Nouvel album de Kendrick Lamar en 2022 – Mr. Morale & The Big Steppers

Le cinquième et nouvel album de Kendrick Lamar, « Mr. Morale & the Big Steppers », est enfin arrivé jeudi soir – son premier album complet en cinq ans. L’album de 18 titres comprend des apparitions de Summer Walker, Ghostface Killah, Kodak Black, Sampha, Baby Keem, Beth Gibbons de Portishead et une performance profondément émouvante de Taylour Paige sur le déchirant « We Cry Together ».

La production est principalement assurée par Sounwave, Duval Timothy, Boi-1DA, Lamar sous le nom d’OKLAMA, et Pharrell Williams sur « Mr. Morale ».

L’album ne comprend pas « The Heart Part 5 », la nouvelle chanson qu’il a lâchée dimanche. Dimanche dernier, Lamar a publié un nouveau clip, « The Heart Part 5 », en guise de teaser pour « Mr. Morale ».

Le prologue dit « la vie est une perspective » et montre ensuite le visage de Lamar se mêlant à celui d’une série d’hommes noirs plus ou moins héroïques ou controversés : O.J. Simpson, Kanye West, Jussie Smollett, Will Smith, Kobe Bryant, Nipsey Hussle.

Les effets deepfake ont été créés par Deep Voodoo, un studio des créateurs de « South Park », Trey Parker et Matt Stone.

Y a quoi sous le capot de Mr. Morale & The Big Steppers, le nouvel album de Kendrick Lamar en 2022 ?

Lamar a annoncé pour la première fois qu’il sortait un album le mois dernier, en réponse à un tweet antérieur de SK qui disait « Kendrick Lamar est officiellement à la retraite ». La citation de Lamar a tweeté une réponse avec un lien : oklama.com.

Le dernier album studio complet de Lamar était « Damn » de 2017, récompensé par un Grammy, qui est sorti deux jours seulement avant que le titan du rap ne soit la tête d’affiche de Coachella et ne fasse de lui le lauréat de l’événement inaugural Hitmakers de Variety.

Il a enchaîné un an plus tard avec la curation de la bande originale de « Black Panther », qui comprenait son duo avec SZA, « All the Stars » – recevant quatre nominations aux 61e Grammys, dont disque de l’année et chanson de l’année.

En 2021, il a participé à deux chansons du dernier album de son cousin Baby Keem, « Range Brothers » et « Family Ties », récompensé par un Grammy.

LISTE COMPLÈTE DES TITRES DU NOUVEL ALBUM DE KENDRICK LAMAR MR. MORALE & THE BIG STEPPERS :

DISQUE 1 : BIG STEPPERS

  1. United In Grief
  2. N95
  3. Worldwide Steppers
  4. Die Hard ft. Blxst & Amanda Reifer
  5. Father Time ft. Sampha
  6. Rich (Interlude)
  7. Rich Spirit
  8. We Cry Together ft. Taylour Paige
  9. Purple Hearts ft. Summer Walker & Ghostface Killah

DISQUE 2 : MR. MORALE

  1. Count Me Out
  2. Crown
  3. Silent Hill ft. Kodak Black
  4. Savior (Interlude)
  5. Savior ft. Baby Keem & Sam Dew
  6. Auntie Diaries
  7. Mr. Morale ft. Tanna Leone
  8. Mother I Sober ft. Beth Gibbons de Portishead
  9. Mirror

Ecoutez Mr Morale & The Big Steppers ici :

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Nouvel album de The Smile en 2022 – A Light For Attracting Attention

Voici enfin la sortie d’un album très attendu : l’album de The Smile, le nouveau groupe de Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead avec le batteur Tom Skinner. Historiquement, Thom et Jonny ont été les deux forces créatives les plus importantes de Radiohead, et Smile – leur nouveau groupe avec le batteur Tom Skinner – sonne plus souvent qu’à son tour comme Radiohead.

La production par Nigel Godrich, un architecte clé de l’esthétique Radiohead, souligne évidemment cette similitude, mais Godrich a également travaillé sur tous les albums solo de Yorke et sur le disque Atoms For Peace. L’arrivée de Jonny Greenwood dans le giron de ce projet parallèle donne une impression différente.

L’album de The Smile A Light For Attracting Attention, qui sort ce vendredi, est un ajout fantastique à l’univers étendu de Radiohead et le meilleur album non-Radiohead que Yorke ait jamais sorti.

Y a quoi sous le capot de A Light For Attracting Attention, le nouvel album de The Smile en 2022 ?

Les novices en percussion ne verront peut-être pas de différences significatives entre le jeu de batterie impeccable de Tom Skinner – surtout connu comme membre du groupe de jazz expérimental Sons Of Kemet de Shabaka Hutchings – et son homologue de Radiohead, Phil Selway. Selway est un musicien brillant qui a toujours été prêt à faire ce que la chanson exigeait ; ses rythmes ont défié la gravité plus d’une fois.

