les plus appréciées de Lana.

Les paroles de « Young and Beautiful » résonnent d’une vulnérabilité existentielle, Lana s’interrogeant : « M’aimeras-tu encore quand je ne serai plus jeune et belle ? » Cette question touche au cœur de l’insécurité quant à la capacité de l’amour à durer au-delà de la beauté physique. La chanson est devenue l’une des chansons les plus connues de Lana Del Rey et un hymne pour tous ceux qui ont été confrontés au doute et à la peur de ne pas être à la hauteur avec le temps, ce qui la rend à la fois compréhensible et profondément émouvante. La voix mélancolique et presque suppliante de Lana ajoute au poids émotionnel de la chanson, exprimant la peur de l’amour qui s’estompe avec l’âge.

Le placement de la chanson dans The Great Gatsby a ajouté une couche supplémentaire de profondeur, s’alignant sur les thèmes de l’histoire de la nostalgie, de l’excès et de la poursuite incessante de l’inaccessible. « Young and Beautiful » reste l’un des titres les plus appréciés de Lana, une chanson qui résume à merveille la tension entre l’amour intemporel et la nature éphémère de la jeunesse.

5 – Blue Jeans (2012) est l’une des chansons les plus connues de Lana del Rey.

« Blue Jeans », sorti le 8 avril 2012, est un titre sulfureux et rétro qui aborde les thèmes de la romance condamnée et de l’imagerie nostalgique de l’Amérique. Avec son ambiance sombre et hypnotique, « Blue Jeans » met en évidence la capacité de Lana Del Rey à mélanger l’esthétique vintage et les sensibilités modernes. La production sombre de la chanson, caractérisée par des riffs de guitare tortueux et un rythme lent, souligne l’attrait séduisant, presque dangereux, d’un amour aussi intense que destructeur.

Les paroles de « Blue Jeans » racontent l’histoire d’une relation passionnée, marquée par l’obsession et l’inévitabilité d’un chagrin d’amour. La voix haletante de Lana apporte un air de mystère et de séduction, chantant un amour si dévorant qu’il défie la logique ou la raison. Des paroles comme « I will love you till the end of time » et « Promise you’ll remember that you’re mine » traduisent un désir ardent, à la fois puissant et tragique. Le clip qui accompagne la chanson, tourné en noir et blanc avec une touche de glamour hollywoodien, met en scène Lana dans une série de scènes évocatrices, inspirées du roman noir, qui ajoutent une profondeur visuelle aux thèmes de la chanson.

« Blue Jeans » est rapidement devenue la chanson préférée des fans de Lana del Rey, célébrée pour son côté cinématographique et sa narration évocatrice. Cette chanson illustre la fascination de Lana pour les thèmes intemporels de l’amour, de la perte et de la nostalgie, consolidant son statut d’artiste ayant une capacité unique à mélanger le passé et le présent dans sa musique.

6 – Ride (2012)

On poursuit notre liste des chansons les plus connues de Lana Del Rey avec « Ride ». Sorti le 25 septembre 2012, « Ride » est l’un des titres les plus hymniques de Lana Del Rey, explorant les thèmes de la liberté, de la rébellion et de la découverte de soi. La chanson s’ouvre sur une introduction parlée qui donne le ton pour le reste du morceau – rude, vulnérable et non apologétique. Au fur et à mesure que la musique prend de l’ampleur, la voix de Lana s’élève au-dessus de cordes luxuriantes et d’un rythme endiablé, créant une atmosphère épique et cinématographique qui complète les thèmes de la nostalgie et de la libération émotionnelle de la chanson. « Ride » est une déclaration d’indépendance, Lana chantant qu’elle embrasse le chaos de la vie et qu’elle cherche un sens à un monde qui semble souvent incertain.

Les paroles traduisent un sentiment de libération, mais aussi la douleur qui l’accompagne. Lana chante « I’m feeling like a child / And I’m running wild / I just want to live my life », exprimant un désir ardent de se libérer des contraintes des attentes sociétales et de trouver sa propre voie. La chanson est à la fois une célébration et une complainte – une reconnaissance de la liberté que procure le fait de laisser le passé derrière soi, mais aussi une triste reconnaissance du coût émotionnel. La production lancinante et éthérée renforce la mélancolie de la chanson, tandis que le refrain donne un coup de poing émotionnel avec ses voix envolées.

7 – West Coast (2014)

On termine notre courte sélection des chansons les plus connues de Lana Del Rey avec « West Coast ». « West Coast », sorti le 14 avril 2014, a marqué un changement sonore pour Lana Del Rey, qui a adopté un son plus décontracté, influencé par le surf-rock, pour le premier single de son album Ultraviolence. Produit par Dan Auerbach des Black Keys, le titre combine des éléments de rock psychédélique, de blues et de pop classique pour créer une atmosphère brumeuse et ensoleillée.

La production de la chanson se caractérise par un changement de tempo notable entre les couplets et le refrain, ce qui lui confère une qualité imprévisible et hypnotique qui reflète le flux et le reflux d’une relation. Le changement de tempo renforce le sentiment d’une lutte constante entre le désir et la résignation, thème central de la chanson.

Sur le plan lyrique, « West Coast » explore la dynamique complexe d’une histoire d’amour avec la Californie, symbolisant à la fois l’attrait de la côte ouest et les turbulences émotionnelles qui l’accompagnent souvent. Des lignes comme « Down on the West Coast, they got a saying / If you’re not drinking, then you’re not playing » reflètent la fascination de Lana pour les contradictions inhérentes au rêve californien, où le plaisir et la douleur sont souvent inséparables. Il y a un sentiment de nostalgie et une touche de désillusion dans la chanson, alors que Lana chante l’attraction de la côte ouest et les difficultés à naviguer dans une relation compliquée.

Ecouter les chansons les plus connues de Lana Del Rey ici :

Place à notre article sur le biographie de Prince. Prince était un musicien très talentueux qui a eu un grand impact sur la musique grâce à sa façon particulière et unique de créer des chansons. Il était musicien, auteur-compositeur, chanteur, multi-instrumentiste, producteur et visionnaire. Son look inhabituel et la créativité ont eu un grand impact sur la musique à partir des années 1980.

Avec des albums célèbres comme Purple Rain et 1999, il a créé un monde qui allait au-delà des styles musicaux et a parlé de sujets profonds comme l’amour, la foi et la créativité. Jusqu’à son décès tragique en 2016, Prince a laissé un impact durable sur la culture pop, devenant une légende dont l’héritage continue de se faire sentir aujourd’hui.

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Qui était Prince ?

Au début de sa carrière musicale, Prince a sorti Prince, Dirty Mind et Controversy, qui ont attiré l’attention par leur fusion de thèmes religieux et sexuels. Il a ensuite publié les albums à succès 1999 et Purple Rain, consolidant son statut de superstar avec des succès numéro un comme « When Doves Cry » et « Let’s Go Crazy ».

Sept fois lauréat d’un Grammy, Prince a eu une production prodigieuse qui comprenait des albums ultérieurs comme Diamonds and Pearls, The Gold Experience et Musicology. Il est décédé le 21 avril 2016 d’une overdose accidentelle.

Biographie de Prince : les premières années de sa vie

Le célèbre chanteur, auteur-compositeur et innovateur musical Prince est né Prince Rogers Nelson le 7 juin 1958 à Minneapolis, dans le Minnesota. Ses parents sont John Nelson, un musicien dont le nom de scène est Prince Rogers, et Mattie Shaw, une chanteuse de jazz qui se produit avec le Prince Rogers Band.

Prince s’est intéressé à la musique dès son plus jeune âge et a appris à jouer du piano, de la guitare et de la batterie. Ses parents se sont séparés lorsqu’il avait environ 10 ans, et lui et sa sœur ont partagé leur temps entre les maisons de leurs parents.

Un moment important dans la biographie de Prince : il finit par s’enfuir et s’installe chez des voisins, la famille Anderson. Au lycée, Prince forme le groupe Grand Central (plus tard connu sous le nom de Champagne) avec André Anderson (qui changera plus tard son nom en André Cymone) et Morris Day.

En 1978, Prince signe un contrat avec Warner Bros. Records. Dans une interview accordée en 2009 à Tavis Smiley, Prince a révélé que lorsqu’il était enfant, il souffrait de crises d’épilepsie et qu’on se moquait de lui à l’école. Il a déclaré à Smiley :

« Au début de ma carrière, j’ai essayé de compenser en étant aussi voyant et bruyant que possible ».

La carrière décolle avec Controversy et 1999.

En 1978, Prince sort son premier album, For You, suivi de Prince (1979). Il joue pratiquement de tous les instruments sur ces albums, et le deuxième album contient son premier succès pop classé dans le Top 20, le facile « I Wanna Be Your Lover ». L’album Dirty Mind, acclamé par la critique, paraît en 1980 et contient des textes explicites sur la sexualité et les fantasmes.

Controversy (1981) continue à jouer avec les thèmes de son prédécesseur, comme le montre la chanson-titre orientée vers la danse, qui atteint la troisième place des charts R&B, ainsi que des chansons comme « Sexuality » et « Do Me Baby ». Cependant, au fur et à mesure que Prince développait sa carrière, il s’est également fait connaître pour ses morceaux empreints d’une profonde spiritualité, avec une aspiration à la majesté et à l’émerveillement.

Le chanteur a connu un succès international avec la sortie de son album de 1982, 1999, qui comprenait la chanson-titre du Top 20, une ode synthé-funk exquise sur l’apocalypse nucléaire, ainsi que les succès du Top 10 « Little Red Corvette » et « Delirious ».

La décennie phare dans la biographie de Prince : les années 80 et « Purple Rain »

Avec son groupe The Revolution, Prince a créé l’album classique Purple Rain (1984), qui a également servi de bande originale au film du même nom, qui a rapporté près de 70 millions de dollars au box-office américain. Avec Apollonia Kotero et Day, le film a remporté l’Oscar de la meilleure musique originale.

Son titre mélancolique a atteint la deuxième place du Billboard Hot 100, tandis que les tubes « When Doves Cry » et « Let’s Go Crazy » ont tous deux atteint la première place. Alors que « Crazy » a rejoint d’emblée le panthéon des chansons rock sauvages et électrisantes, « Doves Cry » avait une signature unique en son genre, présentant un mélange d’éléments électroniques et funk d’un autre monde, sans refrain traditionnel.

La bande originale a offert deux autres succès : « I Would Die 4 U » et “Take Me With U”. Prince devient en même temps une icône visuelle bien connue avec ses boucles caractéristiques, ses vestes fluides et ses vêtements à volants agrémentés d’ornements punk. La période la plus faste dans la biographie de Prince.

« Darling Nikki » est un autre morceau de Purple Rain qui a suscité la controverse en raison de ses images explicites. Après que Tipper Gore, la femme du sénateur Al Gore, a acheté l’album pour leur fille et écouté le morceau, elle a finalement fait pression pour que les albums portent des étiquettes avertissant les parents de la présence de paroles explicites.

L’année 1985 voit la sortie de Around the World in a Day, qui contient les titres « Raspberry Beret », un mid-tempo fantaisiste, et « Pop Life », qui se classent dans le Top 10. L’album continue de mettre en avant le penchant de Prince à jouer de divers instruments et son désir de transmettre des messages d’amour de soi, comme le montre « Paisley Park », un morceau inspiré par le nom de ses studios de Minneapolis.

En 1986, Prince sort son huitième album studio, Parade, qui comprend le single pop/R&B « Kiss », numéro un mondial. Parade sert de bande originale au deuxième film de l’artiste, Under the Cherry Moon, qu’il réalise et dans lequel il joue.

Sign ‘O’ the Times et bande originale de Batman

Après la dissolution de Revolution, Prince a pu consolider divers projets mis de côté dans ce qui est devenu le double album Sign ‘O’ the Times (1987), dont la chanson titre a atteint la troisième place des charts pop et la première place des charts R&B. L’album est connu pour ses commentaires acerbes sur les questions sociales, mais il contient aussi des chansons amusantes comme « U Got the Look », un duo endiablé avec la chanteuse écossaise Sheena Easton qui a atteint la deuxième place des charts pop.

Moment très important dans la biographie de Prince, Sign est sans conteste l’un des albums de Prince les plus acclamés par la critique, mais ses ventes sont faibles aux États-Unis, et il trouve davantage son public en Europe, où l’artiste entame une tournée couronnée de succès.

Poursuivant sa production prodigieuse, Prince sort Lovesexy en 1988, connu pour sa pochette présentant une photo de l’artiste nu, ainsi que pour le tube R&B uptempo « Alphabet St. », classé dans le Top 5.

Lorsqu’il sort son 11e album studio, la bande originale de Batman, en 1989, Prince est devenu l’un des artistes pop américains les plus performants sur le plan commercial, faisant continuellement des vagues dans les hit-parades. Batman contient la chanson « Batdance », numéro 1 des ventes, ainsi que le tube R&B « Partyman », qui se classe dans le Top 5 des ventes.

Le clip de « Batdance » mettait en scène Prince avec un maquillage et des costumes à effet double pour symboliser à la fois le héros ombrageux du film et son ennemi juré, le Joker.

Le début des années 90 : The New Power Generation

On poursuit notre remontée de la biographie de Prince avec les années 90. Le début des années 1990 marque le lancement de la New Power Generation, le dernier groupe de Prince qui propose un mélange de R&B contemporain, de hip-hop, de jazz et de soul, avec la voix de Rosie Gaines.

Le groupe a été mentionné pour la première fois dans la bande originale de Graffiti Bridge, une suite de Purple Rain en 1990 qui n’a pas bien marché au box-office, mais qui a tout de même produit le titre « Thieves in the Temple », qui s’est retrouvé dans le Top 10 des ventes.

Grâce à la contribution artistique du NPG, Prince a connu le succès avec son album Diamonds and Pearls (1991), qui s’est hissé à la troisième place du Billboard 200. Diamonds comprend la ballade romantique du titre, la force industrielle « Gett Off », l’hymne enjoué « Insatiable » et le single no 1 « Cream ».

Le travail de Prince avec le NPG continue de jouer sans complexe avec les idées sur la sexualité, les normes de genre et le corps. Pour promouvoir l’album, Prince est apparu aux MTV Video Music Awards de 1991 pour interpréter en direct « Gett Off ». Faisant écho à certains passages du clip vidéo du titre, la performance mettait en scène un éventail de danseurs et de musiciens dans une bacchanale sur scène, l’artiste se retournant fameusement vers la fin de la chanson pour montrer son pantalon sans siège.

