Catégorie : Nouveauté

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Matchbox Twenty en 2023, Where the Light Goes. Where the Light Goes a peut-être autant surpris les membres du groupe de rock alternatif Matchbox Twenty que n’importe qui d’autre. Le groupe n’avait pas prévu de nouveaux enregistrements depuis des années ; chaque membre était enfermé dans son propre projet parallèle. Il semblait peu probable qu’une lumière jaillisse.

Dans les années qui ont suivi la sortie de North en 2012, le groupe a lentement construit la structure de Where the Light Goes. Une tournée reportée trois fois a permis à Rob Thomas et ses coéquipiers de laisser libre cours à leur créativité. Ce qui devait être une poignée de nouvelles chansons pour la tournée est devenu un album à part entière.

Y a quoi sous le capot de Where the Light Goes le nouvel album de Matchbox Twenty en 2023 ?

Il aurait été facile pour le groupe de puiser dans la nostalgie des années 90, de pondre un hymne pop-rock chargé de riffs et de s’arrêter là. Au lieu de cela, le quatuor a livré un album chatoyant qui semble vivant. Le premier morceau, « Friends », donne immédiatement le ton, comme s’il avait été tiré directement de la scène. Des mélodies criées à l’intro chargée de cuivres, elle s’élève et s’abaisse avec une électricité distincte.

Des chansons entraînantes comme « Wild Dogs (Running in a Slow Dream) » mélangent des sons traditionnels et non traditionnels pour créer une instrumentation urgente. Thomas reste une force ; son registre vocal semble s’élargir au fil des ans.

Certaines chansons du nouvel album de Matchbox Twenty semblent autobiographiques quant à l’état d’esprit du groupe plus de trois décennies plus tard. L’entraînante « Rebels » est une introspection sur la jeunesse à travers la lentille du temps et la réconciliation avec la maturité qu’apporte l’âge.

La belle ballade au piano « One Hit Love » poursuit le chemin du repli sur soi. La chanson suggère que les objectifs et les passions du groupe restent les mêmes toutes ces années. Il n’est donc pas surprenant qu’ils se soient retrouvés.

L’atmosphérique et contagieuse « Warm Blood » s’appuie sur des rythmes percussifs uniques et un travail de guitare brillant. « Queen of New York City » commence comme une ballade au piano que l’on pourrait associer au son de Matchbox Twenty, mais elle prend rapidement une autre direction. Une fois que le refrain est arrivé, la chanson est transportée dans une direction plus roots, Americana, avec un stomp acoustique.

On poursuit la remontée du nouvel album de Matchbox Twenty avec l’intimiste « Hang On Every Word », qui offre une complexité tranquille, construite principalement sur une base de piano et de guitares acoustiques. Le timbre chaud de la voix de Thomas résonne immédiatement et transmet un message sincère d’amour profond.

La chanson pop-rock « Don’t Get Me Wrong » semble taillée pour les concerts et donne l’impression d’avoir été écrite par le groupe en studio.

Le guitariste Kyle Cook occupe le devant de la scène sur l’hymne bluesy « I Know Better ». Ce slow-burner monte en puissance avant de crescendo dans un refrain dramatique, qui fait tourner le groupe à plein régime avant que tout ne s’estompe, laissant Cook chanter la dernière ligne a cappella.

Le groupe a recruté Amanda Shires pour les harmonies sur l’entraînant « No Other Love ». Shires reste plus en arrière-plan mais constitue un contrepoint efficace à la voix de Thomas.

« Je n’ai pas besoin de comprendre/ J’ai juste besoin d’une lumière qui me guide/ Si tu vends de la foi, alors j’achète tout de suite », chante Thomas sur le final acoustique « Selling Faith ».

La foi est omniprésente sur le nouvel album de Matchbox Twenty Where the Light Goes, et il semble qu’il y ait encore de la place pour continuer à chercher où va la lumière.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Lewis Capaldi en 2023, Broken By Desire To Be Heavenly Sent. L’auteur-compositeur-interprète écossais Lewis Capaldi reste fidèle à sa voix pleine d’âme, à sa sonorité mélancolique et à son approche des relations dans son dernier album, Broken By Desire To Be Heavenly Sent. Ce titre poétique peut faire référence à un amour profond, à la recherche d’un son divinement inspiré.

Y a quoi sous le capot de Broken By Desire To Be Heavenly Sent le nouvel album de Lewis Capaldi en 2023 ?

« Forget Me » prépare le terrain pour l’exploration de l’album sur le chagrin d’amour et les troubles intérieurs avec une chanson relativement optimiste. La chanson se construit lentement jusqu’à ce que la voix rauque de Capaldi, caractéristique de l’album, se fasse entendre : « ‘Cause I’m not ready/ To find out you know how to forget me » (Parce que je ne suis pas prêt/ À découvrir que tu sais comment m’oublier).

En partageant impulsivement « Oh, je déteste savoir que je t’ai fait pleurer/ Mais j’aime savoir que j’ai traversé ton esprit, bébé », il montre le désir d’être encore avec quelqu’un, même si c’est en souvenir.