Mais le fait de travailler avec un nouvel atout créatif semble avoir débloqué une énergie débridée chez Yorke et Greenwood. Les morceaux plus rock sont dotés d’une brutalité viscérale rarement entendue de la part de ces gars, et peut-être même pas du tout depuis les morceaux de In Rainbows comme « Bodysnatchers » et « Jigsaw Falling Into Place »

Sur des chansons comme la magnifiquement funky « The Opposite » et l’hyperactive « Thin Thing », des riffs de guitare s’emmêlent en une chorégraphie noueuse. Le premier single, « You Will Never Work In Television Again », est le genre d’enfer basique qu’on ne pensait pas que Thom Yorke avait en lui. Quand The Smile se déchaîne de la sorte, ils pourraient presque passer pour un groupe de garage rock ; quand ils s’enferment dans un groove facile sur « The Smoke », cela peut rappeller The Private Press de DJ Shadow.

Skinner s’entoure de poids lourds de la scène jazz expérimentale de Londres, dont Theon Cross (tuba) et son frère Nathaniel (trombone) ainsi que les saxophonistes Jason Yarde, Robert Stillman (parfois à la clarinette) et Chelsea Carmichael (à la flûte), entre autres. Cette équipe permet à The Smile d’étoffer sa sonorité de base.

Parfois, cela signifie un retour au tourbillon orchestral de l’album le plus récent de Radiohead, A Moon Shaped Pool (2016), comme « Pana-vision » (un cousin des morceaux rythmiquement complexes mais mélancoliques comme « Decks Dark » et « The Numbers »), le magnifique « Open The Floodgates » (une suite sonore de « Daydreaming »), et l’époustouflant « Speech Bubbles » (un « Present Tense » 2022).

Et puis il y a les morceaux électroniques, qui s’intègrent plus maladroitement dans ce méli-mélo, mais qui font surtout leurs preuves. « The Same « , de loin le meilleur morceau de cette cohorte, ouvre l’album sans l’aide de Skinner : Yorke et Greenwood empilent méthodiquement des couches de synthé, de guitare et de piano jusqu’à la cacophonie.

Cela ressemble à une chanson de protestation, ou du moins à une chanson de solidarité avec les protestataires. Yorke se moque des « simples connards » qui font « une erreur après l’autre » et proclame : « Les gens dans la rue/ S’il vous plaît/ Nous sommes tous pareils/ S’il vous plaît/ Nous voulons tous la même chose ».

En revanche, le scintillement de « A Hairdryer » et les synthés de « Waving A White Flag » auraient pu apparaitre sur le premier album solo de Yorke, The Eraser. Plus l’album de The Smile se rapproche de l’alchimie du groupe en live, comme on peut le constater lors des concerts de The Smile diffusés depuis Magazine London, plus il devient convaincant.

Des paroles comme « picks me up, puts me down » se répètent en succession rapide et correspondent aux sons pop plongeants caractéristiques d’Antonoff, que l’on retrouve également sur des chansons de Taylor Swift comme « Out Of The Woods » ou sur Melodrama de Lorde.

En tant que parolier, Thom Yorke reste un pleureur urbain poétique, impénétrable et saisissant. Sur l’album de The Smile A Light For Attracting Attention, il revient avec une vigueur nouvelle à ses thèmes habituels, comme la corruption du pouvoir et le désastre environnemental. « You Will Never Work In Television Again » applique le vitriol de « Paranoid Android » à l’industrie du divertissement.

Les allusions à l’apocalypse et à la dystopie abondent, généralement par le biais d’une série de mots-images vifs qui évoquent une ambiance et vous laissent contempler le reste. Il revient sans cesse sur l’idée de lâcher prise, d’aller de l’avant et de trouver un moyen de progresser – en acceptant les circonstances et en se serrant les coudes, mais aussi en empruntant des voies déroutantes.

Notre avis sur l’album de The Smile A Light For Attracting Attention ? Bien que les chansons de l’album sonnent souvent comme du Radiohead, elles donnent aussi l’impression d’un nouveau groupe qui se sent à l’aise, qui s’amuse à trouver ce qui fonctionne et comment chaque membre s’intègre dans l’ensemble. C’est peut-être pour cela que ce n’est pas un album de Radiohead, et peut-être que cet exercice portera ses fruits lorsque Radiohead se réunira à nouveau. En attendant, A Light For Attracting Attention est un excellent album de 2022.

Celui-ci n’atteint pas le statut de chef-d’œuvre, tout en offrant suffisamment de frissons pour se hisser au niveau de la moitié inférieure du catalogue de Radiohead. Dans l’esprit et la pratique, il ressemble le plus à Hail To The Thief, moins une déclaration cohérente qu’un bric-à-brac de styles et d’idées.

Les deux dernières chansons ressemblent même à des rappels directs de cet album : « We Don’t Know What Tomorrow Brings » est un peu comme « Where I End And You Begin », tandis que « Skrting On The Surface » évoque « Scatterbrain » avec une élégante section de cuivres. Et au moins aussi souvent que sur Hail To The Thief, les résultats de ce méli-mélo sont inspirés.

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Nouvel album de Florence and the Machine en 2022 – Dance Fever

Florence Welch a toujours été du genre à embrasser les côtés avant-gardistes que permet la musique pop du 21ème siècle. Avec ses refrains tonitruants, son lyrisme baroque et ses vidéos richement décorées, chacun de ses albums ressemble à une peinture à l’huile élaborée qui prend vie. Avec le cinquième et nouvel album de Florence and the Machine, Dance Fever, elle a créé un autre album qui se tourne vers le passé pour célébrer l’avenir.