À l’automne 1992, Prince a signé un contrat record de 100 millions de dollars avec Warner Bros, considéré à l’époque comme « le plus gros contrat d’enregistrement et d’édition musicale de l’histoire », ce qui lui a donné la liberté de conclure séparément des contrats pour la télévision, le cinéma, les livres et le merchandising. À titre de comparaison, les autres géants de l’industrie, Michael Jackson et Madonna, avaient des contrats de plus de 60 millions de dollars, tout compris.

Les principales collaborations dans la biographie de Prince

Outre ses performances provocatrices, Prince s’est imposé comme un collaborateur très demandé et un acteur en coulisses dont les chansons ont été reprises par d’autres artistes. Au milieu des années 80, Chaka Khan a publié une reprise exubérante et très réussie de sa chanson de 1979 « I Feel For You », tandis que le plus grand succès de Sinead O’Connor a été « Nothing Compares 2 U » de Prince.

The Art of Noise et Tom Jones ont atteint le Top 5 britannique en 1988 avec une reprise de « Kiss », et Alicia Keys a repris « How Come U Don’t Call Me Anymore » lors de ses débuts en 2001.

La biographie de Prince serait incomplète sans lister ses principales collaborations. Prince a également travaillé sur des morceaux d’albums spécifiques pour des artistes tels que Khan, Madonna, Tevin Campbell, Kate Bush, the Time, Martika, Patti Labelle et Janelle Monae. Il est à l’origine du groupe de filles Vanity 6, dirigé par la chanteuse et actrice Vanity, et de leur tube de danse numéro 1 « Nasty Girl ».

Il a également envoyé une chanson au groupe féminin The Bangles, qui l’a enregistrée avec succès, atteignant la deuxième place avec l’ode luxuriante à une journée de travail stressante, « Manic Monday ».

En 1992, Prince et la New Power Generation sortent Love Symbol Album. Bien qu’il ait été salué par certains critiques, les ventes n’ont pas été aussi bonnes que celles de Diamonds. Love n’a réussi à obtenir qu’un seul succès dans le Top 10, le single transcendant « 7 », bien que « My Name Is Prince » et le charnel « Sexy MF » aient également attiré l’attention.

L’année suivante, Prince sort le coffret de compilation The Hits/The B-Sides, qui contient une série de chansons populaires ainsi que la toute nouvelle « Pink Cashmere », un morceau tendre chanté en fausset.

Love Symbol de Prince : l’artiste anciennement connu sous le nom de Prince

Le manque de succès de Love Symbol Album a créé des tensions entre Prince et sa maison de disques Warner Bros. Au cours des années suivantes, la carrière du chanteur a connu des hauts et des bas. Lassé de se sentir contrôlé par sa maison de disques, Prince change son nom pour le glyphe imprononçable O(+> en 1993, une fusion de symboles astrologiques féminins et masculins qu’il utilisera jusqu’en 2000.

Une autre période très importante dans la biographie de Prince. Pendant cette période, il était plus souvent appelé « l’artiste anciennement connu sous le nom de Prince », et son nouveau symbole n’a pas été adopté par la plupart des fans. Il commence également à faire des apparitions avec le mot « SLAVE » dessiné sur le côté de son visage, afin d’exprimer le grand mépris qu’il a pour son label.

Prince a tout de même sorti l’album The Gold Experience en 1995 pendant cette période difficile, et a obtenu une autre chanson dans le Top 5 avec « The Most Beautiful Girl in the World » .

Une fois libéré de toutes ses obligations contractuelles envers Warner Bros, Prince a sorti le triple album intitulé Emancipation (1996), qui a été certifié disque de platine et qui contient le remake soul « Betcha by Golly, Wow ». Plusieurs autres albums affiliés à son label NPG ont suivi peu après, dont Crystal Ball (1998) et Rave Un2 the Joy Fantastic (1999).

Musicology, Super Bowl et autres récompenses

Après plusieurs années de relative obscurité, Prince est revenu sous les feux de la rampe en 2004 pour se produire aux Grammy Awards avec Beyoncé Knowles, la même année où il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Au printemps, il sort Musicology, accompagné d’une tournée qui devient la plus grande attraction des États-Unis. L’album remporte deux Grammys et ajoute une autre ballade rêveuse, « Call My Name », au répertoire de Prince.

Son album suivant, 3121, est sorti en 2006. Cette année-là, il écrit et interprète « Song of the Heart » pour le film d’animation Happy Feet, et remporte un Golden Globe (meilleure chanson originale) pour cette composition. En 2007, il se produit lors du spectacle de la mi-temps du Super Bowl XLI sur une scène massive en forme de son célèbre symbole, sous une pluie battante. L’événement a été suivi par 140 millions de fans.

2010 est une année spéciale dans la biographie de Prince : cela aurait été l’année des récompenses pour Prince. Non seulement Billboard.com l’a qualifié de plus grand artiste du Super Bowl de tous les temps, mais il a également figuré dans la liste des « 100 personnes les plus influentes du monde » du magazine TIME et s’est vu décerner un Lifetime Achievement Award (prix de l’œuvre de toute une vie) par les BET Awards. Il a terminé l’année en étant intronisé au Grammy Hall of Fame.

Prince a également continué à livrer les fruits de ses efforts en studio avec Planet Earth (2007), LotusFlow3r (2009) et, dans le cadre d’un accord avec le Daily Mirror, 20Ten (2010).

Opposition au changement de modèle de l’industrie

Avec l’avènement de l’internet comme principal moyen de distribution de la musique, Prince s’oppose à la tendance qui consiste à partager ses chansons à volonté sur le web. Il s’est insurgé contre l’idée de fournir ses chansons aux plates-formes de musique en ligne sans compensation préalable et sans partage des bénéfices, ses titres ne se retrouvant finalement que sur le service de streaming Tidal, soutenu par Jay-Z.

L’un des rares artistes pop à détenir la pleine propriété de ses œuvres, il a fait preuve de diligence, par l’intermédiaire de Web Sheriff, pour effacer de l’internet les exemples de sa musique, y compris les vidéos et les représentations en direct. Il est ainsi à l’origine de l’affaire Lenz contre Universal Musical Group, qui a abouti à la suppression sur YouTube d’un bébé dansant sur « Let’s Go Crazy ».

Prince a également continué à prendre des positions politiques lors de ses concerts. Le 2 mai 2015, il a organisé un Dance Rally 4 Peace à Paisley Park pour rendre hommage à Freddie Gray, un Afro-Américain de 25 ans décédé en garde à vue après son arrestation à Baltimore, et pour apporter son soutien aux militants qui protestaient contre sa mort. Accompagné de son groupe 3RDEYEGIRL, Prince a donné un concert de 41 minutes comprenant sa chanson de protestation « Baltimore », inspirée par la mort de Gray.

La mort de Prince

Le 21 avril 2016, Prince est retrouvé mort dans son complexe de Paisley Park, dans le Minnesota. La semaine précédente, son avion avait fait un atterrissage d’urgence et le chanteur avait été hospitalisé pour ce qui était censé être un cas grave de grippe, bien que des rapports aient par la suite indiqué que le musicien avait en fait reçu une « piqûre de sécurité » salvatrice pour une overdose de Percocet. Après l’autopsie, sa dépouille a été incinérée et sa famille proche et ses amis se sont réunis pour des funérailles privées en petit comité le 23 avril.

Près de deux semaines après la mort du musicien, un avocat a révélé que l’équipe de Prince avait fait appel au Dr Howard Kornfeld, un médecin californien spécialisé dans le traitement des personnes dépendantes et accros aux analgésiques, pour aider le musicien. (L’artiste avait subi une opération de la hanche quelques années plus tôt, et l’on pensait qu’il souffrait d’une gêne récurrente lors de ses concerts). Le fils de Kornfeld aurait pris l’avion pour se rendre au domicile de Prince afin d’entamer le processus de guérison et aurait fait partie de ceux qui l’ont trouvé mort. Bien que l’état de santé de Prince au moment de sa mort ne soit pas connu, l’avocat William Mauzy a déclaré que l’artiste « faisait face à une grave urgence médicale » lorsque Kornfeld a été appelé, comme l’a rapporté le Minneapolis Star Tribune.

Le 2 juin 2016, le bureau du médecin légiste du Midwest a publié les résultats de son enquête, selon lesquels Prince est mort d’une overdose accidentelle de fentanyl, un opiacé synthétique, qu’il s’était lui-même administré.

Les hommages à cet artiste profondément unique ont afflué des quatre coins du monde, comme en témoignent les mémoriaux improvisés et les célébrations de son œuvre. Des milliers de personnes en deuil ont chanté « Purple Rain » dans le centre-ville de Minneapolis la nuit de sa mort, avec un amour tout particulier pour la ville où Prince est né et a continué à vivre.

Sa maison/studio du Minnesota, Paisley Park, a officiellement ouvert ses portes en tant que musée en octobre 2016. Le mois suivant, sa première chanson posthume, « Moonbeam Levels », a été publiée. En outre, la production d’un documentaire sur les premières années du chanteur, intitulé Prince : R U Listening ?

Le 19 avril 2018, le comté de Carver a conclu son enquête de deux ans en annonçant qu’aucune charge criminelle ne serait retenue dans le cadre de la mort de Prince. Le procureur Mark Metz a déclaré qu’on ne savait pas qui avait fourni au musicien les pilules chargées de fentanyl qui l’ont tué, et qu’il n’y avait aucune preuve que des associés savaient qu’il ingurgitait une substance aussi dangereuse.

Biogrpahie de Prince : sa vie privée

Prince était extrêmement discret sur sa vie privée et préférait passer du temps dans son complexe de Paisley Park, loin des projecteurs de la célébrité.

Dans les années 1980, Prince a entretenu une longue relation avec l’auteur-compositeur-interprète Susannah Melvoin, sœur jumelle de Wendy Melvoin, guitariste du groupe de Prince, The Revolution. Il a également eu une relation amoureuse avec la batteuse extraordinaire Sheila E. Ils ont travaillé ensemble sur les albums de Susannah Melvoin, The Glamorous Life, dont le titre pop/R&B a été classé dans le Top 10, et Romance 1600, dont le single « A Love Bizarre » a été la vedette.

Le jour de la Saint-Valentin 1996, Prince a épousé la choriste et danseuse Mayte Garcia. Le couple a eu un fils, né le 16 octobre 1996, qui est mort une semaine plus tard du syndrome de Pfeiffer, une maladie génétique rare. Prince et Mayte Garcia ont divorcé en 1999.

En 2001, Prince a épousé sa seconde femme, Manuela Testolini, qui avait été employée par l’une de ses organisations caritatives. Leur mariage a pris fin en 2006. Après leur divorce, il a eu une relation avec l’une de ses protégées musicales, la chanteuse Bria Valente.

Mémoire et hommage à « The Beautiful Ones »

On termine notre biographie de Prince avec une partie dédiée à ses mémoires. En mars 2016, il a été annoncé que la superstar de la pop travaillait sur un mémoire, provisoirement intitulé The Beautiful Ones. Selon le magazine Billboard, Prince s’est adressé à un public lors d’un événement de l’industrie musicale pour parler de ses mémoires :

« C’est mon premier livre. Mon frère Dan » – le co-auteur Dan Piepenbring – » m’aide à le faire. C’est un bon critique et c’est ce dont j’ai besoin. Il n’est pas du tout du genre à dire ‘oui’ et il m’aide vraiment à traverser cette épreuve. Nous reprenons depuis le début, depuis mon premier souvenir, et j’espère que nous pourrons aller jusqu’au Super Bowl ».

Bien que l’artiste soit décédé peu de temps après, ses collaborateurs ont continué à travailler sur le projet. En octobre 2019, Penguin Random House a publié les 279 pages de The Beautiful Ones, combinant le manuscrit inachevé de Prince avec des photos, des albums et des paroles.

Place à notre classement des meilleures chansons de Gwen Stefani. Gwen Stefani est née le 3 octobre 1969, du nom d’une hôtesse de l’air dans le roman Airport, paru en 1968. L’auteur-compositeur-interprète a abandonné l’université d’État de Californie en 1987 pour se lancer dans une carrière musicale. Avant qu’elle ne quitte l’université, son frère Eric lui a demandé d’être la chanteuse du groupe de ska No Doubt.

Avec la montée en popularité de la musique grunge à l’époque, le groupe n’a pas connu le succès jusqu’à son troisième album en 1995, Tragic Kingdom, qui contenait des tubes comme « Don’t Speak », « Just a Girl » et « Spiderwebs ». À cette époque, Stefani commence à travailler en dehors du groupe. Elle collabore avec la rappeuse/chanteuse Eve et participe à sa chanson « Let Me Blow Ya Mind ».

La carrière solo de Gwen

Pendant la pause du groupe, Gwen Stefani s’est lancée dans une carrière pop solo en 2004 en sortant son premier album studio Love. Angel. Music. Baby. Le deuxième single de l’album s’intitule « Rich Girl ». Il s’agit de sa deuxième collaboration avec Eve, produite par Dr. L’album contient également des succès comme « What You Waiting For ? » et « Hollaback Girl ». Deux ans plus tard, elle sort son deuxième album studio, The Sweet Escape. « Wind It Up » et “The Sweet Escape” font partie des grands succès de l’album.

Notre Top 10 des meilleures chansons de Gwen Stefani

10 – Can I Have It Like That (avec Pharrell) (2005)

Après avoir connu le succès avec leur collaboration sur Hollaback Girl (nous y reviendrons plus tard…), Gwen et le créateur de N.E.R.D., Pharrell Williams, ont fait équipe pour ce single tiré de son premier album solo.

Bien qu’il n’ait pas atteint le Top 40 aux États-Unis, il a été classé dans le Top 3 au Royaume-Uni, où il s’est vendu à 126 000 reprises à ce jour.

9 – Kings Never Die (avec Eminem) (2015)

Sorti en tant que single promotionnel du drame sportif Southpaw de Jake Gyllenhaal, Kings Never Die a vu Gwen s’associer à la royauté du rap Eminem. L’hymne émouvant, sur lequel Gwen assure les chœurs, a été écouté plus de 12 millions de fois et, bien qu’il ait atteint la 82e place, il s’est vendu à 132 000 reprises.

8 – Hair Up (avec Justin Timberlake et Rob Funches) (2016) est l’une des meilleures chansons de Gwen Stefani

En 2016, Gwen a rejoint le casting du film d’animation maniaque Trolls, et a également contribué à la bande originale du film, créée par Justin Timberlake et le super-producteur Max Martin. Dans Hair Up, elle chante en duo avec Timberlake et le comédien américain Rob Funches.