Sans contrainte, le nouvel album de Lewis Capaldi continue d’explorer le chagrin post-relationnel sur « Wish You The Best ». “I wanna say I wish that you never left/ Oh, but instead I only wish you the best,” , chante-t-il sur un accompagnement de piano triste et dépouillé

Alors qu’une relation se termine, une autre peut s’épanouir. « Pointless » est un morceau sentimental et introspectif. Commençant par une simple partie de piano, l’instrumentation se complexifie au fur et à mesure que la chanson atteint son apogée lyrique. Il y a ici un équilibre entre le chant et la musique qui s’éloigne de la musique traditionnelle à dominante vocale de Capaldi.

Cette approche d’un son cohérent renforce la joie ressentie dans « Heavenly Kind of State of Mind ». « You call me like a chorus only angels could sing/ Now I think about you all of the time » (Tu m’appelles comme un refrain que seuls les anges pourraient chanter/ Maintenant je pense à toi tout le temps), chante Capaldi dès le début, s’appuyant fortement sur des thèmes religieux pour décrire une connexion et une dévotion transcendantes.

Ces réflexions se poursuivent sur « Haven’t You Ever Been In Love Before », où, par le biais d’une voix tamisée, il s’attaque aux peurs qui accompagnent le fait d’être aimé.

On poursuit la découverture du nouvel album de Lewis Capaldi avec « Love the Hell Out of You », qui est une réponse à cette peur. La musique se gonfle du message de Capaldi : « Je t’apporterai le paradis/ Si c’est ce dont tu as besoin/ Parce que tu as toujours aimé l’enfer hors de moi ». Ici, un chœur s’harmonise doucement avec Lewis Capaldi, lui apportant un soutien sans faille.

Mais les relations sur cet album ne sont pas toutes en douceur et l’accent est mis sur l’amour et ses conséquences. Sur « Burning », Capaldi reconnaît que les luttes personnelles peuvent briser les liens. « Leave Me Slowly » montre comment les circonstances extérieures peuvent les affecter négativement. La chanson, empreinte de nostalgie et de mélancolie, monte lentement en puissance jusqu’à une fin inspirée du rock, où Capaldi plaide pour que son amant reste un peu plus longtemps avant de lui dire au revoir.

« Any Kind of Life » parle de la douleur de la fin. Les cordes soulignent la tristesse et le poids de ses paroles : « Quand mes poumons ne respirent plus/ Et que mon cœur ne bat plus/ Et que je ne peux plus croire en une quelconque vie sans ta présence. »

« Je suis inutile, putain, et plein d’excuses », chante-t-il à propos de son propre désarroi intérieur sur « How This Ends ». Le thème de la recherche et de l’acceptation de soi est présent tout au long du nouvel album de Lewis Capaldi. « The Pretender » traite du défi que représente le fait d’être soi-même.

Au milieu de la tristesse omniprésente de la ballade finale de l’album, « How I’m Feeling Now », il met à nu sa vulnérabilité. La chanson partage son titre avec le documentaire Netflix de Capaldi, dans lequel il partage son parcours de santé mentale tout en naviguant dans la célébrité. Alors que les auditeurs compatissent avec les luttes de Capaldi, la chanson peut être un hymne à l’acceptation de soi et à l’amour.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Yes en 2023, Mirror to the Sky. Il peut être vraiment triste de voir des groupes changer avec le temps. Vous souvenez-vous de la sensation d’entendre les synthés ringards de Jefferson Starship et non le psychédélisme grinçant de Jefferson Airplane ? Eh bien, Yes est de retour avec un nouvel album qui ressemble davantage au classique du groupe de 1971, Fragile, qu’au tube de MTV de 1985, « Owner of a Lonely Heart ».

Le guitariste Steve Howe et ses acolytes ont créé un remarquable morceau de nostalgie qui revisite le son prog-rock caractéristique du groupe anglais, mais qui parvient à sonner frais et vibrant, plutôt que comme une relecture fatiguée d’anciens morceaux.

Y a quoi sous le capot de Mirror to The Sky le nouvel album de Yes en 2023 ?

De l’imagerie de science-fiction et du logo classique de la pochette aux lignes de basse lancinantes et complexes de chansons comme « Cut From the Stars », LE nouvel album de Yes Mirror to the Sky donne l’impression d’être une trouvaille étonnante dans le bac d’un magasin de disques d’occasion plutôt qu’une nouvelle proposition du groupe.

L’album a tout pour plaire. La jam de neuf minutes « Luminosity » devient théâtrale avec des synthétiseurs bruyants, des mélodies de guitare pesantes et le chant puissant de Jon Davison en duo avec une femme. Le duo livre des paroles assez épiques, dont « Dream the night came calling from forest mist/ The light in man leaves none to resist/ Voiced the thunder to hearts of brotherhood/ Perceive the arc man’s rising ».

Quatre chansons de l’album durent plus de neuf minutes, mais plutôt que de longues odyssées de jazz où le groupe se contente de vamper sans fin une simple progression d’accords, les chansons sont des tapisseries sonores soigneusement construites et élaborées qui assemblent des éléments musicaux comme des Legos pour former des cathédrales sonores compliquées.