Y a quoi sous le capot de Dance Fever, le nouvel album de Florence and the Machine en 2022 ?

« Je ne sais pas comment ça a commencé/ Je ne sais pas comment l’arrêter/ Je danse soudainement/ Sur une musique imaginaire », chante-t-elle sur un rythme léger et claquant. La musique commence à s’amplifier avec des pulsations ambiantes puissantes alors qu’elle se sent commencer à danser jusqu’à la mort.

Pendant ses trois minutes et demie, la chanson continue de gagner en rythme et en énergie. Welch a écrit la majorité de la première moitié de l’album avec le très convoité producteur pop Jack Antonoff (Lana Del Rey, Taylor Swift…), dont le style pop moderne est apparent dans toutes les chansons.

L’influence d’Antonoff est la plus évidente sur « Free », qui semble pouvoir s’intégrer à un album de Bleachers sans que les auditeurs ne se posent de questions sur sa place. Le rythme est répétitif mais enthousiaste alors que les paroles de la chanson montent en intensité.

Welch a conçu l’album en attendant le jour où sa musique pourrait à nouveau être diffusée dans les boîtes de nuit. Elle a commencé la production de Dance Fever au début de la pandémie et a cherché à rendre le son hymne et contagieux. Elle a réussi sur les deux fronts.

Des paroles comme « picks me up, puts me down » se répètent en succession rapide et correspondent aux sons pop plongeants caractéristiques d’Antonoff, que l’on retrouve également sur des chansons de Taylor Swift comme « Out Of The Woods » ou sur Melodrama de Lorde.

La chanson « King », qui ouvre le nouvel album de Florence and the Machine, est l’une des plus mémorables de Dance Fever. « Nous nous disputons dans la cuisine pour savoir s’il faut avoir des enfants, sur la fin du monde et l’ampleur de mon ambition, et sur la valeur réelle de l’art », chante Welch sur une batterie régulière dans le premier couplet remarquablement composé.

Elle se couronne elle-même roi après avoir renié son rôle de mère et d’épouse. Après le troisième refrain, les battements poussent d’abord, puis s’apaisent un instant avant qu’elle n’éclate en une ceinture de vocalises pendant 40 solides secondes.

Welch a écrit « Cassandra » avec son coauteur habituel Thomas Hull (« Sweet Nothing », « Ship to Wreck »). La chanson raconte l’histoire de Welch qui se sent comme Cassandra, qui endure la colère de l’humanité alors qu’ils l’évitent dans la cuisine et la traitent comme Satan en plaçant des croix sur leurs portes. Elle trouve que le paradis a perdu de son attrait lorsqu’elle constate qu’« il n’y a plus personne à qui chanter/ Et tous les dieux ont été domestiqués ».

Tout au long de l’album – et à la manière typique de Florence Welch – elle élabore des histoires profuses et allégoriques qui pourraient toutes être interprétées comme de la poésie orale et remporteraient une ovation. Pour rendre le matériel encore plus riche, ses capacités vocales sont une autre force avec laquelle il faut compter, car elle chante et chuchote, harmonise et bourdonne dans le microphone.

Plus on avance dans l’album, plus il commence à ressembler à son premier album, Lungs, sorti en 2009. Sur « Heaven Is Here », la musique est animée par des grognements et des bruits de pas qui rappellent ses plus anciens titres comme « Howl » ou « Drumming Song ».

« My Love » suit dans un style similaire. Elle reconnaît ses capacités inégalées d’écriture de chansons. « Les mots ont toujours eu un sens pour moi », chante-t-elle. Alors que les lumières d’une boîte de nuit commencent à tourner et à changer de couleur, la chanson reproduit ces sentiments d’alcool qui s’infiltre et de brouillard cérébral qui prend forme.

Welch cherche dans les corps qui l’entourent un endroit où investir son amour, mais elle trouve le ciel et ses bras vides.

Dans les derniers instants, elle prend un vol pour Memphis et cherche Elvis, un autre roi. « Morning Elvis » est plus lent que les autres chansons de l’album. Dans une comparaison audacieuse, elle dit à ses amis que s’ils ne la revoient pas, elle les verra au paradis avec Elvis.

Notre avis sur le nouvel album de Florence and the Machine ? Florence and the Machine a produit un album unique et mémorable après l’autre, et Dance Fever le fait encore. Il est à la fois florissant et progressif tout en puisant continuellement dans l’imagerie de l’art et des pratiques religieuses de la Renaissance qui ont précédé sa sortie de plusieurs siècles.

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Nouvel album de Mandy Moore en 2022 – In Real Life

L’auteur-compositeur-interprète Mandy Moore poursuit son évolution vers un son plus organique sur In Real Life. Après avoir attendu plus d’une décennie pour sortir son sixième album, le transformateur Silver Linings, il ne lui a fallu que deux ans pour former son prochain effort. Son dernier opus s’appuie sur la transition de la chanteuse, qui s’est éloignée de la pop grand public pour se rapprocher du style folklorique de Laurel Canyon ou Taylor Swift 2020.