Ce titre, qui a manifestement rencontré un grand succès auprès des fans de Trolls, est le quatrième tube solo de Gwen le plus écouté au Royaume-Uni, avec plus de 13 millions de streams, et sa huitième chanson la plus vendue, avec 133 000 ventes au classement.

7 – Move Your Feet/D.A.N.C.E./It’s A Sunshine Day (avec Anna Kendrick et James Corden) (2016)

Autre extrait des Trolls, cette chanson est un mash-up déjanté de Move Your Feet de Junior Senior en 2003, de D.A.N.C.E. de Justice et de It’s A Sunshine Day de la série Brady Bunch. Gwen y chante aux côtés d’Anna Kendrick et de James Corden de Pitch Perfect.

Encore une fois, le succès est légèrement plus grand en termes de flux – atteignant la cinquième place avec 12,9 millions – avec un total de 135 000 ventes dans le classement.

6 – Cool (2005)

C’est le moment de parler. Inspiré par les classiques de Madonna, Cool est l’un des points forts du premier album solo de Gwen, Love Angel Music Baby. Écrite sur sa relation avec Tony Kanal, membre de No Doubt, Cool est une ode à une relation changeante et positive avec un ex qui reste l’un de ses meilleurs morceaux en solo.

Après avoir manqué de peu le Top 10 lors de sa sortie et atteint la 11e place, Cool a su tirer son épingle du jeu en terminant à la sixième place de son Top 10, avec 161 000 ventes à ce jour.

5 – Rich Girl (ft. Eve) (2004) est l’un des meilleurs titres de Gwen Stefani

L’une des chansons emblématiques de Gwen, Rich Girl ne l’a pas seulement réunie avec la rappeuse Eve après Let Me Blow Ya Mind en 2001, mais elle a également accueilli une interpolation particulièrement intelligente de If I Were A Rich Man de Fiddler On The Roof.

Porté par un clip sur le thème des pirates réalisé par le célèbre réalisateur David LaChapelle (Everytime de Britney, Dirrty de Christina), le titre a accumulé plus de 12,3 millions de streams au Royaume-Uni et 281 000 ventes dans les charts.

4 – What You Waiting For ? (2004)

Premier single solo officiel de Gwen, What You Waiting For ? traite de l’anxiété qu’elle ressentait à l’idée de quitter No Doubt pour voler de ses propres ailes.

Elle n’a pas eu à s’inquiéter outre mesure : le titre a atteint la quatrième place de l’Official Singles Chart, ses visuels loufoques, dignes d’Alice au pays des merveilles, et sa composition électronique ont servi d’inspiration pour les succès ultérieurs de Lady Gaga et de Rihanna. À ce jour, 348 000 exemplaires ont été vendus.

Et le podium est…

3 – Hollaback Girl (2005)

Probablement son tube solo le plus connu, Hollaback Girl a été composé par Gwen et Pharrell pour répondre (si l’on en croit la légende pop) à Courtney Love, qui avait qualifié Gwen de pom-pom girl de la musique pop. Il semble que Gwen ait eu le dernier mot.

Hollaback Girl a atteint la huitième place au Royaume-Uni et est sa chanson la plus écoutée, avec plus de 43 millions de lectures. Au total, ses ventes s’élèvent à 590 000 exemplaires. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Gwen Stefani.

2 – Let Me Blow Ya Mind (avec Eve) (2001) est l’une des meilleures chansons de Gwen Stefani

Succès historique à l’époque, Let Me Blow Ya Mind a été l’une des premières collaborations féminines dans le domaine du rap et l’une des plus réussies, ouvrant la voie à des titres comme Fancy d’Iggy Azalea et de Charli XCX.

Numéro 4 de l’Official Singles Chart, ce titre survolté est le deuxième plus grand succès de Gwen, avec un total époustouflant de 628 000 ventes, dont 34 millions de streams.

1 – The Sweet Escape (feat. Akon) (2006)

Certains y verront une victoire surprenante dans notre top10 des meilleures chansons de Gwen Stefani, mais le duo sucré de Gwen avec Akon est en fait son plus grand titre au Royaume-Uni. Sorti en 2006 en tant que deuxième single de son deuxième album du même nom, The Sweet Escape sort vainqueur, avec 731 000 ventes (dont 38 millions de streams) à son actif.

À sa sortie, il a atteint la deuxième place de l’Official Singles Chart, son meilleur classement en tant qu’artiste solo. Pour reprendre les mots de Gwen elle-même : Woo-hoo !

Ecoutez les chansons de Gwen Stefani ici :

FAQ’s

Qui est Gwen Stefani ?

Gwen Stefani est une chanteuse, auteure-compositrice et designer de mode américaine, connue pour être la chanteuse principale du groupe No Doubt avant de lancer une carrière solo réussie.

Quelles sont les meilleures chansons de Gwen Stefani ?

Les titres populaires de Gwen Stefani incluent « Hollaback Girl », « The Sweet Escape », « Cool », « What You Waiting For? », et « Rich Girl ».

Gwen Stefani a-t-elle gagné des prix pour ses chansons ?

Oui, Gwen Stefani a reçu plusieurs distinctions, y compris des Grammy Awards, MTV Video Music Awards, et Billboard Music Awards pour ses contributions à la musique.

Dans quel style musical Gwen Stefani se spécialise-t-elle ?

Gwen Stefani est connue pour ses influences pop, ska, rock, et new wave, mélangeant des éléments de plusieurs genres dans ses chansons.

Quelle est la chanson la plus populaire de Gwen Stefani ?

L’un des plus grands succès de Gwen Stefani est « Hollaback Girl », qui a été la première chanson numérique à dépasser un million de téléchargements aux États-Unis.

Quelles sont les collaborations célèbres de Gwen Stefani ?

Gwen Stefani a collaboré avec de nombreux artistes, dont Pharrell Williams sur « Hollaback Girl » et « Can I Have It Like That », ainsi qu’Akon sur « The Sweet Escape ».

Quels sont les thèmes récurrents dans les chansons de Gwen Stefani ?

Ses chansons abordent souvent des thèmes comme l’amour, la confiance en soi, les relations complexes, et l’autonomisation.

Quelles sont les chansons emblématiques de Gwen Stefani des années 90 ?

En tant que membre de No Doubt, Gwen Stefani a interprété des hits des années 90 comme « Don’t Speak » et « Just a Girl ».

Où puis-je écouter les meilleures chansons de Gwen Stefani ?

Les chansons de Gwen Stefani sont disponibles sur des plateformes de streaming comme Spotify, Apple Music, et YouTube.

Place à notre article sur le nouvel album de Katy Perry. Pour la chanteuse, 143 n’est pas seulement son premier album en quatre ans, c’est aussi un retour à la musique après plusieurs années passées en tant que juge de l’émission « American Idol ».

Achetez ici :

Le défi qu’elle s’est lancé était de capturer la magie des hymnes et des chansons plus grandes que nature de ses premières œuvres. Perry a conquis le monde de la pop avec de nombreux tubes à son actif. Mais ses derniers albums ont été inégaux. Son septième album, le premier depuis 2020, a de bons moments, mais aussi quelques problèmes.

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Qu’y-a-t-il sous le capot du nouvel album de Katy Perry en 2024, 143 ?

Des chansons comme « CRUSH » et « LIFETIMES » ont un rebond clubby et une étincelle d’énergie cinétique qui sont prometteuses. Les chansons fusionnent les synthés des années 90 avec de gros rythmes et une production de premier ordre, et la voix de Perry a le timbre puissant qu’on lui connaît.

Les titres « ALL THE LOVE » et « NIRVANA », très enlevés, sont eux aussi très dansants, et ce dernier titre est assez percutant.

Le meilleur morceau de l’album est « ARTIFICIAL », un titre sombre et morose qui oppose la technologie sans visage et l’intelligence artificielle aux sentiments réels de l’amour et de la passion. On y retrouve l’humour mordant de certains des morceaux les plus mémorables de Perry, ainsi que le couplet enflammé du rappeur J.I.D.

Ce sentiment se prolonge sur l’éclatant et fougueux « TRUTH », un morceau atmosphérique qui insuffle des tonalités plus sombres. Perry est à son meilleur lorsqu’elle se défend avec un message d’autonomisation collective.

« Mon intuition me dit que les choses ne vont pas bien », chante-t-elle.

L’un des défis du nouvel album de Katy Perry 143 est que la chanteuse a déjà placé la barre très haut. L’album de 11 titres et 35 minutes est amusant et cohérent, avec des chansons qui se fondent les unes dans les autres. Mais il manque un grand succès. Par moments, l’album commence à se confondre avec des rythmes de basse et de synthétiseurs.

L’ironie de la chose, c’est que les chansons qui sont censées être la vitrine de l’album ne font pas bouger l’aiguille comme le font les morceaux plus profonds. Le single « Woman’s World » contient un message fort de responsabilisation, mais la vidéo de l’acte, qui a été tournée, est apparue comme une blague, au point que Perry l’a qualifiée d’ironique un jour plus tard.

La comparaison n’est pas tout à fait juste, mais sur la plupart des albums de Katy Perry, le morceau d’ouverture est un événement qui définit l’époque.

« She’s a flower/ She’s a thorn/ Super-human, number one », chante Katy Perry.

Les collaborations de Perry sont également mitigées. Le rappeur 21 Savage pose deux couplets détendus sur « GIMME GIMME » qui n’apportent pas grand-chose au mélange. En revanche, la chanteuse Kim Petras apporte une touche de fougue à la chanson « GORGEOUS », et le rappeur Doechii porte la chanson d’amour rythmée mid-tempo « I’M HIS, HE’S MINE ».

La fille de Perry fait une apparition en chantant la première ligne de la douce ballade « WONDER ». Il y a un message sincère qui fournit quelques-uns des meilleurs moments lyriques de l’album sur la piste qui est apparemment dirigée vers ses enfants. Le nouvel album de Katy Perry montre qu’elle a parfois encore les tripes, mais la qualité est inégale.

Ecoutez le nouvel album ici :

FAQs

1. Quel est le vrai nom de Katy Perry ?

Le vrai nom de Katy Perry est Katheryn Elizabeth Hudson.

2. Quel est le plus grand succès de Katy Perry ?

Le plus grand succès de Katy Perry est la chanson « Roar », sortie en 2013, qui a dominé les charts mondiaux.

3. Katy Perry est-elle mariée ?

Oui, Katy Perry est mariée à l’acteur Orlando Bloom. Le couple a accueilli leur première fille, Daisy Dove Bloom, en août 2020.

4. Combien d’albums Katy Perry a-t-elle sortis ?

Katy Perry a sorti 7 albums studio : « Katy Hudson », « One of the Boys », « Teenage Dream », « Prism », « Witness », « Smile » et donc le nouvel album de Katy Perry « 143 ».

5. Quels sont les plus grands succès de Katy Perry ?

Parmi les plus grands succès de Katy Perry, on retrouve « Firework », « California Gurls », « Dark Horse », « Teenage Dream », et « Last Friday Night (T.G.I.F.) ».

6. Quel est le style musical de Katy Perry ?

Katy Perry est principalement connue pour sa musique pop, souvent caractérisée par des mélodies accrocheuses et des thèmes inspirants ou festifs.

Michael Jackson était un chanteur et un danseur aux multiples talents, qui a connu une carrière exceptionnelle tant avec les Jackson 5 qu’en tant qu’artiste solo. Découvrons ensemble la biographie de Michael Jackson.

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Qui était Michael Jackson ?

Surnommé le « roi de la pop », Michael Jackson était un chanteur, auteur-compositeur et danseur américain à succès. Enfant, il est devenu le chanteur principal du populaire groupe Motown de sa famille, les Jackson 5. Il s’est ensuite lancé dans une carrière solo qui a connu un succès mondial stupéfiant, avec des succès numéro 1 sur les albums Off the Wall, Thriller et Bad.

Thriller reste l’un des albums les plus vendus de l’histoire. À la fin de sa vie, Jackson a fait l’objet d’allégations d’attouchements sur des enfants. Le lauréat de 13 Grammy Awards est décédé en 2009 à l’âge de 50 ans d’une overdose, juste avant d’entamer une tournée de retour.

Biographie de Michael Jackson – Son enfance

Michael Joseph Jackson est né le 29 août 1958 à Gary, dans l’Indiana. Il est le huitième des dix enfants de Joseph Jackson, grutier, et de Katherine Jackson, femme au foyer et témoin de Jéhovah. Les deux parents de Jackson avaient eux-mêmes des aspirations musicales : Katherine jouait de la clarinette et du piano et voulait devenir chanteuse de country, tandis que Joseph était guitariste et jouait dans des groupes locaux de rhythm and blues.

Ils ont encouragé leurs enfants à poursuivre des ambitions musicales, et la carrière de Jackson dans la musique a commencé à l’âge de 5 ans sous les encouragements de son père.

Presque tous les frères et sœurs de Jackson se sont fait une place dans l’industrie musicale, notamment Rebbie, Jackie, Tito, Jermaine, La Toya, Marlon, Randy et Janet Jackson.

Joseph poussait ses enfants à réussir, les faisant répéter cinq heures par jour après l’école, et était connu pour être violent avec eux. On dit qu’il les battait avec une boucle de ceinture ou un cordon de bouilloire électrique et qu’il leur ordonnait de casser une branche d’arbre s’ils se trompaient dans un pas de danse afin de pouvoir les frapper avec.

Les Jackson 5

Le groupe Jackson 5, que l’on voit sur scène vers 1969, était composé des frères Tito Jackson, Marlon Jackson, Michael Jackson, Jackie Jackson et Jermaine Jackson.

Au début des années 1960, Joseph a formé ses fils pour qu’ils forment un groupe musical qui sera plus tard connu sous le nom de Jackson 5. Au départ, le groupe de la famille Jackson était composé des frères aînés de Jackson, Tito, Jermaine et Jackie. Jackson a rejoint ses frères et sœurs à l’âge de 5 ans et s’est imposé comme le chanteur principal du groupe. Il fait preuve d’un registre et d’une profondeur remarquables pour un si jeune interprète, impressionnant le public par sa capacité à transmettre des émotions complexes. Le groupe est devenu officiellement les Jackson 5 lorsque son frère aîné, Marlon, l’a rejoint.

Jackson et ses frères passent d’interminables heures à répéter et à peaufiner leur spectacle. Au début, les Jackson 5 donnent des concerts locaux et se font de nombreux fans. Ils enregistrent un single, « Big Boy », avec la face B « You’ve Changed », mais le disque ne suscite pas beaucoup d’intérêt. Le groupe se met à travailler en première partie d’artistes R&B tels que Gladys Knight and The Pips, James Brown et Sam and Dave. Nombre de ces artistes sont signés par la légendaire maison de disques Motown, et les Jackson 5 finissent par attirer l’attention du fondateur de Motown, Berry Gordy.