Le nouvel album de Yes en 2023 s’inscrit dans la continuité de la trajectoire sonore tracée par The Quest, sorti en 2021. Un ingrédient clé du nouveau son du groupe est que le membre fondateur et guitariste extraordinaire, Steve Howe, a pris la barre en tant que producteur.

Le titre de l’album, d’une durée de 13 minutes et demie, passe d’une guitare délicate et de touches vaporeuses à un duel musical dans lequel les guitares stridentes s’opposent à des lignes de basse tonitruantes dans un jeu d’appel et de réponse élaboré.

« Circles of Time » est une douce ballade acoustique qui dure moins de cinq minutes, ce qui est logique, puisque la chanson semble parler de saisir le jour.

Notre avis sur le nouvel album de Yes, Mirror to The Sky ? Il semble que Yes soit revenu à son âge d’or. Malgré les décès et les changements de composition au fil des ans, avec le membre fondateur Steve Howe dans le fauteuil du producteur, nous pourrions avoir plus de nouveaux joyaux qui ressemblent à d’anciens.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album des Jonas Brothers en 2023, The Album.

Le groupe a planté quelques graines sur son précédent effort, Happiness Begins de 2019, qui s’épanouissent maintenant dans un son plus organique. Les accroches sont toujours au rendez-vous, et cet album de JoBros ne fait pas exception à la règle, mais ces sons ont une portée plus large. Avec une combinaison de funk, de R&B, d’Americana et même d’une touche occasionnelle de country, le trio propose une version moderne d’un album du passé. Ce n’est pas une coïncidence, puisque le groupe a déclaré que cet album était inspiré par la musique des années 70 qu’écoutait leur père.

Y a quoi sous le capot de The Album le nouvel album des Jonas Brothers en 2023 ?

Cette influence des années 70 n’est peut-être pas plus évidente que sur les titres « Miracle » et « Waffle House », deux morceaux au groove funky. Sur le premier, Nick Jonas chante en falsetto, tandis que Joe Jonas maintient un ton moyen rauque. Les deux titres sont très rythmés, les claviers étant étroitement syncopés avec la batterie. Ce qui est ancien est à nouveau nouveau nouveau, car ils sonnent comme un mélange de Stevie Wonder et des Bee Gees.

« Waffle House » est peut-être l’ode la plus mélodique (et la seule jamais entendue ?) à la chaîne de restauration qui propose des petits-déjeuners toute la journée. Ce titre plein d’autodérision sur les disputes et les discussions entre frères dans un restaurant est un jeu amusant et contagieux.

D’autres titres du nouvel album des Jonas Brothers comme « Montana Skies » adoptent une approche différente. Cette chanson acoustique et entraînante maintient le tempo, mais avec un son plus brut et axé sur l’harmonie, dans la veine de Fleetwood Mac.

« Wings » et « Sail Away » poursuivent la fête, cette dernière s’appuyant fortement sur le sens aigu de l’harmonie du groupe, même en terminant a cappella.

Le groupe est à son meilleur lorsqu’il délivre des répliques accrocheuses, mémorables et sensibles à la culture pop, comme sur « Americana », un morceau qui fusionne la pop, le R&B et un peu de folk.

Nick Jonas ouvre la voie sur « Celebrate ! », un titre tout à fait approprié pour un morceau qui explose avec l’aide d’une chorale dans le refrain. La rupture percussive dans le pont est une touche douce qui aide à ramener la chanson à la maison.

Le premier changement de rythme sur le nouvel album des Jonas Brothers arrive avec « Vacation Eyes », une ballade funk très bien interprétée qui ralentit les choses tout en conservant la personnalité et l’esprit de l’album. Elle s’enchaîne naturellement avec « Summer in the Hamptons », un morceau influencé par le reggae qui ressemble à un interlude prolongé avec les JoBros qui s’échangent des lignes vocales rapides.

L’ambiance chaleureuse reste de mise sur « Summer Baby », un titre qui ravira probablement les fans du son pop caractéristique du groupe. La chanson troque les influences des années 70 pour quelque chose de plus proche d’un jam pop moderne.

L’émouvant « Little Bird » couvre un nouveau territoire lyrique pour ces jeunes hommes : la relation entre un père et sa fille. On a l’impression qu’elle est jouée en direct, avec la foule qui l’acclame et tout le reste. L’album se termine par une collaboration avec l’auteur-compositeur Jon Bellion (qui a produit l’album), « Walls », une chanson chaotique qui monte en flèche.

Notre avis sur le nouvel album des Jonas Brothers ? Sur The Album, la plupart des morceaux durent environ deux minutes, au lieu des trois minutes et demie typiques d’un titre radiophonique, ce qui est une tendance qui se développe dans la musique pop et qui pourrait être influencée par TikTok. Ce n’est ni l’un ni l’autre, mais les Jonas Brothers semblent vouloir faire leur marque dans un laps de temps plus court.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Moby en 2023, Resound NYC.

Le dernier album de l’artiste électronique Moby, Resound NYC, est peut-être la suite directe de Reprise, sorti en 2021, mais cette nouvelle réimagination de ses anciennes chansons fait largement abstraction de la forme symphonique traditionnelle de la musique orchestrale. Ces chansons sont à la fois bluesy, jazzy et même poppy.