Le nouvel album de Mandy Moore In Real Life ressemble à une œuvre post-pandémique, qui fait appel aux émotions de la reconnexion. L’album possède également une intimité personnelle supplémentaire. C’est parce que Moore l’a écrit juste avant la naissance de son premier enfant. Dans ses textes, la chanteuse imagine ce que pourrait être la parentalité. Que ce soit intentionnel ou non, le contraste est saisissant avec la mère expérimentée qu’elle a incarnée pendant six ans dans la série télévisée « This Is Us ».

Y a quoi sous le capot de In Real Life, le nouvel album de Mandy Moore en 2022 ?

Il est difficile de définir le son qui définit le disque. Mandy Moore expérimente tout, de la ballade au piano à la country, en passant par l’indie pop sourde, et chaque chanson offre un aperçu différent de sa vision de la musique.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, une ballade acoustique chaloupée, soutenue par une basse et un synthé chauds. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques rebondissements, notamment un violon et des solos de guitare. « Somebody loves me/ Somebody needs me/ In real life/ Somebody wants me », déclare Moore, la voix tranchante et directe. Il est intéressant de noter que la vidéo de cette chanson met en vedette les castmastes de Moore dans l’émission de télévision, ce que beaucoup de fans veulent croire être la vraie vie.

« Heartlands » est fidèle à son nom : une magnifique ballade aux accents americains, pleine d’harmonies et d’un piano discret. Le morceau est complexe et bien délivré. C’est une chanson simple avec un message simple que Moore délivre efficacement.

L’enjoué « Little Dreams » offre quelque chose de très différent : un morceau à la basse lourde qui fusionne la sensibilité indie avec un arrangement acoustique de chanteur-compositeur. Mélangeant tout, des cordes aux synthés, la chanson est énergique sans être exagérée, s’accordant avec la personnalité du reste de l’album.

L’ambiance change avec la ballade dramatique au piano de « Just Maybe ». Mélangeant les moindres touches pop, le morceau a un aspect très cinématographique et une montée et une descente d’optimisme prudent. « Just maybe we’re all that we’ve got/ And that’s more than enough to keep on dreaming », chante Moore.

Le nouvel album de Mandy Moore change du tout au tout sur l’amusante jam de bar « Living in the in Between », où Moore échange sa voix avec son mari (et le leader de Dawes) Taylor Goldsmith. Ce n’est pas la seule collaboration de Moore sur le disque, elle travaille également avec Lucius, The War on Drugs et Phoebe Bridgers. Les choses restent optimistes avec la chanson d’amour « In Other Words », un indie rock acoustique construit sur un jeu de guitare brillant et chatoyant.

« Four Moons », d’inspiration méridionale, présente une authenticité Americana organique, tandis que « Little Victories » continue de surprendre avec une jam acoustique enjouée avec des éclairs de funk old-school nuancés. La production de In Real Life est solide. Avec un casque sur les oreilles, vous pouvez distinguer tous les instruments et les harmonies dans les arrangements.

« Heavy Lifting » est une chanson d’amour acoustique détendue et légère qui va et vient avec une touche légère. « Brand New Nowhere » est insouciant et funky. « When we run out of road/ Let’s find a brand new road », chante Moore, débordant d’optimisme.

C’est ce genre d’attitude positive que Mandy Moore transmet tout au long de l’album. Elle est présente à la fois dans les paroles et dans l’arrangement des chansons. L’album s’achève sur la note la plus complexe et la plus subtile avec la légère touche acoustique de « Every Light », un morceau élaboré de main de maître.

Notre avis sur le nouvel album de Mandy Moore ? In Real Life témoigne de la croissance et de la maturité de Moore en tant qu’auteur-compositeur et interprète. L’album est amusant et enjoué, mais surtout, il est authentique à son expérience personnelle.

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Nouvel album des Black Keys en 2022 – Dropout Boogie

Peu de groupes ont la capacité d’exploiter l’esprit du rock and roll comme les Black Keys. Fort de dix albums, le duo d’Akron a toujours su marier un rock imprégné de blues avec une bonne dose de funk, de soul et de pop. Après un détour par le blues sur Delta Kream l’année dernière, le nouvel album des Black Keys Dropout Boogie revient au rock avec des contributions de Billy F. Gibbons de ZZ Top, Angelo Petraglia de Kings of Leon et Greg Cartwright de Reigning Sound.

Y a quoi sous le capot de Dropout Boogie, le nouvel album des Black Keys en 2022 ?

Cartwright et Petraglia font tous deux sentir leur présence dès le début de l’album, sur « Wild Child ». Ce morceau funky et percussif met en scène le jeu de guitare fuzz-tone caractéristique de Dan Auerbach. « Wild Child » saute immédiatement aux oreilles, une chanson infectieuse et vivante qui rend impossible de rester immobile.

« It Ain’t Over » fusionne un flair latin avec le blues façon Delta Kream pour créer un morceau intime et sombrement mélodique. Les choses se transforment ensuite en véritable rockabilly old-school sur « For the Love of Money », une chanson bluesy à la guitare à coulisse qui roule comme un train sur les rails. « Si ton âme est à vendre, dis ton prix », chante Auerbach, en faisant des sauts dans sa voix de fausset.