Impressionné par le groupe, Gordy le fait signer sur son label au début de l’année 1969. Jackson et ses frères déménagent à Los Angeles, où ils vivent avec Gordy et avec Diana Ross des Supremes pendant qu’ils s’installent.

Les Jackson 5 font leur première apparition à la télévision lors du concours de Miss Black American en 1969, en reprenant « It’s Your Thing ». Leur premier album, Diana Ross Presents the Jackson 5, est entré dans les hit-parades en décembre 1969, et le single « I Want You Back » a atteint la première place du Billboard Hot 100 peu après.

D’autres titres ont rapidement suivi, tels que « ABC », « The Love You Save » et « I’ll Be There ». Pendant plusieurs années, Jackson et les Jackson 5 maintiennent un calendrier de tournées et d’enregistrements très chargé, sous la supervision de Gordy et de son équipe de la Motown. Le groupe est devenu si populaire qu’il a même eu sa propre émission de dessins animés éponyme, qui a été diffusée de 1971 à 1972. Jackson a également popularisé la « danse du robot » après l’avoir utilisée en 1973 lors de l’interprétation de la chanson « Dancing Machine » dans l’émission The Mike Douglas Show.

Malgré le grand succès du groupe, des problèmes se préparent en coulisses. La tension monte entre Gordy et Joseph à propos de la gestion des carrières de ses enfants, les Jacksons voulant avoir un plus grand contrôle créatif sur leur matériel. Le groupe rompt officiellement ses liens avec Motown en 1976, bien que Jermaine reste sur le label pour poursuivre sa carrière solo.

S’appelant désormais les Jacksons, le groupe signe un nouveau contrat d’enregistrement avec Epic Records. À la sortie de leur troisième album pour le label, Destiny (1978), les frères se sont révélés être des auteurs-compositeurs talentueux.

Biographie de Michael Jackson – L’émergence d’une carrière solo

Jackson a commencé sa carrière solo tout en se produisant avec les Jackson 5. Il a sorti son premier album solo à l’âge de 13 ans, Got to Be There (1971), dont le titre est entré dans les hit-parades. Il a obtenu son premier numéro de single en solo avec le titre de son deuxième album Ben (1972), qu’il a enregistré pour le film du même nom de 1972 sur un rat tueur. Jackson a suivi ces albums avec Music and Me (1973) et Forever, Michael (1975), ce dernier étant son dernier album avec Motown Records.

Au fur et à mesure que la célébrité de Jackson grandit, il s’essaie au métier d’acteur, et l’expérience laisse également des traces dans sa musique. Il incarne l’épouvantail dans le film The Wiz (1977), réalisé par Sidney Lumet, aux côtés de Diana Ross et de Nipsey Russell. Alors qu’il vivait à New York pour tourner le film, Jackson se rendait fréquemment à la boîte de nuit Studio 54 et a été exposé aux débuts de la musique hip-hop, ce qui a contribué à son beatboxing dans de futures chansons telles que « Working Night and Day ».

Jackson a percé en solo avec Off the Wall (1979), son premier album chez Epic Records et le premier produit par Quincy Jones, qu’il avait rencontré alors qu’il travaillait sur The Wiz. Mélange contagieux de pop et de funk, Off the Wall contient le single « Don’t Stop ‘Til You Get Enough », récompensé par un Grammy Award, ainsi que des succès tels que « Rock with You », « She’s Out of My Life » et le titre de l’album.

Les critiques ont estimé que l’album avait fait évoluer Jackson de la musique pop de sa jeunesse vers un son plus complexe, et certains l’ont qualifié d’un des meilleurs albums pop jamais réalisés.

À cette époque, Jackson se produit toujours avec ses frères, et l’accueil extrêmement positif réservé à Off the Wall aide les Jackson à former un groupe. Leur album Triumph (1980) se vend à plus d’un million d’exemplaires, et les frères partent en tournée pour soutenir l’enregistrement. Dans le même temps, Jackson continue d’explorer d’autres voies pour se lancer dans l’aventure. En 1983, il entame sa dernière tournée avec ses frères pour soutenir l’album Victory (1984). Le duo de Jackson avec Mick Jagger, « State of Shock », est le single le plus populaire de l’album.

« Thriller » (1982)

La carrière de Michael Jackson, déjà florissante, est montée en flèche au début des années 1980 après la sortie de Thriller.

Jackson a connu un succès sans précédent avec la sortie de son sixième album solo, Thriller (1982), qui, en août 2021, était toujours reconnu par le Guinness World Records comme l’album le plus vendu de tous les temps, avec 67 millions d’exemplaires écoulés dans le monde et 34 millions d’unités rien qu’aux États-Unis. L’album est resté 80 semaines dans les charts après sa sortie, occupant la première place pendant 37 semaines, et a généré sept succès dans le Top 10, dont « Thriller », « Billie Jean », « Beat It », « Human Nature », « Wanna Be Startin’ Somethin' » et « P.Y.T. (Pretty Young Thing) ».

L’album a reçu 12 nominations aux Grammy Awards et en a remporté huit, deux records à l’époque. Jackson a également tourné un clip élaboré pour le titre de l’album.

Réalisé par le cinéaste John Landis, le mini-film de 14 minutes « Thriller » présente une intrigue d’horreur qui culmine avec Jackson dansant avec des dizaines de zombies dans une rue abandonnée de la ville. Après son lancement sur MTV le 2 décembre 1983, il a été salué comme l’un des plus grands vidéoclips de tous les temps et est devenu le premier vidéoclip à être sélectionné pour le National Film Registry en 2009.

Lors d’une émission télévisée spéciale de 1983 en l’honneur de la Motown, Jackson interprète son tube numéro 1 « Billie Jean » et débute le moonwalk, qui devient l’un de ses mouvements emblématiques. Ce pas de danse, que le musicien R&B Jeffrey Daniel lui avait enseigné trois ans plus tôt, consiste pour le danseur à glisser vers l’arrière malgré des gestes corporels qui suggèrent un mouvement vers l’avant.

L’apogée de la célébrité

Jackson signe un contrat promotionnel record de 5 millions de dollars avec PepsiCo en novembre 1983, lançant la campagne New Generation de la marque destinée aux jeunes. Cependant, Jackson finit par intenter un procès à Pepsi lorsque, pendant le tournage d’un concert simulé pour une publicité, des pièces pyrotechniques mettent accidentellement le feu aux cheveux de Jackson, provoquant des brûlures au deuxième et au troisième degré sur son cuir chevelu.

Jackson a été opéré pour réparer ses blessures et on pense qu’il a commencé à expérimenter la chirurgie plastique à cette époque. Son visage, en particulier son nez, sera considérablement modifié dans les années à venir.

En 1985, Jackson montre son côté altruiste en collaborant avec Lionel Richie à la composition de « We Are the World », un single de charité pour l’organisation à but non lucratif USA for Africa. Un véritable who’s who de stars de la musique a participé au projet, dont Ray Charles, Bob Dylan, Willie Nelson, Bruce Springsteen et Tina Turner. La chanson est devenue l’un des singles les plus vendus de tous les temps et a permis de récolter, selon certaines sources, plus de 75 millions de dollars pour l’aide humanitaire destinée à lutter contre la pauvreté en Afrique.

Cinq ans après Thriller, Jackson sort Bad (1987), son nouvel album très attendu. Bien qu’incapable de reproduire les ventes phénoménales de Thriller, Bad a tout de même atteint le sommet des charts et est devenu le premier album à contenir cinq tubes numéro 1 avec « I Just Can’t Stop Loving You », « Bad », « The Way You Make Me Feel », « Man in the Mirror » et « Dirty Diana ».

Le cinéaste Martin Scorsese a réalisé le clip de la chanson titre, qui mettait en scène un Wesley Snipes alors inconnu et racontait une histoire complexe sur les adolescents délinquants et la violence des gangs. Jackson passe plus d’un an sur la route, donnant des concerts pour promouvoir l’album.

En 1988, Jackson a acheté une propriété de 2 700 acres à Los Olivos, en Californie, pour 17 millions de dollars et l’a transformée en Neverland Ranch, une maison et un parc d’attractions privé qu’il a possédé jusqu’en 2005. Nommé d’après l’île fantastique de l’histoire de Peter Pan, le parc comprenait un zoo, un train, une grande roue et un cinéma de 50 places. Plusieurs animaux exotiques étaient gardés au ranch, dont le célèbre chimpanzé de Jackson, Bubbles.

Vers la fin des années 1980, des rumeurs ont commencé à circuler selon lesquelles Jackson éclaircissait la couleur de sa peau pour paraître plus blanc et dormait dans une chambre à oxygène spéciale pour augmenter sa durée de vie. En 1993, Jackson a accepté une rare interview télévisée avec Oprah Winfrey pour faire taire les rumeurs. Il explique que le changement de couleur de sa peau est le résultat d’une maladie de peau connue sous le nom de vitiligo, et il s’ouvre sur les abus qu’il a subis de la part de son père.

Biographie de Michael Jackson – Succès continu et accusations

En 1991, Jackson sort son huitième album solo, Dangerous, son premier sans Quincy Jones depuis 16 ans. L’album marque une nouvelle orientation pour Jackson et mélange différents genres, dont le R&B, le funk, le gospel, le hip-hop, le rock, l’industriel et le classique. Il comprend le single à succès « Black or White », accompagné d’un clip vidéo réalisé par Landis et dans lequel apparaît l’enfant star Macaulay Culkin.

Les dernières minutes de la vidéo montrent Jackson faisant des gestes sexuels et endommageant violemment des voitures et des bâtiments, ce qui a suscité des critiques de la part de certains spectateurs. Jackson a présenté ses excuses et a modifié la vidéo pour supprimer ces éléments.

La musique de Jackson a continué à jouir d’une grande popularité dans les années qui ont suivi. En 1993, il se produit lors de plusieurs événements importants, dont le spectacle de la mi-temps du Superbowl XXVII. Cependant, l’année 1993 a également été marquée par la première de plusieurs allégations d’attouchements sur des enfants à l’encontre de Jackson, lorsqu’un garçon de 13 ans a affirmé que la star de la musique l’avait caressé.

Jackson était connu pour ses soirées pyjama avec des garçons dans son ranch de Neverland, mais il s’agissait de la première accusation publique de méfait. La police a fouillé le ranch, mais n’a trouvé aucune preuve à l’appui de l’accusation. L’année suivante, Jackson a réglé l’affaire à l’amiable avec la famille du garçon.

Dans le documentaire télévisé Living with Michael Jackson (2003), le journaliste britannique Martin Bashir a passé plusieurs mois avec le chanteur, l’amenant même à parler de ses relations avec les enfants. Jackson a admis qu’il continuait à faire dormir des enfants dans son ranch, même après les allégations de 1993, et qu’il dormait parfois avec les enfants dans son lit. « Pourquoi ne pouvez-vous pas partager votre lit ? C’est la chose la plus aimable à faire, partager son lit avec quelqu’un », a déclaré Jackson à Bashir.

Déclin de la carrière de Michael Jackson et accusations criminelles

Michael Jackson a été confronté à de nombreuses controverses au cours de sa vie, notamment lors d’un procès pénal en 2005 au cours duquel il a été acquitté de tous les chefs d’accusation.

La carrière musicale de Michael Jackson a commencé à décliner avec l’accueil mitigé réservé à HIStory : Past, Present, and Future, Book I (1995). Cet album de deux disques comprend une compilation des plus grands succès sur le premier disque et de nouveaux titres sur le deuxième disque, dont des collaborations avec Janet Jackson, The Notorious B.I.G., Shaquille O’Neal et Slash. HIStory est considéré comme l’album le plus personnel de Jackson, avec des paroles se rapportant à ses allégations d’abus sur enfants et à sa colère face à la façon dont il est traité par les médias.

L’album a produit deux succès, « You Are Not Alone » et son duo avec sa sœur Janet, « Scream ». La vidéo de cette dernière chanson, qui a pour thème les vaisseaux spatiaux, a coûté la somme record de 7 millions de dollars et a été récompensée par un Grammy Award pour ses effets spéciaux. Un autre titre de l’album, « They Don’t Care About Us », a valu à Jackson de vives critiques pour l’utilisation d’un terme antisémite.

En 2001, Jackson a sorti Invincible, son dernier album studio avant sa mort. Sa production a coûté 30 millions de dollars, ce qui en fait l’album le plus cher jamais réalisé. L’album aborde des sujets tels que l’isolement, les problèmes sociaux et les objections continues de Jackson à l’égard des médias. Bien qu’il soit entré en première position au Billboard, il a reçu des critiques mitigées.

Invincible est sorti alors que Jackson avait des problèmes juridiques avec Sony au sujet des droits sur ses enregistrements originaux, qui se sont aggravés lorsque Jackson a qualifié le président de Sony Music, Tommy Mottola, de raciste qui exploite les artistes noirs.

Au tournant du siècle, Jackson est de plus en plus connu pour ses excentricités, notamment le port d’un masque chirurgical en public. En 2002, Jackson a fait la une des journaux lorsqu’il a semblé confus et désorienté sur scène lors des MTV Video Music Awards. En 2002, il a été très critiqué pour avoir fait pendre son fils Blanket par-dessus un balcon alors qu’il saluait ses fans à Berlin, en Allemagne. Dans une interview ultérieure, Jackson a expliqué : « Nous attendions des milliers de fans en bas, et ils scandaient qu’ils voulaient voir mon enfant, alors j’ai eu la gentillesse de les laisser voir. J’ai fait quelque chose par innocence ».

En 2003, Jackson a connu d’autres déboires judiciaires lorsqu’il a été arrêté pour des incidents avec un garçon de 13 ans. Au total, dix chefs d’accusation ont été retenus contre lui : comportement obscène avec un mineur, conspiration en vue de commettre un enlèvement d’enfant, séquestration et extorsion. Le procès de 2005 qui s’ensuivit fut un véritable cirque médiatique, les fans, les détracteurs et les équipes de tournage encerclant le palais de justice. Plus de 130 personnes ont témoigné, et l’accusateur de Jackson a décrit, à l’aide d’une vidéo, comment on lui avait donné du vin et comment il avait subi des attouchements. Cependant, le jury a trouvé des problèmes avec son témoignage, ainsi qu’avec celui de sa mère. Le 14 juin 2005, Jackson a été déclaré non coupable de tous les chefs d’accusation.