Ce qui relie ces 15 révisions- 14 originaux de Moby et une reprise de Neil Young – c’est que la plupart d’entre elles ne sont pas symphoniques et que l’artiste né Richard Melville Hall les a écrites ou enregistrées à New York entre 1994 et 2010. À l’exception de la reprise, qu’il se souvient très bien que sa mère lui jouait lorsqu’il avait 3 ou 4 ans et qu’il grandissait à New York, même si la chanson est écrite par un Canadien et qu’elle parle de l’Ontario.

Y a quoi sous le capot de Resound NYC le nouvel album de Moby en 2023 ?

Resound NYC démarre en fanfare sur « In My Heart », avec la partie de piano roulante d’origine, plus ample et chargée de réverbération. Des cordes symphoniques et un rythme rock font rapidement leur apparition, ainsi que la voix riche et profonde du musicien de jazz californien Gregory Porter, originaire de la Central Valley. La chanson, tirée de l’album 18 de 2002, est légèrement plus rapide et définitivement plus emphatique, en particulier lorsque des chœurs sont ajoutés, et elle semble prendre encore plus d’ampleur.

Porter est l’un des nombreux chanteurs invités sur l’album. Ricky Wilson, du groupe de Britpop Kaiser Chiefs, est invité sur deux chansons. La chanson « South Side », tirée de l’album phare Play, sorti en 1999, est un moment fort. Les éléments industriels inquiétants et la ligne de guitare grinçante sont remplacés par une section de cuivres brillante, une trompette jazz et le wacka-wacka de la guitare funk. C’est un peu comme si Moby avait été imaginé par le Buena Vista Social Club. Où est Gregory Porter sur ce morceau ?

Porter est l’un des nombreux chanteurs invités sur le nouvel album de Moby Resound NYC. Ricky Wilson, du groupe de Britpop Kaiser Chiefs, est invité sur deux chansons. La chanson « South Side », tirée de l’album phare Play, sorti en 1999, est un moment fort. Les éléments industriels inquiétants et la ligne de guitare grinçante sont remplacés par une section de cuivres brillante, une trompette jazz et le wacka-wacka de la guitare funk. C’est un peu comme si Moby avait été imaginé par le Buena Vista Social Club. Où est Gregory Porter sur ce morceau ?

Wilson apparaît également sur  » The Perfect Life « , qui figurait à l’origine sur l’album de Moby de 2013, Innocents, bien que, comme nous l’a dit le collaborateur original Wayne Coyne des Flaming Lips, cette chanson ait été écrite des années plus tôt. Celle-ci comporte de nouveaux accents de percussion, des bruits de guitare et de synthétiseurs ; elle est dans une tonalité différente. Il y a une autre partie de cuivre brillante pendant un pont instrumental qui se démarque le plus, mais ce n’est pas un changement radical par rapport à l’original comme l’est « South Side ».

L’autre chanson du nouvel album de Moby qui conserve le caractère grandiose de l’original, voire qui l’élève d’un cran, est « Extreme Ways » de 18 (la chanson thème des films « Bourne »), avec Doug Mandagi de The Temper Trap. Comme pour le début de l’album, le son est transformé en un mur de son plus grand, avec des cordes gonflées, ainsi que des cuivres et un chœur. Mandagi ajoute des textures supplémentaires au chant, parfois en fausset. Comme pour « The Perfect Life », il ne s’agit pas d’un départ brutal.

De l’autre côté du spectre de Resound NYC de Moby, on trouve des morceaux plus blues, comme « Flower (Find My Baby) », qui combine un morceau de Play et sa face B (avec des échantillons de « Joe Lee’s Rock » de Boy Blue). Les originaux sonnaient comme des trésors perdus depuis longtemps, trouvés lors d’une fouille de caisses. Cette nouvelle version, avec la voix grave d’Amythyst Kiah (qui, comme Porter, est apparu sur Reprise) et la section rythmique entraînante, sonne comme un blues rocker moderne.

Un autre joyau est « Run On », qui figurait à l’origine sur Play, et qui semble avoir été entièrement refait. Elle est plus lente, plus soul, sans la signature électronique traditionnelle de Moby. Le chant est assuré non seulement par Danielle Ponder, mais aussi par son père, Elijah Ponder. À eux trois, ils font honneur à la chanson originale de 1949 sur laquelle Moby s’est basé : « Run On for a Long Time » de Bill Landford et des Landfordairs, ainsi que le standard « God’s Gonna Cut You Down ».

La dernière chanson du nouvel album de Moby, « Walk With Me », tirée de l’album Wait for Me (2009), est dépourvue de synthétiseurs brillants et s’appuie plutôt sur des coups de caisse claire hypnotiques, des grattements de guitare et un violoncelle à une note, comme dans un conte de fées. Lady Blackbird s’occupe ici de la voix pleine d’âme.

Notre avis sur le nouvel album de Moby, Resound NYC ?