Auerbach et le batteur Patrick Carney ont travaillé sur certains des disques les plus fascinants de ces dernières années, notamment ceux de Yola, Marcus King et Tennis, mais la magie du duo brille vraiment lorsqu’ils se réunissent pour un nouveau album des Black Keys. « Your Team is Looking Good » est un morceau amusant, aux allures d’hymne sportif, dont les paroles évoquent une rivalité passée. « Ashes to ashes/ Dust to dust/ Beat everybody but you won’t beat us », chante Auerbach.

Les Black Keys s’en donnent à cœur joie sur le bluesy soul de « Good Love », un titre qui déborde d’une sensibilité sombre et funky qui aurait tout à fait sa place sur la bande originale des Sopranos. L’ambiance reste épaisse et lourde, mais le rythme ralentit un peu sur le percutant « How Long ». Le jeu de guitare d’Auerbach est lyrique et chante absolument sur le refrain du morceau tandis que Carney maintient un groove serré.

On continue le nouvel album des Black Keys avec « Burn the Damn Thing Down » qui fait un retour en arrière encore plus important. Avec un morceau qui ressemble à Chuck Berry et qui est à la croisée du rock indé et du son roots et fuzzed-out.

Le groupe cite l’enregistrement à Nashville comme une partie de son inspiration pour sa nouvelle volonté de collaboration. Dans le cas de Gibbons, il s’agissait plutôt d’une sorte de retrouvaille. Le groupe a jammé avec lui il y a plus de dix ans alors qu’il travaillait en studio sur un album avec Rick Rubin.

« Happiness » est plus un rocker mid-tempo direct, sans fioritures, qui a beaucoup de punch mélodique, tandis que « Baby I’m Coming Home » a la production d’un morceau de rock moderne. La chanson offre un peu moins de fuzz et un peu plus de clarté. La voix d’Auerbach dépasse le mixage plus que sur d’autres morceaux, mais la chanson ne manque pas de son travail à la guitare, qui se transforme en un jam de rock sudiste.

L’album s’achève sur les sons doux de « Didn’t I Love You », un morceau de rock confiant et funky qui ramène les choses à la maison sur une note vivante.

Notre avis sur le nouvel album des Black Keys Dropout Boogie ? Le disque tient la promesse de ce que les fans attendent des Black Keys. C’est un disque fidèle au son de base du groupe et un album qui rend hommage aux générations de rock and roll qui l’ont précédé. De plus, les collaborateurs recrutés par le duo semblent avoir insufflé une nouvelle vie au groupe, infusant des styles que les Keys n’avaient encore jamais croisés.

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Nouvel album de Renaud en 2022 – Métèque

A l’approche de ses 70 ans, la sortie du nouvel album de Renaud, Métèque, ce vendredi 6 Mai est forcément un évènement à cocher sur votre agenda. L’auteur-compositeur et interprète de génie qu’est Renaud fait partie de ces monstres sacrés de la chanson françaises, pour qui chaque sortie de nouvelles chansons est attendue.

Mais cette fois-ci, point de nouveaux textes : 13 reprises du répertoire de la chanson française, de Georges Brassens, à Jacques Higelin, en passant par Montand ou Ferrat. Et bien évidemment le nom du nouvel album de Renaud Métèque est une référence directe à la chanson du même nom de Georges Moustaki.

Y a quoi sous le capot de Métèque, le nouvel album de Renaud en 2022 ?

Un 1er single est sortie, reprise de Serge Reggiani, « Si tu me payes un verre ». Loin d’être la chanson la plus connue du répertoire de Reggiani, le choix de ce titre par Renaud comme 1er single est un clin d’œil fort ironique.

Quand on connait les problèmes que l’artiste aura eu pendant de nombreuses années avec l’alcool, écouter ce premier titre nous fait forcément sourire légèrement. Maintes fois évoqués dans ses dernières chansons, ce thème n’en finira plus d’accompagner l’artiste…

Le clip a été tourné à la brasserie de la Closerie des Lilas (quartier Montparnasse) en compagnie de l’acteur Jean-Paul Rouve.

« Je voulais rendre hommage à mes maîtres, ceux qui m’ont donné envie de chanter » nous raconte Renaud. « Et aux chansons qui ont bercé mon enfance, mon adolescence et un peu plus. Être un passeur qui transmet l’émotion venue d’un autre au plus grand nombre, en apportant un petit peu de soi, sans trahir. »

Le 1er morceau de l’album « Métèque » trouvera une teinte beaucoup plus rock qui fonctionne parfaitement.

Il reprend également le « Temps des Cerises », autre incontournable du répertoire de la chanson française ; 1ère chanson qui lui ait venu à l’esprit pour l’enregistrement de cet album..

Voici les 13 titres qui composent le nouvel album de Renaud :

Le Métèque (Georges Moustaki)
L’amitié (Françoise Hardy)
Ca va ça vient (Boby Lapointe)
Le temps des cerises (Yves Montand)
Nuit et brouillard (Jean Ferrat)
Si tu me payes un verre (Serge Reggiani)
La tendresse (Bourvil)
Hollywood (David McNeil)
Bonhomme (Brassens)
La folle complainte (Charles Trenet)
Le jour où le bateau viendra (Hugues Auffray)
La complainte de Mandrin (Yves Montand)
Je suis mort qui, qui dit mieux (Jacques Higelin)

Malheureusement pour nous, cet album ne devrait pas être suivi d’une tournée. La dernière de 2016 aura laissé beaucoup trop de traces à l’auteur-compositeur-interprète sur sa voix.