Femmes et enfants

En août 1994, Jackson a annoncé qu’il avait épousé Lisa Marie Presley, la fille de l’icône du rock Elvis Presley. Cette union s’est avérée de courte durée, puisqu’ils ont divorcé en 1996. Certains ont pensé que ce mariage était un stratagème publicitaire pour redorer l’image de Jackson après les allégations d’attouchements sur des enfants.

Plus tard, en 1996, Jackson a épousé l’infirmière Debbie Rowe. Jackson et Rowe ont eu deux enfants par insémination artificielle : le fils Michael Joseph Jackson Jr, né en 1997 et connu sous le nom de Prince Jackson, et la fille Paris Michael Katherine Jackson, née en 1998. Lorsque Rowe et Jackson ont divorcé en 1999, Michael a obtenu la garde complète de leurs deux enfants. En 2002, Michael Jackson a eu un troisième enfant, Prince Michael Jackson II, surnommé « Blanket » et maintenant « Bigi », avec une mère porteuse inconnue.

Décès le 25 juin 2009

Jackson est décédé le 25 juin 2009, à l’âge de 50 ans, après avoir subi un arrêt cardiaque à son domicile de Los Angeles. Les tentatives de réanimation ayant échoué, il a été transporté d’urgence à l’hôpital, où il est décédé plus tard dans la matinée. En février 2010, un rapport officiel du coroner a révélé que la cause du décès de Jackson était une intoxication aiguë au propofol, ou une surdose mortelle d’un cocktail de médicaments sur ordonnance comprenant les sédatifs midazolam, diazépam et lidocaïne.

Avec l’aide de son médecin personnel, le Dr Conrad Murray, Jackson avait pris des sédatifs pour l’aider à dormir la nuit. Murray a déclaré à la police qu’il pensait que Jackson avait développé une dépendance particulière au propofol, que Jackson appelait son « lait ». Murray aurait administré le propofol par intraveineuse le soir, à raison de 50 milligrammes, et aurait tenté de sevrer la pop star de ce médicament au moment de sa mort.

Une enquête de police a révélé que Murray n’était pas autorisé à prescrire la plupart des médicaments contrôlés dans l’État de Californie. Les mesures qu’il a prises pour sauver Jackson ont également fait l’objet d’un examen minutieux, car il a été prouvé que les normes de soins pour l’administration du propofol n’avaient pas été respectées et que l’équipement recommandé pour la surveillance du patient, le dosage précis et la réanimation n’avait pas été présent.

En conséquence, la mort de Jackson a été considérée comme un homicide. Murray a été reconnu coupable d’homicide involontaire le 7 novembre 2011 et condamné à une peine d’emprisonnement maximale de quatre ans.

Hommages et héritage

Le 7 juillet 2009, une cérémonie commémorative télévisée a été organisée pour les fans de Jackson au Staples Center, dans le centre de Los Angeles. Alors que 17 500 billets gratuits ont été distribués aux fans par le biais d’une loterie, on estime à 1 milliard le nombre de téléspectateurs qui ont regardé la cérémonie à la télévision ou en ligne.

La mort de Jackson a suscité une vague de chagrin et de sympathie de la part du public. Des monuments commémoratifs ont été érigés dans le monde entier, dont un dans l’arène où il devait se produire et un autre dans la maison de son enfance à Gary, dans l’Indiana. La famille Jackson a organisé des funérailles privées le 3 septembre 2009 au Forest Lawn Memorial Park de Glendale, en Californie, pour les membres de la famille proche et 200 invités. Parmi les célébrités présentes, on trouve Lisa Marie Presley, l’ex-femme de Jackson, et l’actrice Elizabeth Taylor.

Au cours de sa carrière, Jackson a obtenu 38 nominations aux Grammy Awards et 13 victoires, dont l’album de l’année pour Thriller, le disque de l’année pour « Beat It », la chanson de l’année pour « We Are The World » et son premier Grammy en 1980 pour la meilleure performance vocale R&B masculine sur « Don’t Stop ‘Til You Get Enough ».

Parmi ses autres récompenses et honneurs, citons le Grammy Legend Award en 1993, son entrée au Rock & Roll Hall of Fame en 2001 et le Recording Academy’s Lifetime Achievement Award.

This Is It de Michael Jackson

Un documentaire sur les préparatifs de Jackson pour sa dernière tournée, intitulé This Is It, est sorti en octobre 2009. Le film, qui présente une compilation d’interviews, de répétitions et d’images des coulisses de la star, a rapporté 23 millions de dollars lors du week-end d’ouverture et 261 millions de dollars dans le monde entier.

Biographie de Michael Jackson – Albums posthume

Une poignée d’albums posthumes ont été publiés dans les années qui ont suivi la mort de Jackson. Le premier, Michael, est sorti en décembre 2010 au milieu d’une controverse sur la question de savoir si le chanteur a réellement interprété certains titres. Le frère Randy a fait partie de ceux qui ont mis en doute l’authenticité des enregistrements, mais la succession Jackson a par la suite réfuté ces affirmations, selon le New York Times.

Le deuxième album, Xscape (2014), a été interprété par Usher, star du R&B et protégé de Jackson, sur le single « Love Never Felt So Good ». L’album a débuté à la deuxième place du classement des 200 meilleurs albums de Billboard.

Michael Jackson répète pour ses concerts prévus à Londres au Staples Center, le 23 juin 2009, à Los Angeles, en Californie. Jackson est décédé deux jours plus tard à l’âge de 50 ans.
Depuis sa mort, Michael Jackson a fait l’objet de nombreuses biographies et a inspiré la création de deux spectacles du Cirque du Soleil. Il a reçu à titre posthume le prix 2018 Elizabeth Taylor AIDS Foundation Legacy Award for Humanitarian Service, que ses enfants Paris et Prince Michael ont accepté en son nom.

Les dettes de Jackson ont été réglées grâce à son investissement antérieur dans le catalogue Sony/ATV Music, qui comprend les droits d’édition des chansons de grands noms de l’industrie tels que les Beatles, les Rolling Stones et Taylor Swift. La succession Jackson a vendu sa part de Sony/ATV en 2016 pour 750 millions de dollars, et deux ans plus tard, elle a reçu 287,5 millions de dollars supplémentaires pour sa participation dans EMI Music Publishing. En outre, la capacité de gain de Jackson a duré bien au-delà de ses derniers jours.

En octobre 2017, Forbes a annoncé que Jackson était en tête de la liste des célébrités décédées ayant gagné le plus d’argent pour la cinquième année consécutive, avec 75 millions de dollars.

Les accusations d’abus sexuels à l’encontre de Jackson ont refait surface début 2019 avec la diffusion de Leaving Neverland au festival du film de Sundance, suivie d’une diffusion sur HBO. Le documentaire de quatre heures explore les souvenirs de deux hommes qui décrivent comment la pop star les a attirés dans son orbite lorsqu’ils étaient garçons, gagnant la confiance de leurs parents, avant de les contraindre à des activités sexuelles dans des chambres d’hôtel et dans son ranch de Neverland. La succession Jackson a qualifié les deux accusatrices de « parjures en série » et a intenté une action en justice de 100 millions de dollars contre HBO. En décembre 2020, le procès devait faire l’objet d’une procédure d’arbitrage.

Place à notre liste des meilleurs albums des Beach Boys. Les Beach Boys sont allés bien au-delà des tubes radiophoniques pour lesquels ils sont le plus connus.

Les chansons sur le surf, les filles, les voitures et la Californie ensoleillée ont sans aucun doute fait partie de leur histoire. Mais une fois que le groupe – et en particulier son leader, principal auteur-compositeur et producteur Brian Wilson – s’est lassé de ces sujets, il est passé à des thèmes plus adultes et à des disques qui comptent parmi les meilleurs albums de musique pop américaine jamais produits, comme vous le verrez dans notre liste des albums des Beach Boys classés du pire au meilleur.

Une fois la gloire passée, Wilson s’est attelé à des albums épiques qui ont contribué à orienter le cours de l’histoire de la pop. Pet Sounds, en 1966, a surpassé les Beatles en termes de construction en studio ; lorsque le groupe britannique a répliqué avec Revolver, Wilson a commencé à assembler ce qui aurait dû être son chef-d’œuvre. Mais Smile a été mis de côté après que l’état mental fragile de Wilson l’a empêché de terminer son ambitieux projet.

À partir de là, l’histoire des Beach Boys est devenue de plus en plus étrange et sauvage, avec de nombreuses ascensions et descentes dans les classements au fil des ans, et des poussées de créativité qui ont donné naissance à plusieurs de leurs meilleurs albums longtemps après que la plupart des fans de musique les aient abandonnés.

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10 – The Smile Sessions (2011)

Après le triomphe de « Pet Sounds », Brian WIlson s’est immédiatement remis au travail sur ce qui devait être son chef-d’œuvre. Mais les drogues, les problèmes mentaux et l’insécurité créative ont retardé le projet jusqu’à ce qu’il soit abandonné près d’un an plus tard.

Une version abrégée, « Smiley Smile », est sortie en 1967, mais la majeure partie de l’original est restée inédite jusqu’en 2011, date à laquelle un coffret de cinq disques a tenté de reconstituer et de donner un sens à la « symphonie de l’adolescence pour Dieu » de Wilson. C’est volumineux, difficile à manier… et infiniment fascinant, le portrait d’un génie qui s’est poussé au-delà de ses limites.

9 – All Summer Long (1964)

Le sixième album du groupe est son premier véritable grand album. Les chansons de surf avaient pratiquement disparu et, avec les Beatles et d’autres groupes, Brian Wilson construisit une œuvre qui cherchait l’inspiration ailleurs que sur la plage et dans les voitures.

All Summer Long comprend le premier numéro 1 des Beach Boys, « I Get Around ». Plus important encore, il a permis à Wilson de se positionner pour de plus grandes choses à venir.

8 -Holland (1973)

Le dernier grand album des Beach Boys, comme son prédécesseur, met en vedette les nouveaux venus Ricky Fataar et Blondie Chaplin, qui a chanté sur le single « Sail On, Sailor » (ils ne seront plus là avant que les Beach Boys n’enregistrent un autre album).

Mais c’est la « California Saga » en trois parties d’Al Jardine et de Mike Love qui est le moteur de « Holland ». Et l’EP bonus,  » Mount Vernon and Fairway (A Fairy Tale) « , est l’œuvre de Brian Wilson dans sa plus grande folie de l’époque de  » Smile « .

7 – Wild Honey (1967)

Les Beach Boys ont rebondi après le désastre de ‘Smile’ / ‘Smiley Smile’ avec un album R&B, conçu pour répondre aux critiques qui les qualifiaient d' »enfants de chœur sans ballon ». Ils reprennent même Stevie Wonder.

La voix merveilleusement éraillée de Carl Wilson est à la base de la chanson-titre et de « Darlin' », les meilleurs titres de l’album, mais il y a bien d’autres choses à aimer. Brian WIlson n’a pas produit l’album (c’est le groupe tout entier qui en est crédité), mais il a coécrit presque toutes les chansons avec Mike Love. Il n’a repris ce rôle à plein temps que 10 ans plus tard.

6 – Summer Days (And Summer Nights !!)’ (1965)

La maison de disques n’étant pas très satisfaite de l’évolution artistique des Beach Boys sur « Today ! », le groupe revient quatre mois plus tard avec cette offre de paix : une collection de chansons sur le thème des filles de la vieille école et de la Californie (voir « California Girls »).

Mais l’oreille adulte de Brian Wilson était toujours à l’affût de choses plus ambitieuses, et ‘Summer Days (And Summer Nights !!)’ ressemble à des fantaisies radiophoniques d’adolescents enveloppées dans des sons d’adultes. Leur album suivant, « Pet Sounds », n’a pas fait de compromis.

5- Sunflower (1970) – l’un des meilleurs albums des Beach Boys

À l’époque, « Sunflower » était l’album le moins bien classé des Beach Boys. C’est injuste, car il s’agit de l’un de leurs meilleurs albums après ‘Pet Sounds’, un projet de groupe total – tout le monde écrit et chante – qui sert de cure de jouvence après l’échec de ‘Smile’ qui leur pendait au bout du nez. Même si une partie de ces sessions abandonnées de 1967 apparaît ici, il s’agit d’un excellent travail qui va de l’avant.

4- Smiley Smile (1967)

Quelques mois après la mise en veilleuse du gigantesque projet « Smile » de Brian Wilson, le groupe revient avec une version condensée du concept.

Smiley Smile » est lâche, bizarre et suffisamment éloigné de ce à quoi un disque des Beach Boys devrait ressembler pour que l’album soit le moins bien classé du groupe à l’époque. « Heroes and Villains » est là, tout comme « Good Vibrations ». Mais il y a aussi beaucoup d’autres fragments psychédéliques plus réussis que prévu.

Et le podium est…

3 – The Beach Boys Today ! (1965)

L’album de Brian Wilson qui précède « Pet Sounds » est un magnifique mélange de pop orchestrale et d’écriture introspective. Inspiré par la production Wall of Sound de Phil Spector, ainsi que par la notion croissante de l’album en tant que forme d’art, Wilson a conçu « The Beach Boys Today ! » comme une pièce conceptuelle qui passe d’un pic émotionnel à l’autre.

Une réalisation magistrale qui marque le début d’une nouvelle ère. Bienvenue sur le podium des meilleurs albums des Beach Boys.

2 – Surf’s Up (1971) – l’un des meilleurs albums des Beach Boys

Toujours en train de recoller les morceaux après l’échec de « Smile » – au cours duquel les Beach Boys ont été pratiquement abandonnés par les nouveaux fans de musique qui les considéraient comme vieux et ringards – les Beach Boys sont revenus en force au sommet des années 70 avec l’un de leurs plus grands albums.

Les racines de « Smile » se trouvent dans la chanson titre de « Surf’s Up », mais d’autres morceaux (en particulier « Long Promised Road » de Carl Wilson) sont tout aussi essentiels au cœur de l’album. Une écoute profonde et poétique, et un pas en avant significatif pour le groupe.

1 – Pet Sounds (1966)

Sans doute le plus beau disque de pop jamais réalisé et certainement l‘un des plus grands albums jamais conçus. Brian Wilson a été stimulé par les sauts créatifs des Beatles pour porter ses propres visions musicales à des hauteurs spectaculaires.

Il a à peine atteint le Top 10, mais « Pet Sounds » a inauguré une nouvelle période d’expérimentations sonores qui a finalement conduit à la légende et à la chute de Wilson. Un enregistrement historique rempli de cordes, de cuivres et d’harmonies qui continue d’influencer les gens aujourd’hui.