Moby se débarrasse d’une partie de l’instrumentation et ajoute deux minutes à « Signs Of Love », l’une des rares chansons qu’il chante lui-même. Bien qu’elle soit toujours mélodique et presque ambiante, elle sonne parfois plus comme une chanson rock lo-fi. Il réussit à créer la même ambiance sur « Slipping Away », tiré de l’album Hotel sorti en 2005, qui ne démarre plus par des percussions électroniques mais par une guitare acoustique, avant d’ajouter des cordes pour rejoindre la voix discrète (pensez à The Shins). Et « When It’s Cold I’d Like To Die », de l’album Everything Is Wrong de 1995, est désormais un morceau acoustique magnifiquement triste, emmené par un piano, la voix déchirante de P.T. Banks et des cordes plus enflées.

La chanson « Hyenas », tirée de l’album Last Night (2008), est également rallongée (de trois minutes et demie à six minutes). Moby conserve ici la mélodie sombre et intrigante de l’original, avec des synthés brumeux, mais la chanson trouve le moyen de sonner différemment. La chanson titre du nouvel album de Moby sonne moins lounge et plus jazzy ; les synthétiseurs remplacent le son de la guitare.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Ed Sheeran en 2023, Subtract. « Le chagrin met instantanément fin à votre jeunesse ». Ce sentiment se retrouve dans Subtract, le sixième album studio de sa carrière et le dernier de sa décennie d’albums aux titres mathématiques.

Les sentiments de tristesse et de confusion de Sheeran sont profonds sur cet album. Ils découlent d’un mois de février 2022 brutal, lorsque son meilleur ami, Jamal Edwards, est décédé et que l’on a diagnostiqué une tumeur à la femme de Sheeran alors qu’elle était enceinte de leur deuxième fille.

Y a quoi sous le capot de Subtract le nouvel album de Ed Sheeran en 2023 ?

Alors qu’une grande partie de son succès est attribuée à des chansons de charme comme « Shape of You », « Perfect » et « Thinking Out Loud » (qui a récemment fait l’objet d’une affaire de violation des droits d’auteur dans laquelle Sheeran a été déclaré non coupable d’avoir plagié « Let’s Get it On » de Marvin Gaye), Subtract est dédié à l’amour d’un ami et à la sensibilité à l’égard de son mariage.

Subtract bénéficie de la production délicate d’Aaron Dessner de The National, qui a été l’un des architectes des albums « Folklore » et « Evermore » de Taylor Swift. Sheeran et lui ont écrit neuf des quatorze titres de l’album et, même si ce n’est pas le travail le plus captivant de Sheeran sur le plan sonore, son honnêteté est sans équivoque.

Voici quelques unes des meilleures chansons du nouvel album de Ed Sheeran « Subtract ».

Boat
Le premier titre de l’album est empreint de mélancolie. La voix de Sheeran est empreinte de tristesse alors qu’il chante sur une simple guitare acoustique, mais au fur et à mesure qu’il déroule les paroles, il se rend compte que même si la douleur persiste, il y a toujours un chemin à suivre (« The waves won’t break my boat »).

Eyes Closed
La combinaison d’une guitare à la frappe insistante et du jeu de mots syncopé de Sheeran encadre l’ode la plus flagrante à Edwards. « Chaque chanson me rappelle que tu es parti », chante Sheeran alors qu’il fait l’expérience de la dureté de la perte. « La vérité, c’est que tu n’es plus là… et que la vie continue ». C’est l’une des deux chansons les plus rythmées de « Subtract », mais son rythme soutenu est plus austère que la pop électronique-synthétique habituelle de Sheeran.

Life Goes On
À la fin de la chanson, la voix de Sheeran est déchaînée, ce qui est compréhensible. Point culminant de la perte d’Edwards et de la peur de perdre sa femme, Cherry Seaborn (qui a annoncé dans le documentaire qu’elle n’avait plus de cancer), la chanson – principalement composée de guitare acoustique avec des touches de piano et d’alto – guide les émotions fluctuantes de Sheeran. Il y a « un gris constant dans les nuages », mais aussi « quand j’entends ton nom, je pense à l’amour ». L’une des meilleures chansons du nouvel album de Ed Sheeran.

End of Youth
« L’année a été longue », note Sheeran, après une franche auto-évaluation : à la mort d’Edwards, il a arrêté la drogue et « essayé de combler le vide avec du vin ». Il se demande, comme il l’a fait dans la série documentaire, « si c’est la fin de notre jeunesse, quand la douleur commence à prendre le dessus », suivi de la peur que sa douleur ne diminue jamais.

Curtains
La chanson la plus optimiste du nouvel album de Ed Sheeran permet à Sheeran de sortir de sa grotte émotionnelle. « Let me see the sun shine » (Laissez-moi voir le soleil briller), répète-t-il, tandis qu’un rythme propulsif et des lignes de guitare électrique proéminentes qui font un clin d’œil à The Cure accompagnent son humeur radieuse. « Je n’ai jamais été aussi bas, mais je vais m’en sortir », décide-t-il.