Par contre, le nouvel album de Renaud, Métèque, devrait être suivi – selon les vœux de l’artiste – d’un second album de reprises et d’un album de chansons originales.

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Nouvel album d’Arcade Fire en 2022 – We

WE, le nouvel album d’Arcade Fire, le premier en près de cinq ans, semble un peu mince à première vue. Comparées aux 64 minutes de The Suburbs ou aux 75 minutes de Reflektor – sans parler de l’édition deluxe de 102 minutes de ce dernier – les 40 minutes du nouvel album semblent particulièrement maigres. En fait, sans compter les singles ou la bande originale de HER, ces sept titres constituent la plus courte sortie du groupe canado-américain depuis son premier EP de 33 minutes en 2003.

Certains pourraient penser qu’un groupe – surtout s’il est aussi bien accueilli commercialement et par la critique – devrait avoir plus à offrir après une demi-décennie d’absence. Cependant, le nouvel album d’Arcade Fire WE ne montre aucun signe d’avoir été jeté pour une bouchée de pain. Entre la production épurée de l’album et ses chansons claires et directes, on a l’impression que Win Butler, Régine Chassagne et les autres ont pris le temps de trouver exactement quoi dire et comment le dire.

Y a quoi sous le capot de We, le nouvel album d’Arcade Fire en 2022 ?

Arcade Fire divise le LP en faces et sections. La première face, intitulée « I », se concentre sur le désespoir pas si tranquille de la vie pendant le COVID-19 et en plein changement climatique. La deuxième face, « We », appelle à l’unité, à la guérison et à la persévérance face à ce désespoir.

La face « I » commence par le thème « Age of Anxiety I ». Sur un piano doux et plaintif, Butler se lamente sur notre « époque actuelle où personne ne dort », peu importe la quantité de télévision que nous regardons ou le nombre de pilules que nous prenons.

Le deuxième morceau, « Age of Anxiety II (Rabbit Hole) », montre Butler et Chassagne en train d’essayer à nouveau le confort des créatures de l’ère moderne. « Heaven is so cold », soupire-t-il, et les synthés et le rythme robotique ne font rien pour apaiser son désespoir.

La face « I » se termine par le sombre « End of the Empire I-IV ». Le piano, la guitare acoustique et le synthétiseur se rassemblent alors que Butler médite sur le déclin et la chute de l’empire américain. Le rythme solennel et quelques cordes donnent au morceau une atmosphère funèbre.

Le premier single de l’album, « The Lightning I, II », donne le coup d’envoi de la partie « We ». Le grattage de Butler annonce la fin de la partie sombre de la première face. « Nous pouvons y arriver si tu ne me laisses pas tomber/je ne te laisserai pas tomber », promet-il.

Vient ensuite « Unconditional I (Lookout Kid) », aux accents folk, dans lequel Butler offre sa solidarité à tous les jeunes qui devront se frayer un chemin dans ce monde désordonné. « Fais confiance à ton corps/ Tu peux danser, tu peux te secouer », dit-il. Le rythme enjoué et trépidant les encourage à le faire.

Sur « Unconditional II (Race and Religion) », Chassagne promet une dévotion sans faille sur un groove sensuel. « You and me/ Could be we », roucoule-t-elle. On peut d’ailleurs lire cela de manière romantique ou politique.

Le nouvel album d’Arcade Fire WE se termine par la chanson titre, sobre et lumineuse. « I wanna get well, I wanna get free/ Would you wanna get off this ride with me ? » demande Butler. Les guitares acoustiques qui résonnent laissent entrevoir les merveilles qui attendent l’auditeur s’il dit oui. On aurait bien plus encore de la part du groupe ; les fans seront ravis de cet album mais resteront à coups surs sur leur fin.

Ecoutez ici We d’Arcade Fire

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Nouvel album de Simple Plan en 2022 – Harder Than It Looks

Comme le dit le proverbe, plus les choses changent, plus elles restent les mêmes. Dans une certaine mesure, ce sentiment s’applique aux vétérans de la pop-punk canadienne. Le nouvel album de Simple Plan (leur 6ème), Harder Than It Looks, est une progression de ce qu’il a fait depuis le début.

Après avoir fait ses débuts en 2002 avec No Pads, No Helmet…Just Balls, Simple Plan a fidèlement mêlé des histoires sérieuses sur la rébellion et l’inadaptation à des hymnes punky enjoués. Si le pendule a parfois basculé vers la pop et d’autres fois vers le punk, le son de base est resté fidèle.

Pour Harder Than It Looks, le premier album auto-produit du groupe depuis qu’il s’est séparé d’Atlantic Records, Simple Plan a mis de côté ses récentes collaborations et ses explorations dans le domaine de la pop, du hip-hop et de la ballade pour proposer un album simple et direct.