Place à notre liste des meilleures chansons de Paul McCartney. L’influence de Sir Paul McCartney en tant que chanteur, parolier, musicien et ancien membre de l’un des plus grands groupes musicaux de l’histoire du divertissement populaire en a fait une icône vénérée. Pendant son temps avec les Beatles, il a écrit certaines de leurs plus grandes chansons à succès des années 1960, telles que « I Saw Her Standing There », « Can’t Buy Me Love » et « Let It Be ». Après la séparation du groupe en 1970, il a sorti son premier album solo classique, qui comprenait le single à succès « Maybe I’m Amazed ».

En 1971, McCartney a formé le groupe Wings avec sa femme Linda, et bien qu’il ait eu un nombre changeant de membres tout au long des années 1970, le groupe a sorti plusieurs chansons à succès, dont « Live and Let Die », « Band on the Run », « Silly Love Songs » et « With a Little Luck ». McCartney est retourné en solo en 1980, suivi d’une autre série de succès, collaborant de manière mémorable avec des artistes tels que Stevie Wonder et Michael Jackson sur « Ebony and Ivory » et « Say Say Say », respectivement.

Tout au long de sa vie, McCartney a évolué continuellement en tant qu’artiste, musicien et parolier. Il est l’un des artistes les plus récompensés de l’histoire, ayant été honoré de 18 Grammy Awards, d’un Oscar et d’un Emmy, et a été nommé membre de l’Ordre de l’Empire britannique. En tant qu’artiste, McCartney n’a pas seulement écrit ou coécrit 32 chansons n° 1, il a également été la force motrice derrière peut-être le premier véritable album concept du rock, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Il a également été parmi les premiers artistes à fusionner des éléments de pop, de rock et de musique classique dans des chansons à succès qui ont été influentes dans la croissance et le développement de la musique populaire moderne. Même aujourd’hui, McCartney se produit toujours à guichets fermés dans tous les coins du globe. Découvrons ensemble notre classement des 15 meilleures chansons de Paul McCartney.

Notre Top 15 des meilleures chansons de Paul McCartney

15 – Band on the Run

On commence notre liste des 15 meilleures chansons de Paul McCartney avec « Band on the Run ». La chanson titre de Band on the Run sera en tête des charts au cours de l’été 1974. En tant que l’un des plus grands succès de McCartney et un classique intemporel, « Band on the Run » s’inspire de nombreuses inspirations différentes, l’une d’entre elles étant une remarque de Harrison, préoccupé par une série de problèmes avec leur label Apple Records et leur ancien manager Allen Klein. Le simple fait d’enregistrer « Band on the Run » a été une expérience ardue car Wings avait été réduit à un trio, comprenant uniquement McCartney, sa femme Linda et l’ancien guitariste de Moody Blues Denny Laine.

Cependant, la situation est devenue encore plus pénible lorsque le groupe a été braqué sous la menace d’un couteau à l’aéroport de Lagos alors qu’ils étaient en route pour enregistrer l’album. Lors de l’agression, ils ont été contraints de renoncer aux démos de leurs enregistrements et ont donc dû faire tout le travail en studio tout en coupant de mémoire les morceaux de l’album. Les deux premières parties de la chanson ont été enregistrées au Nigeria tandis que la troisième partie a été enregistrée aux AIR Studios de Londres. « Band on the Run » est structuré comme un morceau en trois parties, la première partie étant une ballade, la seconde un exemple de pur rock et de funk, et la troisième prenant une tournure country-rock. La chanson remportera le Grammy Award de la meilleure performance vocale pop par un duo, un groupe ou un chœur en 1975.

14 – Jet – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney

« Jet » est l’un des plus grands succès de McCartney et Wings et a été le premier single sorti de leur énorme album Band on the Run au début de 1974. C’est une chanson purement rock écrite et composée par McCartney et constitue l’une des meilleures représentations de l’incroyable variété de morceaux que l’on trouve sur le disque. Bien qu’il y ait toujours eu des spéculations sur ce qui a inspiré cette chanson, la réponse est en réalité assez simple.

Dans une interview accordée à GQ en 2018, McCartney a révélé qu’il avait écrit « Jet » en regardant un poney noir qu’il possédait, nommé Jet, dans sa ferme en Écosse. Contrairement au reste des chansons classiques de Band on the Run, qui ont été enregistrées à Lagos, au Nigeria, « Jet » a été enregistré aux studios Abbey Road/EMI. C’est une chanson très demandée par les fans de McCartney au fil des années et qui figure presque toujours dans ses concerts et lors de ses tournées de concerts. C’est vraiment un joyau power-pop.

13 – My Love

Il est important de se rappeler que lorsque les critiques critiquent une chanson, cela peut souvent être diamétralement opposé à la façon dont elle est reçue par les auditeurs ou d’autres artistes, que ce soit au moment de sa sortie ou même aujourd’hui. Ce fut le cas avec « My Love », qui fut un raté critique. Cependant, la chanson de Paul McCartney et Wings a dominé les charts pendant quatre semaines au début de l’été 1974. Fait intéressant, elle a été écrite à l’époque où McCartney était en train de gérer la relation tendue avec ses anciens camarades du groupe des Beatles.

La chanson a été écrite, comme beaucoup de ses grandes ballades d’amour, en hommage à sa femme, son âme sœur et, à l’époque, sa camarade de groupe, Linda. Ce morceau magnifique et touchant figurait à juste titre dans le programme musical des services commémoratifs de Linda, décédée d’un cancer en 1998. Dans ses concerts et spectacles, McCartney interprète souvent « My Love » en hommage à elle et à leur vie ensemble. L’une des meilleures chansons de Paul McCartney.

12 – Live and Let Die – l’un des meilleurs titres de Paul McCartney

Associant deux icônes pop typiquement britanniques, Sir Paul et l’espion fictif bien-aimé James Bond, « Live and Let Die » n’était pas seulement un succès retentissant qui a atteint la première place de deux des trois principaux charts américains à l’époque, mais était également le premier thème de James Bond à obtenir une nomination aux Oscars (il a également été nominé pour un Grammy en 1974).

Il est intéressant de noter que les producteurs de Bond, Harry Saltzman et Albert R. Broccoli, voulaient que McCartney écrive la chanson titre du film, mais ils avaient en fait en tête Shirley Bassey ou Thelma Houston pour l’interpréter. Cependant, McCartney n’autoriserait pas que la chanson soit utilisée dans le film si lui et son groupe Wings ne pouvaient pas l’interpréter. La décision de McCartney a conduit à l’inclusion peut-être de l’un des plus grands succès de tous les temps dans le canon de James Bond et de la première véritable chanson rock à apparaître dans la franchise. Il n’a fallu qu’un seul après-midi à McCartney pour composer « Live and Let Die » après avoir lu le roman d’espionnage original de Ian Fleming. Le développement de la chanson aux AIR Recording Studios et son arrangement ont réuni McCartney avec l’ancien producteur des Beatles Sir George Martin qui a également composé et produit la bande originale du long métrage.

11 – Uncle Albert/Amiral Halsey

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Paul McCartney avec « Uncle Albert ». Même si ce n’était pas la première fois qu’il écrivait une chanson à succès sur l’un des membres de sa famille ou de ses amis, « Uncle Albert/Amiral Halsey » marquait la première fois que McCartney écrivait sur un parent dont le nom apparaissait même dans le titre. La chanson n’était pas seulement le premier succès à inclure sa femme au cours de cette période, c’était aussi la première au cours de sa carrière solo à inclure des effets sonores spéciaux habituellement réservés aux bandes sonores de films ou de télévision, tels que des orages et d’autres sons environnementaux.

« Uncle Albert » serait en tête des charts à la fin de l’été 1971. En particulier, la chanson fut l’une des premières à ressembler à deux chansons en une, car elle était écrite sur deux personnages différents et chaque partie du morceau avait un son différent. ressentir de l’autre. Il contient également l’une des lignes les plus mémorables de tous les morceaux classiques écrits par McCartney, « Hands across the water », qui donne le sentiment euphorique de chanter avec un public.

Notre Top 10 des meilleures chansons de Paul McCartney

10 – Maybe I’m Amazed

On entre dans le top 10 des meilleurs morceaux de Paul McCartney avec « Maybe I’m Amazed », qui présente McCartney jouant de tous les instruments, y compris la guitare, la basse, l’orgue, le piano et la batterie. McCartney a écrit la chanson avant la séparation des Beatles en 1969, et elle est apparue sur son premier album, McCartney. Inspiré par sa femme Linda, qui l’avait aidé à traverser la période difficile où les Beatles se désintégraient lentement, la chanson est devenue un exutoire à la fois de son amour pour sa femme et du dévouement qu’il aurait pour continuer à créer de la bonne musique.

La chanson a été reprise par un certain nombre d’artistes et de groupes, dont Faces, George Lam, Joe Cocker et Billy Joel. Un film promotionnel a également été réalisé à cet effet, un peu comme ceux qui avaient été réalisés pour chacun des singles des Beatles, contenant des images fixes de McCartney et de sa famille. Il a été diffusé sur The Ed Sullivan Show à peu près au même moment où McCartney lui-même annonçait son départ des Beatles.

9 – Let It Be – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney

McCartney a écrit « Let It Be » après avoir rêvé de sa mère lors des sessions stressantes et tendues de 1968, au cours desquelles ils ont enregistré ce qui est devenu l’album blanc. La mère de McCartney est décédée d’un cancer alors qu’il avait 14 ans, et la douleur traumatisante de cet événement était un point commun qu’il partageait avec Lennon, qui avait également perdu sa mère très jeune. Au cours de la série documentaire Get Back réalisée par Peter Jackson, nous pouvons voir McCartney travailler réellement sur la chanson ainsi que sur son enregistrement initial.

Cependant, « Let It Be » a subi un certain nombre de changements avant d’être finalement rendu public. La première version, mixée par Glyn Johns, contiendrait un solo de guitare électrique plus doux de Harrison et des cordes arrangées par George Martin, tandis que la seconde contenait un solo de guitare plus audacieux et les cordes étaient mixées plus fort par un nouveau producteur. , Phil Spector. La version Martin deviendrait la version unique de la chanson et elle figurerait en tête des charts au printemps 1970, chose intéressante, juste après que McCartney lui-même ait annoncé son départ des Beatles. « Let It Be » était aussi la première et la seule fois où sa femme, Linda, qui contribuait aux chœurs, apparaissait dans une chanson des Beatles.

8 – Hey Jude

Comment ne pas placer »Hey Jude » dans une liste des meilleures chansons de Paul McCartney ? À l’origine, l’une des chansons les plus emblématiques de McCartney de tous les temps s’intitulait « Hey Jules ». Sir Paul a écrit cette chanson à succès classique pour réconforter Julian Lennon, le fils de 6 ans de son camarade de groupe John, qui avait divorcé de la mère de Julian en faveur d’une relation avec l’artiste d’avant-garde Yoko Ono. En fait, McCartney a écrit la chanson entière lors d’un trajet en voiture pour rendre visite au jeune Julian et à sa mère, Cynthia, après sa rupture avec son père.

Au cours de l’automne 1968, « Hey Jude » passera neuf semaines au sommet des charts. C’était également le premier single à sortir par le nouveau label des Beatles, Apple Records. Le développement de la chanson et de l’album blanc a révélé les énormes tensions qui grandissaient au sein du groupe. En fait, pendant une brève période lors de la création de l’album, Starr avait quitté les Beatles. Au moment où la vidéo promotionnelle de « Hey Jude » a été tournée, Starr était de retour et le clip a été filmé avec un public en direct qui s’est avancé pour rejoindre le groupe en chantant sa coda. La chanson présente McCartney au piano, à la basse et au chant principal, et comprend également un orchestre de 36 musiciens jouant en arrière-plan. En 2001, ce titre classique a été intronisé au Grammy Hall of Fame.

7 – Penny Lane

Pour McCartney, « Penny Lane » servirait à donner à chacun de nous une fenêtre sur les images et les sons de son enfance alors qu’il grandissait dans la ville portuaire ouvrière de Liverpool. D’une certaine manière, la chanson est essentiellement une visite guidée d’une rue qui était un lieu familier non seulement pour McCartney, mais aussi pour chacun de ses camarades du groupe. Au moment où McCartney a écrit « Penny Lane », il était fortement influencé par le travail de Brian Wilson sur l’album Pet Sounds des Beach Boys, acclamé par la critique.

Lors de l’enregistrement de « Penny Lane », McCartney avait l’impression que la chanson avait besoin d’un composant supplémentaire pour donner un coup de pouce au morceau. Par coïncidence, il a eu l’idée d’ajouter une trompette piccolo à la chanson après avoir vu le trompettiste classique David Mason jouer de l’instrument lors d’une émission télévisée de la BBC du deuxième Concerto brandebourgeois de Johann Sebastian Bach. L’électrisant solo de trompette piccolo de Mason que vous entendez sur « Penny Lane » a été enregistré en une seule prise. La chanson restera en tête des charts pendant une semaine au printemps 1967, précédant la sortie du chef-d’œuvre Sgt. Groupe du Pepper’s Lonely Hearts Club. Le titre reste encore aujourd’hui l’un des meilleurs morceaux de Paul McCartney.

6 – Eleanor Rigby

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Paul McCartney avec « Eleanor Rigby ». À la fin de 1966, les Beatles dominaient le monde de la musique populaire comme aucun autre groupe musical ne l’avait jamais fait auparavant. Pourtant, la routine de « Beatlemania » avait fait des ravages sur chacun des membres du groupe à ce moment-là, et ils ont donc décidé qu’il était temps de s’éloigner des tournées pour se concentrer sur le processus de création de bonne musique en studio. . Le résultat de leurs efforts créatifs fut l’album révolutionnaire Revolver, qui contenait la chanson à succès unique « Eleanor Rigby », écrite et composée par McCartney.

La chanson présente McCartney soutenu par un quatuor à cordes avec ses camarades du groupe fournissant uniquement des chœurs, semblables à son chef-d’œuvre précédent, « Yesterday ». C’était un succès classique, mais c’est le message d' »Eleanor Rigby » qui aurait peut-être le plus grand impact. Dans un essai de 2021 pour The New Yorker, McCartney a écrit que son inspiration pour la chanson était une femme âgée qui vivait seule et qu’il avait eu l’occasion de très bien connaître lorsqu’il était jeune.