Vega
Nommée d’après l’étoile la plus brillante de la constellation de la Lyre (qui se trouve être le nom de sa fille de 2 ans), la chanson frissonne grâce à la beauté dépouillée de la guitare acoustique, des cordes, du piano et d’un pont aérien. Sheeran chante « Cette semaine a été lourde/J’ai plié sous le poids ». Mais, alors qu’il dirige ses pensées vers Seaborn, il rassure : « La douleur a un prix, mais nous l’avons. »

The Hills of Aberfeldy
Sheeran rend souvent hommage à son pays d’origine européen – « Castle on the Hill », « Galway Girl », « The City » – et cette fois-ci, il a conçu une quasi-hymne romantique sur la ville écossaise. Sa voix résonne clairement, avec une orchestration dépouillée qui lui permet de s’élever, tandis qu’il renforce son amour avec des paroles poétiques. « Où que j’aille, je trouverai toujours un autre étranger pour partager le poids de mes crimes et je sais que tu ne trouveras jamais un autre cœur qui te désire plus que le mien. La fin abrupte de la chanson est efficace, la dernière strophe s’attardant alors que les auditeurs contemplent tout le poids de « Subtract ».

Notre avis sur le nouvel album de Ed Sheeran ? Subtract est sans conteste son meilleur album. Mais c’est aussi le premier album d’Ed Sheeran depuis ses débuts pour lequel on ne peut pas prédire avec certitude un succès commercial fulgurant.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Everything But The Girl en 2023, Fuse. Il s’agit de rattraper le temps perdu. Le duo britannique de dance-pop Everything but the Girl a sorti son dernier album studio, Temperamental, il y a plus de vingt ans. Aujourd’hui, les auteurs de tubes pop des années 90 n’ont apparemment plus beaucoup de rouille à faire disparaître. Le 11e album d’EBTG sonne frais.

Y a quoi sous le capot de Fuse le nouvel album de Everything But The Girl en 2023 ?

« Kiss me while the world decays/ Kiss me while the music plays », chante Ben Watt sur « Nothing Left to Lose ».

Ce morceau d’ouverture est doux et lisse, optimiste et transe dans sa production. Watt et Tracey Thorn s’harmonisent bien sur des rythmes et des synthés bien agencés. Des morceaux comme « Run a Red Light » sont calmes, complexes et minimalistes. Ils ne se sentent jamais « petits », même avec seulement un piano et des synthétiseurs légers. C’est parce que les voix sont parfaitement ajustées, avec un soupçon de vulnérabilité.

« Caution to the Wind » part d’une simple intro au synthé et prend lentement de l’ampleur jusqu’à ce qu’un motif rythmique de batterie et de basse l’élève à un autre niveau et en fasse un hymne à part entière pour la piste de danse. Malgré la nature entraînante de la chanson, Everything but the Girl parvient à rester cool, en gardant le rythme juste assez modéré pour ne pas être exagéré.

« Je déteste les gens qui me donnent des conseils quand on se plante », chante Watt sur la bien nommée « When You Mess Up ». Cette ballade à combustion lente fait appel à toutes les astuces de l’arsenal. Fusionnant synthés, sons expérimentaux et filtres vocaux, ce titre alt-pop est un détour exploratoire amusant.

On continue le nouvel album d’Everything But The Girl Fuse avec « Time & Time Again » qui apporte une énergie pop rétro, avec une base de synthétiseurs et de boucles combinée à des harmonies luxuriantes entre les deux chanteuses.

Le rythme R&B de « No One Knows We’re Dancing » parvient à combiner des variations classiques et modernes. Alors qu’il aurait pu figurer sur l’un des précédents albums du duo, il ne donne pas l’impression d’être vieux et s’inscrit dans le paysage musical actuel.

« Lost », quant à lui, est une intéressante confrontation de styles, avec des voix dans la veine d’une mélodie classique qui se mêlent à un rythme de danse haché mais raffiné.

« J’ai perdu ma mère, puis j’ai tout simplement perdu la tête », chante Watt sur « Lost », une complainte, sous forme de liste, sur les choses qui ont mal tourné. La chanson est agrémentée d’instruments à cordes et d’une touche européenne. Forever » est l’un des titres les plus modernes de Fuse. De la production pointue au chant raffiné, il est contagieux et hymnique.

Certains morceaux sont plus courts sur le nouvel album de Everything But The Girl. « Interior Space » dure deux minutes et quelques, mais parvient à livrer une histoire profondément introspective. Il s’oriente presque vers un jazz errant, tout en gardant le cap. Le disque s’achève sur une note douce et mélancolique avec « Karaoke », qui offre bien plus que ce que son nom pourrait suggérer.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Jethro Tull en 2023, RökFlöte. Une esthétique minimaliste gouverne une grande partie du rock and roll. Bien sûr, il y a la vidéo de « November Rain » des Guns N’ Roses et ce truc bizarre où les groupes jouent leurs succès avec des orchestres symphoniques. Mais à la base, le rock and roll, c’est trois accords, du denim et du cuir. Étant donné tout ce que les Ramones ont pu accomplir avec ces éléments de base, tout ajout musical risque d’être perçu comme inutile, ou pire, un peu prétentieux.