Y a quoi sous le capot de Harder Than It Looks, le nouvel album de Simple Plan en 2022 ?

Une chose qui a changé en deux décennies, c’est la disposition des paroles du groupe, qui mêle un peu de positivité et d’optimisme. Le morceau d’ouverture « Wake Me Up (When This Nightmare’s Over) » reflète ce sentiment. Bien qu’il se penche sur les affaires du monde actuel, le chanteur Pierre Bouvier voit clairement la lumière au bout du tunnel. “If we hit the lowest low/ There’s only one place left to go/ And I won’t just give up hope,”

La seule collaboration de l’album est avec le leader de Sum 41, Deryck Whibley, sur le rock mélodique « Ruin My Life ». Bouvier et Whibley forment un excellent duo, les deux frontmen venant d’une époque similaire et trouvant toujours le succès toutes ces années plus tard. La chanson est efficace car elle ne lésine pas sur la production.

On poursuit le nouvel album de Simple Plan avec « The Antidote », qui est en grande partie la carte de visite d’une chanson de Simple Plan. D’une certaine manière, c’est une conversation entre le groupe et ses fans. Les paroles ne sont pas très nuancées, mais la chanson reste centrée sur le message.

L’énergie monte en flèche sur l’optimiste « Million Pictures of You », qui mêle nostalgie et optimisme quant au chemin à parcourir.

Certains des penchants plus pop du groupe ressortent sur les grooves lourds de basse de « Anxiety », qui fusionne également une pincée de ska et une touche de reggae à travers la lentille familière de Simple Plan.

Les guitares distordues reviennent pour « Congratulations », un rocker qui frappe du poing et qui est très harmonieux. Il n’a pas la perspective rose des autres morceaux de Harder Than It Looks, mais il met l’accent sur la nécessité de prendre la bonne voie dans une mauvaise situation. “You’re the one that’s gotta live with what you do/ Karma’s coming back for you,”

Le triomphant « Iconic » mêle un grand refrain vocal collectif à des cuivres et des boucles de batterie pour créer ce qui a sûrement le potentiel de devenir un hymne. Il sonne un peu comme « Champion » de Fall Out Boy.

Ensuite, « Best Day Of My Life » joue comme une réponse à « The Worst Day Ever », extrait du premier album de Simple Plan en 2022. Il s’agit de vivre pleinement chaque jour et de tirer le meilleur parti de chaque instant. Le groupe termine avec le morceau pop-punk « Slow Motion » et la ballade réconciliatrice « Two ».

Notre avis sur le nouvel album de Simple Plan, Harder Than It Looks ? L’album est la continuation d’un groupe qui est resté fidèle à son son depuis le début. Simple Plan vieillit avec grâce, n’écrivant plus de chansons sur l’angoisse et la rébellion des adolescents, mais se concentrant sur les jours meilleurs à venir.

Ecoutez ici Harder Than It looks de Simple Plan

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Nouvel album de Future en 2022 – I Never Liked You

Future est l’un rappeurs américains les plus solides. La percée de l’artiste a été propulsée par son rythme de travail frénétique, qui lui a permis de constituer un catalogue volumineux comprenant une quinzaine de projets complets. ALors forcément, un nouvel album de Future est un évènement.

Parfois, on a l’impression que Future patine sans effort sur la glace, comme sur DS2 de 2015, accompagné d’une collaboration avec Drake, ‘What A Time To Be Alive’. À d’autres moments, cependant, la grandiloquence, la vantardise et le manque de contrôle de la qualité peuvent être difficiles à avaler – prenez l’exemple de la collaboration avec Juice WRLD « WRLD On Drugs » qui a suscité la discorde.

Y a quoi sous le capot de I Never Liked You, le nouvel album de Future en 2022 ?

I Never Liked You fait suite à une pause dans la discographie de l’artiste – son premier album studio complet en deux ans, et il y a même des rumeurs d’une suite mystérieuse et rapide qui se cache dans le fond.

16 titres, la longueur de chaque chanson est réduite au minimum, ce qui donne au disque un caractère urgent. En conséquence, l’ouverture est frénétique : « 712PM » et « I’M THAT N***A » sont des retours fracassants dans l’arène, un formidable une-deux qui résume Future dans ce qu’il a de plus illicite et de plus enivrant.

« GOLD STACKS » est une entrée puissante dans la section médiane, avec des mesures incisives assorties d’effets de studio sur des rythmes trap. « HOLY GHOST » offre des éléments d’introversion, un thème repris sur « LOVE YOU BETTER » et ses paroles de regret.

Pourtant, il y a un manque de concentration dans le nouvel album de Future I Never Liked You. Après l’intensité des premiers morceaux, le rythme ralentit, et les invités ne sont pas utilisés efficacement. Drake faisant référence à Lionel Messi tombe à plat, tandis que Gunna et Young Thug ne peuvent pas sauver l’oubliable « FOR A NUT ».

Cela dit, il y a toujours des filons d’or dans le travail de Future. Le sinistre, sombre et paranoïaque « KEEP IT BURNING » se vante d’un featuring féroce de Kanye West ; dans la foulée du travail de Ye sur le nouveau disque de Pusha T, c’est un signe que, malgré les gros titres, il ne faut jamais oublier Yeezy.