5 – Paperback Writer – l’une des meilleures chansons de Paul McCartney

Imaginez que votre tante vous met au défi d’écrire une chanson à succès classique. À l’automne 1965, McCartney reçut exactement cela de sa tante Lil, qui lui demanda d’écrire une chanson qui ne parlait pas d’amour. Sa demande, à son tour, servira de genèse à la chanson à succès « Paperback Writer ». Plus tard, McCartney dira qu’après le plaidoyer de sa tante, l’autre inspiration pour la chanson est venue lorsqu’il a vu Starr lire un livre dans les coulisses après un concert. Il a terminé l’écriture de la chanson alors qu’il conduisait depuis Londres pour rendre visite à Lennon, qui vivait à Surrey, à quelques minutes en voiture.

« Paperback Writer » sera en tête des charts pendant deux semaines au début de l’été 1966. Cependant, la chanson est également remarquable car elle a conduit à la création de l’un des tout premiers vidéoclips intentionnels. Tournée le 20 mai 1966 par Michael Lindsey-Hogg qui réalisera plus tard le documentaire Let It Be, la vidéo présente le groupe dans les jardins et la véranda de la célèbre Chiswick House à Londres. Il a été diffusé pour la première fois sur l’émission Top of the Pops de la BBC le 2 juin 1966.

4 – Yesterday

L’une des plus grandes chansons jamais écrites dans l’histoire de la musique populaire s’appelait peut-être « Scrambled Eggs » à un moment donné lors de sa création. Bien que le nom « Yesterday » vienne de Lennon, la chanson a été écrite et composée par McCartney. Il restera en tête des charts pendant quatre semaines aux États-Unis à l’automne 1965, alors qu’il ne sortit en single au Royaume-Uni qu’en 1976. McCartney composa toute la mélodie de la chanson dans un rêve une nuit dans sa chambre, qui se trouvait chez les parents de Jane Asher à Londres. Il a complété les paroles lors d’un voyage de vacances au Portugal au cours de l’été 1964.

« Yesterday » a été la première chanson des Beatles à faire appel à des musiciens extérieurs et à bénéficier du soutien d’un quatuor à cordes. Au cours de l’un des moments les plus mémorables de l’histoire de la télévision, McCartney interprétait la chanson en solo, en direct au Ed Sullivan Show, le soir du 14 août 1965. En 1997, la chanson serait intronisée au Grammy Hall of Fame. « Yesterday » a été repris à de nombreuses reprises au fil des ans et a contribué à l’introduction des cordes dans les ballades pop et rock, une tendance qui s’est poursuivie dans la musique populaire jusqu’à ce jour.

Et le podium est…

3 – And I Love Her

« And I Love Her » n’est pas seulement une chanson classique écrite par McCartney, c’est l’une des plus belles chansons jamais composées. Bien que ses camarades du groupe y aient apporté quelques contributions, avec Lennon fournissant quelques paroles, George Harrison ajoutant les riffs de guitare acoustique emblématiques et Starr jouant des bongos, chacun d’eux reconnaîtrait que, depuis sa création, « And I Love Her » était principalement piloté par McCartney.

En fait, Lennon ferait référence à « And I Love Her » comme étant « le premier » Yesterday « de Paul » – faisant allusion à la chanson emblématique que McCartney écrira plus tard et qui deviendra l’une des plus grandes chansons d’amour de tous les temps. Chose intéressante, McCartney sortait avec l’actrice Jane Asher au moment où « And I Love Her » a été écrit, et le film a en fait été écrit dans le sous-sol de la maison de ses parents à Londres. Bien qu’il s’agisse de l’une des plus belles ballades de tous les temps et qu’elle ait été reprise par un certain nombre d’artistes, dont Kurt Cobain, les Beatles n’ont interprété la chanson qu’une seule fois en direct dans l’émission de radio Top Gear de la BBC, le 14 juillet 1964, diffusée pendant deux jours. plus tard. Comme « Can’t Buy Me Love », la chanson apparaît à la fois sur l’album A Hard Day’s Night et pendant le long métrage. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Paul McCartney.

2 – Can’t Buy Me Love – l’un des meilleurs titres de Paul McCartney

Juste avant que les Beatles ne fassent leur apparition historique au Ed Sullivan Show le soir du 9 février 1964, McCartney a écrit cette chanson à succès classique sur un piano droit alors que le groupe séjournait à l’hôtel cinq étoiles George V à Paris, en France. . La chanson a également été enregistrée à Paris le 29 janvier 1964 aux studios Pathé Marconi, avant d’être achevée le 25 février 1964 aux studios EMI de Londres. Il n’a fallu que quatre prises aux Fab Four pour clouer cette chanson en studio pendant le processus d’enregistrement.

« Can’t Buy Me Love » était la seule chanson à succès des Beatles interprétée en anglais à ne pas être enregistrée à Londres. Il est sorti le 16 mars 1964 et a dominé les charts pendant cinq semaines lors de la première étape de ce qui est devenu mondialement connu sous le nom de « Beatlemania ». La chanson n’a pas seulement été écrite par McCartney, mais c’est aussi lui que l’on entend chanter la voix principale. « Can’t Buy Me Love » est un numéro rythmé et bruyant qui est également apparu dans le premier long métrage des Beatles, A Hard Day’s Night, qui a été projeté sur les écrans pour des fans très enthousiastes à travers le monde au cours de l’été 1964.

1 – I Saw Her Standing There

On place « I Saw Her Standing There » en 1ère place de notre liste des meilleures chansons de Paul McCartney. Bien que ce ne soit pas la première chanson écrite par McCartney en tant que membre des Beatles, « I Saw Her Standing There » a été l’un des premiers succès classiques à être principalement écrit et composé par lui. Il a écrit la chanson en 1962 alors qu’il rentrait chez lui après un concert des Beatles et a élaboré sa composition au domicile de Rory Storm, dont le groupe comprenait le futur batteur des Beatles, Ringo Starr. À l’époque, McCartney sortait avec une jeune femme de 17 ans du nom de Celia Mortimer qui pourrait bien avoir inspiré la chanson.

La chanson a été enregistrée lors des sessions épuisantes du premier grand album des Beatles, Please Please Me, lorsque 10 des 14 chansons de l’album ont été enregistrées en une seule journée aux studios d’enregistrement EMI (aujourd’hui Abbey Road) le 11 février 1963. « Je Saw Her Standing There » est également l’un des premiers des Beatles à présenter McCartney – et non John Lennon – comme chanteur principal. McCartney a inclus la chanson sur plusieurs de ses albums solo et l’a interprétée sur scène avec d’autres artistes. En fait, c’est peut-être la seule chanson que chacun des anciens Beatles interpréterait au cours de sa carrière solo lors de ses concerts.

Notre liste des 10 meilleures chansons de Tori Amos se penche sur l’une des artistes musicales les plus appréciées de ces 30 dernières années. Lorsque Tori Amos est apparue sur la scène, nombreux sont ceux qui l’ont comparée à l’Anglaise Kate Bush. Oui, de nombreuses inflexions vocales étaient similaires, mais cela s’arrêtait là. Tori Amos était et est toujours une artiste unique et originale. Bien qu’elle n’ait pas eu beaucoup de succès aux États-Unis, elle s’est constitué l’une des bases de fans les plus fidèles de l’histoire du rock classique.

Ses albums, ses chansons et sa musique définissent le mot substance. Ses performances ont toujours été époustouflantes, équilibrant les mondes de la sexualité, de la spiritualité et de la fantaisie. La douleur, la vengeance, le regret, la colère, l’espoir et l’amour sont présents dans sa musique. Parfois, il est difficile de les distinguer dans sa voix. Elle a toujours été fascinante à regarder, à écouter et à laisser entrer dans sa vie. Une fois que vous l’aurez fait, vous ne la laisserez plus jamais partir. Écoutez ces 10 chansons de Tori Amos et vous comprendrez ce que nous voulons dire.

Notre top 10 des meilleures chansons de Tori Amos

10 – Silent All These Years

Nous commençons notre liste des 10 meilleures chansons de Tori Amos par la chanson de Tori Amos qui a ouvert les yeux de beaucoup sur sa musique et son personnage. Une histoire qui touche de plein fouet tant de personnes qui ont été victimes d’abus à un jeune âge. La mélodie et les paroles sont obsédantes et définissent la douleur personnelle que la chanteuse a traversée dans sa vie.

C’est l’une des interprétations les plus honnêtes et les plus douloureuses jamais enregistrées. C’est aussi l’une des plus importantes. C’est par là qu’il faut commencer pour explorer le catalogue des chansons de Tori Amos.

9 – Taxi Ride

En 2002, Tori Amos a sorti l’un des albums les plus spectaculaires de sa carrière. Un album profond qui résonne avec les échos de la tragédie du 11 septembre 2001, le disque Scarlet’s Walk est un album conceptuel écrit en des temps incertains. Le 11 septembre 2001 a été une tragédie à laquelle il a été difficile de répondre en tant qu’artiste.

Seule une poignée d’entre eux a été en mesure d’y répondre de manière appropriée. The Rising de Bruce Springsteen a peut-être été l’album le plus catégorique dans sa tentative d’aider au processus de guérison. La réponse de Tori est plus cachée, mais elle est là et elle est brillante.

8 – Spark

Pour continuer notre liste des 10 meilleures chansons de Tori Amos, nous nous tournons vers la brillante chanson « Spark ». Tori Amos commence la chanson avec sa voix doublée comme dans une transe. La ligne mélodique en contrepoint ne fait que renforcer l’immersion. La chanson « Spark » a été publiée sur l’album From the Choirgirl Hotel.

L’album est sorti en 1998. « Spark » a été le seul tube de Tori Amos à figurer dans le top 50 aux États-Unis, atteignant la 49e place du Billboard Hot 100. Difficile de croire que Tori Amos n’a jamais atteint le top 40 aux États-Unis, mais encore une fois, qui s’en soucie ?

7 – Sweet The Sting

Si un titre pouvait définir la joie d’écouter la musique de Tori Amos, il viendrait du titre de la chanson bien conçue « Sweet The Sting ». Cette merveilleuse chanson, qui définit le centre émotionnel d’une grande partie de l’écriture de Tori Amos, a été publiée sur l’album The Beekeeper. Le CD original de The Beekeeper est sorti en 2005. Le CD contenait dix-neuf titres.

6 – Bliss – l’une des meilleures chansons de Tori Amos

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Tori Amos avec « Bliss ». Les années 90 ont été la décennie de Tori Amos. Mais on pourrait aussi dire que Tori Amos a sorti de la musique pendant toutes les autres décennies. Néanmoins, certaines de ses œuvres les plus fortes ont été publiées au cours de la décennie des années quatre-vingt-dix.

En 1998, Tori Amos a sorti un coffret de deux CD intitulé To Venus and Back. Le coffret de deux CD contient un CD de nouveaux titres et un CD de concerts en direct. Le premier titre de l’album studio et le premier single de l’album est la grande chanson de Tori Amos « Bliss ».

5 – A Sorta Fairytale

Pour continuer notre liste des 10 meilleures chansons de Tori Amos, nous nous tournons à nouveau vers le fabuleux album de Tori Amos intitulé Scarlet’s Walk. Le premier single de l’album, « A Sorta Fairytale », est l’une des chansons les plus réussies de Tori. Bien qu’elle n’ait pas encore atteint le Billboard Hot 100 aux États-Unis, elle s’est hissée dans le Top 10 du Billboard Adult Contemporary.

4 – Cornflake Girl

Si nous devions désigner notre introduction au piano préférée dans le catalogue de Tori Amos, ce serait facilement « Cornflake Girl ». Tori Amos met en mouvement un groove qui est effrayant, mystérieux et complètement addictif. Les harmonies vocales de « Cornflake Girl » sont l’une des raisons pour lesquelles Tori Amos a été comparée à Kate Bush à ses débuts. Néanmoins, elles fonctionnent parfaitement sur ce morceau. « Cornflake Girl » est l’une des chansons les plus mémorables de Tori Amos.

Place maintenant au podium des meilleurs titres de Tori Amos

3 – Professional Widow

Il y a de fortes chances que vous n’ayez jamais entendu parler de cette chanson. La chanson « Professional Widow » n’a même jamais été classée aux États-Unis lors de sa sortie. Cependant, si vous viviez au Royaume-Uni et que vous n’étiez pas un fan de Tori Amos à l’époque de sa sortie, il y a de fortes chances que vous connaissiez quand même la chanson.

En effet, lorsque « Professional Widow » est sortie en 1996, elle a atteint la première place des classements musicaux au Royaume-Uni. Une chanson qui n’était même pas classée dans le top 100 aux États-Unis est devenue numéro un au Royaume-Uni. Vous vous rendez compte ? Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Tori Amos.

2 – Crucify – l’une des meilleures chansons de Tori Amos

Avec la sortie du cinquième single de son premier album « Little Earthquakes » en 1992, Tori Amos a livré l’un des refrains les plus intenses jamais enregistrés. Il est difficile de croire qu’une chanson aussi brillante que « Crucify » ait été publiée si tardivement en tant que single. Néanmoins, cette chanson a toujours été l’une des plus obsédantes de Tori Amos et frappe fort à chaque fois qu’on l’écoute.

1 – Reindeer King

Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Tori Amos avec une chanson très récente de Tori Amos. Définissant sa brillance à bien des égards, Tori Amos a continué à sortir de la musique qui touche le cœur humain en remettant en question l’interaction entre l’obscurité et la lumière. Cette chanson vous attire instantanément et ne vous lâche plus. Elle vous change au moins pour l’instant. Sa voix, son phrasé, tout est là. Peu d’artistes sont capables d’atteindre l’âme aussi profondément.

 » Reindeer King  » est le titre d’ouverture de l’album studio le plus récent de Tori Amos au moment de l’écriture, intitulé Native Invader. L’album est sorti en 2017. Vingt-cinq ans après la sortie de son premier album en 1992, Tori Amos continue de produire une musique époustouflante.

Place à notre sélection des meilleures chansons de Natalie Imbruglia. Natalie Imbruglia est une grande chanteuse et ses chansons sont incroyables à écouter. Elle a commencé sa carrière musicale en 1998 et a sorti jusqu’à présent quatre albums et plusieurs singles. Le single « Torn » de la beauté australienne est la chanson la plus réussie de sa carrière et elle est arrivée en tête des classements musicaux dans de nombreux pays.

Cependant, d’autres grandes chansons de ses quatre albums méritent également d’être mentionnées. Voici une liste des 10 meilleures chansons de Natalie Imbruglia jamais créées.