Cela fait plus de 50 ans que Jethro Tull charge le rock and roll de solos de flûte et d’images de la Renaissance. Après une longue pause, le groupe de rock théâtral de Ian Anderson nous livre une piqûre de rappel de son prog-rock recombinant breveté, 15 mois seulement après son premier album en 18 ans, The Zealot Gene.

Y a quoi sous le capot de RökFlöte le nouvel album de Jethro Tull en 2023 ?

« Feathered Consort » est l’une des chansons les plus étranges que j’aie jamais entendues. Une flûte douce et une guitare acoustique s’opposent à la batterie écrasante et aux accords de guitare surmultipliés qui annoncent la pompe et les circonstances de la chanson. Pour rappel, le dictionnaire définit un « consort » comme « une femme, un mari ou un compagnon, en particulier l’époux d’un monarque régnant ».

« Wolf Unchained » est notre chanson préférée du nouvel album de Jethro Tull, car on imagine une bande de mecs avec des T-shirts de loups en train de jouer sur ce morceau avant une nuit de folie en ville. Les guitares sinistres et surmultipliées délivrent de superbes accords de puissance et il y a un peu de flûte. Anderson s’imagine en Cujo sauvage en train de mutiler un facteur, ce qui, je pense, est génial. « Rêvant d’un passé plus sauvage/ D’un aboiement plus sauvage, d’un hurlement, d’un grognement/ D’un membre tendre à déchirer et d’un os à broyer/ Du cadavre d’un facteur à éventrer », chante-t-il.

Si vous enseignez la flûte et que vous voulez montrer à vos élèves que la flûte peut être cool, jouez-leur « Flute Loop » des Beastie Boys. Si vous aimez la mythologie de D&D et emmener vos rendez-vous à l’époque médiévale, procurez-vous une copie de RökFlöte que vous jouerez plus tard dans votre char d’acier à Inspiration Point.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de The Mars Volta en 2023, Que Dios Te Maldiga Mi Corazon.

The Mars Volta a fait une pause de dix ans entre deux albums et a fait un retour triomphal l’année dernière. Un an plus tard, il publie une douzaine de titres acoustiques retravaillés. Intitulé Que Dios Te Maldiga Mi Corazon, qui se traduit approximativement par « Que Dieu te maudisse, ma chérie », l’album renvoie les membres du duo à leurs racines latines et caribéennes et se présente comme un disque folk aux fortes connotations politiques.

Y a quoi sous le capot de Que Dios Te Maldiga Mi Corazon le nouvel album de The Mars Volta en 2023 ?

Des titres comme le premier « Blacklight Shine », de l’album 2022, sont refaits avec des arrangements traditionnels latins et caribéens de guitares acoustiques piquées au doigt et de rythmes percussifs bruts. « Graveyard Love » est dépouillé jusqu’à la moelle, devenant un morceau rythmique de type salsa. La voix de Cedric Bixler-Zavala passe au premier plan, poussant sa tessiture dans les aigus. La version remaniée de « Shore Story », qui était une ballade plus lente, s’accélère légèrement dans un arrangement latin-jazz avec piano. Les percussions rapides donnent le rythme.

Plus loin dans l’album, « NoCaseGain » dégage une atmosphère similaire.

Sur « Blank Condolences », la personnalité de la chanson originale est maintenue tout en poussant vers quelque chose de nouveau. L’influence des percussions pèse lourd ; le rythme régulier et subtil aide à projeter la vie et l’émotion de la chanson. La version retravaillée propose trois changements rythmiques distincts sur une durée de trois minutes et demie.

La chanson titre du nouvel album de The Mars Volta est peut-être l’œuvre la plus frappante de l’album. Il s’agit d’un paysage sonore au piano qui semble tiré d’un spectacle de rue en plein essor. La voix de Bixler-Zavala est le point d’ancrage et la musique est le vaisseau qui pompe l’énergie à travers ce morceau percutant.

Sur d’autres morceaux, les changements sont moins spectaculaires. Le groupe a déclaré que l’objectif était de mettre de côté la distorsion et le bruit qui peuvent parfois servir de masque et de laisser la place au cœur de la chanson et à son message. Cela se voit sur l’acoustique « Vigil », qui semble être un complément naturel à la chanson originale.

« Cerulea » est sombre et dramatique, avec une mélodie vocale plus douloureuse.

Le groupe propose une version spacieuse de « Flash Burns From Flashbacks », avec des claquements de mains ou des castagnettes et une guitare acoustique légèrement grattée qui laissent toute la place à la musique, et les voix de Bixler-Zavala sont douces et complexes. « Palm Full of Crux » est l’un des rares morceaux de l’album à se passer entièrement de percussions, ne laissant que deux guitares acoustiques.

Ce thème se poursuit sur le doux « Tourmaline ». S’il y a un inconvénient, c’est peut-être que ces 14 titres commencent à se mélanger un peu vers la fin, ajoutant un élément de prévisibilité. Néanmoins, le matériel domine et des morceaux comme « Equus 3 » exsudent une grande passion pour le métier.

Le nouvel album de The Mars Volta se termine sur une note positive avec des interprétations énergiques de « Collapsable Shoulders » et « The Requisition ». Il y a une uniformité dans l’instrumentation tout au long de l’album ; le groupe sonne de manière cohérente et se complète, donnant à l’impression d’être complet.