Il y a une curieuse ironie à ce que Future termine l’album avec « BACK TO THE BASICS ». Le côté punk, le manque de respect pour les normes qui a poussé le style de Future à l’avant-scène entre 2014 et 2016, se sent bridé ici, sur un album qui semble étouffé par son propre catalogue.

Notre avis sur le nouvel album de Future, I Never Liked You ? Ce n’est pas un mauvais disque – les points culminants justifient amplement votre entrée – mais avec une rumeur de suivi en cours, il est peut-être temps pour Future de briser quelques-unes de ses propres règles une fois de plus.

Ecoutez ici I Never Liked You de Future

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Nouvel album de Rammstein en 2022 – Zeit

Avec la sortie du nouvel album de Rammstein, Zeit, les fans du groupe de hard rock berlinois savent qu’ils doivent s’attendre à l’inattendu. Le groupe prend généralement des années pour enregistrer et sortir de nouveaux titres. Par exemple, une décennie s’est écoulée entre le sixième album Liebe its für alle da et le septième, éponyme. Cette fois-ci, Rammstein a enregistré son huitième album, Zeit, à peine trois ans plus tard.

Le groupe est une force sur laquelle il faut compter malgré la barrière de la langue. Ses concerts sont sa véritable carte de visite. Le groupe a vendu plus d’un million de billets lors d’une vingtaine de concerts dans le monde entier, remplissant les stades de la planète avec des sets industriels enflammés et apocalyptiques.

Le huitième et nouvel album de Rammstein Zeit se situe parfaitement entre le conventionnel et l’inattendu. Tous les éléments sont là – les riffs de guitare croustillants, les rythmes endiablés et le métal orchestral dramatique. Mais l’inverse est également présent : une intimité lente et menaçante qui se développe jusqu’aux moments les plus forts de l’album.

Y a quoi sous le capot de Zeit, le nouvel album de Rammstein en 2022 ?

Le nouvel album de Rammstein s’ouvre sur « Armee Der Tristen », qui se traduit par « L’armée de l’épouvante », qui donne immédiatement le ton, des riffs de guitare entraînants aux synthés sous-jacents qui complètent ce mur du son. « Marchons au pas contre le bonheur », chante Till Lindemann. Bien qu’il ait presque 60 ans, le chant de Lindemann reste aussi fort que jamais, délivrant une basse déchirante.

Ce qui est impressionnant avec Rammstein, du moins pour l’auditeur moyen, c’est que le contexte lyrique exact d’un morceau n’est pas nécessairement un prérequis. Le son du groupe est si musicalement évocateur qu’il est possible de peindre son propre portrait du message d’une chanson donnée à partir de l’ambiance musicale qui l’entoure.

La chanson titre commence d’ailleurs sur une note très calme. Lindemann chante avec un simple accompagnement de piano et juste un léger soupçon de cordes. Au fur et à mesure qu’il se construit, le drame s’installe, conduisant la chanson crescendo dans une attaque palpitante menée par le chœur avant de retomber dans le calme.

« Schwarz » (« Noir ») continue sur le même chemin de rocker sombre et discret. Le titre s’ouvre sur un grunge mid-tempo sombre avant de se transformer en un rock mélodique lourd et planant. De nombreuses chansons du nouvel album de Rammstein Zeit fusionnent des riffs de guitare lourds avec du piano, créant un exercice de contraste qui permet de transmettre le message musical avec succès.

« Giftig » (« Poison ») change complètement d’ambiance, en déroulant un rock industriel chargé de riffs et sans arrière-pensée. Il offre encore quelques synthés spatiaux et des superpositions opératiques, mais pour l’essentiel, il réussit dans sa puissance brute. Ensuite, il y a le rocker tout aussi entraînant « Zick Zock » (pensez au tic-tac d’une horloge).

Compte tenu de la propension du groupe à jouer sur scène, il est facile d’imaginer une grande partie de Zeit en train de se déchaîner sur scène. « OK » s’appuie sur la férocité musicale pour laquelle les fans ont appris à connaître le groupe.

La lourde ballade « Meine Tränen » (« Mes larmes ») est un morceau émotionnel qui évoque une relation mère/fils qui a mal tourné. « Angst » fait mouche en délivrant la lourdeur caractéristique de Rammstein, tout en faisant appel à sa sensibilité cinématographique.

Lindemann pousse son chant à la limite, s’aventurant même sur le terrain du cri. « Dicke Titten » (« Gros seins ») commence différemment, avec un jingle presque cartoonesque avant que les instruments ne se mettent en marche.

De même, « Lügen » (« Mensonge ») ressemble à un conte de fées infernal avant que les riffs et les rythmes ne se mettent en marche. L’album se termine par « Adieu » qui dit littéralement adieu au disque tout en mélangeant les éléments des chansons précédentes en un dernier message.

Notre avis sur le nouvel album de Rammstein ? L’attente aura valu le coup pour les fans de la première heure. Rammnstein fait du Rammstein et ne déstabilisera pas sa fan base. Zeit reste un très bon album de métal et fera sans doute sa place parmi les meilleurs albums de Rammstein au fil des ans.

Ecoutez ici Zeit de Rammstein

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