Notre top 10 des meilleures chansons de Natalie Imbruglia

10 – Invisible Things

Nous commençons notre liste des 10 meilleures chansons de Natalie Imbruglia avec « Invisible Things ». Cette chanson est tirée du premier album Left of the Middle et c’est un titre agréable avec un refrain accrocheur. Elle est sortie en 1997. Cette chanson n’a été classée qu’au Royaume-Uni et aux États-Unis, avec un succès médiocre dans les deux pays. La chanson a remporté le prix du meilleur titre de l’année en Nouvelle-Zélande. Elle a fait la promotion de cette chanson en février 1998 en l’interprétant en direct dans l’émission Top of the Pops.

9 – Wrong Impression

Le deuxième album White Lilies Island est sorti 6 ans après Left of the Middle. L’album n’a pas été très bien accueilli par la critique, mais le deuxième titre Wrong Impression a eu plus de succès que son prédécesseur. Il est sorti en novembre 2003 et a été le seul single de l’album. Il a atteint la 23e place du UK Singles Charts et a été utilisé dans de nombreuses publicités télévisées. Le clip de cette chanson a été tourné en Argentine et a rendu la chanteuse plus célèbre que jamais.

8 – Torn

Tout le monde sait que « Torn » est le single le plus réussi de la carrière d’Imbruglia. Cependant, il n’apparaît dans cette liste que parce que les autres chansons d’Imbruglia sont bien meilleures. « Torn » est sorti en 1997 et a atteint la deuxième place dans le monde entier. Elle n’est arrivée en tête des hit-parades qu’en Australie, devenant ainsi son premier single numéro 1.

La chanson a connu un énorme succès et c’est aussi la chanson la plus réussie des années 90. Elle a été reprise par de nombreux artistes depuis sa sortie. L’une des meilleures chansons de Natalie Imbruglia.

7 – Smoke

Smoke est un autre single de l’album Left of the Middle, sorti en 1998. La chanson contient un son « sexy », comme le suggère le titre, et a été reçue comme un morceau « lisse ». Le clip vidéo est rempli de fumée, ce qui a probablement un rapport avec le titre. La chanson n’a pas eu le même succès que « Torn », mais elle est toujours classée dans de nombreux pays du monde.

6 – Shiver – l’une des meilleures chansons de Natalie Imbruglia

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Natalie Imbruglia avec « Shiver ». « Shiver » est sorti en 2003 en tant que troisième single de White Lilies Island. Il s’agit d’une ballade d’amour typique avec une mélodie étonnante. La chanson a été utilisée dans de nombreux spots télévisés et s’est classée en tête des palmarès dans certains pays.

Bien qu’elle n’ait pas fait aussi bien que les précédents singles de Natalie, elle reste l’une des meilleures chansons qu’elle ait jamais sorties. Après sa sortie, elle a fait une tournée d’un an pour la promouvoir. Il a été acclamé par la critique et elle a reçu un ARIA Award. Cela lui a permis de partir en tournée dans le monde entier.

5 – Build it Better

Build it Better est le seul single de l’album Counting Down the Days. La chanson est sortie en 2006 et a atteint la 7e place du UK Singles Charts et la 33e place en Australie. C’est l’une des trois chansons qui se sont classées dans le top 20, rendant Natalie Imbruglia plus populaire que jamais.

La chanson « Build It Better » est également restée numéro un dans le classement des clubs australiens pendant plusieurs semaines. C’est une très belle chanson qui mérite d’être reconnue comme l’une des meilleures d’Imbruglia.

4 – Big Mistake

Cette chanson est extraite de l’album White Lilies Island. Elle est sortie en novembre 2003 et a atteint la septième place du UK Singles Charts et la dix-huitième place en Australie. Elle a été utilisée dans de nombreuses publicités télévisées et reste l’une des meilleures chansons qu’Imbruglia ait jamais enregistrées.

« Big Mistake » a fait patienter ses fans pendant six ans avant la sortie de l’album studio Counting Down the Days. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, mais cette chanson n’en fait pas partie, bien qu’elle soit très populaire.

Place maintenant au podium des meilleurs titres de Natalie Imbruglia

3 – Don’t Dream it’s Over

Imbruglia a repris cette célèbre chanson du groupe Crowded House en 2007. C’est devenu son premier single numéro 1 au Royaume-Uni et il est arrivé en tête des palmarès dans de nombreux autres pays. La chanson a été utilisée dans plusieurs spots télévisés pour la promotion de divers produits.

Cette chanson est devenue très populaire auprès des téléspectateurs en raison de ses paroles étonnantes et de sa mélodie agréable. Elle l’a propulsée en tête des hit-parades, mais ne lui a pas permis de remporter de prix. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Natalie Imbruglia.

2 – That Day – l’une des meilleures chansons de Natalie Imbruglia

C’est probablement l’une des chansons les plus émouvantes d’Imbruglia. Elle est sortie en 2000 en tant que troisième single de son premier album Left of the Middle. Cette chanson a atteint la 12e place du UK Singles Charts et la 37e place en Australie. La chanson est pleine d’émotions qui se combinent parfaitement avec la belle mélodie. Le clip vidéo est également très émouvant et a remporté le prix de la meilleure vidéo pop en 2000.

1 – Wishing I was there

Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Natalie Imbruglia avec la chanson intitulée « Wishing I Was There ».

Cette chanson est le titre du premier album d’Imbruglia. Elle est sortie en 1997 et a atteint la première place en Australie. Elle a également été en tête des hit-parades dans de nombreux autres pays. C’est probablement l’une des chansons les plus connues de Natalie Imbruglia et elle a remporté le prix du single le plus vendu en 2000.

La chanson apparaît également dans de nombreuses bandes sonores et spots télévisés. « Wishing I was there » dépeint le moment où une fille se souvient de l’histoire d’amour parfaite qu’elle a partagée avec une personne spéciale. C’est vraiment l’une des meilleures chansons qu’Imbruglia ait enregistrées.

Place à notre liste des meilleures chansons de Sam Smith. Sam Smith est l’une des voix les plus reconnaissables de la musique pop d’aujourd’hui et continue de se forger une identité propre. La marque de fabrique de Smith est de délivrer des bops entremêlés de tristesse et d’introspection, les paroles racontant souvent l’histoire d’un dépassement de la douleur pour retrouver une part de soi de l’autre côté.

Notre top 10 des meilleures chansons de Sam Smith

10 – The Lighthouse Keeper

Nous commençons notre liste des 10 meilleures chansons de Sam Smith avec « The Lighthouse Keeper ».

Smith n’a besoin que d’une orchestration douce et de sa voix humble pour transmettre cette pure démonstration d’amour. Ici, il endosse le rôle de guide, servant de phare à un être cher qui navigue dans les tempêtes de la vie. De l’autre côté, il y a Smith, les bras grands ouverts, tout en l’encourageant à ne pas résister aux défis qui se dressent sur son chemin. C’est une chanson paisible qui ramène la pop star à la terre, ce qui en fait un joyau sous-estimé.

When you set sail on your journey
And happiness is far away
Love will guide you ’til the morning
Lead your heart down to the bay
Don’t resist the rain and storm
I’ll never leave you lost at sea
I will be your lighthouse keeper
Bring you safely home to me
I will be your lighthouse keeper
Bring you safely home

9 – Lay me Down

Smith sait comment délivrer une voix dévastatrice, ce qu’il démontre avec « Lay Me Down ». Cette ballade au piano déchirante explore le véritable amour qu’il avait pour quelqu’un qui est décédé depuis, le laissant dans un état de chagrin incurable. Smith passe la totalité de la chanson à transmettre le désir infini qu’ils ressentent et le poids de la perte de quelqu’un que l’on aime, ce qui en fait l’une de leurs chansons les plus tristes, mais aussi les plus touchantes.

Told me not to cry when you were gone
But the feeling’s overwhelming, it’s much too strong
Can I lay by your side, next to you?
And make sure you’re alright
I’ll take care of you
And I don’t want to be here if I can’t be with you tonight

8 – I’m Not Here to Make Friends

Dans la lignée de « Unholy », Smith nous livre un morceau pop avec « I’m Not Here to Make Friends ». Il y a beaucoup d’esprit dans cette chanson, entre la mélodie prête à danser et le fait que Smith soit clair et honnête sur le fait qu’ils recherchent une connexion plus profonde que de simples amis, en proposant de mettre ton aura dans la mienne.

Smith vous fera crier « I’m not here to make friends / I need a lover » avec eux, car la façon dont la mélodie et les paroles créent un sentiment d’euphorie, ce qui en fait un nouveau joyau dans le répertoire de Smith. L’une des meilleures chansons de Sam Smith.

7 – Diamonds

Ne laissez pas le groove irrésistible vous distraire des paroles brûlantes dans lesquelles Smith confronte un amant déloyal. Il explore ici une relation dans laquelle l’autre partie accordait plus d’importance aux biens matériels qu’à l’amour que Smith lui portait.

La voix de Smith est enivrante alors qu’il fait face à la dure réalité, disant à son ex qu’il n’a pas besoin de beaux objets pour guérir et qu’il passe à autre chose en chantant « material love won’t fool me / When you’re not here I can breathe »

My diamonds leave with you
You’re never gonna hear my heart break
Never gonna move in dark ways
Baby, you’re so cruel
My diamonds leave with you

6 – Writing’s on the Wall – l’une des meilleures chansons de Sam Smith

On poursuit notre remontée du classement des meilleures chansons de Sam Smith avec « Writing’s on the Wall ». La voix de Smith est parfaite pour la sérénade, ce qu’il a prouvé avec « Writing’s on the Wall ». Ici, Smith livre l’une de ses meilleures performances vocales, l’orchestre puissant équilibrant sa voix douce, mais stupéfiante. Chanson thème du film James Bond 2015, Spectre, « Writing’s on the Wall » a été nommée meilleure chanson originale aux Oscars 2016 et aux Golden Globe Awards.

If I risk it all
Could you break my fall?
How do I live? How do I breathe?
When you’re not here, I’m suffocating
I want to feel love run through my blood
Tell me, is this where I give it all up?
For you, I have to risk it all

‘Cause the writing’s on the wall

5 – Gloria

Bien que Smith soit connu pour ses chansons pop qui passent bien à la radio, « Gloria » ressemble presque à un hymne. Cette humble mélodie ressemble à un chant grégorien sur des paroles réfléchies écrites par Smith et Foy Vance.

Un chœur de voix s’unit à celle de Smith, illuminant des images aussi puissantes que celles des démons sur mon épaule / des monstres dans ma tête et étincelant comme de la dynamite. Si vous écoutez attentivement, de nombreuses chansons de Smith véhiculent des messages d’acceptation de soi, et « Gloria » en est un bel exemple.

Be yourself so loud tonight (mmm, so loud)
They’ll hear you from the stars (they will hear you from)
Sparkling like dynamite (sparkle)
If that is who you are (it’s who you are)
A hymn for Gloria, Gloria

4 – How Do You Sleep?

Smith passe par des vagues d’émotions intenses alors qu’il fait face à la dure vérité que son partenaire l’a trompé dans ce tube. Le premier couplet les trouve à la fin d’une tempête émotionnelle de larmes et de haine de soi, tandis que le refrain les confronte à l’amant déloyal en jurant que j’espère que mon amour te permettra de rester éveillé ce soir. La mélodie de ce ver d’oreille ne diminue en rien les paroles percutantes de ce qui est en train de devenir l’un des titres phares de Smith, qui s’est hissé dans le top 30 du Billboard Hot 100 et du Adult Contemporary charts.

Baby, How Do You Sleep when you lie to me?
All that shame and all that danger
I’m hoping that my love will keep you up tonight
Baby, How Do You Sleep when you lie to me?
All that fear and all that pressure
I’m hoping that my love will keep you up tonight

Place maintenant au podium des meilleurs titres de Sam Smith

3 – I’m Not the Only One

L’un des plus grands succès de Smith est aussi l’un de leurs meilleurs. Teintée d’un son doo-wop, cette chanson à tendance jazz contient beaucoup de mélancolie lorsque Smith chante avec tristesse « I can’t believe you let me down / But the proof’s in the way it hurts ».

Smith reste sur le thème de la confrontation à des vérités difficiles imposées par des personnes infidèles, sachant pertinemment que leur partenaire voit quelqu’un d’autre derrière leur dos. Smith rend le chagrin d’amour magnifique sur ce titre qui est devenu l’un de leurs plus grands succès, classé dans de nombreux pays et à la cinquième place du Billboard Hot 100. Bienvenue sur le podium des meilleures chansons de Sam Smith.

You say I’m crazy
‘Cause you don’t think I know what you’ve done
But when you call me baby
I know I’m not the only one

2 – Unholy – l’une des meilleures chansons de Sam Smith

« Unholy » est une chanson qui se situe à gauche du centre pour Smith, mais de la meilleure façon qui soit. Le signal d’une nouvelle direction artistique pour Smith, « Unholy » est sale et grinçant d’une manière séduisante, amenant le travail de Smith à de nouveaux sommets. Il est impossible de ne pas groover lorsque ce rythme grinçant accueille vos oreilles, et le duo avec Kim Petras est un ajout bienvenu.

Smith et Petras sont entrés dans l’histoire en devenant respectivement le premier artiste ouvertement non binaire et le premier artiste transgenre à atteindre la première place du Billboard Hot 100, établissant ainsi une nouvelle norme pour la chanteuse superstar.

Mummy don’t know daddy’s getting hot
At the body shop, doing something unholy
He’s sat back while she’s dropping it, she be popping it
Yeah, she put it down slowly
Oh-ee-oh-ee-oh, he left his kids at
Ho-ee-oh-ee-ome, so he can get that
Mummy don’t know daddy’s getting hot
At the body shop, doing something unholy

1 – Love Me More

Nous terminons notre liste des 10 meilleures chansons de Sam Smith avec la chanson intitulée « Love Me More ».

Smith se regarde honnêtement dans le miroir avec « Love Me More ». Sur ce titre, le chanteur pose la question importante « Avez-vous déjà eu envie d’être quelqu’un d’autre ? » dans la première ligne, préparant le terrain pour un numéro introspectif. En brûlant lentement les insécurités et le doute de soi, tout en reconnaissant qu’il avait besoin de ressentir chaque piqûre pour trouver sa propre valeur, Smith explore le voyage vers la liberté en vivant avec la douleur. Ce bop à l’image positive est un message que nous avons tous besoin d’entendre et l’une des chansons les plus inspirantes de Smith.

Have you ever felt like being somebody else?
Feeling like the mirror isn’t good for your health?
Every day I’m tryin’ not to hate myself
But lately, it’s not hurtin’ like it did before
Maybe I am learning how to love me more