Place maintenant à notre avis sur le nouvel album de Feist en 2023, Multitudes. Leslie Feist a tout ressenti pendant la pandémie. Multitudes est son sixième album et son premier en six ans. Inspirée par la naissance de sa fille et touchée par la mort soudaine de son père, Leslie Feist se confronte à sa place dans le monde et à sa perception d’elle-même sur Multitudes. Elle tente d’embrasser la plénitude de la vie, avec toute la beauté et la tristesse qu’elle comporte.

Le nouvel album de Feist Multitudes a été produit par Robbie Lackritz (Jack Johnson) et Mocky (Jamie Lidell), deux collaborateurs fréquents, et Blake Mills (Dawes, Perfume Genius). Lackritz et l’ingénieur Michael Harris avaient construit un studio en Californie du Nord, et c’est là que Feist a enregistré Multitudes, près d’une forêt de séquoias. Elle a développé la manière dont elle voulait interpréter ces chansons en organisant une série de petits spectacles expérimentaux appelés « Multitudes », qui étaient à la fois des concerts et des pièces de théâtre.

Y a quoi sous le capot de Multitudes le nouvel album de Feist en 2023 ?

Feist s’est montrée peu intéressée par un retour au son pop qui l’a rendue célèbre avec The Reminder en 2007, et ce depuis l’album qui l’a suivi, Metals, en 2011. On a parfois l’impression que, si elle avait le choix, elle préférait opter pour l’inaccessibilité, comme dans le cas de sa collaboration avec Mastodon. Multitudes n’est pas souvent accrocheur, mais il invite à l’écoute par d’autres moyens.

Le titre phare, « In Lightning », explose les haut-parleurs avec des voix multipistes et des percussions électroniques qui résonnent en écho, avant de se concentrer sur la belle voix crépusculaire de Feist. Plus tard, elle est rejointe par des chœurs qui sont l’une de ses signatures sonores.

Bien que le nouvel album de Feist soit artistiquement cohérent, il ne sonne pas tous de la même façon. Des chansons comme « Forever Before » et « The Redwing », avec leur guitare acoustique et leur voix austères, sonnent très Nick-Drake-esque, tandis que « Borrow Trouble » est une chanson puissante, avec un violon strident. Feist s’interroge sur elle-même et sur sa tendance à ne pas vivre le moment présent sur « Borrow Trouble ».

Le grand solo, plutôt qu’à la guitare, est joué par David Ralicke (Beck, Dengue Fever) sur un saxophone baryton qui, d’une manière ou d’une autre, frappe à la perfection. « All of it that you’ve got to give/ I’ll take all of it that you’ve got to give », chante Feist, tout en criant « trouble ! » avec un abandon sauvage par-dessus.

Sur « Love Who We Are Meant To », la guitare à cordes de nylon est soutenue par des cordes orchestrales luxuriantes. Ce morceau moelleux plaira particulièrement aux fans du son Laurel Canyon, avec sa voix douce et nostalgique. « Nous nous battrons avec la vérité », chante Feist. « Que parfois nous n’arrivons pas à/ Aimer qui nous sommes censés aimer ».

La voix de Feist peut être faussement apaisante, même si ses paroles interpellent les auditeurs. « Tout le monde a sa merde/ Mais qui a le courage de s’asseoir avec ? demande Feist au début de « Hiding Out in the Open ». Des synthétiseurs doux tourbillonnent sous Feist et sa guitare acoustique tandis qu’elle chante : « L’amour n’est pas une chose que vous essayez de faire/ Il veut être la chose qui vous oblige/ À être vous ».

On poursuit la découverte du nouvel album de Feist avec « Of Womankind », qui met en valeur sa voix rare et particulière avec brio. Commençant par une voix singulière, avant de rejoindre un chœur de voix multipistes, puis de pivoter vers un talk-singing à la Dylan, « Of Womankind » contient des multitudes à lui tout seul. Feist décrit ce que c’est que d’être une femme dans le monde d’aujourd’hui : « La nuit, on s’accroche à un spray au poivre/ On vérifie sous nos voitures/ Pour naviguer dans ce labyrinthe subtil ».

Feist interroge ses propres motivations sur « Martyr Moves » au son d’une flûte pastorale, en demandant : « Et qu’est-ce que je pense pouvoir prouver/ Si je fais ces mouvements de martyr ? » Tout au long de Multitudes, elle se livre avec franchise et honnêteté sur elle-même et sur ses sentiments, et pourtant le disque lui-même est d’une beauté exquise. Il se termine par « Song for Sad Friends », sur laquelle elle déclare qu’elle ne demandera pas à ses amis tristes de ne pas être tristes, sur un éclat de clarinette et un doux grattement de guitare.

« Les choses vont mal, mes amis », admet-elle, mais elle ajoute que la tristesse « prouve la force de votre cœur ». Alors que la chanson et l’album touchent à leur fin, Feist déclare que cette honnêteté émotionnelle est l’endroit où « nous pouvons vraiment commencer ».